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Tony Takitani (2005)


Viviendo en melancolía
Por Master of Hate

Basada en el relato de Haruki Murakami, esta película despliega una sensibilidad pocas veces vista en la pantalla grande. Diálogos lentos, pausados, escenas que parecen moldeadas por la música y rodadas con la delicadeza de un verdadero artista. El realizador Jun Ichikawa captura en esta película momentos únicos de gran emotividad.

El trabajo de Jun Ichikawa, a excepción de esta, su última película, me es desconocido. Tiene a su haber varios filmes, pero es una pena que no haya tenido la oportunidad de ver ninguno. En cuando a “Tony Takitani” ciertamente me ha gustado, pero ignoraba que se trata de la adaptación de una popular novela japonesa. Por este motivo me parecía una pena no poder brindar una opinión mas completa tomando como referencia la novela misma.

La vida a veces da oído a mis peticiones (que pena que no siempre sea así) y gracias a ello es que he podido contar con la opinión de Kayo, ferviente admiradora de Haruki Murakami. que me comento lo siguiente:

“Al parecer la adaptación es muy acertada y rescata la mayoría de puntos importantes de la historia, obviamente se deja algunas cosas, pero en general, el director parece haber sido capaz de trasmitir exitosamente esa mirada hacia la soledad, y la permanente melancolía que se respira en la novela. Además, logra explorar el personaje central Tony Takitani (Issei Ogata) de forma intensa y profunda. Trasmite sus sentimientos de una manera accesible para el público, sin necesidad de alterar el perfil del personaje”

La vida de Tony es el objeto central de la narración. Tomando primero un poco de su niñez, nos centramos de lleno en su etapa adulta, en la que experimenta una mezcla constante de soledad y desconcierto. Tony se enamora de una mujer mucho más joven, quien le devuelve, la juventud y las ganas de vivir de nuevo a su vida. Posteriormente, ocurren una seria de acontecimientos, que revelan el perfil oculto y obsesivo de su joven esposa interpretada por Rie Miyazawa. Todo deriva en una extraña atmósfera, cautivante pero melancólica a la vez.

Tony Takitani es una cinta muy especial, brillante y misteriosa, que explora el miedo a la soledad, los excesos, la simpleza y la complejidad del ser humano. Es muy difícil no dejarse llevar por su melancólica trama, y sentirse indiferente ante un personaje que se muestra tan real. Una película que sin duda merece una consideración muy especial.

Election (2005)


Democracia en la Triada
Por KeNJi-KuN

Ha llegado la hora, como sucede cada dos años, para los miembros mayores de la más vieja tríada de Hong Kong –la Wo Shing Society– de elegir a su nuevo presidente. Las rivalidades feroces emergen entre los dos candidatos a hacerse con el cargo. Lok es el favorito para ganar, pero su rival, Big D, no se detendrá ante nada para que eso cambie, incluyendo ir en contra de años de tradición e influenciar el voto con el dinero y la violencia. Una lucha por el poder que amenaza con partir a la tríada en dos.

Antes de comenzar a relatar los defectos y virtudes del film debo comentar que no soy una de las personas mas indicadas para tratar, no esta crítica, sino el cine de Johnnie To, ya que solo he disfrutado aparte de esta “Election”, de su “Throw Down” y de algun film en que su única labor recaía en la producción. Aún así bajo mi punto de vista no se trata de un realizador común, así que podría hablar casi de un “estilo To”, aunque no en dimensiones tales a las que se puede aludir a un estilo Kitano, Ki-Duk o Kar-Wai. El hongkonés narra con brío, fuerza y gusto por el detalle. Una interesante mezcla de cine comercial y cine de autor, con algunos detalles y escenas extremadamente interesantes.

En concreto, en “Election”, To demuestra, por un lado, que sabe donde colocar y como mover la cámara; por otra parte, demuestra dominio de los tiempos y un ritmo narrativo del que destacaría la sabía reserva y colocación en el espacio temporal de los elementos, lo que otorga dinamismo a la película y hace que no decaiga el interés en ningún momento. “Election” no es un film que huela a director novato, su condensación, solidez y sobriedad con la que está realizada apesta a perro viejo tras la cámara, y Johnnie To lo es. Técnicamente el film es notable en todos sus aspectos, la música cuanto menos llamativa al igual que ocurría en “Throw Down”.

Destacar el realismo con el que todo se plantea, se cuenta y se muestra durante el metraje y la violencia de algunas de sus escenas. Se nota la documentación de primera mano con propios integrantes e incluso un Jefe de la Triada. Su éxito y buena acogida han propiciado que en la actualidad y tras terminar su nuevo proyecto, se inicia la preparación de su secuela. Un referente en el cine de Triadas y quizás dentro de algunos años un clásico moderno del cine negro.

Ichi the Killer (2001)


Un golpe a los sentidos
Por Squareta

Amado por muchos y odiados por otros tantos, lo cierto que es que Takashi Miike siempre nos sorprende con sus películas, cada cual más bizarra o sanguinaria.
En Ichi the Killer, el líder de una banda de yakuzas ha desaparecido. Sus más fieles colaboradores, liderados por Kakihara, iniciarán una búsqueda por toda la ciudad, sin dudar en utilizar cualquier método para su cometido.

Basado en el manga homónimo y ultra-violento de Hideo Yamamoto, Ichi the Killer es un film al que no le falta originalidad.
Los personajes principales son, por lo menos, espectaculares: Kakihara es un sádico y masoquista al extremo e Ichi, el matón más perdedor del mundo, es un asesino traumado y sexualmente pervertido. Si a esto le agregamos los personajes secundarios, además de una buena historia, con un ritmo manejado desde el principio hasta su gran final, nos da una película que ha sido creada con el propósito de no dejar al espectador indiferente… y demás está decir que lo logra.

Eso sí, no hay que olvidar que el motor principal de la cinta es la sangre en exceso. Aunque nunca llega al nivel del gore underground, tiene algunas escenas más que fuertes como las torturas, las auto-torturas y las matanzas, lo que la hace una película no apta para todos los gustos y más de alguien la puede encontrar desagradable. Sin embargo la gran mayoría, en la que me incluyo, la considerará como una cinta excelente, con una sorprendente puesta de escena y a la que no le faltarán sus pequeñas dosis de humor, que te harán reír culpablemente.

Pues se trata de una obra de arte, con algunos momentos moralmente discutibles, pero que ya sea para bien o para mal, no hay que perderse por ningún motivo. Para mentes desprejuiciadas y corazones fuertes.

Spring, Summer, Fall, Winter... and Spring (2003)


Un mundo de simbolismos
Por Master of Hate

A veces me pregunto hasta donde llega la innovación y originalidad de los directores contemporáneos, y al decir esto, me refiero en particular a Corea del Sur, pues al parecer de aquí están surgiendo cineastas capaces de cosas inimaginables. Kim Ki-duk bien podría ser considerado uno de los mas importantes genios del cine contemporáneo, que no se limita ha hacer películas, si no que mas bien, a crear un desfile de “poesía en imágenes”. No se puede pensar de otra forma después de ver una película como “Spring, Summer, Fall, Winter... and Spring” que es la antitesis de la industria cinematográfica de hoy, y sin embargo ha sido un producto exportable, con una excelente acogida.

Kim ki-duk se las ingenia para dirigir la atención del público a un nuevo concepto de ideas, que se desvinculan de los terrenos habitualmente explorados. En “Spring, Summer, Fall, Winter... and Spring” los simbolismos van mas allá de ser representativos o importantes, y se maximiza su valor hasta ser el hilo conductor primordial de todo el contenido. Se dejan muy aparte las formas narrativas de siempre, trazando un nuevo esquema para dirigir el mensaje a la audiencia.

El cambio de las estaciones se toma como un símil de las etapas de una vida, por ese motivo, todo cuanto vemos esta impregnado de simbolismos y de personajes con un perfil colectivo, que a su vez, forman parte del proceso más importante en la vida del ser humano. Esta idea se basa en un uso coherente del tiempo como un ciclo natural para el hombre como especie, más no como ser individual.

La intención del director es muy concisa pero difícil en ejecución, sumado a esto, hay que tomar en cuenta que el uso de diálogos es tan limitado que podríamos contar las líneas pronunciadas con la palma de la mano. Con todo esto, el resultado parece un verdadero retrato artístico de la vida.

El escenario es prácticamente el mismo de principio a fin. El efecto de esto es fascinante, dando la impresión de que en vez de ver los lugares como piezas que simplemente adornan el panorama, o sirven de motor para las acciones, viéramos un pequeño mundo perpetuado a través de sitios comunes. Este mundo pareciera atar a los personajes y causar un influjo místico e invisible sobre ellos. Este limitado espacio de interacción de ninguna manera sugiere la imposición de un límite en la proyección de paisajes y lugares aledaños, por el contrario, los aspectos visuales son los más destacados en todo momento. Contrario a lo que cabria esperar, nace un sentimiento de libertad y sosiego donde la espiritualidad colma a los impulsos de la mente.

Refiriéndome al contenido, no se si usar el termino “historia” al hablar de este, pues me parece mucho mas acertado hablar de una “representación”, de todas formas este formato, tan poco convencional, va mas allá de resultar convincente o satisfactorio. La simbiosis entre naturaleza y hombre se consigue, haciéndola efectiva como parte de una magistral ejecución

Cautivante, realista, mágico, emotivo; ese es el cine de Kim ki-duk que ha sido el creador de esta gran joya cinematográfica. Casi doy por hecho que al final lo más probable es que todos terminen enfrascados en una profunda reflexión, lo cual seria una prueba más que contundente del impacto que tiene esta película sobre el público. Este es el resultado del cine cuando se fusiona con la maravilla.

Como curiosidad, hago notar la aparición del mismo Kim-Ki-duk como parte del elenco.

Public Enemy (2002)


Un policía diferente
Por Fingolfin

Woo-Suk Kang nos trae una entretenida película con un cartel de actores que actúa por encima de lo que se esperaba. En el papel protagónico tenemos a Kyung-gu Sol (actor que al año siguiente volvería a colaborar con el director en “Silmido”), y el malo está representado por Sung-jae Lee (“Art Museum by the Zoo”). Hace poco que sacaron la segunda parte con el titulo inglés de “Another Public Enemy”, y como de costumbre las valoraciones han sido menores.

El detective Kang es un policía corrupto que acepta sobornos, hace negocios con la mafia, tiene relaciones con drogas…vamos, que no le falta de nada. Por otro lado Kyu-hwan es un inversor rico que responde ante cualquier tipo de problema con la más salvaje y fría violencia. Las situaciones y encontronazos más comunes de la sociedad se convierten para ambos en motivos de pelea. Llegará el momento en el que se encuentren en las más inverosímiles circunstancias y a partir de ahí no será tan importante el crimen como los motivos personales.

Sung-jae Lee (Kyu-hwan) puede llegar a recordar el papel de Woo-jin en “Old-Boy”, evidentemente no en cuanto a la calidad de interpretación, sino a la forma. Ambos son personajes con una frialdad apabullante, no tienen remordimientos a la hora de actuar, y sus rostros permanecen siempre impasibles. En esa forma de actuar del asesino, y la forma de resolver los problemas del policía, se nos abrirá una buena comedia con algunos golpes de humor muy buenos, y sin descuidar el argumento en ningún momento.

