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Musashi Miyamoto: Ganryu Island Duel (1956)


Kojiro Sasaki
Por Fingolfin

El momento ha llegado, el duelo de Kojiro Sasaki con Miyamoto Musashi no puede retrasarse mas, su fecha queda fijada dentro de un año en una pequeña isla. Mientras tanto Musashi continúa con su viaje, en el que se verá inmiscuido en una historia de bandidos y forajidos. Nuevamente tendrá que poner a prueba sus sentimientos con Otsu y Akemi que parecen tener la habilidad de encontrarle siempre.

Tercera y última parte de la trilogía “Miyamoto Musashi”, dirigida por Hiroshi Inagaki y protagonizada por Toshiro Mifune. Resulta ser la mas completa de las 3, ya que hace una mezcla de las dos anteriores, que vendría a traducirse en historia-acción, consiguiendo un equilibrio perfecto que la convierte en mi favorita.

Las coreografías continúan una evolución de acuerdo con la madurez del protagonista, pudiendo apreciar un enorme cambio entre su primer combate en Iga, hasta el último contra Sasaki. Este desarrollo moral dificulta la aceptación de combates y desafíos, pero siempre tendrá lugar alguna situación límite que le obligue a desenvainar.

Las actuaciones de Mariko Okada y Kaoru Yachigusa como Akemi y Otsu, tienen en este film su mejor momento, con mucho tiempo de pantalla para ellas solas, y papeles realmente importantes para la trama. Su enfrentamiento por el amor de Musashi no tarda en llegar, y el resultado es inesperado. Aun así la vencedora será consciente que siempre estará por detrás de la espada del samurai.
A la compañía de aventuras de Musashi, además del joven Jotaro, se une Kumagoro, que en alguna ocasión aportará un rato de entretenimiento para desahogar un poco la película.

El film no ha querido pasar por alto las otras habilidades del legendario samurai, como eran la pintura, el tallaje, la poesía…etc, pero como está enfocada a un aspecto mas de acción, solo dedica algunos minutos a la elaboración de figuras de madera, una pequeña muestra de sus otras habilidades.

Finalmente me gustaría resaltar el estupendo guiño a la leyenda, según la que Musashi talló con un remo una gran espada de madera para su ultimo enfrentamiento, con la cual podría hacer mejor frente a “perchero”, la larga espada de su rival.

Las tres películas tienen un nivel bastante parejo, y si me permiten mi opinión, el orden de calidad sería 3º,1º, y 2º. Aunque como ya digo las diferencias son escasas. Enormemente recomendada por su carácter histórico y biográfico.

Brutal River (2005)


Un caimán maldito
Por Conri

Esta vez nos llega una película tailandesa inspirada en “cocodrilo” por lo que pude apreciar, esta nos cuenta una historia donde se mezcla violencia, traición, ambición y sobre todo, como no puede faltar una gota de amor.

Una aldea se ve alborotada después de varios acontecimientos en los cuales se encuentran cadáveres de personas en el canal de Bang Mud. Todos están muy asombrados y a la expectativa de lo que sea que esta provocando estas muertes aparezca ante ellos.

Dos Hermanos serán los encargados de cargarse este problema a los hombros e intentar descubrir que es lo que esta sucediendo, pero el problema no tardará en presentarse ante sus ojos, un caimán gigantesco amenaza con devorarse a cada persona que se le cruce en su camino. Sus esfuerzos de cazarlo serán en vano hasta que todo el pueblo ponga manos a la obra e intente cazar al cazador.

Película realizada con un corto presupuesto, nos muestra a una bestia voraz con instituto totalmente destructivo que por lo que parece hace bastante tiempo que no come y ese es su objetivo, “Comer”. Las actuaciones no son muy buenas, en todo caso faltaría un poco más de expresión en varias escenas donde la crisis crece de un momento a otro y parece que los actores no se dieron cuenta de ese detalle.

Así mismo creo que la película entretiene y al no ser tan larga su duración (86m.) no deja que perdamos el interés, aunque así mismo también seguramente lo que más queremos ver es al caimán devorándose personas, pero parece que la gente de efectos especiales no nos quiso dar el gusto.

The Three Treasures (1959)


Leyenda e historia
Por Fingolfin

El titulo original es “Nipón Tanjo”, y de entre sus equivalentes internacionales he elegido “The Three Treasures” ya que, demasiado sutilmente, es el único de todos que no hace referencia solo a la parte de leyenda de la película. Dirigida por Hiroshi Inagaki, el film tendrá en dosis bastante equilibradas: aventura, fantasía, acción y amor.

Estamos en Japón, siglo IV. Yamato Takeru (Toshiro Mifune) es el segundo hijo del emperador, y por lo tanto segundo en la sucesión. Un día tiene un incidente con su hermano en el que todo el mundo piensa que le ha matado, para así convertirse en rey cuando muera su padre. Desde ese momento se le encomiendan difíciles campañas militares, buscando su muerte a modo de condena indirecta.

Lo que acabo de resumir es la historia principal, pero en todo momento, y sobretodo en la primera parte se ve acompañada de la leyenda sobre la creación del mundo y de Japón, con su propia versión de Adan y Eva. Esta se usa para explicar el presente, y de paso da un toque fantástico y hermoso al film. En conjunto, mas o menos se explica el nacimiento del shintoismo (“religión” por así decirlo, de la que no voy a hablar mas por que tampoco se demasiado).

Como siempre el aspecto más criticable para los menos conformistas serán los efectos especiales. Recuerdo que es 1959, dentro de lo que cabe tengo que decir que están bastante logrados (en comparación con otros de la época…). Pensándolo un poco, la magia de las leyendas está en no descubrirlo todo. Si creáramos los monstruos con última tecnología y los exhibiéramos para conseguir espectacularidad, lo que haríamos seria matar la leyenda: quitarle todo el mito.

Puede parecer que la acción es un elemento muy importante, pero solo se utiliza en su justa medida, que solo se desborda en la llegada final a Yamato. Como parte de la filosofía del film, se demuestra la superioridad del dialogo al combate, lo que quizás sea uno de los motivos en no poner demasiado entusiasmo en las escenas de violencia.

La banda sonora es una de las cosas mas destacables de “Nipón Tanjo”. Es bastante completa y no solo esta compuesta de piezas musicales y melodías, sino que los propios personajes en sus actos de celebración ponen coros y canciones tradicionales que personalmente aprecio siempre.

Es una película con actuaciones muy correctas por parte de todos los actores (especialmente Toshiro Mifune), que deja al espectador la posibilidad de llevar a cabo su propio análisis, mas o menos profundo, y cuya única preocupación será ver a Mifune con lazos en el pelo a modo de patillas.

Crazy First Love (2003)


Cuando las cosas salen mal
Por Master of Hate

Grandes actores no hacen una gran película, también hace falta la persona idónea que sepa como explotar el talento de esos grandes actores. Oh Jong-rok parece no haber tenido el tino suficiente para cumplir con esta meta. “Crazy First Love” es la primera y, hasta la fecha, única película que tiene en su haber y quizás aquí mismo hallen la respuesta de por qué.

Tae-il Son (Cha Tae-hyun) desde su más tierna infancia ha soñado con poder hacer realidad su amor por Il-mae Ju (Son Ye-jin). Todo intento de conseguirlo parece nulo ante Young-dal Ju (Yun Dong-geun), su maestro y padre de Il-mae, que no aprueba este amor básicamente porque Tae-il no hace caso a sus estudios a pesar de tener un coeficiente intelectual enorme. Por este motivo, Young-dal decide ponerle una serie de tareas que demuestren el potencial del enamorado, pero a la vez debe cuidar que Il-mae se mantenga pura y virginal hasta el día que su relación sea aprobada. El momento llega, y se cumplen todos los requisitos, pero Il-mae parece ya no estar deseosa de que su padre apruebe el romance, y se decide por otro hombre. Así empieza una nueva lucha, esta vez por reconquistar el amor perdido.

La idea no ha sido mala, pero hay que ser honestos y decir que Oh Jong-rok presenta fallos garrafales a la hora de desarrollar su historia y definir los personajes. El problema principal está en lo arbitrario que parece el orden de algunas escenas; principalmente en los primeros minutos donde una breve introducción da paso a una cinta que parece empezar en su ecuador. De allí en más, surge un gran problema con lo difícil que se hace conectar una escena con otra. En una comedia que sigue un orden cronológico, este tipo de problemas parece inusual, si embargo aquí está, y constituye un gran “pero” a la hora de disfrutar de lo que puede ofrece “Crazy First Love”

Hay algunas chispas de comedia, pero son poquísimas y hacen pensar en lo mal que se pueden hacer las cosas y desperdiciar el gran talento de los actores. Algo más que a mi juicio resulta poco astuto, es dar el gran giro dramático, puesto que llegado el momento, no hay bases para conseguir ningún impacto. Las actuaciones no ayudan en nada, especialmente Cha Tae-hyun (quizás más conocido como el chico de “My Sassy Girl”) que resulta escandaloso, molesto y poco agradable; en tanto que Son Ye-jin no trasciende más que por su belleza. Sin embargo, les libero de culpa ya que ambos han demostrado que bajo la dirección correcta son capaces de mucho más.

Seria cruel de mi parte recomendar esta película, pero sí quieren ver como de vez en cuando también aparecen algunas ovejas negras en la cinematografía coreana, pueden verla por unos minutos.

One Missed Call (2003)


La peor llamada recibida
Por Squareta

El teléfono de Yoko suena con una extraña melodía. Revisa su teléfono y se da cuenta de que ha recibido una llamada de ella misma, realizada un par de días después. Cuando llega aquel día, Yoko muere en extrañas circunstancias. Su amiga Yumi, escucha el rumor sobre la posible relación de la muerte de Yoko con una leyenda sobre unas llamadas que presagian la muerte. ¿Podrá Yumi saber que ocurrió realmente sin terminar involucrada?.

Película japonesa dirigida por un Takashi Miike que no lo parece. Con un horror en su estado más puro, casi ni se ve el típico drama que se acostumbra a ver en este tipo de films. Tampoco se ve el suspenso, por el contrario, se podría decir que el terror está enfocado de un modo mucho más occidentalizado.

Durante sus casi dos horas de duración se harán presentes las maldiciones, las muertes (que resaltan en lo singulares), ese sentimiento de no entender bien por qué están pasando las cosas y un terror que cada vez va cobrando más intensidad. Todo esto acompañado de unas débiles pinceladas de críticas a los medios de comunicación sensacionalistas y al abuso infantil.

Las actuación principal está a cargo de la actriz Kou Shibasaki, quien lleva a su haber una gran cantidad de películas, entre ellas “Battle Royale”, “Tokyo Raiders” y “Crying Out Love, in the Center of the World”. Junto con los demás actores nos brindan personajes convincentes que logran darle más puntos a la historia.

Innegable que el final parece haber sido sacado a última hora y que casi la mitad de la película se ve bastante convencional. Pero se salva con un par de escenas que provocan muy mala espina, destacando por sobre todo la escena del hospital, la que entre silencios y pasillos oscuros me hizo pasar un muy mal rato y que finalmente logró subirle mi valoración a este film.

En resumen, entretiene y logra asustarte. ¿Que parece que todo ya se había visto? En realidad sí, pero un poco más de sustos no le viene mal a nadie. Película correcta sin mayores pretensiones.