Conocemos al asesino desde el principio, así que la dificultad del caso radica en encontrar desesperadamente las pruebas que le impliquen. Se da lugar así a una mezcla de detectives, investigación, crimen, acción y comedia, muy lograda que hacen de ésta una película tan buena como entretenida. Esperemos que la segunda parte esté a la altura.

Marriage is a Crazy Thing (2002)


I’m Crazy
Por Master of Hate

Del director de “Once Upon a Time in High School” que a mi parecer fue una de las mejores películas del 2004, tenemos el largometraje “Marriage is a Crazy Thing” que se estreno en el 2002, obteniendo buenas criticas y notable recaudación. Ha Yu parece saber siempre lo que hace, demostrando un control y dominio abrumador sobre contenido de sus películas; ciertamente ese es el trabajo de un buen director, pero no siempre el resultado es tan satisfactorio. Este ingenioso director (y poeta) es capaz de moldear, mutar, fusionar géneros y personajes. He aquí la prueba más veraz y contundente de su notable guante de seda en la dirección.

Que no nos engañe el título, esto no es una comedia, es un drama con letras mayúsculas. La idea que nos plantea Ha Yu esta algo camuflada, pero esto es exactamente lo que consigue calar hondo en el espectador, ya que nos orilla a darle mente luego de su visionado.

La narración se da bajo la perspectiva de Jun-young (Kam Woo-seong) quien de entrada se muestra como un ser de hierro, frió, calculador, practico y hasta cierto punto honesto en sus intenciones. Un amigo de Jun-young, le arregla una cita a ciegas con Yeon-hee (Eom Jeong-hwa). Esta cita es poco prometedora, ambos se muestran apáticos y poco entusiasmados; hablando de tópicos triviales y sin profundidad. Pero para que ir con una mascara de frente, si la diversión de verdad esta en una noche de sexo y pasión. Todo empieza como un juego, Jun-young no cree en el matrimonio, o al menos parece estar totalmente convencido de que no es lo suyo. Yeon-hee se ve desalentada por esta actitud, pero decide seguir su espera.

Jun-young tiene las cosas claras y sabe que su relación con Yeon-hee es meramente carnal, no cambia su parecer, e incluso la alienta a casarse con alguien que le brinde la estabilidad económica que el jamás le podría ofrecer. Efectivamente, Yeon-hee se casa con un prestigioso y solvente doctor y parece que sus días de pasión han terminado, pero desde ese primer encuentro hasta el día del adiós, algo discurre en el camino.

Es sumamente complicado tratar de explicar y desvelar todas cosas que se ocultan en esta película, principalmente porque el lento, constante, y silencioso cambio emocional de personajes tiene una gran relevancia, son ellos el foco de atención primario en todo momento, y pese a esto, es difícil percibir los cambios tan evidentes que sufren hacia el final. En el caso de Yeon-hee, más que un cambio, podemos hablar de su adaptación a las circunstancias, y por parte de Jun-young, el conflicto entre su miserable realidad y su resquebrajada filosofía.

Las actuaciones, fotografía, música y todo lo que quieran agregarle a la lista, es de primera. Sin duda Ha Yu es un cineasta que hay que tener muy en cuenta, sus películas son un visionado obligado para el amante del cine de calidad.

Lagaan (2001)


Fábula, romance y música
Por Casandra

Esta película dirigida por Ashutosh Gowarikar, remake del film del mismo nombre que en el año 1971 dirigió Ramanna (I), atraviesa temáticas disímiles como el conflicto político de la India durante el periodo en que fue colonia; problemáticas sociales como la diferenciación que impone el sistema de castas o la relación entre distintas religiones, y un triángulo amoroso, aunados por el desafío deportivo que funciona como puntapié inicial para reconocer la moraleja de esta fábula, aquella que afirma que “la unión hace la fuerza”.

El término “lagaan” designa el impuesto que los granjeros de la India debían pagar a los colonizadores británicos a cambio de la protección militar. La historia se sitúa en 1893 y narra el enfrentamiento entre los habitantes de la aldea de Champaner y los ingleses residentes en ese lugar. Enfrentamiento planteado en términos deportivos, gracias a la apuesta que moviliza la trama: un juego de críquet decidirá la suerte de los granjeros, que deberán pagar el impuesto por triplicado en caso de perder, o bien estarán librados del pago en caso de ganar.

“Lagaan” es un film de gran presupuesto, representante del género Masala, y combina la figura del héroe, el conflicto amoroso, los números musicales apoyados en el canto y la danza con la espectacularidad del vestuario y de la puesta en escena. Los escenarios reconstruyen la época y el vestuario permite juegos cromáticos y simbólicos entre los personajes.

Aamir Khan, superestrella del cine de Bollywood y miembro de una renombrada familia de actores, es además productor de la película. Khan y Gracy Singh ofrecen excelentes actuaciones, confiriendo carisma y brillo a sus personajes.

Crying out love in the center of the world (2004)


Reviviendo la nostalgia
Por KeNJi-KuN

Sakutaru y Ritsuko están a punto de casarse. En medio de una noche de tormenta, Ritsuko desaparecerá. La casualidad provocará que Sakutaru la localice en la población en la que ambos se criaron reencontrándose con aquellos viejos fantasmas de su juventud, su desdichada relación con la malograda Aki.

"Sekai no chushin de ai wo sakebu" está basado en un best-seller de Kyoichi Katayama publicado en el 2001 y que con mas de 3'2 millones de copias vendidas desde entonces ocupa una tercera posición entre los libros mas vendidos de la historia de Japón. Si añadimos que fue todo un fenómeno en su versión “dorama” y que incluso el tema que hacía las veces de opening ocupó el Nº1 de las listas japonesas no sonará extraño que hablemos del film nipón más visto de 2004, eso si, con el permiso de "Howl's moving castle" del maestro Miyazaki. Y por si fuera poco se ultiman los detalles de su remake koreano.

Como director de la orquesta tenemos al reconocido Isao Yukisada (triunfador de los premios del país 3 años atrás con “GO”), y dando la cara por los personajes a Takao Osawa (“Sky high”) y Kou Shibasaki (“Yomigaeri”). Sobra decir que nos ofrecerán ni más ni menos que un trabajo a la altura de la expectación que sus nombres crean. Bien, sobra con ver el título de la obra para darnos cuenta que nos enfrentamos a un melodrama con mayúsculas, el cual lo que se dice conmover conmueve, y en dosis bastante elevadas, eso si, no debe ser demasiado complicado conseguirlo después de emplear más de la mitad de las algo más de dos horas que conforman la cinta en presentar a los personajes; con esta formula hasta el ser mas despreciable puede volverse entrañable.

En este sentido Yukisada manipula en cierta medida al espectador, pero ¿no hacía Chan-Wook lo propio en Old Boy sin desmerecer un ápice su resultado? (Me veo en la obligación de pronunciar un sí al respecto). Por tales motivos se puede tachar al film de tramposo y además se le puede achacar la falta de originalidad en un género que se sabe de antemano que vende en Asia.

Pese a las connotaciones negativas que se plantean en esta crítica, no debemos llevarnos a engaño: “Crying out love, in the center of the world” es uno de los mejores films que se produjeron durante el 2004 y como tal su visionado se convierte en una opción altamente recomendable.

Sympathy for Lady Vengeance (2005)


La Venganza Final
Por Master of Hate

Probablemente la película más esperada de este año, y no es para menos, pues representa el regreso de Park Chan-wook que termina su trilogía con “Sympathy for Lady Vengeance”. Quizás no es hasta ahora que lo pienso, pero es evidente que la presión no iba a ser poca, puesto que con “Oldboy” Park Chan-wook parecía alcanzar el epitome de su carrera como cineasta. Lady Venganza es más que nada, un reto que ofrece pocas salidas. En primer lugar, podemos decir que superar “Oldboy” era algo que de antemano se veía como una empresa casi imposible, así que lo que quedaba era realizar un filme a la altura de las circunstancias, que sea digno de cerrar este ciclo, que se inicia en el 2002 con “Sympathy for Mr Vengeance”. Mirándolo de esta forma podemos apreciar las cosas de manera mas clara y hablar de un balance favorable.

Las comparaciones con “Oldboy” y “Sympathy for Mr Vengeance” son inevitables, y mas que inevitables, son necesarias, ya que Lady Venganza vista de forma racional, toma aspectos de suma importancia de ambos filmes y los fusiona creando una especie de enlace. Organizándolo de este modo Lady Venganza pudo bien ser la continuación de Mr Venganza y luego Oldboy haber sido la parte final. Al decir esto, no sugiero que hubiese resultado mas apropiado, ya que de haber tenido tal orden, todo hubiera resultado demasiado paralelo, como un camino que solo va en un sentido y no hay vuelta atrás. Lo que ha hecho Park Chan-wook es moverse de un extremo a otro y luego situarse en medio de estos polos.

En “Sympathy for Mr Vengeance” tenemos una historia que se asemeja una mecha que se va consumiendo poco a poco; somos testigos de un desenlace basado en las situaciones de acto y consecuencia que se da durante toda la película. El suspenso se añade a cuentagotas, resulta bastante seco, por el poco énfasis de la música. La primera mitad que resulta especialmente lenta, y hasta desesperante, posteriormente la tensión es elevada a niveles más discretos.

En “Oldboy” vivimos todo intensamente, con la intriga de principio a fin, con dosis constantes de acción y de suspenso que desembocan en uno de los finales más impactantes que se hayan creado en el cine. El estilo que tiene Oldboy lo convierte en una especie de explosivo muy volátil, que se maneja vertiginosamente, ocultando hasta el momento cúspide la clave de toda la trama.

Simpatía por Lady Venganza se ubica estratégicamente a medio camino de las 2. En primer lugar, se decanta por no escondernos demasiado, lo poco que se torna en intriga es casi inmediatamente revelado, las pistas son suficientes como para que podamos seguir cada suceso sin mayor complicación, por este lado, no intenta emular a “Oldboy” y mas bien prefiere seguir un camino mas accesible y descongestionado. Por otra parte, gana mucho por la intensidad de las escenas, y la música, que a su vez, le otorga el equilibrio ideal. No tenemos ese momento de shock de Oldboy, pero tampoco la pasividad de Mr Venganza.

Algo que no puede quedar fuera de discusión, es la elección de un personaje femenino como protagonista. La venganza vista a través de sus ojos pretende explorar otro entorno y otra visión sobre esta. No es tan egoísta ni obedece exclusivamente al hecho de querer hacer pagar un crimen, si no también se trata de enmendar el propio. De esta forma, no todo se limita a la venganza, porque también hay un lado muy emotivo, que acertadamente se logra conseguir a través de una heroína como Geum-ja.

Park Chan-wook sabia bien lo que quería y lo ha conseguido. Una historia con un balance excepcional, que bebe de sus predecesoras y que mantiene sus artilugios preferidos. El filme no esta carente de sus ratos de humor negro, de su violencia, de su impactante contenido visual y escenas atrevidas y deslumbrantes. Park Chan-wook no se pone limites a si mismo, ni crea barrera alguna, llega a donde se tiene que llegar. La trama es muy acertada, una mezcla de todo. Por un lado tenemos el encarcelamiento de Geum-ja (Lee Yeong-ae) durante 13 años, y por otro la idea de los secuestros de niños a cambio de dinero. La aparición de personajes de las sagas anteriores, y hasta algún dialogo que nos debería sonar familiar.

Geum-ja ha salido de la prisión luego de pagar una condena de 13 años, los mismos que se tornan en una venganza a largo plazo, que se ejecuta poco a poco. La complejidad es descomunal, pero la determinación marca la pauta que desafía lo improbable. Mr. Baek (Min-sik) culpable de crímenes atroces, esta por ser victima de una sanguinaria, pero justa venganza de carácter colectivo. Geum-ja al mismo tiempo que lleva a cabo esta venganza, intenta recuperar el cariño de su hija.

Park Chan-wook es hoy en día, (y esto no es novedad) uno de los abanderados del cine coreano, que pone fin a su impactante trilogía de la venganza con una producción cuya calidad no puede ser cuestionada. La evaluación final es simplemente cuestión de gustos, quedando a consideración del público la preferida de la saga. Personalmente yo las ubicaría por orden de aparición.

Cello (2005)


Sonidos aterradores
Por Squareta

Tanto Mi-Ju como el resto de su familia parecieran ser atormentados por algo. Al mismo tiempo, el chelo sonará con una escalofriante melodía ¿Qué pasa con este instrumento? Es la pregunta que se nos vendrá a la mente.

Cello es la original propuesta del novato director Lee Wu-Cheol, quien a pesar de tener una buena historia no supo aprovecharla.
Durante su transcurso, el que a ratos se vuelve algo lento, nos mostrarán una serie de hechos que permitirán descubrir algunos secretos y también aclarar las dudas surgidas, todo esto para llevarnos al inquietante final, quizás la parte más viva de todo el film.

Tal como su nombre lo puede predecir, esta película prefiere asustarnos más a través del oído que a través de los ojos, dando como resultado escenas no muy elaboradas visualmente pero que cuentan con un terrorífico sonido. Sin embargo, si dejamos de lado las escenas de susto podremos apreciar el otro lado de la película: un drama familiar. Y aunque se mueva entre el drama psicológico y el horror no decide quedarse en ninguno de los dos lados, razón por la cual no es destacable en ninguno de esos aspectos.

Si se hubiese enfocado más en uno de los dos géneros de seguro mi valoración habría sido mejor. Personalmente pienso que Cello es una muestra de lo bajo que podemos caer cuando nos sentimos derrotados (con sus obvias consecuencias) y que de paso pretende hacernos saltar de nuestro asiento. De cualquier forma, tiene momentos interesantes pero pese a su esfuerzo no alcanzará a catalogarse como una gran obra.

Tom Yum Goong (2005)


El regreso más esperado
Por Fingolfin

El hombre que impresionó al mundo con “Ong-Bak” vuelve tras dos interminables años de espera, para contraatacar los efectos de “Born to Fight”. Y con estas tres películas, Tailandia ha creado su propio estilo de artes marciales. Una supresión total del argumento en beneficio de la acción sin límites.

Si en “Ong-Bak” se robaba la cabeza de una estatua y Ting tenía que recuperarla, en “Tom Yum Goong” cambiamos “la cabeza de una estatua” por “un elefante” y ya tenemos nuestro resumen argumental.Evidentemente evitaré toda mención a la trama por la simple razón de que no merece la pena, pero solo diré que ya que saben de antemano que van hacer una película mala, por lo menos no deberían atormentar al espectador con veinte pesados minutos que tratan de dar dramatismo al robo de un elefante que no te va a importar en absoluto.

Internándonos en la acción tenemos lo de siempre, planos excelentes, buena música, fácil visualización, buenos movimientos de cámara y por supuesto, un Tony Jaa que supera una vez más todas nuestras expectativas. Su combate contra el hombre del capoeira es uno de los más espectaculares de los últimos tiempos y si tratamos de fijarnos en el escenario tendremos aun más puntos a favor. El fuego en su justa medida estableciendo un cerco alrededor de la sala, un templo destruido, un palmo de agua en el suelo, y el reflejo rojo que lo invade todo. El combate final por su parte, con el tiempo se convertirá en un video para las facultades de medicina titulado: “50 formas de romper una articulación”.

No ha decepcionado en absoluto a los que llevábamos meses esperando, sino que nos ha colmado de deleite. Una película que te dejara con la boca abierta una vez tras otra.

Marrying the Mafia 2 (2005)


Por si no tuvieron suficiente
Por Master of Hate

Creo que el mercado para las comedias de gángsteres esta pecando de repetitivo y quizás vaya siendo hora de que tomen un descanso, o al menos que empiecen ha hacer algo distinto. “Marrying the Mafia 2” es mas de lo mismo, no particularmente mala o buena, solo se me ocurre decir “otra de gangster”. En todo caso, cabe recordar que la primera parte de esta saga recaudo cifras extraordinarias, así que me atrevo a pensar que han querido sacarle provecho al nombre y hacerlo parecer una continuación, aunque de lejos se ve que no tienen nada que ver, salvo el ínfimo papel que tiene Jung Jun-ho en esta segunda parte, y que fue protagonista en la primera.

Mas allá de que haya cuarenta películas con trama similar, en la medida de lo posible, he tratado de calificarla en base a su comicidad y las actuaciones. No hay mucho que decir sobre la historia que se resume en un jefe de la mafia que se enamora de una fiscal de la policía, desembocando en una relación muy difícil. Shin Hyun-jun (“Bichunmoo”, “Guns & Talks”) y Kim Won-hie son la pareja en cuestión, que parece tener cierta química, pero están lejos de despertar esa chispa que es capaz de cautivar al espectador.

Amigos y amigas, a mi me gustan mucho las comedias, también las de gángsteres, pero así no hay manera de hablar bien de una película, puedo decir que me he llevado una decepción, pero ya sabia que el asunto no pintaba para mucho. Hay películas con un nivel decente como “My Wife is a Ganster”, “My Boss my Hero”, o la misma primera parte de “Marrying the Mafia” tienen algo que, aunque sepamos que son sencillas y no muy creativas, nos hacen disfrutar y pasar un buen rato. No ha sido este el caso.

Será mejor que den por terminada la saga (aunque algo me dice que no) porque en primer lugar nunca fue una continuación de la primera, además siguen confirmando el dicho popular que dice “segundas partes nunca fueron buenas”.

Los seguidores más fieles de este género pueden aventurarse a verla, pero seria muy sabio, que los demás la dejaran pasar.

Sword in the Moon (2003)


Rodando en las sombras
Por Fingolfin

Durante su filmografía, Ui-seok Kim ha pasado por distintas fases en cuanto al género de sus producciones. Comenzó con romances y comedias, y sus dos últimos films habían sido dramas sin demasiado éxito. Se interna ahora en uno de los campos más atrayentes del cine oriental: las artes marciales.

Una serie de asesinatos entre altos cargos de la nación tienen aterrados a todos los dirigentes tanto por su brutalidad como por su eficacia. Para tratar de solucionarlo encargan de la guardia de estas personalidades al mejor soldado con el que cuentan, Choi Ji-hwan. Los asesinatos continúan y ahora incluso se ve amenazada la vida del rey; la identidad de los asesinos sigue siendo un misterio que poco a poco se va desentrañando.

Esta película podría haber sido mucho más de lo que fue al final. Se presenta incluso como un thriller, la intriga y el carácter que se les da a los asesinatos es como un caso sin resolver del más típico cine policíaco. La identidad de los que lo mueven todo se conoce desde el principio, sin embargo la “mano ejecutora” es un misterio, y eso es lo que hace muy interesante el planteamiento del film. Este secreto se va poniendo al descubierto mediante flashbaks muy conseguidos cuyo tema central son las batallas (con enormes problemas de visualización que expondré a continuación). A partir de cierto punto se olvidan por completo de la historia que estaban haciendo para degenerar en una simple aventura de luchas que carece de buenas coreografías.

Es cierto que hay grandes diferencias entre el cine coreano y el chino o japonés en éste terreno. Las deficiencias mas habituales suelen ser con la manera de rodar los combates (caso de “Seven Swords”), pero también había dado resultados excelentes (“Bichunmoo” es una película memorable en todos los aspectos). En esta ocasión vemos (o para ser exactos NO vemos) unos movimientos de cámaras mas que lamentables durante la parte central del film, que quedan incluso eclipsados ante la excesiva oscuridad que en ocasiones nos priva incluso de saber quien está luchando. Solo al final podemos disfrutar de nuevo de aquello que esperábamos, con imágenes perfectamente controladas con cuatro hermosas piezas de la banda sonora.

Conclusión, vean la escena inicial y la final, y comiencen a preguntarse quien cogió las cámaras durante las escenas centrales. Prescindiendo de esos elementos, la historia está bastante bien, así que simplemente la dejo en “recomendable”.

Mob Sister (2005)


La imagen no es todo
Por Kudo

Al ver a tan buenos actores involucrados en este film presentía que me iba a llevar un gran gusto, pero como dicen, no todo lo que brilla es oro. Lamentablemente lo único que brilla en esta película es la imagen, una fotografía hermosa, grandes juegos de cámara, tomas brillantes, incluso un par de animaciones entre medio.

No entiendo como el director Wong ching Po (Jiang Hu) desplegó una gran cantidad de recursos técnicos y artísticos y se olvido de algo tan importante como la historia. Al parecer en un delirio, olvidó que éste era un film de triadas.

Gent (Eric Tsang) ha sido el jefe de la facción más poderosa de la mafia durante muchos años. Ahora alguien lo quiere ver muerto; su primera sospechosa es Nova (Karena Lam) su ex esposa, que juró matar a la hija adoptiva de éste. En este asunto Gent no está solo, con él están sus tres amigos: Buddy (Alex Fong), Chance (Simon Yam) y Whacko (Anthony Wong), que desde pequeños crecieron juntos en el mundo del hampa.

Muchas veces pedimos que venga un director y nos muestre algo distinto en los distintos géneros, pero siempre cuidando aspectos que son típicos de cada película. Aquí apenas se ven las balas y los muertos aparecen sólo en una masacre a punta de choques de autos (les dije que era original), pero no logra la sensación de una balacera.

El nivel de actuación no es lo que quisiéramos si nos detenemos a pensar sobre los buenos actores que participan, pero la culpa es de un guión pobremente desarrollado y una historia que difícilmente esta bien conectada, especialmente en los últimos minutos.

Como ya dije, la película merece ser vista sólo por su gran nivel artístico y un muy acorde soundtrack que acompaña a la perfección las bellas imágenes; aún no comprendo como el director de la intelectual y controversial "Fu Bo" se olvidara tan gran detalle: la historia.