Waikiki Brothers (2001)


No music = no life
Por Master of hate

La vida de los músicos tiene fama de ser muy dura, sobretodo para aquellos que han dedicado tanto tiempo a esta noble pasión, pero que a la larga no han recibido mucho a cambio. Esto es precisamente lo que marca la historia que hallamos en ‘Waikiki Brothers” un grupo de músicos que luego de muchos años de tocar, se hallan en un momento muy difícil, pues cada vez se les hace más difícil vivir decentemente de la música. Desilusionados y con pocos ánimos de seguir, el grupo se va desmantelando y cada miembro va tomando su propio rumbo. Este desencanto parece marcar el final de los “Waikiki Brothers” pero quizás aún les quede una última esperanza.

No recuerdo haber visto una historia similar a esta. Por lo general, las historias de músicos, cantantes, y bandas siempre terminan apuntando para el otro lado, es decir, el grupo empieza siempre con problemas y dificultades, hasta que luego de una tenaz lucha consiguen la fama y la gloria que tanto anhelaban. Yim Soonrye nos demuestra que todo no es color de rosa en la vida de los músicos.

La historia tiene mucha lógica, y ataca precisamente las cosas que representan una barrera constante en la vida de un grupo. La pasión por la música, si bien alimenta el alma y el espíritu, no alimenta el estomago y es por eso que la cinta es muy honesta. De esta manera vemos los problemas monetarios que atraviesan los protagonistas, que viven miserablemente por la carencia de dinero.

Los personajes esta inteligentemente construidos ya que a pesar de que son un grupo a quienes el interés por la música ha mantenido unidos, hay notables diferencias en sus personalidades; llegando en algunos casos al extremo. Quizás esto cree la duda de ¿Cómo siendo tan distintos han estado tanto tiempo juntos? Esto quizás se justifica, ya que en momentos de crisis es cuando los problemas se multiplican y los trapos sucios salen a la luz, y es precisamente el mal momento que atraviesa el grupo, lo que alimenta todos estos conflictos.

El problema de “Waikiki Brothers” (si es que se puede hablar de uno) es que la historia resulta especialmente negativa sin un clímax identificable, por lo mismo, no es precisamente algo que entusiasme. Los personajes parecen ya condenados al fracaso y parecen tenerlo muy asumido. Lo que sí resulta interesante es el reflejo de un mundo cambiante, y las nuevas tendencias, que son básicamente el motivo por el cual lo tradicional caduca rápidamente. La búsqueda de la modernidad y la asimilación de un concepto más cosmopolita sugieren también la desintegración y el abandono de las raíces y lo más representativo de una cultura.

Entre el reparto hay nombres bastante familiares como Lee Eol (Samaria), Hwang Jeong-min (You Are My Sunshine), Park Won-sang (Hello Brother) y Ryu Seung-beom (Arahan) entre otros.

“Waikiki Brothers” es un largometraje que tiene un trasfondo muy amplio. Detrás del fracaso musical de un grupo, está también el cambio vertiginoso de una sociedad que se adapta a las tendencias y que reniega del pasado. Una cinta inteligente y muy útil para analizar estas perspectivas.

Saving My Hubby (2002)


La vida de casados
Por Master of Hate

Una de las comedias que puede ser una gran alternativa dentro del género, tanto por su trama como por su enfoque es ésta "Saving My Hubby". Un argumento simple, pero bastante original, da lugar a una aventura de lo más jovial con todo tipo de situaciones. La vida en pareja y a las dificultades que le sobrevienen, son parte de lo que nos ofrece Hyeon Nam-seob en su debut como realizador.

Jeong Geum-sun (Bae Du-na) y Han Ju-tae (Kim Tae-woo) acaban de convertirse en padres lo cual, se supone, es un motivo de alegría. La joven pareja, aún inexperta, parece no tener mucho control de la situación. El día no empieza nada bien para ambos, en especial para Jun-tae. Pero los verdaderos problemas vienen con los padres de Jun-tae, que deciden hacerle una visita repentina. La casa es todo un desastre y hay que prepararlo todo para su llegada; quedan pocas horas y parece que Geum-sun podrá manejar el asunto, hasta que un detalle lo estropea todo: Jun-tae ha desaparecido. ¿Existirá salida para nuestra adorable pareja?

Me complace decir que estamos ante una comedia de excelente manufacturación, que nos sumerge en los problemas cotidianos de una pareja joven e inexperta; todo esto desde un punto de vista jocoso y divertido. La cinta está llena de persecuciones, peleas y mil aventuras. Pero así como hay excelentes momentos de comicidad encapsulados en esta película, podremos ver de todo en las calles de Seúl, desde burdeles hasta gente desamparada en las calles. Me inclino a creer que todo eso no esta allí de adorno y que se intenta decir algo con muchas de esas escenas.

No escapa a la vista la actuación de Bae Du-na, que es simplemente genial en su rol de madre improvisada. Su papel dice muchas cosas y es que ejemplifica la típica actitud de las jóvenes que terminan siendo madres sin ninguna planificación. Su personaje ha visto truncada una carrera deportiva por esa falta de previsión. Sin embargo, termina aceptando su responsabilidad.

Entre gángsteres, secuestradores, bandidos y fanáticos, Geum-sun tiene que abrirse paso por las calles en busca de su desaparecido esposo. Esta divertida aventura no debe escapar de sus pupilas, así que considérenlo una recomendación personal.

Osaka Castle Story (1961)


Tokugawa VS Toyotomi
Por Fingolfin

Conocida también como “Daredevil in the Castle” y por su titulo original “Osaka jo Monogatari”, esta película es otra producción del fenomenal director Hiroshi Inagaki que había dirigido dos años antes “Nipón Tanjo”.

Mohei es un samurai vagabundo que llega a Osaka en busca de empleo. A su llegada se encuentra con un ambiente turbulento, ocasionado por la tensión entre los Tokugawa y los Toyotomi. Sin quererlo así, se ve inmiscuido en medio del embrollo, en una posición neutral que trata de evitar el enfrentamiento. Cuando el objetivo se estima imposible, se unirá a las filas de Osaka para el enfrentamiento, condicionado por su amor a Ai.

Toshiro Mifune protagoniza este film con una actitud bastante humorística al principio; detalles graciosos son por ejemplo la manera que tiene de mostrar que todo le cabrea, destruyendo comercios y peleando con todo el mundo. Además de Takashi Shimura (que no se pierde un film), tenemos la correcta actuación de Akihiko Hirata como Hayato Susukida.
Ahora llegamos a la parte que mas me interesaba comentar, que son las actrices femeninas. Nos encontramos ante todo un homenaje a las mujeres que en ocasiones solo consideramos “adornan” los films. Según se aprecia en el bonito cartel de izquierda a derecha son: Yoshiko Kuga (“Tales of the Taira Clan”) hace de la ciega Kobue de una forma prácticamente perfecta; Kioko Kagawa (“Nipón Tanjo”) es Ai, cuya relación con Mohei la convierte posiblemente en la mas importante de todas; Yuriko Hoshi (“Kill!”) da vida a la dama Osen, con bastante poco tiempo de escena y de la que prácticamente solo queda el nombre; y dejo para el final a mi favorita, Isuzu Yamada (“Shogun Samurai”, “Yojimbo”), que una vez me maravilló en “Throne of Blood” y que con su presencia en el papel de Yodo ya hace mas que muchos otros.

Personalmente me gustan mucho las películas de este estilo, muchos extras formando enormes ejércitos, muchos clanes, alianzas, y batalla final, todo ello adornado con buenos escenarios y velocidad en las tomas. Aunque el enfrentamiento llega en forma de narración tenemos alguna escena con protagonismo de Mohei.

Siempre intento valorar las películas de acuerdo al grado en el que cumplen su objetivo, y si bien tengo que decir que no será una de mis favoritas ni de las mejores, está bastante trabajada y entretenida. Merecedora de recomendación y posiblemente segundo visionado.

Throw Down (2004)


Sanshiro Sugata
Por KeNJi-KuN

Sze-To regenta un pub-karaoke en horas bajas. Antaño fue un afamado luchador de Judo hasta que decidió retirarse. Lleno de deudas ahoga sus penas en el alcohol. Un buen día conocerá a dos personajes, Tony, un joven saxofonista que va retando a la gente para demostrar su valía y cuyo ídolo es el mismo Sze-To; y Mona, una joven cuya única obsesión es triunfar en el mundo del espectáculo. Entre los tres se formará un curioso triangulo cuya unión casi simbiótica les servirá para salir de sus encierros emocionales.

Antepenúltima incursión cinematográfica de Johnnie To hasta la fecha, “Throw Down” es, seguramente, la película que más se desmarca de todas sus producciones. Una historia intimista no exenta de acción, pero si relegándola a un brillante segundo plano, en pos de una historia de claro mensaje moralizante que a la vez se convierte en un homenaje al maestro Akira Kurosawa, con claras reminiscencias a su cine, más concretamente a su obra “Sanshiro Sugata” (‘Judo Saga’).

Tal pretensión sale finalmente airosa, gracias a las cualidades de un film que, sin ser una obra maestra, se deja disfrutar como pocos por el amante al buen cine. El “estilo To” pese a las diferencias con su cine más habitual, está presente en todo el metraje, dejándonos algunas escenas repletas de buen hacer. Si en algo ‘falla’ To, es en resultar espectacular aún cuando presumo que en esta ocasión buscaba evitar dicho adjetivo. Cabe destacar una fotografía que hace especial hincapié en los claroscuros, así como una selectiva banda sonora, en la que hallaremos desde referencias jazzisticas hasta el más tradicional de los cantos japoneses.

Las actuaciones en general rayan a gran altura, esta vez los elegidos por To para los papeles principales han sido Louis Koo, Aaron Kwok, Cherrie Ying, Tony Leung Ka-Fai, Eddie Cheng y Lo Hoi Pang. Destacar el personaje de Jing, que pese a su escaso protagonismo, con su voz y su ‘carta de presentación’ regala algunos de los mejores momentos del film. Terminar con el telón de fondo, y gran personaje secundario, el Judo. Seremos testigos de alguna que otra llave espectacular, y en general, de buenos y bien filmados combates y coreografías.

“Throw Down” es una película que solo debería decepcionar a quienes buscasen en ella un film de acción, cine sin altibajos que se deja saborear sin dificultades, sabia y gustosamente ejecutado y dirigido. Una obra necesaria en una filmografía de un realizador como Johnnie To.

Lover (2005)

Miedo a olvidar
Por Master of Hate

“Lover” se viste de comedia romántica desde el principio, pero pronto deja caer el velo que la cubre y muestra su verdadero rostro. “Lover” cumple los requisitos de un buen melodrama, aunque esto no quiere decir que venga a revolucionar el género ni mucho menos; lo que sí deja en claro el director Kim Tae-eun es que no ha querido irse por lo convencional. Kim opta por el erotismo como característica más llamativa, conjuntamente con un tema que no pasa de moda y que por el contrario representa una especie de sello de los tiempos modernos.