47 Ronin (1994)


Asalto al castillo de Kira
Por Fingolfin

Quinta y hasta la fecha última versión de “47 Ronin”. Con distintos títulos debe ser otra de las películas de samuráis que mas veces han sido repetidas (1932, 1941, 1957, 1962 y ésta de 1994). Lo cierto es que los remakes hechos dentro del mismo país se ven seriamente afectados por sus predecesoras, y por un instinto (en ocasiones muy desafortunado) de adaptarlas al paso del tiempo y perfeccionarlas con las nuevas técnicas y medios disponibles. Eso sí, la historia debe quedar inalterada en todo lo posible respecto a su versión inicial. Uno de los motivos que obligan a ésta manera de hacer, es el espectador. Se debe partir de la base de que el espectador odia los remakes de películas que ya ha visto, y se muestra tanto exigente como intransigente a la hora de modificaciones respecto a la historia original.

¿Por qué ésta introducción? Si me pusiera en el lugar de los que la ven por primera vez desconociendo la historia, quizás haría una crítica totalmente distinta a la que tendríamos si hubiera visto las anteriores. Intentaré mantenerme neutral en todo momento.

Existen 3 tipos de películas de samuráis: las que apuestan por la historia y prescinden de la calidad de combate (algo así como “Twilight Samurai”), las que apuestan prioritariamente por los combates y dejan en un segundo plano el desarrollo argumental, y finalmente las que buscan el equilibrio (“Mibu Gishi Den” es un excelente ejemplo).
Aquí tenemos una del último tipo, la película comienza con el diseño de un plan, y mediante un flashbak sin retorno se explican los motivos y se continúa hasta el desenlace. Se presenta todo un desfile de personajes y cada uno va desarrollándose por sí solo, ayudándonos de esa forma a situarnos en el marco. La lentitud es bastante exagerada, quizás es un intento de mantener al espectador deseoso de que llegue el asalto y combate final.

Estamos en 1994, tampoco es que el desarrollo visual sea muy importante en ese momento, pero se notan los esfuerzos por mostrar las posibilidades que les brindan 30 años de diferencia con la anterior. Se juega sobretodo con la sangre, casi siempre exagerada, y sin embargo su afán de mantener una estética arcaica hace que las espadas no toquen los cuerpos de sus rivales descaradamente.

Habréis visto que he prescindido de una sinopsis. Mis razones son que la película se divide en 2 partes, plan y combate. Si desvelara cualquiera de los motivos de la primera parte, el espectador perdería todos los alicientes que le entretienen hasta la llegada del gran final. Aun así es una película bastante recomendable, y cuya mayor virtud son los escenarios perfectamente cuidados.

Bunshinsaba (2004)


Sin más pretensiones
Por Squareta

Unas colegialas, movidas en gran parte por la sed de venganza, deciden invocar a un espíritu para que “elimine sus problemas”. Pero quizás hará algo más que eso…quizás la venganza esté recién comenzando.

“Bunshinsaba” es el aterrador film de Ahn Byeong-Gi., director que se hizo famoso luego del gran éxito que tuvo “Phone”, su anterior obra. Aquí, usando algunas fórmulas más que conocidas creará una interesante historia, en donde los espíritus estarán presentes durante todo su transcurso.

La película nos muestra los sucesos que pasan en un instituto femenino, en el que la muerte pareciera ser una alumna más y de la extraña forma en que la gente del pueblo actúa ante éstos.
La primera parte de la cinta está llena de suspenso y cuenta con escenas bien escalofriantes, pero éstas y conforme avanza la película van a ir decayendo, pues al final se prefiere priorizar la historia (la que es muy triste por cierto), y se enfocará en atar todos los cabos sueltos. Eso sin desmerecer una de las últimas escenas, que es una de mis preferidas y en donde la sangre vuelve a salir en todo su esplendor.

Pero no solo se trata de una mujer de cabellera negra atacando a las jóvenes estudiantes pues en el fondo la película trata de la reacción de las personas ante la gente que es diferente, aunque siempre tratando el tema superficialmente, ya que este film, al igual que la gran mayoría de los de este género, solo tiene como pretensión asustar.

Tienes buenas escenas y además una trama coherente (las muertes no son porque sí), pero quizás no aporte más que eso. Cumple con responderle al público y es recomendable para ver sin mayores expectativas.

Dead Friend (2004)


Un poco más de lo mismo
Por Squareta

Corea del Sur nos sigue trayendo películas de horror, esta vez a cargo de Tae-kyeong Kim, quien nos presenta su primer film.

Ji-won es una joven que sufre de amnesia y que quiere irse a otra ciudad para comenzar de nuevo. Pero se encontrará con problemas, pues pronto algunas muchachas comenzarán a morir en extrañas circunstancias que tendrían que ver con el pasado de ella.

Lo interesante de esta cinta es tratar de averiguar qué es lo que está pasando, o mejor dicho, ¿Qué pasó? y aunque la protagonista estará todo el film tratando de buscar una respuesta a estas preguntas, en ningún momento se perderá la tensión, cosa que hay que destacar.
La historia en general está bien manejada y cuenta con los típicos giros que pueden enredarnos un poco. Tanto el ambiente oscuro como el sonido son factores que ayudarán a crear una atmósfera perfecta.
En el ámbito del terror me pareció eficiente y recurriendo al “susto fácil”, logra unas escenas bien terroríficas.

Aunque a mí no me terminó de convencer pero sólo por una razón: No le encontré nada innovador. Y si bien es cada vez más difícil sacar una película fresca, en este caso son demasiado obvias las referencias.

En fin, “Dead Friend” no aporta nada novedoso, pero aún así será del agrado para los amantes del género. Y si lo que buscan es asustarse sin importar la falta de originalidad, esta película les va a convencer.

Como dato extra debo mencionar que “Dead Friend” pronto tendrá su versión americana, pues Dimension Films ya compró sus derechos…y así, los remakes continúan.

Mapado (2005)


Una isla carente de todo
Por Master of Hate

Primer trabajo del director Chu Chang-min, que sacudió con fuerza las taquillas coreanas el presente año. Pues bien, quiero ir directo al grano. He sido presa de la duda y ha quedado en evidencia que mi satisfacción seguía dormida en el momento de ver aparecer los créditos finales. ¿Eso fue todo? ¿No hay nada mas? las preguntas inmediatas. Cuando algo no te gusta, no queda más que resignarse y seguir.

Una chica decide escapar, llevándose consigo un premio millonario de lotería que no le pertenece. Un policía corrupto y un exconvicto, tienen la misión de encontrar a la chica y devolver el premio. Todo indica que ella está escondida en una misteriosa isla; a su arribo, nuestros protagonistas, se encuentran con un grupo de abuelitas que viven solas en la isla y que no han visto un hombre en 20 años.

La idea no ha sido mala, es más, me ha sonado muy interesante, distinta a lo que se venia viendo últimamente, pero en cuestión de películas no vale con tener tan solo buenas ideas. ¿Qué es lo que ha fallado? Pienso que ha fallado de todo un poco. Lee Jeong-jin y Lee Mun-shik (el exconvicto y el policia) quizás no dieron la talla para los papeles que les fueron encomendados, aunque, en realidad ninguna de las actuaciones es memorable. Por otro lado, hay varios personajes que tienen mucha relevancia, quizás demasiada, y por eso termínanos sin interés en ninguno en particular. Se pierde mucho en escenas innecesarias, chistes forzados, y una historia que no va a ninguna parte. El final queda para el olvido.

Supongo que la pregunta será ¿Tan mala es? Admito que me he ensañado con esta película, pero solo si esta fuese la primera comedia que veo en mi vida, podría haber sido más considerado.

Hay una pila de cintas que nos pueden causar risas al por mayor, pero entre ellas, estoy seguro de que no figura ninguna llamada “Mapado”.

King of Comedy (1999)


Stephen Chow es el rey
Por Kudo

Wan Tin Sau (Stephen Chow) siempre ha soñado con ser un actor reconocido; así que comienza como extra, aunque su verdadero trabajo es ser el cuidador del Centro Comunitario. Pero como se tiene fe, también le enseña actuación a pintorescos personajes para sus propios negocios, desde las chicas de un bar hasta unos matones de poca monta.

Otra vez tuve la suerte de ver una película dirigida por Chow; éste a mi opinión, es el mejor de sus trabajos (sin desmerecer las geniales “Shaolin Soccer” y “Kung Fu Hustle”) en donde se mezclan perfectamente comedia, romance y drama. Desde el comienzo hasta el final nos encontramos con un film realmente entretenido, con momentos que no puedes parar de reír, como la escena del ensayo ante los productores. Ya al comenzar la película nos topamos con una gran parodia a “The Killer” y un cameo de Jackie Chan.

También cabe destacar la buena actuación de Cecilia Cheung (que aquí hace su debut actoral) como Piu Piu, una dama de compañía de un bar; y la correcta actuación de Karen Mok como la megaestrella Cuckoo To. Todos los aspectos de la película están muy bien trabajados, desde la actuación hasta la historia que a momentos es totalmente hilarante y al siguiente verdaderamente dramático.

Especialmente para todos los que rayaron con “Shaolin Soccer” y los que creen que el cine chino es sólo balas y patadas. Aquí tendrán la posibilidad de admirar lo que el sr. Chow tiene para el mundo.

Marrying The Mafia (2002)


¡Porque tú también tienes derecho a elegir!
Por Master of Hate

¿Qué harías si un día te despiertas y encuentras junto a ti una bella desconocida? Pues bien, el director Jeong Heung-sun nos presenta esta curiosa situación, en su película “Marrying The Mafia” en donde ha demostrado su buen tino a la hora de repetir la formula de la taquillera “My Wife Is A Gangster” Casi igualándola en recaudación. Esta comedia romántica, sin ser la mejor de su tipo, se las ingenia para mantenernos entretenidos durante sus casi 2 horas de duración.

¿Similitudes con My Wife is a Gangster? ¡Si! vea por donde se vea así es, pero en realidad es necesario tener presente que la idea de comparar películas de este género no resulta muy práctica, quizás el argumento en la mayoría de cintas de este tipo es muy predecible y esta lejos de traernos sorpresas, pero sabemos de que pie cojean y no hay que considerarlo un punto negativo. Lo que en verdad buscamos es una buena comedia, que no se cohíba de echar mano de la formula de siempre, que nos divierta y nos haga pasar un buen momento.

El dúo protagonizado por Jung Jun-ho(“My Boss My Hero”, “The Legend of Evil Lake “y Kim Jeong-eun (Spring Breeze”, “How to Keep My Love” ha sabido jugar bien sus cartas y seguir la ruta correcta hacia un bonito romance que se inicia en un precipitado encuentro.

Dae-suh se ver forzado por uno de los cabecillas de la mafia a casarse con su hija Jin-kyeong; al principio Dae-suh intenta escapar desesperadamente, pero poco a poco, con un poco de “ayuda adicional”, las cosas parecen cambiar. Situaciones cómicas, peleas entre bandas de mafioso, momentos de romance, entre otras cosas, son los ingredientes habituales que no pueden faltar, para hacer de esta película una excelente opción para el fin de semana.

Los seguidores incondicionales del género, y los que simplemente buscan disfrutar de un rato agradable, tienen una cita con “Marrying The Mafia”.

Art Museum By The Zoo (1998)


2 guiones, una película
Por Master of Hate

Siempre es interesante echar una mirada al cine coreano de los 90, son películas bastante accesibles por lo general, algunas ya están empezando a marcar el punto de ascenso de las producciones locales. “Art Museum By The Zoo” de la directora Lee Jung-hyang es una joven proyección del género que en los últimos años se esta volviendo en marca de la casa. Básicamente tenemos entre manos una comedia romántica, relatada de manera simple y sencilla.

Chun-Hi (Shim Eun-ha) y Chul-Soo (Lee Sung-jae) no se conocen, hasta que las circunstancias los lleva a compartir el mismo apartamento. Chul-Soo se halla desilusionado, ya que tras su regreso de la milicia se entera de que su novia, le ha abandonado y esta próxima a casarse. Chun-Hi prepara el guión de una película, que planea someter a un concurso; su guion esta basado en una historia de amor inspirada en sus propias experiencias. Ambos son muy distintos, con ideas opuestas sobre el amor. Eventualmente, se acercan y comparten sus desilusiones.

Quizás no sea un film particularmente bueno, pero las actuaciones resultan muy atractivas. La historia avanza despacio, pero es muy detallada, proveyéndonos con abundantes escenas en las que el foco de atención es la interacción de los personajes principales, que va fluyendo de manera natural, a la vez que juntos van creando el guión de su propia película.

Es importante recalcar que no se trata de un film excesivamente cómico o dramático, hay un balance adecuado, hay mucha simpleza, y un manejo correcto en todos los aspectos, es cierto que actualmente hay películas en este mismo género que son más entretenidas, no obstante, sigue siendo una buena alternativa.

Shiri (1999)


Pasaporte Koreano
Por KeNJi-KuN

Corea está dividida en dos naciones. Lee es una agente secreto del norte enviada al sur dejando atrás su pasado. Tras cambiar de identidad, entra en Seúl formando parte de una operación que recibe el nombre en clave de Shiri. Un grupo contrario a la unificación del país se apodera de un potente explosivo y planea hacerlo estallar durante un partido de fútbol. En el encuentro, cuyo eslogan es "reunificación de las dos Coreas", asisten los presidentes de ambos bandos. Yoo es un agente secreto del sur encargado de seguir a Lee…

Segundo film del realizador Kang Je-gyu (“Taekgugi”), todo un taquillazo que sin duda marca un antes y un después en el Han Cinema. El director juega al despiste presentando en su primer tercio lo que parece un vulgar y vacuo film de acción para después empezar a barajar entre los elementos característicos del cine koreano consiguiendo un equilibrado conjunto entre acción/thriller/suspense/drama y romance, siendo estos dos últimos elementos los que especialmente los koreanos parecen dominar como casi nadie. Esto hace que “Shiri” se convierta en una gran opción tanto para aquellos que buscan un film de acción como para los que quieren ver un buen film en términos estrictamente cinematográficos, a la vez que es un vehículo ideal para iniciarse en esta filmografía (es tal mi caso).

Técnicamente el film supera la corrección, aunque el paso de los años no perdona, y queda patente en algún fx (nada preocupante), pero el cine koreano ha evolucionado más en los últimos 5 años que en muchos más de los anteriores, lo que proporciona el carácter de “justificada” a esta circunstancia. Uno de los puntos fuertes como el que más del film son las actuaciones de su reparto: Han Seok-Gyu, Choi Min-Sik, Song Gang-Ho y Kim Yoon-jin. Figuras más que consagradas del panorama surcoreano, sus labores en este film están en consonancia con la fama que les precede.

Ciertamente “Shiri” es una película asequible, fácil y digna de ver, y contentará a un abanico de público muy amplio que podrán ser testigos de uno de los primeros pasos en la gigante evolución de este cine en los últimos años.

Fist of Legend (1994)


Un hombre contra un imperio
Por Fingolfin

Nos remontamos hasta 1994 para encontrar la única película de Jet Li que verdaderamente puede considerarse como “buena” tanto en sus escenas de acción como en la calidad argumental.

“Fist of Legend” (desafortunadamente traducida en España como “Jet Li es el Mejor Luchador”) está ambientada en el histórico conflicto entre China y Japon, y 20 años despúes de que Bruce Lee actuara en "Furia Oriental", se retoman las aventuras de éste heroe popular. Como casi todas las películas del genero, la muerte de su maestro será el motivo que mueva a Zhen Chen (Jet Li) durante todo el film. Con diversas excusas (esta vez muy pocas son simples y carentes de sentido) se suceden los combates con las que personalmente considero son las mejores coreografías que ha hecho el actor en toda su carrera (y he visto 29 de sus 31 apariciones).

Los elogios más importantes son los referidos a las peleas que podríamos definir de “uno-contra-muchos”. Habitualmente el fallo mas común es el de dejar la mitad de los luchadores como meros espectadores y centrarse en grupos de dos o a lo sumo tres. En “Fist of Legend” el manejo de estas situaciones es excepcional, pero lo mas llamativo es la sorprendente reunión de actores de primer nivel para protagonizar duelos difícilmente repetibles y donde no encuentro palabras para comentarlos. Para aquellos que ya han visto “Tom Yum Goong”, se darán cuenta de que la escena en que Tony Jaa rompe multitud de articulaciones a sus enemigos de diversas formas, tiene una enorme similitud con la primera de ésta película (solo que 11 años antes y un estilo diferente).

Saliendo ahora un poco de la tónica de la acción, que cubre el 75-80 % de metraje, vemos una poco explotada relación de amor entre Chen (Chino) y Mitsuko (Japonesa), que aparte de ser utilizado como elemento conflictivo, es un buen ejemplo de relación imposible entre dos países enfrentados.

La trama está bastante lograda (a años luz de las modernas “Ong-Bak”, “Born to Fight”, o la ya mencionada “Tom Yum Goong”, de la industria Tailandesa), y no da posibilidad de aburrimiento al espectador.
Para concluir diremos que es imprescindible para los amantes de las artes marciales, y “solo” recomendada para los menos habituales del género. Ideal para abrir al espectador de mente cerrada a otros campos.

Laundry (2002)


Heridas del tiempo y del pasado
Por Master of Hate

Primer y prometedor film del japonés Junichi Mori que nos brinda una dosis de buena cinematografía en su cinta titulada “Laundry” de la cual sorprenden ciertos elementos, tal vez no innovadores, pero si elegantemente aplicados como son: un argumento simple pero a la vez sólido, un ritmo lento pero intenso, y actuaciones muy equilibradas que no se apegan a los extremos en su afán de convencer

La magia del filme esta sin duda en los vínculos que se van desarrollando a medida que transcurre la historia, en donde tenemos a Teru (Yosuke Kubozuka) y a Mizue (Koyuki) que son personajes heridos de distas maneras, sus cicatrices son palpables y son al mismo tiempo el imán que les ayuda a estar juntos. Su encuentro se da de forma casual en una lavandería donde trabaja Teru, este es el principio de una amistad que crece y se transforma en algo más.

Teru es un personaje herido físicamente, su lesión se refleja en ciertas limitaciones a nivel mental, son muy leves, no lo convierten en ningún momento en un incapacitado, mas bien influyen en su personalidad, un poco inmadura, inocente y confiado. En el caso de Mizue sus heridas son psicológicas, y le afectan al mismo nivel que a Teru, pero se reflejan de distinta manera, pues ella se encuentra de cierto modo alienada del mundo exterior y se ha vuelto una persona solitaria.

El vínculo del que hable anteriormente, también se crea entre los personajes y el espectador, no es nada que no se vea en otras películas, pero en este caso tiene una relevancia fundamental, la historia es muy lenta y si no nos conectamos con los personajes esta pasividad y lentitud podrían ser un punto flojo en el argumento.

Entre la comedia y el drama todo evoluciona satisfactoriamente, pero son las instancias finales las que refuerzan el drama, y consiguen causar un impacto muy fuerte, ya que ambos personajes se ven enfrentados a un problema sumamente serio que pareciera quitarles toda esperanza a sus vidas.

“Laundry” no es un filme que nos pueda ofrecer sorpresas, o cambios drásticos en su historia, tampoco es una típica comedia romántica; se caracteriza por su lento desarrollo y dramático desenlace, el mismo que encuentro muy acertado. Una cinta muy honesta en sus pretensiones: relatar el encuentro de dos personas que tiene el poder de aliviar sus heridas estando juntos.

All About Love (2005)


Dos amores para un solo corazón
Por Fingolfin

Dos directores prácticamente novatos (una película cada uno, y con escasa relevancia) se unen para hacer una hermosa historia de amor alimentada por el drama. Destacamos la gran actuación de Andy Lau en su doble interpretación de dos personajes “distintos” (no físicamente, si no, en cuanto a que son personas diferentes). Las dos mujeres que corresponden a cada uno son Charlie Yeung, que con sus tres ultimas películas no se baja de la palestra (“New Police Story”, “Seven Swords” y ahora “All About Love”) y Charlene Choi, que probablemente recordemos de “House of Fury” entre otras.

El Dr. Ko, es un medico adicto a su trabajo hasta tal punto que desatiende a su mujer a pesar del amor que le tiene. Un accidente de tráfico se la lleva para siempre…o al menos eso cree él hasta que descubre que su corazón ha sido transplantado a otra mujer. Curiosamente el marido de dicha mujer es idéntico a él, y Ko decide entrar en su vida de manera secreta para hacerla tan feliz como no pudo con su esposa.

Dos historias de amor simultáneas, una en el pasado y otra en el presente, son llevadas sorprendentemente sin desatender ni una ni la otra, de forma que ambas se unen al final de la película en su momento con más fuerza. Cuando Derek vuelve de Japon, el film parece alcanzar un punto muerto en el que se dilata sin que parezca ir a ningún sitio. Sin embargo a continuación tiene lugar lo mejor, y al mismo tiempo mas dramático de todo. Algo tan simple como un hombre caminando de espaldas frente a una camilla puede convertirse en una autentica escena rompedora si sabe llevarse tan magníficamente como lo hacen aquí.

La banda sonora es genial durante la primera parte, mas tarde su papel pasa desapercibido ante la dificultad poder diferenciar las imágenes del sonido y actuar como un solo elemento. Una hermosa película ideal para gente romántica, parejas, y todos los amantes del género. “All About Love” es sin duda uno de los mejores filmes de amor del año.

Birdcage Inn (1998)


Una prisión para dos
Por Master of Hate

Este es el Kim-Ki-duk que muchos extrañan y que quieren ver de vuelta. Creo que la palabra exacta con la que se puede definir este filme es: crudeza. “Birdcage Inn” es un largometraje increíblemente critico y realista. No hay respeto por nada ni por nadie; la gente es lo que es, el mundo es cruel porque si, y la justicia es solo un ideal. Dentro de la filmografía de Kim “Birdcage Inn” estéticamente es más cercanos a trabajos del tipo “Wild Animals” y “Bad Guy” antes que a los más recientes. El elemento primordial nuevamente es la mujer y un mundo que se ensaña con ella, un ejemplo que quizás pretende reflejar la condición y el peligro de “ser mujer”, o quizás el peligro de la misma sociedad, que es capaz de ser insensible ante el dolor.