Una atractiva mujer (Seong Hyeon-ah) ésta a punto de contraer nupcias luego de siete largos años con su novio. Un día conoce a un apuesto galán (Cho Dong-hyuk), que sin ningún reparo coquetea con ella. Extrañamente, coinciden en varios lugares y finalmente ella acepta hablar con él. A tan solo horas de conocerse, los improvisados amantes deciden ceder ante la pasión y viven momentos de increíble lujuria. Todo comienza como un juego para ambos; saben que no tiene futuro, y es por esa razón que intentan no poner sus sentimientos de por medio, el problema es que hay cosas que sencillamente son inevitables.

“Lover” me ha recordado un poco a la conocida cinta de Ha-Yu “Marriage is a Crazy thing” (con las escenas de sexo incluidas). Aquí las cosas se plantean tomando en cuenta tres elementos claves dentro de la pareja: amor, sexo, y dinero. Sin alcanzar el nivel de la película antes mencionada, “Lover” es aún capaz de analizar la importancia que tiene cada uno de estos dentro de la relación. Cada uno es libre de pensar como quiera, pero no es ningún disparate decir que la estabilidad económica es generalmente la base fundamental para una relación. Así es como vemos las cosas en “Lover”, en donde el dinero es sinónimo de compromiso, el sexo una aventura, y el amor es como una barco a la deriva.

Es posible pensar que, hasta cierto punto, el filme carece de profundidad suficiente, pero, por lo menos a mi parecer, existe un importante análisis y hasta crítica sobre lo que en realidad constituye una relación de pareja hoy en día. Esto lo corrobora el final, que no corresponde al de un filme conformista. Resulta sensato decir que la cinta cumple con su cometido al menos dentro del terreno que se limita a explorar.

Finalmente “Lover” termina siendo un largometraje consistente que deja muy clara su idea central: la felicidad es temporal. Si bien esto es de conocimiento general, no siempre veremos directores que estén dispuestos a llevar ese mensaje. Pero así como resulta fácil hablar de los aciertos de “Lover” se pueden hablar de algunas falencias que al menos en este caso sugiero dejar pasar.

Para finalizar, las notables actuaciones de Seong Hyeon-ah (Woman Is the Future of Man) y Cho Dong-hyuk terminan haciendo de “Lover” una película sencilla, directa y entretenida que no se complica innecesariamente en su intención de entretener y llevar un mensaje, algo obvio, pero mensaje al fin y al cabo.

April Snow (2005)


Consecuencias
Por Master of hate

Entre los realizadores surcoreanos más admirados y respetados, el nombre de Hur Jin-ho puede considerarse todo un referente. “Christmas in August” y “One Fine Spring Day” son obras memorables que ya quisieran muchos tener en su haber. De todas formas, el presente nos trae ésta “April Snow” que representa el tercer trabajo de Hur y la oportunidad de consagrarse definitivamente. Muy a mi pesar, tengo que comunicar que no hay consagración, tampoco aplausos ni ovaciones; tan solo un aprobado con voz leve sin más. He tenido que guardar los juegos artificiales que tanto habría querido usar tras el final de los 105 minutos de metraje de “April Snow”.

Me comentó un amigo, que por culpa de un sólo hombre la tasa de divorcio aumentó en Japón, y que a parte de eso, la demanda de vuelos a Corea creció debido a la cantidad de mujeres japonesas que querían viajar a Corea para ver a este hombre. No me va la prensa rosa, pero su seriedad me hizo buscar algo de información sobre Bae Yong-jun. Efectivamente, este hombre parece ser todo un fenómeno en tierras niponas, sobretodo en un sector muy bien definido. El verle como protagonista en el tercer filme de Hur me llenó de dudas. ¿Acaso veremos un cine más comercial? ¿Un producto pensado para exportar?

La trama inmediatamente trajo a mi mente el film “In The Mood For Love” de Wong Kar-wai. En realidad, no es que sea un calco, pero llega a parecerse bastante. Un accidente de coche deja en coma a sus dos tripulantes; un hombre y una mujer que parece ser pareja. ¡Oh! sorpresa, ambos eran simplemente amantes y quienes acuden al hospital tras ser notificados del accidente son sus respectivos marido y mujer. Tanto In-su (Bae Yong-jun) como Seo-young (Son Ye-jin) se dan cuenta de esto, aunque esta última parece no querer reconocerlo. Sin embargo al acudir constantemente al hospital, los esposos traicionados se encuentran una y otra vez, dando lugar a una relación cada vez más cercana.

Muy bien, resulta obvio que la historia en si ya representa un obstáculo por sortear. Mas allá de que se parezca a la mencionada película de Kar-wai o a cualquier otra con la que se le quiera comparar, “April Snow” no falla por la falta de creatividad en la trama, falla porque no dice nada nuevo, porque no brinda más que lo que se puede esperar de ella, porque no arriesga. El sello de Hur sigue allí, no resulta tan reconocible, pero es fácil ver que él y nadie más que él, esta detrás de todo esto. Sin embargo, todo intento por recrear sus obras pasadas se ve truncado y no alcanza el nivel de sus predecesoras. Pero ¿Es necesaria tal comparación?

Puedo decir con seguridad que In-su no es técnico de iluminación porque iba mejor con el personaje, o porque se le ocurrió a cualquiera durante los descansos. Las profesiones de los personajes, lo mismos títulos de las películas crean un nexo entre ellas, y eso sin contar con el modo de rodar que tiene Hur, que se repite constantemente. El problema principal radica en el contenido. “April Snow” es la primera película de Hur que, a mi juicio, le sobran algunas escenas y otras carecen de suficiente profundidad.

No tengo absolutamente nada en contra de Bae Yong-jun, es más, considero que su desempeño ha sido muy decente, pero no consigo dejar de lado la idea de que no dio la talla para el papel que le fue encomendado. Pero por otro lado, para propósitos comerciales, su aparición representa un gran imán. No hay nada que achacarle a Son Ye-jin, cuya trayectoria se hace más grande y su estrella brilla cada vez más, pero sin los aditivos que echa en falta esta cinta, no hay nada que destacar.

Como conclusión, y aunque suene duro de mi parte, es posible decir que Hur ha intentado copiarse así mismo intentando crear una historia profunda y emotiva; no falla rotundamente, pero queda muy lejos de lo que se podría esperar de él. Los seguidores de la carrera de Hur probablemente querrán ver esta cinta y no veo por qué no, el resto debería pensarlo dos veces.

Abe Ichizoku (1995)


Fidelidad eterna
Por Fingolfin

“The Abe Clan” es el titulo internacional del telefilm dirigido por Kinji Fukasaku en 1995, y que sin grandes pretensiones consigue mostrarnos una estupenda historia, basada en la novela de Ogai Mori. Existe un precedente de 1938 con el mismo titulo, y elaborada por Hisatora Kumagai, de la que no puedo decir mas, ya que no la he visto.

Abe Yaichiemon es un samurai con un alto estatus social (1100 koku) que se ganó los favores de su señor Hosokawa en anteriores batallas. Ahora su señor ha muerto, 18 de sus vasallos han cometido seppuku, y los rumores sobre la cobardía y lealtad de Yaichiemon le persiguen a sus espadas. Es por eso que finalmente se suicida aun desobedeciendo una orden directa de su nuevo señor, lo que colocará al clan Abe en una situación muy complicada.

Lo primero y realmente curioso es que haya sido un telefilm, y es que con películas de esta clase la televisión ganaría mucho. Pese a todo contamos con rostros bastante conocidos en el genero: Koichi Sato (Serizawa Kamo, “Shinsengumi NHK” y Hajime Saito, “Mibu Gishi Den”), Hiroyuki Sanada (Seibei Iguchi, “The Twlight Samurai”), Misado Watanabe (Okiwa, “Samurai Spy”), y Tetta Sugimoto (Tokugawa, “Samurai Resurrection”).

El uso habitual de la cámara lenta en momentos dramáticos obliga en ocasiones a los personajes a sobreactuar claramente, y quizás sea esa la única crítica que puedo hacer a sus actuaciones.

“Abe Ichizoku” pone de manifiesto muchos valores de la sociedad samurai que contrastan fuertemente con los de hoy en día. La fidelidad a su señor, representada en los 19 suicidios tras su muerte, que mas tarde obliga a los hombres a luchar contra sus amigos. La fidelidad y obediencia al cabeza de familia, al que le prestan total entrega y cuya función es importantísima para mantener la estabilidad familiar.

Otro tema que ya ha aparecido en muchas otras películas es el de la decadencia de los pequeños clanes y los samuráis sin señor en tiempos de paz, su reinserción es prácticamente imposible y quedan relegados de por vida.

Como nota final, elogiar el rodaje y el empeño puesto por Fukasaku para hacer de “Abe Ichizoku” mucho más que un simple telefilm.

Red Lion (1969)


3 dias para cambiar el mundo
Por Fingolfin

Kihachi Okamoto dirige esta interesante película cuyo titulo original es “Akage”. Nos representa de una forma desenfadada e incluso humorística en ocasiones, el cambio de era en Japón, y la marcha del ejercito imperial hacia Edo.

La tropa de Sekiho recibe el encargo de avanzar en vanguardia de las fuerzas del emperador, poniendo a los ciudadanos a favor de la restauración, y evitando de esa forma el enfrentamiento con los soldados. Gonzo es uno de los miembros de la tropa, y se le concede el favor de regresar a su pueblo portando la melena del león rojo, símbolo del comandante de Sekiho. Una vez allí, llevara a cabo su restauración particular.

Sinceramente me ha parecido magnifica la forma en la que se ha llevado el film, con un Toshiro Mifune en el papel de Gonzo que aporta ese toque de humor que antes mencionaba. El resto de actores del cartel se comportan también de una forma muy acertada, y he podido apreciar una de las cosas que mas me gustan en las películas del gran Akira Kurosawa, y es la entrega de los extras. Cada personaje da todo lo que tiene por pequeño e insignificante que sea su papel, y eso es muy importante para conseguir un gran film.

Bajo el grito de “está bien, está bien, no importa”, la población de Japón ve en la restauración el cumplimiento de todos sus deseos: la igualdad, la felicidad, y el cambio. Las personas mejor posicionadas ven en este movimiento la caída de sus privilegios, e intentan desesperadamente la supervivencia del Shogunato. Sin embargo como casi siempre sucede, la teoría queda muy lejos de la práctica.

La acción es un elemento secundario que respalda al film como se merece, y nada enturbiada por la presencia de escopetas y pistolas. Así mismo la banda sonora consta de muy pocas piezas, pero muy hermosas (especialmente la melodía principal).
Resumiendo ahora un poco la referencia al vestuario, la fotografía y los escenarios, le doy un aprobado bastante amplio.

Una gran película que muestra a través del humor cómo una vez más las teorías mas hermosas se convierten en las acciones mas repulsivas. Otro gran éxito de Kihachi Okamoto.

High School Girl Get Married (2004)


¿El matrimonio o la muerte?
Por Master of Hate

Basado en una vieja leyenda, “High School Girl Get Married” cuenta la historia de Pyung Gang (Lim Eun-kyeong) una jovencita, que de acuerdo a una adivina, debe casarse antes de cumplir los dieciséis o de lo contrario solo le espera la muerte. A poco tiempo de cumplir la edad indicada Pyung sufre ciertos percances que hacen que la premonición se tome cada vez más en serio. Para su alivio, On-dal Park (Eun Ji-won) es un estudiante recién ingresado, se convierte en su salvación. Pero ¿Podrá la chica mala de la secundaria ganarse el corazón de este joven tan ingenuo?