Otra vez tenemos como terreno primario para el desarrollo de la película, un barrio marginal y lugares bastante desolados. En este entorno, una familia recibe a la hermosa Jin-a (Lee Ji-eun) quien tendrá que vender su cuerpo y servir de único sostén a esta familia a cambio de un techo y comida. La familia en si no parece mala, pero tampoco parece buena, es una mezcla de situaciones y sentimientos. La madre parece simplemente interesada en sacar adelante y en poder proveer educación a sus 2 hijos. En el caso del padre y del hijo, a pesar de lucir como tipos bastante razonables, terminan poniendo sus ojos en la recién llegada, quizás sugiriendo el interés común e inevitable de los hombres. La hija, Hye-mi (Lee Hae-eun) es quien finalmente se convierte en un personaje fundamental, principalmente por su exagerado rechazo a Jin-a, y por ser quien finalmente logra identificarse con ella de manera única.

Hay que puntualizar que este film quizás no sea apto para todos, y es que la película en ningún momento intenta plantear una solución a los problemas de los personajes, mas bien se limita ha hacer sus vidas menos miserables, es decir, al final nos quedamos básicamente con la misma historia del principio; no es que la trama no haya avanzado, si no que se preocupa de otras cuestiones. Los personajes marginales en los filmes de Kim, generalmente tienen personalidades bastante complejas, hay siempre un pasado que no se desvela y solo podemos “suponer cosas” con respecto a él.

Los aspectos visuales no soportarían comparaciones con filmes del calibre de “The Bow” pero tampoco seria justo compararlos. Birdcage Inn es más sencillo, más directo y menos detallado. Considero que esta lejos de ser una mala película, pero vuelvo a recalcar que es posible que no sea del agrado de todos, sobretodo para los que no gustaron de filmes como “Bad Guy” y “Wild Animals”.

Cursed (2004)


La manera de contar la historia sí importa
Por Squareta

Sería mentirosa si dijera que Cursed, la ópera prima de Yoshihiro Hoshino, es una película original y terrorífica. Pero también sería mentirosa si dijera que no me gustó.

La historia gira alrededor de una tienda que al parecer está maldita y sobre los destinos de la gente que va a comprar ahí.
Sí, la trama es un poco incoherente, pero es ese “miedo absurdo” lo que llama la atención, pues aquí la gran mayoría de los personajes está fuera de juicio, las víctimas siempre actúan como tales y los “malos” jamás tienen una razón de ser.

Como ya lo había mencionado, la historia no es original, sin embargo la forma en que está contada sí lo es, pues Cursed no solamente pretende asustar, sino también quiere provocar risa, y ambos elementos siempre se logran.

Algunos quizás la encuentren demasiado absurda como para ser una película de horror. Pero es esa exageración la que le da el toque de originalidad al film y si no fuera por ello sería una más del montón. Pocas veces se puede lograr una película que provoque miedo y risa a la vez dando buenos resultados y a mi parecer ésta es una de ellas. Aunque lo distinto no siempre es del agrado de todos, lo que deja a Cursed como una película extremista: o la amas o la odias.

Sin duda Yoshihiro Hoshino ha conseguido con un bajo presupuesto crear una película muy extraña, que sí la ves de seguro no te pasará inadvertida. Sus cortos ochenta minutos son los justos para contar la historia sin necesidad de volverla densa ni de bajarle el ritmo. Las opiniones con respecto a ella son variadas y van desde lo excelente a lo muy malo. A mí me sorprendió gratamente, su carátula parecía la “típica película de la pobre colegiala” y sin embargo me encontré con algo totalmente distinto.

The Big Scene (2005)


Entre asesinos, exorcistas y productores de tv
Por Master of Hate

Esta película despertó mucho interés en mí, principalmente por contar con un par de actores de gran calibre en el cine coreano, es el caso de, Shin Ha-kyun (“Sympathy for Mr Vengeance”, “Save the Grren Planet”, “JSA”) y Cha Seung-won (“Blood Rain”, “Libera me”). Sumado a todo esto, una sinopsis que hacia sospechar que nos encontramos ante una producción de muchos quilates. Finalmente, puedo decir que a pesar de haber sido esta una experiencia agradable, la nota final es un tanto baja.

Los primeros minutos del film son increíblemente prometedores, por momentos pensé encontrarme ante uno de los grandes thrillers de los últimos tiempos. De entrada nos hallamos en la escena del crimen, en la que una mujer ha sido asesinada. Los hechos registrados en las horas posteriores, son como piezas de un rompecabezas que se va armando, pero que siguen siendo poco claros. Un grupo de fiscales intenta desvelar al culpable, pero parece una tarea imposible. Es aquí donde, a mi juicio, se pierde un poco de la consistencia y la espectacularidad de los primeros minutos.

El crimen y todo el camino hacia su esclarecimiento, es expuesto por una estación televisiva, a manera de un show en vivo. La idea no parece mala, pero no funciona ni a manera de crítica hacia los medios sensacionalistas, ni tampoco añade algo significativo al contenido en general.

Más adelante se incorpora algo de humor, un tanto al estilo de “Guns & Talks”. Los giros que ocurren hacia el desenlace son algo predecibles, pero el final logra atar todos los cabos sueltos de manera satisfactoria y convincente, en otras palabras, podemos decir que el director ha hecho bien los deberes y que se le debe aprobar, no obstante, me he quedado con la impresión de que no se le saco todo el jugo a esta cinta.

La actuación de Shin Ha-kyun me ha parecido especialmente buena, pero lamentablemente en la segunda mitad de la película su papel pierde demasiado protagonismo (ya verán porque). Se da paso a otro tipo de suspenso, muy distinto al de la primera parte; se incorporan otros personajes, incluso, se empiezan a buscar explicaciones sobrenaturales, que ayuden a resolver el caso. Sin duda una salida muy perspicaz, pero algo alejada de lo que me esperaba.

En general, se podría decir que el balance es positivo porque en realidad no es una mala película, tiene sus altos y sus bajos, eso si, no me han quedado muchas ganas de volverla a ver (y esto es una opinión muy mía). Aún no habiendo quedado del todo conforme, puedo decir que quienes disfrutaron con “Gungs & Talks” pueden sentirse muy atraídos por “The Big Scene”.

School Wars Hero (2005)


Un touchdown a la vida
Por Fingolfin

Ikuo Sekimoto vuelve con este film después de una ausencia de 5 años. Hasta ahora sus películas habían pasado bastante desapercibidas por lo que no sabíamos que esperar con “School Wars Hero”. En el casting me llamó la atención la presencia de Shouei, un rostro que personalmente me sería muy difícil de desligar al de Shimada Kai, papel que interpretó en la exitosa serie de televisión japonesa “Shinsengumi”. Después de ver la película me ha parecido curioso que ambas interpretaciones de dos personajes totalmente diferentes, como es un samurai de finales de la era Tokugawa y un profesor de instituto de los años 70, sean muy similares. En ambos casos destaca su imponente físico y su potente voz.

He dedicado unas líneas a Shouei ya que es el verdadero alma de la película. Nos ha dejado una de las mejores actuaciones del año, y una película que no se queda atrás. La historia tiene lugar en un instituto de Kyoto, y está ambientada en 1974. La violencia entre los alumnos sin fe en un futuro no alcanza límites, los profesores les dejan hacer y están aterrados, y el desorden es total. Para solucionar ésta situación, el director invita como profesor de Educación Física a un ex-jugador del equipo nacional de rugby, con la esperanza de que la situación cambie.

Conforme avanza la película vemos pasar a Shuji Yamagami (Shouei) por muchos y distintos estados de ánimo: enfadado, llorando, alegre, emocionado…y es por eso que su interpretación es excelente en todos ellos. Sus progresos con los estudiantes pueden parecer al espectador infinitamente lentos, y nos hace preguntarnos si en verdad va a llegar a alguna parte. Sin embargo son las cosas más pequeñas y simples las que le proporcionan los mejores resultados. “School Wars Hero” va mucho mas allá de la típica historia americana de un equipo desastroso que se convierte en campeón gracias al entrenador. Ikuo Sekimoto se interna en los problemas e historias personales de cada uno de los protagonistas hasta el punto de que el rugby y el torneo son cuestiones secundarias. Es precisamente eso lo que hace grande la película, la verdadera intención del director de la película y del director del instituto es que el rugby sea el elemento que arregle la situación de los alumnos, y no la de ser campeones del torneo regional.

Sería difícil clasificarla en algún género en concreto, pero detrás del drama (que es el que más se hace notar) podemos disfrutar de algo de acción, en la que algunos incluso encontrarán motivos para reírse. Finalmente decir que en lo referente al rugby, y siendo este un deporte poco popular en Japón, las escenas rodadas de los partidos son estupendas y personalmente me agradaron mucho. Una de las mejores películas del año que sin duda merece la pena ver.

Ab-normal Beauty (2004)


¿Qué es realmente bello?
Por Squareta

Jiney es una fotógrafa común y corriente…o por lo menos así era hasta que presencia un accidente automovilístico. Desde ese entonces, ella se obsesionará más allá de lo normal con todo lo relacionado con la muerte.

Esta producción Hong-Kong/Tailandesa viene de la mano de nada menos que de los hermanos Pang, quienes otra vez nos traen una interesante película que, aunque resultó bien “Hollywodense” para mi gusto, es todo un deleite para los ojos gracias a su excelente fotografía.

Al principio se podrá creer que tiene un argumento un poco vacío, pero conforme avanza la película, se va ir dejando en claro el porqué del actual comportamiento de la protagonista por medio de efectivos flash backs hacia su niñez. Y los que ya creían como iba a terminar se llevarán una grata sorpresa pues casi a la mitad del film su trama da un tremendo giro, dándole un enfoque bien distinto a como era en el comienzo, para luego llevarnos a un insospechado y angustioso final.

Esta película, a pesar de estar calificada como de “horror”, funciona más como thriller psicológico, razón por la cual los que estaban esperando escenas de miedo quizás se decepcionen, aunque personalmente me gustó la manera en que abordaron la historia. Pero lo que no le falta a Abnormal Beauty son las escenas bien fuertes, llenas de sangre y de muerte, no aptas para todo el mundo (así que cuidado a los débiles de corazón).

El film nos trae una historia sencilla, pero que cumple en todo momento y que nos mostrará lo fácil que las personas se pueden volver insanas, dándonos como resultado una película interesante, cuidada en cada detalle. Recomendada.

About Love (2005)


3 paises, 3 directores…3 amores
Por Fingolfin

Este es el ultimo estreno oriental que he tenido el placer de disfrutar. En cuanto supe que se trataba de tres historias de amor, lo primero en lo que pensé fue “Dolls”. Película que si recordamos conseguía mantenerlas de forma simultanea sin que se viera así perjudicada ninguna. Aquí en cambio las tenemos distribuidas en tres partes: “Tokyo” “Taipei” y “Shangai”. No podía ser de otra forma si tenemos en cuenta que cada ciudad representa la nacionalidad de su respectivo director.

Debido a que las tres historias guardan enormes similitudes afrontaremos la crítica de manera conjunta tratando de abordarla en todos los aspectos. Las historias tienen el mismo formato, parten con una pareja inicial que se rompe y un nuevo joven que entra en la vida del abandonado. La barrera del idioma es una constante, y me atrevería a afirmar que se intenta demostrar que el amor está por encima y tiene su propio lenguaje. En “Tokyo”, el joven supera sus dificultades gracias a las caricaturas, con un efecto bastante bueno y original. En “Shangai” la alternativa es un idioma neutro o incluso se juega con éste de manera muy divertida. El problema lo ofrece “Taipei”, la historia no pierde calidad con respecto a las otras pero si originalidad, y la impresión que da es de no ir a ninguna parte. Como diferencia importante entre ellas resaltaremos de nuevo “Shangai”, en las anteriores el personaje que queda solo después de la ruptura es una chica, y el que tiene las dificultades del idioma es el chico. Sin embargo en la última, el que tiene la ruptura y el que tiene el problema de idioma es el mismo, el chico.

Habitualmente cuando hablamos de romances orientales estamos hablando de grandes dramas, o al menos películas que tienen al drama como uno de los elementos principales. En “About Love” las historias carecen de aspectos dramáticos importantes, pero conforme avanza, se va haciendo menos alegre. Cuando llegamos a la última (tal vez precisamente por ser la ultima) el final es distinto a las otras y el sabor que se te queda no es el mismo.

Pese a que siempre resulta mejor una película lineal, y que crear una formando historias separadas puede dar lugar a que se anulen entre ellas o pierdan valor conforme terminan, en esta ocasión el problema se minimiza. Buena banda sonora, buenos escenarios, y una mención especial para los actores.

Battle Royale II (2003)


Requiem
Por KeNJi-KuN

Han pasado tres años desde que Nanahara Shuya y Noriko Nakagawa lograsen escapar del programa "BR". Ahora Nanahara ha acabado con la paciencia de los gobernantes del país tras atentar contra el corazón financiero y gubernamental de Tokyo haciendo saltar por los aires las torres del edificio Tochô Biru. La reacción será enviar a la siguiente remesa de participantes del programa a acabar con Nanahara y su grupo, los "Wild seven". Éstos pertenecientes al típico instituto plagado de inadaptados y perdedores contarán con la participación de Shiori Kitano…

Hablar de “Battle Royale II” es hablar por un lado, de la secuela de una película de culto para muchos, y por otro, hablar del film que Kinji Fukasaku no pudo concluir debido a su fallecimiento, y terminado en su lugar, por su hijo: Kenta Fukasaku, a quién debe atribuírsele la dirección ya que a la muerte de Kinji el rodaje no había hecho más que comenzar.

Pues bien, una vez puestas las cartas sobre la mesa, pasamos a la cuestión: ¿está la secuela a la altura de su predecesora? La respuesta es si y no. Como secuela y como casi inevitablemente no podía ser de otro modo, pierde todo el factor sorpresa y la frescura de la primera entrega, pero lejos de ser una vulgar copia, sus artífices han optado por cambiar las reglas del juego, lo que dentro de estas pérdidas mencionadas aporta ciertos aires de cambio. Lejos de aquel “juego cruel” aquí seremos testigos de un “juego de guerra” (por ejemplo, la escena del desembarco nos recordará a todos aquella fámosa escena de la película de Spielberg). Técnicamente la película es más que loable por lo que no entraré en sus detalles, las interpretaciones siguen siendo quizá su faceta menos conseguida, agradeciendo aún así el nuevo registro en el personaje de Nanahara Shuya.

Se conservan los collares (con nuevas funciones), las muertes en masa y numerosas, la sangre, el tutor de turno (Riki Takeuchi), las reglas, etc. En definitiva, “Battle Royale II” es una de esas secuelas que provocarán reparto de opiniones y discrepancias entre sus fans, en mi opinión que guste o no depende en gran parte de que guste el nuevo “concepto” que plantea. No obstante una pregunta me atormenta: ¿Realmente el bueno de Kinji Fukasaku después de una vida dedicada al cine casi exclusivamente violento, deseaba que “Battle Royale II” fuese el gran panfleto anti-belicista que es? Seguramente nunca lo sabremos.

Kung-Fu Hustle (2004)


La palma de Buddha vs La mano de Chow
Por KeNJi-KuN

Shanghai. Década de los 30-40. Sing es un maleante de poca monta. Junto a un amigo se intentan hacer pasar por miembros de la banda del hacha para estafar, robar e intentar desplomar a quien se deje ya que ambos demuestran ser extremadamente torpes. La casualidad les llevará a una comuna habitada por gente pobre y desvalida. Cuando intenten dar un golpe allí la jugada les saldrá mal y de paso llamarán la atención de verdaderos miembros de la banda del hacha…

Resulta imposible no mencionar “Shaolin Soccer” a la hora de hablar sobre “Kung-Fu Hustle” o el propio director Chow Sing-Chi (a.k.a Stephen Chow), quién además protagoniza, produce y escribe sus films. Ante todo Chow es una estrella, y podriamos referirnos a sus dos últimos films, entre los que se encuentra el que aquí nos ocupa, como puras obras maestras de la mezcla comedía/espectáculo.

Tras dejar boquiabierto a medio mundo con “Shaolin Soccer” el listón quedaba muy alto, demasiado quizás, y las expectativas eran desbordantes; pero que decir que “Kung-Fu Hustle” está al nivel de aquella e incluso mas pulida y por encima en algunos aspectos. Tenemos por un lado un guión sólido, unos personajes carismáticos y pintorescos dignos del mejor “cartoon”, una producción que cuenta con unos efectos especiales numerosos y envidiables, una buena banda sonora, excelente fotografia, gags ingeniosos, kung-fu con aires clásicos… a todo ello hay que añadir el toque único y genuino de Chow.

“Kung-Fu Hustle” gozó de un estreno mundial, lo que acrecentó aun más la fama de Chow más allá de su China natal, y la gran respuesta de crítica y público han propiciado que se anunciará hace algunos meses la preparación de su segunda parte, que a juzgar por el final de primera, hace presagiar que lo mejor puede que esté por llegar. Para sus risas más sinceras, no se pierdan está película, eso sí, y esto es una advertencia: prohibido no verla en su idioma original.

[El mismo día que escribo estas lineas he sido informado de la nominación definitiva de esta película junto a “The Promise” para los Globos de Oro.]

Azumi 2: Death or Love (2005)


Otro estilo, otro resultado
Por Fingolfin

Otra muestra mas de la mítica frase de Cervantes que rara vez conoce excepción: “Segundas partes nunca fueron buenas”. En buena lógica podríamos decir que no se trata de una segunda parte, sino mas bien de la continuación y finalización de la historia (algo así como en Kill Bill). Sin embargo el cambio de director quizás sea una de las características mas acusadas que la alejan completamente y el resultado no ha sido el que se esperaba.

En la primera parte se eliminaron 2 de los 3 señores de la guerra, para la última solo resta uno, así que la solución utilizada para liar la trama es introducir personajes que quedaron desperdigados en la anterior para que se incorporen como nuevos obstáculos. Los duelos mas esperados de este film serán contra cada uno de los Uenokogashu. Un enorme guerrero con media mascara rota (Rokpa), una ninja cuya habilidad se centra en la traición (Kozue), una especie de Spiderman con extraña vestimenta (La Araña Negra), y como no podía ser de otra forma…una mujer (Kunio).

La calidad visual y las coreografías no decimos que sean malas, si no que son notablemente peores que las de su predecesora. A la hora de elegir a los adversarios se ha optado por la estética visual (bastante espectacular en el caso de Rokpa que utiliza una enorme lanza a modo de boomerang partiendo a los luchadores por la mitad), olvidándose de la magnifica caracterización de Bijomaru Mogami o Saru.

¿Qué decir entonces en su favor? El único error típico en el que no ha caído como segunda parte es precisamente ese. Si Bijomaru era el luchador más temido y poderoso en la primera entrega, una estupidez muy frecuente es que en la continuación aparezca gente de la nada, que sin explicación lógica resulta ser mejor. Pues bien, salvo que alguien demuestre lo contrario, ningún rival es más poderoso que Bijomaru.

Conclusión, como ya he dicho en anteriores ocasiones hay que diferenciar entre una película mala y aburrida y otra que se convierte en eso por no cumplir las expectativas ¿Qué diríamos de ella si no hubiéramos visto “Azumi 1”? En mi opinión merece la pena verla aunque solo sea por disfrutar de la acción y poder apagar la curiosidad de conocer el desenlace.

Saulabi (2002)


Marionetas sin hilos
Por Fingolfin

La primera y la ultima película de Jong-geum Mun (y ahora sabremos por qué). Tenía especial curiosidad e interés por ver “Saulabi” ya que la crítica y las valoraciones de usuarios y expertos habían sido increíblemente deficientes. Habitualmente suelo discrepar de la opinión general en este tipo de filmes, pero en esta ocasión es imposible.

Durante los primeros 20 o quizás 30 minutos, pese a que no sepamos muy bien de que va el asunto, y nos encontremos un poco perdidos en el argumento, la película está decentemente presentada y parece que va a salvarse con un aprobado escaso. Sin embargo lo que tiene lugar a continuación es algo tan difícil de describir como de soportar hasta el final. Una interminable sucesión de personajes que aparecen de repente sin saber de donde, y que no tardan mucho en morir sin llegar apenas a conocerlos.

La película intenta emular a Bichunmoo (y me avergüenzo nada mas que por insinuarlo), lo que podemos comprobar por ejemplo con el amor imposible entre los dos personajes principales estando ella prometida a un importante señor, y un posterior regreso del hombre cuando se le daba por muerto y la chica ya tiene un hijo. Difícilmente puede ser una película de amor cuando éste se usa como instrumento para conseguir combates. Difícilmente puede ser un drama cuando los personajes mueren en cuestión de segundos. Por último, difícilmente puede ser una buena película cuando no sabes que es lo que se persigue con ella.

Su corta duración es malgastada en escenas intrascendentes, y cuando es necesario el autor pasa 4 o 5 años en una sola toma (y no se conforma con hacerlo una vez). El final es lo más desconcertante de todo, carece por completo de sentido alguno, los actores son marionetas de un director ansioso por eliminarlos a todos pensando que solo con eso se consigue conmover al espectador. Las coreografías es lo único que mantienen viva la esperanza en la película y aun así están controladas descaradamente persiguiendo movimientos muy concretos y manteniendo luchadores como espectadores hasta su turno de entrada.

Mi mas sentido pésame para el autor, el material propiamente dicho no es malo, pero ésta película parece estar rodada por un amateur. Siempre he odiado (y casi siempre consigo evitarlo) decir esto, pero ¿quieren una recomendación? No la vean.

A Good Lawyer's Wife (2003)


Matrimonio = ¿?
Por Master of Hate

Im Sang-soo es un director que no conozco a fondo, sin embargo he visto bastante publicidad y comentarios sobre su último filme “The President's Last Bang”. Finalmente, he decido ver algún trabajo suyo anterior y de allí es donde “A Good Lawyer's Wife” hace su aparición. Mis dudas aun no cicatrizan después de pasados varios días de su visionado, aunque, en este mismo momento, es lo que menos me apremia, lo que en verdad se me torna complicado es la manera de abordar y comentar esta película.