“High School Girl Get Married” hace uso casi desmesurado de chistes gráficos, y aunque resulten muy directos y predecibles, algunos ciertamente causan gracia. Para ejemplificar el asunto, podría referirme a algunas escena que tienen un toque muy a lo “anime”. La trama es de lo más simple y está muy distante de ofrecer algo más que secuencias de humor y picardía. Comparándola argumentalmente con “He Was Cool”, se me ocurre que no son tan distintas, pero en éste caso, la historia no pretende ser seria, ni tan sólo un instante; va de lleno a las bromas. De todos modos, a estas diferencias no les puede atribuir un valor demasiado alto, ya que si no es el tipo de humor que se espera, no habrá manera de seguirla y pasaría a ser su punto más endeble.

La abundancia de este tipo de comedias juveniles es notable, sin embargo muchas se valen íntegramente del componente cómico para salir airosas. En caso en particular no se me ocurre aprobarla o desaprobarla, sino más bien hablar de lo que puede ofrecer y a quien le puede interesar.

Las actuaciones no han estado mal, pero quizás habría que destacar a Park No-shik ("Memories of Murder") que considero, es quien más aporta en risas. Lim Eun-kyeong ("Resurrection of the Little Match Girl") tiene también un buen desempeño, sobretodo a la hora de repartir palizas. Lamentablemente, la carencia de un mejor guión deja las cosas a medio camino.

No quedé impresionado por ésta que es la opera prima de Oh Duk-hwan, y tampoco me atrevo a recomendarla, debido a la cantidad de cintas similares que cuentan con un mejor balance, y que sí resultan ideales cuando de ver comedias se trata. De todos modos ustedes tienen la última palabra.

My Wife is a Gangster (2001)


¡Qué afortunado!
Por Master of hate

Otra de las comedias que tuvo una gran aceptación no sólo dentro sino fuera del mercado surcoreano es "My wife is a gangster" del realizador Cho Jin-gyu. El notable éxito que le sobrevino a esta película daría el visto bueno para continuar con dos secuelas más (y quien sabe si después haya más). Esto, indudablemente, reafirma el gran éxito de las comedias que aún son un producto “marca de la casa”

Shin Eun-Kyung interpreta a Cha Eun-jin, más conocida como Mantis, toda una leyenda en bajo mundo, y además segunda al mando de un grupo organizado de la magia. El encuentro con su “hermana” tras años de separación, cambia su futuro ya que a ella le quedan poco tiempo de vida; su última voluntad es que Cha consiga un esposo. La noticia toma por sorpresa a Cha, quien no puede negarse a esta petición por más descabellada que le parezca. Cumplir este deseo resultara todo un reto, pero mientras esto ocurre, un grupo rival planea apoderarse de la zona. Problemas y más problemas es lo que se vienen.

La trama es interesante pero sobretodo cómica, debido al tipo de persona que es Cha; su masculinidad y estatus hacen difícil asociarla con los modelos habituales de la mujer. Esto a su vez, deja ver el desconcierto que causa el estatus de Cha en un modelo de sociedad que tiene asignados roles muy marcados tanto para el hombre como para la mujer. Por el otro lado Kang Su-il (Park Sang-Myeon) se presenta como un marido muy típico en su accionar. Cumple su papel dentro de las expectativas de la sociedad. Esta desatinada mezcla, fruto de la desesperación, está lejos de tener ninguna química, pero precisamente esto es lo que más llama la atención.

Se podría decir que el plato fuerte en esta cinta es la comedia, no hay nada que decir con respecto a ello; sin embargo no se han escatimado esfuerzos en crear secuencias de acción vertiginosas y de gran manufacturación. En resumidas cuentas tenemos el menú completo; comedia, y acción, secundadas por la gran actuación de Shin Eun-Kyung, cuyo personaje es tan agresivo como simpático, y Park Sang-Myeon ("Liberame") que parece nacido para hacer reír.

"My Wife is a Gangster" no es el epitome de la comedia coreana, pero si se le puede considerar una de las cintas del género mas representativas que se han hecho en este país. Hay muchos detalles sobretodo dentro del contexto social, que aportan en riqueza al filme. Una comedia bien balanceada siempre es gratificante, y en este caso tenemos un buen ejemplo de ello.

Demás esta recomendarla, ya que para muchos, esta fue puerta de entrada hacia la cinematografía coreana, así que se trata de un visionado obligatorio.

An Actor´s Revenge (1963)


Ni hombre ni mujer; actor
Por Fingolfin

Yukinojo es un actor de teatro que busca vengar la muerte y agonía de sus padres, para ello tendrá que eliminar a los que provocaron su desgracia. Sus dotes de actor y su habilidad con la espada adquirida en la juventud, le permitirán acercarse a las personas mas influyentes y doblegarlas a su voluntad.

Esta es la joya de Kon Ichikawa, titulada “Yukinojo Henge” y que basada en la novela de Otokichi Mikami, tiene como precedente la que dirigió Teinosuke Kinugasa en 1935 con el mismo titulo.
Una vez mas me han fallado las expectativas, y lo han hecho para bien, porque no esperaba encontrar un nivel tan alto en el film.

Lo primero que llama la atención es la forma de venganza. Nuestro protagonista no busca la muerte de sus enemigos como habitualmente sucede; busca su destrucción. Quiere que sufran, que lo pasen mal antes de morir, que agonicen. Y no vayamos a pensar en torturas físicas ni ninguna otra barbaridad, su venganza va mas enfocada al terreno psicológico, favorecida por su calidad como actor.

El director consigue mostrarnos lo que he considerado oportuno llamar “una obra de teatro”. Los escenarios son como los decorados que aparecen detrás de un escenario, y el juego de luces es realmente espectacular. Estas se centran en los actores para enfatizar sus interpretaciones, y se mueven con total maestría para controlar la atención del espectador y no distraerlo.

Esta vez tengo que alabar a Kazuo Hasegawa, (que ya participó en la versión de 1935 con otro papel). No se limita a deleitarnos con la actuación de Yukinojo, sino que además encarna a otro de los protagonistas del film: Yamitaro. La verdad es que no me di cuenta de que eran el mismo actor hasta que en la propia película se menciona el parecido de los dos personajes, a partir de ese momento parece algo evidente, e incluso me pregunto como lo he pasado por alto (supongo que el maquillaje y la voz tuvieron algo que ver). Matricula de honor para Hasegawa.

Muchas veces nos dejamos llevar por la fama y la leyenda de algunas películas clásicas a la hora de definir su calidad, pero las que realmente marcan a una persona son las que no se espera. Esas películas de las que jamás has oído hablar y de las que no aguardas mas que un rato de entretenimiento, pero que te dejan ensimismado de principio a fin. Excelente, y altamente recomendable.

Rain (2005)


Podría ser peor… o tal vez no
Por Casandra

Después de ver este film, pensé que tal vez los saltos y modificaciones en la historia obedecían a un intento por fragmentar el relato a fin de lograr un distanciamiento del espectador. O que quizás debía leer simbólicamente los video clips musicales insertados en el film... o que podría funcionar como parodia al género... hasta que decidí enfrentar los hechos: “Rain” es una película mediocre.

Difícilmente pueda reconstruirse el argumento. El planteo inicial presenta a Sandhya, una escritora ciega que recibe en su casa a un periodista para realizar una entrevista. De ahí en más, el argumento sufre cambios y vueltas de tuerca que abren subtramas sin una lógica clara.

Pero no sólo falla la concepción de la historia sino que los diálogos adolecen de poca verosimilitud. No aclaran sino que confunden más al espectador. No es que el guión sea confuso, sino que resulta totalmente incoherente.

Los cambios importantes de la trama están señalados con números musicales, canciones cantadas por los protagonistas (interpretadas en realidad por cantantes profesionales, no por Himanshu Malik y Meghna Naidu). La concepción de estos cuadros no agrega intensidad ni tampoco información. La música se limita a subrayar y anticipar los momentos de mayor tensión. El problema no es que funcione como música incidental sino que lo hace con una grandilocuencia que convierte en ridículos momentos que debían tener gran fuerza dramática.

La puesta en escena de Amol Shetge no ofrece ningún aspecto destacable. Algo similar ocurre con las actuaciones. Las interpretaciones de Himanshu Malik y Meghna Naidu no hacen más que reforzar la mediocridad general del film.

Si junto con los premios a las mejores de 2005, el Freak Movie Team premiara a los peores, “Rain” sería sin duda una firme candidata en varios rubros.

Miyamoto Musashi: Duel at Ichijoji Temple (1955)


Aprendizaje
Por Fingolfin

Tras emprender su camino como samurai y renunciar al amor de Otsu, Musashi recorre el país en busca de contrincantes para poner a prueba sus habilidades. Su actitud continúa siendo demasiado impetuosa, y no encuentra problemas a la hora de matar.
La escuela Yoshioka es el obstáculo mas grande que se presenta ante él, y su enfrentamiento con el instructor se hace cada vez mas difícil ante los ataques de sus discípulos.

Hiroshi Inagaki dirige la segunda parte de “Miyamoto Musashi”, al año siguiente de la primera. Nos brinda ahora un completo dossier de personajes, mucho mas numeroso que en su predecesora, y en el que se intenta mantener a todos en primer plano, no dejándolos caer en el descuido y el olvido.

Además de hacer frente a los constantes enfrentamientos con los estudiantes de la escuela Yoshioka, Musashi encontrará su mayor preocupación en la abstinencia. El camino que ha elegido de una forma tan exigente le obliga a no tocar a las mujeres, y a no probar la bebida, dos cosas que para muchos son imprescindibles en la vida de un samurai. La resistencia de nuestro héroe se mantiene firme y solo tiene un momento de debilidad en todo el film, hasta retomar su camino de nuevo.

Es importante ahora mencionar la actitud que tienen los maestros importantes ante el hecho de que sean desafiados por lo que para ellos no es mas que un salvaje de pueblo. Es algo que posteriormente se repite en la película moderna “Fighter in the Wind” (que por cierto guarda una relación bastante importante con la historia de Musashi).

Las coreografías están bastante bien trabajadas, mucho realismo y pocas o ninguna fantasmada. Tenemos un equilibrio mas o menos estable entre los duelos individuales y los combates de grupo, y solo añadir que es aquí donde aparece ese famoso fotograma de Mifune-Musashi con la cinta amarilla en la frente, y dos espadas arriba y abajo (que podemos ver en el cartel).

Nuevamente escenarios y fotografía están al nivel de lo esperado, y solo puedo criticar la excesiva oscuridad, que como tantas otras veces nos hace perdernos muchos detalles tanto de combate como de situación.
La música es exactamente igual que la primera parte, y espero que también lo sea en la tercera, por que es algo increíblemente fantástico.

Ademas de Toshiro Mifune, cuyo tiempo en pantalla ahora queda un poco limitado en comparación con el omnipresente Takezo, destaco ahora el trabajo de Akihiko Hirata como Seijuro Yoshioka (“47 Ronin”, “Samurai Assassin”), Kaoru Yachigusa (“Samurai Assassin”) como Otsu, y Mariko Okada (“The Fall of Ako Castle”) como Akemi, además por supuesto de la entrega de los otros muchos actores secundarios que aparecen en escena.

Aunque consciente de que objetivamente la calidad es inferior a la de la primera entrega, tengo que decir que me ha gustado bastante más, estoy seguro que no seré el único al que haya dado esa impresión.

Champion (2002)


Matar o morir
Por Master of Hate

Uno de los directores que inyecto una gran dosis de vitalidad a la actual explosión del cine surcoreano es el realizador Kwak Kyung-Taek, que hace algunos años rompía record en taquillas con su conocidísima “Friend”. Pues bien, su siguiente trabajo jamás igualaría el éxito de “Friend” pero esta comparación, no es un buen referente, ya que “Champion” es una cinta sumamente interesante que no debería pasar desapercibida.

No soy muy fanático del boxeo, pero siempre estas películas resultan muy acertadas bajo la estética de nuevos directores, y así quedó demostrado con “Crying Fist”. “Champion” no solo es la historia de un boxeador, más que eso, es la historia de Kim Duk Koo que por el año 82 hacia noticia al enfrentar a Ray Mancini en lo que fue la disputa del título de campeón mundial en la categoría de los pesos ligeros. Quienes conozcan toda historia sobre el incidente, sabrán el final del mismo y sobre cuanto influyo en cambiar las reglas en el deporte de los guantes.

“Champion” resulta un drama muy bien logrado, con una dosis justa de peleas en el cuadrilátero. Contrariamente a lo que pueda parecer, no se hace demasiado caso a llevar las peleas a un primer plano; lo que se resulta un elemento significativo es el análisis de Kim Duk Koo como ser humano y como deportista. El relampagueante ascenso de Kim como boxeador se ve acompañado por un evidente cambio de actitud y eso es un punto extra a la hora de valorar el film.

Las actuaciones son una vez más (como siempre) un pilar fundamental que complemente esta gran cinta. Yu seong Yu, repite la gran actuación que tuvo en “Friend” y otras películas, aunque su talento no es novedad. Quien si puede sorprender a más de uno, por su gran carisma y entrega es Chae Min-seo, que debutó en la pantalla grande precisamente en esta película.

En Corea del Sur se ha convertido en una tendencia importante llevar a la pantalla la vida de figuras representativas del deporte, se me ocurren; por ejemplo “Mr Gam’s Victory” y “Rikidozan” o la misma “Marathon” que fuera un éxito el año pasado. Seguramente hay muchas más, pero en el caso que nos concierne ahora, “Champion” debería ser tomada en cuenta por lo ya mencionado anteriormente: Sus actuaciones, y sobre la mirada de Kim como persona tanto como deportista. También resulta acertada la ambientación, pues veremos una Corea del Sur muy distinta a la de ahora, una Corea con muchos problemas sociales, con falta de oportunidades, y sin el poderío económico con el que cuenta hoy.

La conclusión no puede ser más simple: “Champion” es un excelente drama, digno de uno o más visionados que no dejara indiferente al público más exigente.

Breaking News (2004)


Luces, cámara…
Por KeNJi-KuN

Hong Kong, 2004. Una unidad móvil de televisión deja en evidencia al cuerpo de policía al registrar las imágenes de una vergonzosa actuación de los agentes en una escaramuza con la banda de ladrones liderada por Yuen. Para recuperar la credibilidad perdida, la policía realiza un despliegue de efectivos sin precedentes: al cargo, la comandante Rebecca Fong se marca el doble objetivo de capturar a los criminales, parapetados en un laberíntico edificio del centro, y de ofrecer un espectáculo sin precedentes ante 6 millones de espectadores. Lo que Fong ignora es que en el mismo edificio se esconde una banda de asesinos que carga también contra sus hombres: la operación se complica. Para colmo, entre las varias unidades policiales desplegadas surge un inevitable conflicto de intereses y la prensa, ávida de noticias, se impacienta... El show ha de continuar por encima de todo.

El cantonés Johnnie To (“Election” entre otras) es el encargado de dirigir este thriller de acción con trasfondo de crítica hacia los medios de comunicación más cercano a la línea de su productora ‘Milkyway’ que algunas de sus mas recientes producciones. “Breaking News” se muestra sólida en todo momento, To nos regala un alarde técnico de dirección. Su manejo de los tiempos y el pulso narrativo es envidiable, y que decir de sus juegos de cámara y el desarrollo de la acción. El conjunto queda entretenido, hábil y dinámico, sin abusar de pretensiones, y supone a la par que un buen film, un espectáculo en su justa medida y metraje. Destacar su banda sonora, que con una discreción encantadora, supone un inmejorable acompañamiento cuando toma escena, apuntando anecdóticamente algunos pasajes de aires árabes en su composición.

Como a la dirección, nada se puede reprochar a las interpretaciones del film, destacables en su totalidad. Protagonizan la cinta Nick Cheung, Kelly Chen, Richie Ren, Lam Suet, y Hui Siu-Hung entre otros. Su montaje y fotografía están a la propia altura del conjunto.

No podía quedar sin comentar el majestuoso plano secuencia de 10 minutos (aproximadamente la capacidad de una bobina de 35 mm) con el que se inicia “Breaking News”. Si Johnnie To no existiera, habría que inventarlo.

Art of Fighting (2006)


Todo tiene un límite
Por Master of Hate

Byung-Tae (Lee Hyun-kyoon) es un chico muy sencillo y pacifico que va a una escuela técnica, sin embargo, su carácter no le favorece en mucho ya que un grupo de malandrines que va a la misma escuela, le hacen la vida imposible. Paliza tras paliza Byung-Tae llega al límite y decide buscar alguien que le instruya en el arte del combate. Sus primeros intentos no dan resultado y solo empeoran la situación, pero un misterioso hombre llamado Man-su (Baek Yun-shik) se cruza en su camino. Al parecer Man-su es el único capaz de enseñarle algo valioso a Byung-Tae y quizás no sea sólo a usar los puños.

“Art of Fighting” es la carta de presentación de Shin Han-sol que no impresiona, pero sí deja un buen sabor de boca por lo que deja plasmado en esta cinta. Qué el titulo no nos engañe, “Art of Fighting” tienen escenas de acción pero no demasiadas. El complemento aquí ha sido la comedia, y resulta una sabia decisión porque se ha conseguido un buen balance con una historia sencilla y accesible. Ahora, esta claro que los que esperan acción a raudales o la película del año deben controlar su entusiasmo, porque lo que hay aquí no da para nada de eso.

Para bien o para mal, se ha prescindido del drama casi en su totalidad. Por otro lado, cabe señalar que no hay un desarrollo importante por parte de los personajes secundarios. A excepción del dúo protagónico, poco o nada de sabe del resto; sus intenciones y motivos quedan relegados a un segundo plano. La relación maestro-alumno tampoco es lo que la típica y aquí tiene mucho que ver la personalidad del mentor que no es el modelo de sabiduría convencional.

Personalmente lo que más me gusto, y que usualmente forma parte de muchas cintas coreanas, es el realismo con el que se muestran los personajes. Byung-Tae aprende a pelear y aprende de la vida; sin embargo contrario a lo que pueda parecer, sigue siendo el mismo. En ningún momento se vuelve una maquina de matar, ni es capaz de hacer papilla a sus rivales de la noche a la mañana. Todo se hace a la medida de las posibilidades lo cual es mucho más creíble.

La música elegida ha sido muy variada, pero destacan algunas melodías en plan blues, que me llamaron la atención; y sobretodo la melodía de los créditos finales (ya verán porque)

Tenía cierta curiosidad en esta cinta sobretodo por ver la actuación de Byung-Tae después de su silencioso papel el 3-Iron. Finalmente, he de decir me ha convencido y ahora que le he podido ver en un papel radicalmente distinto corroboro que es capaz de seguir siendo protagonista bajo la tutela de otro director.

“Art of Fighting” sigue siendo un filme interesante, mantienen un buen nivel y se hace fácil recomendarlo, sin embargo no es el bombazo del año, ni la película que definitiva de este 2006.

Kiru (1962)


Hijo del destino
Por Fingolfin

Takakura Shingo es un joven samurai que adquiere experiencia y entrenamiento en su afán por viajar. A su regreso consigue ganarse los favores del señor del clan, impresionado por su particular postura de combate. Este favoritismo detonará los rumores sobre su adopción, y finalmente su vida tendrá que cambiar.

En 70 minutos Kenji Misumi construye una historia de calidad bastante relativa. Desde su mismo comienzo es apreciable que no va a conducir a ninguna parte, y sea cual sea el final, toda la trama parece fruto de la casualidad.

Las coreografías de grupo como siempre con este director trata a los rivales como monigotes, siendo cada uno de ellos derribado por un solo golpe (habitualmente cruzado). Las tomas de combate son laterales, sin cambios de cámara, y de un tirón, lo que es de agradecer, ya que la posición de los samuráis y sus movimientos están perfectamente trabajados.
En este film Raizo Ichikawa (Takakura Shingo) utiliza una postura bastante peculiar, y al igual que en “Satan´s Sword” le otorga una enorme ventaja. Los momentos previos al combate están bañados del particular uso de la tensión de Kenji Misumi, con continuos cambios de cámara a primeros planos, y a tomas lejanas.

Los escenarios son muy simétricos, y me permito destacar el castillo del final del film, un autentico laberinto manejado con cámara desde el aire. La banda sonora se resume en esa estridente e infernal melodía de incertidumbre que caracteriza al director.

Con sus 70 minutos de duración contrasta el tiempo que abarca el film. Si mal no recuerdo la primera vez que Shingo aparece en pantalla ocurre 9 años antes de la última. Cada una de las tres etapas temporales viene distinguida por el peinado de Raizo Ichikawa. Primero con la cabeza rasurada, luego con su look habitual, y finalmente con un toque más elegante.

La historia me ha parecido simple y floja, pero su duración y el entretenimiento probablemente harán que merezca la pena volver a verla cada cierto tiempo.

One Fine Spring Day (2001)


El sonido del adiós
Por Master of Hate

Sang-woo (Yu Ji-tae) trabaja como técnico de sonido para doblajes de televisión. Junto a su padre, su tía y su abuela, Sang-woo pasa los días calmado y distraído en las afueras de la ciudad, aunque siempre pendiente de esta última debido al sufrimiento que le causa la perdida de su esposo, cosa que no es un hecho reciente. Más adelante Sang-woo se entera de que su abuelo tuvo otra mujer, pero a pesar de esto, la abuela aún le demuestra un cariño inquebrantable. Sang-woo consigue un pequeño trabajo adicional y conoce a Eun-su (Lee Yeong-ae). Esto marca el inicio de una relación amorosa súbita que cambiará la vida de ambos.

Segunda película de Hur Jin-ho, director de nada más y nada menos que “Christmas in August.” Un precedente así, es imposible de obviar y que por el contrario, puede ser muy útil para valorar el estilo de este gran realizador. “One fine Spring Day” ciertamente comparte multitud de matices con su predecesora, pero a su manera. Toda la sensibilidad y el culto a lo simple, características del cine de Hur, esta aquí. En esta ocasión incluso podríamos hablar de un cierto efecto “deja vu” ya que la trama se presta mucho a que nos sintamos identificados con ella.