Veo conveniente introducir a los personajes, (quizás ayude en algo) entonces tenemos a: Eun Ho-jeong (So-ri Moon) y a Ju Young-jak (Hwang Jeong-min) que son una bonita pareja, con una buena estabilidad económica, con un hijo, un hogar, en definitiva, una familia que en esos aspectos goza de mucha salud. Sin embargo, todo parte de aquí, pues su relación se empieza a ver de manera muy superficial, y desalentadora en cuanto a un futuro juntos.

A priori, el aspecto mas notorio es el sexo, que se maneja como un herramienta importante para reflejar ciertas ideas; existen abundantes escenas, muy explicas y de fuerte contenido. La pareja pareciera estar desintegrada y ninguno de los 2 muestra deseos de un cambio a mejor. En el caso del marido, este opta por buscar a otra mujer y aunque simplemente termine teniendo sexo con ella, da la impresión de buscar algo más que ni él tiene en claro de que se trata. En el caso de la esposa, se deja llevar por otros problemas como la rutina y la falta de intimidad con su marido, y termina siendo atraída por un adolescente que le corresponde fervorosamente. El desenlace da un giro inesperado con consecuencias bastante trágicas.

No he de mentir en esto, a mi personalmente se me hizo una película bastante pesada, e incluso aburrida por momentos, además, poco equilibrada; se enfoca mucho en un aspecto que posiblemente se vive solo dentro de un ambiente muy intimo y de pareja. Me arriesgo a decir que esta puede ser una película apropiada para parejas casadas, pues las situaciones apuntan a las consecuencias de un matrimonio que no tiene lo necesario para mantenerse como tal, todo esto pasado por un filtro, cuyo resultado no es apto para la mayor parte del respetable.

House of Flying Daggers (2004)


Romance, Fantasia y Belleza
Por Fingolfin

La confirmación (si es que la necesitaba) de Yimou Zhang como uno de los mejores directores orientales del momento. Gracias a películas del calibre de “The Road Home” se ha ganado los elogios de los más exigentes críticos, y junto con “Hero”, “House of Flying Daggers” es otro intento más de acercarse a la calidad y belleza visual que alcanzó la mítica “Tigre y Dragón”, esta vez casi llegando a palparla.

Declive de la dinastía Tang, 859 a.c., debido a la incompetencia del emperador el malestar del país va en aumento y numerosos grupos rebeldes se levantan en su contra. Uno de estos grupos se hace llamar “Casa de las dagas voladoras”, y actúa de forma secreta y oculta. Pese a que su líder ha sido asesinado no pueden evitar que sigan conspirando y para poner fin a esa situación las autoridades ponen en marcha una misión.

Sería difícil describir con palabras cualquier escena de la película. La excelente dirección artística está presente en todas partes. El aspecto mas criticado de este tipo de filmes es el argumento. Se dice que bajo ese apabullante derroche de lirismo y preciosismo visual se esconde una película estúpida y sin nada de valor. Sin embargo en esta ocasión alcanzamos una casi perfecta armonía entre la trama y el aspecto visual, hasta el punto de que podría llegar a gustarnos aunque este último no estuviera presente.

Cuando hablamos de “House of Flying Daggers”, “Hero”, o “Tigre y Dragón”, estamos hablando de un género distinto al drama o el romance que conocemos, son películas distintas que van más allá y ponen a prueba nuestros sentidos, y como tal hay otra forma de verlas para saber apreciarlas en todo su valor. Cuando alguien va a ver un film de esta clase no tiene que llenarse la cabeza de ideas o pensando en que va a suceder, si no que debe sentarse como el que mira un cuadro y dejarse llevar por el desarrollo. Solo de ese modo podremos disfrutar de los enormes giros arguméntales que se dan lugar (creo recordar que más de tres), de forma que constantemente cambia el papel de infiltrado-engañado, e incluso las personalidades de los personajes.

Zhang Ziyi nos sorprende una vez mas con una interpretación impresionante representando un personaje ciego (algo que no siempre es fácil), y que se ve perfectamente respaldado por el resto del reparto. Una de las mejores películas del 2004 que seria imperdonable no ver (sobretodo si te gustaron las otras dos mencionadas).

Premonition (2004)


Saliendo de lo típico
Por Squareta

Norio Tsuruta, el mismo director de Ringu 0 nos trae “Premonition”, una película original, distinta al típico horror japonés y que junto con Infection forma parte del “J-Horror Theater”. En ella nos cuenta la historia de Hideki, un hombre que puede conocer el futuro y de las no siempre buenas consecuencias que esto crea en él.

Para mí, los primeros minutos del film fueron impactantes y me crearon grandes expectativas, pero éstas no se cumplieron ya que con el tiempo la historia irá tomando otro rumbo, poniéndole quizás demasiado énfasis en parecer una película seria y dejando de lado algo muy importante en este tipo de cintas: asustar, ya que los momentos de terror son escasos y casi siempre predecibles. Aunque por suerte más tarde la historia recobrará vida, llenándose de vertiginosas escenas en donde empieza a fallar la lógica, momentos que más disfruté dentro del film y que me hizo reconsiderar la valoración de ésta.

Lo que es innegable es la gran calidad de las actuaciones, que vienen de parte de los experimentados Noriko Sakai (Ju-On: The grudge 2) y Hiroshi Mikami (Parasite Eve), además de los interesantes personajes, pero aquí otra vez “Premonition” vuelve a cojear, pues no le supo sacar suficiente partido a éstos, principalmente por el hecho de que desparecen antes de que puedan aportar algo más.

Debo decir que a pesar de todo es una película que se deja ver y que aunque no es una pauta a seguir dentro del cine de horror, hay que darle crédito por tratar de innovar dentro de su género.

A moment to remember (2004)


K-DRAMA
Por KeNJi-KuN

A moment to remember, de la que solo he tenido el placer de contemplar su “montaje del director”, es un drama koreano con mayúsculas. Escrita y dirigida majestuosamente por John H. Lee, sus más de dos horas son de lo mejor que nos ofreció la cinematografía koreana durante el 2004.

Su-Jin es una mujer que acaba de dejar una relación con un hombre casado. Pronto encontrará refugio en Chol-Su, un trabajador de la empresa de su padre; sin embargo la relación no irá mas allá cuando Su-Jin no quiera implicarse con Chol-Su al diagnosticársele la enfermedad de Alzheimer.

Todo está medido al milímetro y pensado con detenimiento a la vez que realizado con sumo gusto. Seremos testigos de escenas grandiosas y algunos de los momentos mas emotivos que han paseado jamás por la gran pantalla. A moment to remember es un drama koreano de los de antes, basta con escuchar su banda sonora para darse cuenta de que la película tiene ese “algo” especial que no todas tienen. Algo que se confirma aun más tras ver las interpretaciones de Jeong Woo-Sung y Son Ye-Jin, ambos en estado de gracia, sobre todo el primero, que no deja ni un solo píxel sin devorar.

Ya sabemos como se las gastan en Korea en las grandes ocasiones, y A moment to remember no es para menos, técnicamente es sobresaliente en todos los sentidos, fotografía de impecable factura, así como la cinematografía, montaje… todo está en su sitio y no decepciona. Sin cambiar la norma de los mejores dramas koreanos: será necesario secar las lágrimas en más de una ocasión, y en más de dos…

Poco más que añadir a uno de los mejores films de los últimos años, de obligada visión y que ya es todo un referente en el cine koreano, no hay más que ver su éxito en Japón, donde ha batido records de recaudación y donde preparan un remake. Un “must see”.

The Isle (2000)


El, ella, una isla
Por Master of Hate

No voy a andarme por las ramas ya que nada me impide decir lo que voy a decir a continuación: "The Isle" es una obra maestra del cine mundial, cuyo nombre alternativo seria "perfección”.

Ahora que he dejado claro el estatus de este largometraje (favorito entre favoritos) puedo proceder con la reseña de la misma. “The Isle” sólo puede haber sido creada por un visionario como Kim Ki-duk, que vaticina, a mi criterio, el futuro del cine. En esta ocasión, quizás más que nunca, se vuelve imposible precisar un significado exacto sobre lo que encontramos en este film, pues si bien visualmente es rico y lleno de detalles, su contenido se torna elegante, complejo e indescifrable al mismo tiempo.

Esta película contiene elementos reconocibles, sobretodo en películas posteriores como es el caso de “Spring, Summer, Fall, Winter… and Spring” y “The Bow” con las que tiene en común el desarrollo de las acciones, que en gran parte toman lugar en lugares aislados. Así mismo vemos la característica ausencia de diálogos, el apoyo en el efecto visual de las imágenes, la dependencia en los simbolismos y el papel preponderante de la música.

“The Isle” explora la vida de un hombre y una mujer desde un punto de vista muy particular; la relación que desarrollan parece estar basada más en el dolor y el miedo a la soledad, pero al mismo tiempo parece depender únicamente de necesidades individuales y deseos egoístas. En realidad, ambos parecen tener un perfil complejo, que parece haber sido forjado por un pasado que se hace imposible de ignorar.

La acción toma parte en un área lejana y poco concurrida en las afueras de la ciudad. Jee-Jin (Suh Jung) lleva un negocio de cabañas flotantes para pescadores, a parte de esto, Jee-Jin les ofrece otro tipo de favores durante la noche. La llegada de un ex-policía (Hyun-Shik) que acaba de cometer un crimen, altera dramáticamente su estado, ya que se siente atraída por él. El pasado de ambos parece haber sido el detonante para que se hallen heridos y sumamente perturbados. La relación más que ayudarles parece herirles, pero se ve inevitable que terminen juntos.

Es posible que este largometraje provoque múltiples reacciones, y es que el contenido visual va más allá de ser simple belleza estética. Hay escenas muy explicitas, bastante polémicas hasta cierto punto. Indiscutiblemente nos encontramos ante una película ambiciosa, con todos los elementos que se manejan habitualmente en los sub-mundos creador por Kim ki-duk. Pese a que para el final, la historia resulta coherente e incluso parece satisfacer los deseos del público, en un giro acrobático nos encontramos ante la parte más interesante y confusa de todas, no puedo negar que es más de lo que me esperaba: un final sublime y mágico.

La isla es sin duda alguna la mezcla perfecta entre la belleza y la violencia, entre el amor y el odio y muchos otros polos opuestos que se funden en la pacividad de una apacible isla. Todo juega a favor del contraste, que nos permite ver la esencia más pura de los sentimientos del ser humano llevados a un extremo incontenible.

No quiero extenderme innecesariamente, ya que esta cinta, como muchas obras del director Kim, darian lugar a la escritura de libros completos para analizar su contenido. Considero que el visionado de esta majestuosa obra difícilmente se debe limitar por debajo de las 3 veces para poder apreciar todo su esplendor.

"The Isle" no intenta convencernos de nada, simplemente, nos invita a darle un significado único y distinto usando algo más que pura imaginación.