La historia se desarrolla en un intervalo de unos pocos meses. El transcurso del mismo es tan espontáneo y natural que en ningún momento las cosas parecieran ocurrir con premeditación. La relación que nace entre los protagonistas es entrañable, pero se hace evidente que los intereses y las espiraciones de ambos son distintos, por lo que la balanza pierde su equilibrio. Obviamente el trabajo de Yu Ji-tae (Natural City, Oldboy) y Lee Yeong-ae (JSA, Sympathy for Lady Vengeance) es escencial en todo momento.

La mayoría de las escenas gozan de una simpleza y elegancia únicas, que se complementa con la gran cantidad de detalles que se ponen a disposición del espectador. Otra característica a tomar en cuenta es que los diálogos no abundan; en su lugar se prefieren las expresiones corporales, simbolismos, el silencio y muchas otras alternativas. Las tomas son generalmente largas, con poco movimiento de cámara y mucha pasividad. Si estas armas se sabe usar correctamente, resulta todo un deleite ver pasar cada fotograma y descifrar su silencio. Hur es alguien que sabe su oficio muy bien y se vale de esos elementos para llenar de magia cada escena. La música ha sido cuidadosamente seleccionada para intercalarse con los sonidos de la naturaleza que, como no podía ser de otra manera, tienen un rol privilegiado desde el primer instante.

“One fine Spring Day” es de esas cintas que consiguen mucho con poco; y que no se me malinterprete por esto. Lo que quiero decir es que historias de romance, de amor, de dolor y todo lo que ocurre en una pareja, abundan y hasta sobran; pero es la manera llevarlo a cabo la que determina su trascendencia. En este caso no hablamos de un largometraje cualquiera, hablamos de uno que fácilmente podrá perdurar en nuestros corazones por mucho tiempo.

Phone (2002)


No contestes tu teléfono
Por Squareta

Ji-Won es una periodista que acaba de publicar un artículo sobre pedófilos. Al parecer alguien no quedó muy contento con su artículo y se lo demuestra con llamadas intimidantes. Para prevenir cualquier intento de venganza, Ji-Won decide cambiarse de casa y de número de teléfono. Pronto, las llamadas amenazantes preocuparán menos que los extraños sucesos que comenzarán a ocurrir a su alrededor.

Byeong-ki Ahn se aprovecha del boom del cine de horror oriental post-Sadako para traernos su segunda película, y de paso lograr un gran éxito en taquilla. Con un comienzo bastante superficial se nos muestra la historia de la típica joven acosada por un psicópata, pero mientras transcurre la cinta poco a poco se va a ir desligando de esta historia para ofrecernos otra, una mucho mejor por cierto, y no sin antes pasar por unos buenos momentos de drama con bastantes dosis de horror.

Sin salvarse de los vacíos argumentales y de las escenas predecibles, Phone logra su cometido, asustar e impactar en algunas escenas, algo que sin duda no se habría logrado de no ser por el protagonismo de una pequeña niña, Yeong-ju, interpretada por Seo-woo Eun y que con su estupenda actuación sacó más de un susto.

De este modo, esta película se cataloga como una de esas que logra conseguir mucho con muy poco. Es innegable que de original no tiene casi nada, limitándose sólo a agregarle un teléfono a una historia ya conocida. Pero a pesar de esta gran crítica, su resultado general es positivo.

Para los recién iniciados al cine de horror oriental les parecerá una buena película, que logra mantener el suspenso y sacar más de un susto. A los fanáticos de este tipo de cine les va a parecer una copia de otras tantas y que sirve sólo para pasar una tarde entretenida. Personalmente pienso que Phone es recomendable dentro del género.

Salaam Namaste (2005)


Él dice, ella dice
Por Casandra

Con “Salaam Namaste”, el director Siddharth Raj Anand nos trae una comedia romántica que entrega lo mejor del género y lo mejor de Bollywood. La acción se desarrolla en Melbourne, y narra la historia del romance entre Ambar, estudiante de medicina y conductora de un programa de radio y Nick un arquitecto y chef. El malentendido entre ambos, y el enamoramiento posterior se da en la primera media hora del film, dejando más tiempo al desarrollo de la relación.

La estructura adopta el modelo clásico de la comedia romántica, con equívocos, romance, chistes, personajes simpáticos y queribles. Las canciones juegan un papel fundamental en la narración, exteriorizando los sentimientos de los protagonistas y resumiendo a modo de sumario las acciones que no se muestran.

A nivel de la puesta en escena, el manejo de cámaras imprime a la imagen un ritmo vertiginoso, claramente emparentado con la estética del videoclip musical.

El guión está centrado en los conflictos entre la pareja protagónica después del enamoramiento, y en cómo intentan superar las diferencias que los separan. Hay incluso cierta crítica a los inmigrantes indios en Australia, con un personaje disfrazado como Cocodrilo Dundee que lleva la parodia al punto máximo. Mientras Nick vive como un australiano más, Ambar ocupa un lugar de tensión entre la tradición india y su constante transgresión, abandonando su país, negándose al matrimonio repetidas veces, trabajando y conviviendo con un hombre sin casarse. Pero a no preocuparse mucho por esto, como toda comedia romántica, en el desenlace, se reestablece el orden.

Saif Ali Khan (Nick) y Preity Zinta (Ambar) son jóvenes, lindos, tienen muy buena química en pantalla y un excelente timing para la comedia. La rapidez del diálogo en las discusiones así como los pasos de comedia a partir de las acciones físicas, recuerdan a la screwball comedy norteamericana de los años treinta.

En suma, “Salaam Namaste” es una comedia romántica fresca y divertida, con buenas actuaciones y una puesta en escena ajustada a las necesidades del guión. Una buena oportunidad para acercarse al cine de Bollywood.

Samurai Wolf (1966)


Nº1 en servicio de mensajeria
Por Fingolfin

“Samurai Wolf” y su continuación al año siguiente, fueron las últimas películas de Gosha antes de adoptar ese estilo narrativo característico que llevó a sus siguientes films a duraciones por encima de las dos horas.

74 minutos de cine no dan para mucho, así que como es lógico el argumento hace gala de una sencillez apabullante. Dos grupos de mensajeros compiten por el trabajo y la supervivencia. Uno de ellos está dirigido por Ochiha, una mujer ciega llegada al liderazgo por herencia; el otro lo dirige Kumikiri, que con sus asesinos a sueldo hace la vida imposible a sus rivales. En medio de este problema aparece la figura de Kiba Okaminosuke (Isao Natsuyagi), cuya unión a Ochiha detonará la batalla.

Las únicas complicaciones que surgen conforme avanza, son las relativas al último y mas importante de los encargos. Llegados a ese momento, un montón de mercenarios, yakuzas y asesinos van eligiendo cual va a ser su postura con respecto al oro, y se agruparan conforme a su decisión.

La acción al principio se nos presenta a cámara lenta, bastante lograda, pero poco atractiva la ausencia de sonido. Posteriormente la oscuridad será un problema para el espectador, y una bendición para el director, ya que esconde con ella algunas tomas bastante malas.

Creo oportuno prescindir de comentar las actuaciones de los personajes, ya que a grandes rasgos se puede decir que aquí no actúa nadie, solo se lucha y se explica por que se lucha. Quizás las mujeres sean las únicas que tienen algo mas cercano a una interpretación, pero tampoco demasiado destacada.

En resumen, si estas buscando algo sencillo y entretenido sin grandes exigencias, puedes encontrar en “Samurai Wolf” un rato de ocio. Para el resto no es mas que una película del montón.

Miyamoto Musashi (1954)


De animal a samurai
Por Fingolfin

Takezo es un joven del pueblo de Miyamoto que ansía convertirse en un samurai y ganarse la fama como guerrero. Su actitud es reprobada por todos los que conviven con él, y prácticamente es un forajido. El sacerdote Takuan será quien guíe sus pasos para transformarlo en el mayor samurai que Japón ha conocido jamás: Miyamoto Musashi.

Si Musashi es la leyenda mas grande de Japón, Toshiro Mifune lo es en el cine (al menos para mi), y en esta ocasión he tenido la oportunidad de ver a ambos en una sola persona; todo un espectáculo. Me gustaría resaltar la barrera que separa su papel como Musashi y su papel como Takezo, ya que tienen mucho que ver con diferentes etapas del actor. Cuando hace de Takezo podemos ver algunos de los rasgos mas importantes de Kikuchiyo en “The Seven Samurai”, un muchacho joven, y cuya ambición y fuerza superan con mucho su madurez. En cambio su transformación en Musashi cambia el personaje por completo, acercándonos mucho mas a otras actuaciones como Yojimbo o Sanjuro que rebosan de experiencia.

La adaptación de la historia real (o al menos de los registros reales) está forzada hasta el punto de que Takezo es poco más que un animal. No tiene miedo de nada, y como llega a ser definido durante el film, “es demasiado fuerte”. Para compensar toda su brutalidad aparece la figura de Takuan, que con métodos bastante duros, y en ocasiones crueles, le hará el favor mas grande de su vida.

En este primer film de la trilogía la acción viene provocada por la violencia de Takezo, que se enfrenta a todo aquel que le planta cara, primero con espadas de madera, y mas tarde con armas reales. Durante casi toda su aventura inicial estará a su lado Matahashi (Rentaro Mikuni), al que le falta todo lo que tiene su amigo, y cuyo papel va degenerando conforme avanza la serie.

En el aspecto técnico, ningún error importante que mencionar. La fotografía está reforzada por bellos paisajes de bosques cuando nuestro protagonista tiene que esconderse, y los escenarios bastante logrados.
La música seria sin duda lo que mas me ha gustado de todo, y es que solo en los créditos iniciales ya provoca escalofríos una pieza que difícilmente olvidaré nunca.

Estupenda primera parte de la trilogía, que marca los inicios de Miyamoto Musashi, y deja la historia justo a punto de comenzar la leyenda. Un film biográfico excelente dirigido por el genial Hiroshi Inagaki.

Adrenalina Drive (1999)


El Botín
Por Master of Hate

Tras un inusitado accidente, el cuartel general de un grupo de yakuzas queda reducido a cenizas. Una maleta llena de millones de yenes llega a manos de Satoru y Shizuko Los propietarios del botín han muerto y no hay testigos que tengan conocimiento de ese dinero. Las patéticas vidas de los protagonistas dan un giro de 180 grados, ya que de la noche a la mañana han pasado a ser multimillonarios. Sin embargo, uno de los yakuza que originalmente poseían el dinero, es rescatado y finalmente sobrevive. Los nuevos millonarios intentan escapar tan pronto como se enteran de la noticia, pero ya tiene a un grupo de maleantes (la mayoría no muy inteligentes) siguiendo sus pasos. ¿Podrán escapar con el dinero?

El nombre Shinobu Yaguchi quizás les sea muy familiar a muchos. Se trata del mismo director de la conocida cinta “Waterboys” y la más reciente “Swing Girls”. “Adrenalina Drive” es también una comedia en la cual se nota mucho su estilo, que entre otras cosas se caracteriza por hace uso de historias bastante simples. No obstante, consigue crear películas muy atractivas, con personajes un tanto particulares. Finalmente cumple y quizás hasta supera muchas de las expectativas del respetable.

Es interesante tomar en cuenta, que pese a carecer de un argumento original, la película es muy efectiva y sumamente entretenida. Las situaciones son muy ingeniosas, y la manera en la que se desarrollan los hechos cuenta con un toque natural. Hay muchos y buenos detalles y particularmente destacan las actuaciones que son muy acertadas. Hay un poco de romance, que nunca viene mal.

Deja un poco confundido el hecho de que la película se llame “Adrenaline Drive”, debido a que no hay mucha adrenalina que digamos y tampoco es que los autos o carreras sean un elemento primario. Se puede hablar de que existe un acercamiento a la vida diaria de 2 personas, que viven un poco sometidos a sus trabajos sin mucho espacio para otras cosas. La cultura siempre es un factor importante y aquí también tiene su función.

Una excelente comedia japonesa, sencilla, accesible y sobretodo entretenida; llena de situaciones jocosas, sin duda ideal para reír cualquier día de la semana.

Shinobi (2005)


Iga y Koga
Por KeNJi-KuN

Basada en la novela de Futuro Yamada en la cual se basó el manga “Basilisk” para crear una historia ficticia a partir de personajes historicos, llega el último film del realizador videoclipero responsable, entre otras, de "Otogiriso", Ten Shimoyama.

Dos clanes ninja, Kôga e Iga, enfrentados durante más de 400 años por un odio exarcebado. Una historia de amor entre dos jóvenes, Gennosuke de Kôga y Oboro de Iga, que reeditan una pasión ancestral. Una estúpida y caprichosa batalla por la sucesión del shogunato entre dos hermanos, Kunichiyo y Takechiyo. La paz y armonía impuesta por Hattori Hanzo a punto de estallar por los aires.

El cuidado por lo visual no supondrá ninguna sorpresa para los conocedores de la trayectoria del realizador. "Shinobi" se abre con un inicio realmente apasionante, donde se saturan los sentidos por la conjunción entre banda sonora, imágenes, y efectos especiales y de sonido. Tras sus primeros 20 minutos el ritmo empequeñece, aunque nunca alcanza un nivel mínimamente preocupante. Si bien en su parte media se concentran sus escenas, momentos y diálogos menos afortunados, que no supondrán un pesado lastre a su balance final.

Técnicamente la película ha sido muy cuidada, destacando la banda sonora, algunos fx y la fotografía. Ten Shimoyama muestra habilidad a la hora de mover y colocar la cámara regalando algunos hermosos planos y secuencias.

Argumentalmente no resulta fresca ni original. Shimoyama, o no sabe, o intenta no ahondar apenas en la relación entre los protagonistas, si bien esto se agradece en este caso al otorgar rapidez y ligereza al conjunto, restándole pretenciosidad. Las escenas de acción son bastante buenas y lo suficientemente atractivas para cualquiera, conjugando los fx y la coreografía en un acertado equilibrio. "Shinobi" no será recordada por sus interpretaciones, encabezadas por Jô Odagiri y Yukie Nakama, siendo unos de los puntos mas flojos, si bien alcanzan la corrección.

Visto como un mero entretenimiento, "Shinobi" llega a ser un film notable, siendo pese a las diferencias comparable con "Azumi", aunque si me apuran, me quedo con aquella de Kitamura.

Love Bakery (1999)


El dulce sabor de la pasión
Por Master of Hate

Para Noh-myoung hacer pan no es cosa de cualquiera, es una labor digna de artistas y que puede ser apreciada por muy pocos, de todos modos, es feliz con su esposa, Jung-hee Han, su pequeña hija y su panadería. Un día La esposa de Noh-myoung empieza a mostrarse muy pensativa, lo que despierta las sospechas del abnegado esposo, la razón es incierta, lo que si parece evidente es que la aparición de un curioso novelista llamado Park Mu-seok parece solucionar el problema, pero ¿Qué es lo que pasa en verdad? ¿Se trata de un caso de infidelidad? son las preguntas que surgen inmediatamente, no obstante es algo muy difícil de determinar, sobretodo porque Noh-myoung parece exagerar en sus sospechas. La situación se agrava cuando la esposa de Mu-seok hace su aparición, ya que su llegada puede ser un nuevo problema para Noh-myoung en vez de una salida.

Varias veces cambie mi opinión sobre “Love Bakery” es un poco difícil de asimilar, pues resulta un poco extraña; flota sobre ideas un tanto estrafalarias, y es evidente que tiene mucho más de comedia que de drama. El romance por su parte, se hace presente en forma muy poco habitual. Dentro de los varios géneros que maneja “Love Bakery” se rescata su valor como comedia romántica original, lo demás viene como un añadido que por momentos puede llegar un tanto innecesario, pero por otra parte, se nota que la película en ningún momento trata de ser seria y se descarrila en el momento en el que parece tornarse un drama de verdad. Pero ya que las cosas son así, se hace necesario no buscarle el lado serio o incluso lógico, mas bien hay que prepararse para una cinta con muchas situaciones hilarantes, chistes ingenuos (la mayoría funcionan) y otros no tanto.

Las actuaciones son bastante buenas, aunque más que buenas, supongo que es mejor decir que obedecen a la manera en la que se plantea la película. La música es bastante agradable y en general, tomando en cuenta que la película no es fácil de clasificar, es razonable pensar que se trata de una cinta llamativa, ¡pero ojo! las expectativas no deberán ir dirigidas hacia una película que tiene mucho que ofrecer, sobretodo en cuando al guión, que se maneja en su propio concepto: “el arte de hacer pan”

Si son capaces de tolerar las crónicas de un hombre obsesionado con hacer pan, con reconquistar a su esposa, y con filosofías algo ingenuas es posible que hallen las cosas buenas de esta cinta. De principio a fin veremos infinidad de dulces, así que es recomendable ver esta película siempre y cuando se ha llenado el estomago con algo sustancioso, por lo demás no hay mucho que decir, quizás solo que la película no requiere otra cosa que sea mucha imaginación y ganas de ver algo simple, sencillo y diferente.

The Loyal 47 Ronin (1941)


Cumplieron con su voluntad
Por Fingolfin

Recordarán que en los inicios del blog publiqué el comentario de “47 Ronin (1994)”. Me gustaría pedir disculpas por algunos errores que cometí, ya que en aquel momento no había visto ninguna de sus predecesoras. Mi principal fallo fue considerarla un “remake”, y es que la manera de abordar la historia, se parece a la que hoy me ocupa lo mismo que “Blancanieves” a “Battle Royal”. El otro problema es el hecho de que olvidé mencionar todas las películas que tratan este mismo suceso, y en cuyos títulos no utilizan el nombre “47 Ronin”. A continuación procedo con la crítica.

Lord Asano ataca al maestro de ceremonias del Shogun: Kira, tras ser insultado repetidamente. Por ese acto es condenado a hacer seppuku, mientras que su enemigo queda libre de todo cargo. El clan y la casa de Asano son abolidos, y sus vasallos quedan al servicio del chambelán Oishi. Durante mucho tiempo de incertidumbre y sufrimiento, los hombres del clan tendrán que saber diferenciar entre vengar a su señor, y matar a Kira, aunque ambas cosas puedan parecer la misma.

La única película que había visto de Kenji Mizoguchi era “Tales of the Taira Clan”, que me dejó un sabor de boca magnifico. Desde ese momento he estado buscando la ocasión para poder ver “The Loyal 47 Ronin” (Genroku chushingura), y es que no es fácil encontrar 4 horas totalmente libres.

El film se divide en dos partes de 111 minutos cada. La primera parte lleva desde el ataque a Kira por parte de Asano, hasta que el chambelán Oishi decide el destino de los vasallos. La segunda parte contiene desde ese momento hasta el final de la historia.
El hecho de que esté dividida en partes no es en mi opinión una invitación a verla de forma separada, ya que sería perder el hilo de los acontecimientos y tener que volver después a la historia.
Durante su larguísima duración no hay lugar para el aburrimiento. Las escenas son enormemente lentas, pero no atrancadas en conversaciones o sucesos inútiles. El espectador llega a meterse en la historia de tal forma que le da lo mismo pasarse el día frente a la pantalla si fuera necesario.

No hay la mas mínima muestra de acción, y su principal diferencia con “47 Ronin (1994)” es que el asalto a la residencia de Kira no aparece en escena, sino que está representado por una carta que recibe Lady Asano.

Banda sonora, decorado y vestuario, al igual que en “Tales of the Taira Clan”, solo puedo decir que es magnifico, y si en algún momento he echado de menos el color, ha sido para poder apreciar mejor los detalles interiores de los castillos que aparecen.

Conclusión, me ha gustado bastante, no plantea problemas con la extensión, y antes de aventurarme a contextualizaciones inútiles, quedo a la espera de ver lo que tiene que mostrarme Hiroshi Inagaki en la de 1962.

Distance (2001)


Como la vida misma
Por KeNJi-KuN

Una profesora (Yui Natsukawa), un salariman (Susumu Terajima), un trabajador por su cuenta (Yusuke Iseya) y un estudiante (Arata) se reúnen el mismo día de cada año cerca de un lago en las montañas con motivo del suicidio de sus familiares (incluido su líder espiritual), miembros de un culto apocalíptico, hace justo 3 años después de haber envenenado el agua de una ciudad japonesa matando a 128 personas. En el camino de vuelta descubren el todoterreno en el que viajaban ha sido robado. Atrapados e incomunicados en mitad del bosque deciden pasar la noche, junto con un ex-miembro del culto (Tadanobu Asano) que se une al grupo, en la cabaña donde sus familiares convivieron antes del suicidio. Este pequeño inconveniente les dará la oportunidad de tratar descubrir más sobre lo que realmente sucedió con sus familiares y de paso conocer mejor a los demás miembros del culto.

Tercera incursión de Hirokazu Kore-eda trás la cámara, "Distance" es la obra anterior a su aclamada "Nobody Knows", con la que comparte formas. Ambos films evidencian el pasado documentalista del realizador nipón. Encontramos ausencia total tanto de banda sonora como de luz artificial, lo que acrecienta aún más la sensación de realismo, que ya es total de por sí con las imágenes que desprende. Largas tomas y planos con diálogos y actuaciones que casi parecen improvisadas, sin duda la esencia del cine de Kore-eda.

La cinta se muestra interesante y sólida, no carente de ciertos altibajos y pecando de un metraje excesivo, y es que el director por momentos coquetea con el snobismo. No deja por esto de ser una interesante propuesta y un buen film.

A nivel técnico Kore-eda se muestra rotundo y demuestra un gran pulso tanto en la dirección como trás la cámara dejándonos algunos grandes momentos y escenas llenas de sutilidad. Las actuaciones, como apuntaba, resultan naturales a tenor de la improvisación (que no es tal) que se transmite, por esto no dejan de resultar algo sosas, especialmente la de Tadanobu Asano. Destaca entre ellas la de Susumu Terajima.

"Distance" entre otras cosas deja en falta un montaje más ligero, recortado y dinámico. Esto junto a su extenso metraje y el ritmo lento y pausado puede ser un handicap, acentuado por la ausencia de banda sonora, para enfrentarse a ella. Sin embargo, frente al severo aburrimiento que supondrá para algunos, otros disfrutarán de un cine adulto con los suficientes elementos y calidad como para estar hablando de una película notable que se ve superada por la más reciente obra del director.

Whispering Corridors 4: The Voice (2005)


Atrapada entre dos mundos
Por Squareta

Young Eon, una chica fascinada por el canto, se queda un día después de clases para practicar, sin sospechar que eso será lo último que hará en vida. Ha fallecido en el colegio y desde ese momento su espíritu no podrá abandonar el lugar. Pronto descubre que solamente su mejor amiga, Sun Min, es capaz de oír su voz. Juntas buscarán información que permita revelar el misterio de la muerte de Young Eon.

"The Voice" es la cuarta entrega de Whispering Corridors y está dirigida por Choi Ik-hwan, el que fuera asistente del director de la primera de la serie y hasta ahora sin experiencia en la dirección.

Volviendo un poco al espíritu de la primera entrega, The Voice nos ofrece una historia que logra mantener el suspenso. Además, es un poco más tenebrosa porque en esta ocasión se nos muestran los hechos desde el punto de vista de un fantasma y nos pone en su situación. Las muertes son más violentas, aunque sigue predominando el drama por sobre el horror. Otro elemento que se repite y que ya es característico de Whispering Corridors es el tema lésbico, aunque esta vez aparece en otro nivel.

Me ha gustado mucho el alto nivel técnico de la cinta, el que deleita tanto a nuestros ojos como a nuestros oídos. Tiene una fotografía excelente y una iluminación muy agradable. Como ejemplo tomo al aspecto del instituto de noche.

Las actuaciones están bien, los mínimos gestos de las protagonistas nos logran acercar a sus sentimientos y las chicas nos inspiran el misterio necesario. Otro punto destacable del film es que aunque gira entorno a un fantasma no utilizaron los típicos elementos visuales del horror oriental.

En buenas cuentas, “The Voice” quizás no logre la trascendencia de las dos primeras, pero tiene un resultado muy bueno en relación al cine de terror actual. Recomendada.
Y con esta película se concluye, por el momento, la saga de Whispering Corridors, la cual ha conseguido llamar la atención de muchos mezclando eficazmente drama y terror.

Indian Summer (2001)


¿Culpable o no?
Por Master of Hate

Seo Jun-ha (Park Shin-yang) es un joven abogado que realiza sus labores con normalidad hasta que un día se le asigna un caso muy delicado. Lee Shin-young (Lee Mi-yeon) es acusada de asesinar a su marido de manera premeditada y cruel. Lo extraño del caso es que ella se niega a dar ninguna declaración e incluso se niega a contar con los servicios del abogado encargado de su caso. La situación trasciende las cortes ya que Jun-ha no actúa muy profesionalmente y deja que las pasiones y sus intereses personales intervengan en el desarrollo de su defensa, la misma que se torna muy desafiante puesto que el fiscal ha pedido la pena de muerte para la acusada.

Para ser hasta la fecha la única película de No Hyo-jeong, “Indian Summer” tiene puntos destacados y en general no se le puede achacar falencias notables o desaciertos de ningún tipo. Logra de principio a fin mantener un interés significativo que gira alrededor de la relación entre los protagonistas, y del misterio sobre el asesinato. No es la primera película que presenta este tipo de tramas; de hecho se perfila bastante predecible e muchos aspectos desde sus primeros minutos, pero se aleja de este criterio a medida que la historia se desenvuelve.

El factor determinante que saca adelante la cinta es su consistencia y las buenas actuaciones que explotan el potencial de un guión, si no excelentemente conseguido, por lo menos aceptable. Park Shin-yang es muy convincente en su papel, y tiene una gran capacidad para mostrarse como un hombre sumamente sensible y frágil, pero a la vez con gran coraje y buenos sentimientos. Lee Mi-yeon hace lo propio y extrañamente su personaje tiene cierta similitud con el que interpretara en su siguiente película “Pisces”, una mujer encantadora, pero con un destino ya escrito.

Sin hacerse acreedora a calificaciones sobresalientes, “Indian Summer” consigue llamar fuertemente la atención y se convierte en un drama intenso que no deberíamos dejar pasar.

Fearless (2006)


El estandarte de China
Por Fingolfin

Después de pasearse por Estados Unidos y reunir una buena pila de “basura”, de la que solo se salvan sus combates, Jet Li vuelve a China, como hizo Jackie Chan, a demostrar que aun tiene buen cine para dejarnos. Dirigida por Ronny Yu, comenzamos este 2006 con “Fearless”, una película a la que llevo haciendo seguimiento desde hace 2 o 3 meses, y al fin he tenido la oportunidad de verla.

Relata la historia del maestro de artes marciales Huo Yuan Jia (1869-1910), el fundador de la “Jin Wu Sports Federation”. Es un hombre que hace honor al título del film, ya que no tiene miedo de nada, incluso hasta el punto de que su actitud resulta temeraria, luchando sin pensar en ningún momento las consecuencias. Un día uno de sus discípulos aparece dolorosamente derrotado por otro maestro. Sin esperar a enterarse de los motivos, Huo Yian desafía a éste a un combate, en el que le quita la vida a su rival. La venganza de su familia marcará un nuevo rumbo a la historia de nuestro protagonista.

Si para hablar de “Tom Yum Goong”, “Ong Bak”, “Born to Fight”…etc, tengo que cebarme a ensalzar sus combates y disimular el argumento por debajo, en este caso no será necesario. “Fearless” combina una historia que considero bastante buena, con combates enormemente espectaculares.

En primer lugar tenemos una serie de enfrentamientos en un tatami, contra representantes de varias naciones occidentales, cada uno de ellos empleando un arma distinta. Luego hay mas duelos, reflejando la evolución de Huo Yuan y su éxito en todos los desafíos en China. Tras la larga pausa ocasionada por su cambio de actitud, a su regreso tendrá lugar el combate estrella, que sin embargo creo que no es el mejor, contra un gigantesco americano. Y para terminar será un Japonés el que nos deje el enfrentamiento final.
Atención sobre todo a las cámaras lentas y los juegos de pies, que ha sido de lo que mas me ha gustado. Aparte claro, que ver a Jet Li con peinado shaolin era algo que no hacía desde “Once Upon a Time in China VI” en 1997.

Argumentalmente la historia muestra una imagen negativa de la temeridad y la violencia, metiendo continuamente estilos de pensamiento pacíficos y de respeto, sobretodo a través del mejor amigo de Huo Yuan. Como siempre en la época representada, el director consigue sacar cierto odio del espectador ante la invasión de cultura occidental que sufre China, y que de alguna manera, nos hace vivir los combates como algo mas personal.

Por ultimo quiero decir que es una lastima que fueran cortadas las escenas en las que aparecía Michelle Yeoh, pero tampoco tengo mucha mas información sobre eso. En definitiva, ha sido todo un placer disfrutar de mi primera película del 2006, y espero que durante todo el año se mantenga un alto nivel que de seguro irá en aumento.

Dhoom (2004)


Dhoom Machale
Por KeNJi-KuN

“Dhoom” cuenta las peripecias de una banda atracadora de bancos que usan las carreras ilegales entre motociclistas para tapar sus robos. Ante las sospechas, la policía decide investigar, designando al teniente Jai Dixit para que atrape a esta banda liderada por Kabir, para ello contara con la ayuda de otro corredor de motos, Ali.

El director Sanjay Gadhvi dirige esta típica película comercial de motos, carreras, mujeres guapas y estética videoclipera. Esto último cobra dimensiones insospechadas al hablar del cine Hindú, ya que esta cinematografía nos acostumbra a gozar de bandas sonoras omnipresentes aparte de numerosas escenas musicales en casi la totalidad de sus producciones. Decir que las dos horas de duración de este film hacen que sea considerado una pelicula de corta duración según los estandartes de este cine cuya media por film es de 150 minutos.

Esto unido al carácter comercial y al protagonismo de la acción junto a las escenas musicales hacen que “Dhoom” sea ante todo sinónimo de puro entretenimiento. Además de esto el film se muestra ágil contando con un trabajado montaje muy estilista y dinámico, que fue premiado por la academia del país. Sobra decir que sus creadores no han intentado ofrecer una historia demasiado innovadora ni elaborada, hablamos de una película de consumo fácil, cuyo mayor aliciente es dejando a un lado su aspecto visual, su propia procedencia.

Protagonizan la cinta Abhishek Bachchan, Esha Deol, John Abraham, Rimi Sen y Uday Chopra, sin resultar destacables. Los números musicales en esta ocasión parecen auténticos videoclips, destacando la espectacular banda sonora y las pegadizas canciones que la acompañan. En cuanto a las escenas de acción son notables, más teniendo en cuenta la procedencia de la cinta. Las peleas cuerpo a cuerpo suponen el aspecto a pulir por parte de esta cinematografía en general.

“Dhoom” es un film para tomar como un simple entretenimiento, muy efectivo por cierto. La película ideal para quienes pretendan empezar a adentrarse, una vez superado los prejuicios iniciales por las escenas musicales, en el cine que nos viene de la India. Un cine en constante evolución.

Oasis (2002)


Ya no hay sombras
Por Master of Hate

Hablar de Lee Chang-dong es hablar de uno de los directores que han llegado a esa cúspide reservada solo para los más grandes. La calidad de las películas de este novelista/director son superiores y todas representan una pagina memorable en la historia del cine coreano. “Oasis” es para muchos su mejor largometraje, y quienes piensan esto, tiene razones de sobra para hacerlo. “Oasis” quieran o no, es en parte una historia de amor, pero ¿Qué tipo de amor?. Lee se aliena de cualquier referencia reconocible al momento de contar su historia, y es por eso que prescinde de cualquier elemento romántico y melodramático innecesario. Es resultado salta a la vista ya que “Oasis” es una historia de transcurre con una naturalidad apabullante que destroza el género del romance y sus estereotipos.

La historia sigue los pasos de Jong-du Hong (Sol Kyung-gu) en el momento en el que este es liberado de la cárcel. Hong ha tenido que pagar una condena para cubrir a su hermano quien, en un accidente de transito, provocó la muerte de un hombre. Hong tiene ciertas limitaciones mentales que son un tanto difíciles de explicar pues se comprenden mucho mejor al conocer su personaje mediante el visionado del film. Hong visita a la casa del hombre que murió en el accidente y conoce a la hija de este, Han Gong-ju (Moon So-ri). Ella sufre de parálisis cerebral y vive en condiciones realmente deplorables. Ambos representan una carga que sus correspondientes familias no están muy dispuestas a sobrellevar. Hong empieza a frecuentar a Han y quizás esto cambie sus destinos.

Se me hace sumamente complicado abordar esta historia desde mi punto de vista, sin embargo, puedo asegurar algunas cosas. “Oasis” es una de las mejores películas que se han hecho en la historia del cine coreano. Lee, como es habitual, explota el corazón egoísta y corrupto de la sociedad y deja en evidencia la carencia de valores de la misma. Esta cinta desafía cualquier modelo de amor “común” y llega a impactar de manera única y avasalladora, superando todo lo vista hasta la fecha.

Moon So-ri realiza en esta cinta una actuación digna de los más altos honores, y es que faltan las palabras para describir el poder que tiene su interpretación. Sol Kyung-gu no se queda atrás y realiza un trabajo increíblemente destacado.

Con sendas actuaciones, un guión impresionante y la mano de Lee Chang-dong, “Oasis” se consolida como todo un referente del cine coreano. Un drama humano representado de manera brillante, una verdadera joya de un director cuyo talento es indiscutible.