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Sad Movie (2005)


Amor y lágrimas
Por KeNJi-KuN

Un bombero treintañero está buscando la pedida de mano perfecta para su novia. Un chico que no ha conseguido trabajo desde hace mucho tiempo y cuya novia ya esta cansada de esa situación. Un niño de 8 años que echa de menos desesperadamente a su ocupada madre. Y por último, una chica con una terrible quemadura en su cara que se enamora de un pintor.

"Sad Movie" imprime en imágenes el relato de 4 historias habilmente reflejadas y manejadas a cargo del realizador que debutó con "S-Diary", Kwon Jong-gwan. A pesar de la previsibilidad (buscada de antemano) por el propio título, el film se hace querer ya desde su brillante escena inicial donde nos serán expuestas sus mejores virtudes, sin reservas, todas a la vez. Desde una cinematografía pulida a una fotografía impecable de contrastes y efectos de iluminación apabullantes, sin olvidar el trabajo de su increible cartel de intérpretes, la acogedora banda sonora y la fluidez narrativa amén de una sabia labor en la medida del espacio temporal.

Individualmente cada historia posee su propia naturaleza si bien todo queda encuadrado en territorio amoroso. Cierto es que unas historias tienen mas fondo y pueden ser exprimidas más que otras, pero es de agradecer que su realizador se muestre consciente de ello, por lo que no tendremos que soportar escenas innecesarias con tal de emparejar el protagonismo según los minutos en pantalla de cada relato, aún así el resultado global es muy parejo.

Mientras que hago hincapie en la previsibilidad del film, sin tener claro si a favor o en contra, debo añadir contradiciéndo mi palabra, que a la misma vez y curiosamente, "Sad Movie" me pareció una película tan fresca como poco original tanto en planteamiento como en contenido. Parte de culpa de lo primero puede ser atribuida a la impecable factura técnica que saborearemos a lo largo del metraje.

Excelente es la labor de la totalidad de sus actores principales, como son: Woo-sung ("Mutt Boy"), Im Su-jeong ("A Tale Of Two Sisters"), Cha Tae-hyeon ("My Sassy Girl"), Yeom Jeong-ah ("The Big Swindle"), Shin Min-ah ("A Bittersweet Life"), Son Tae-yeong ("Ghost House") y Lee Ki-woo ("The Classic").

¿Disfrutas con el cine koreano? Disfrutarás con "Sad Movie".

Messengers (1999)


Entrega inmediata
Por Master of hate

Una portada como esta puede sugerir muchas cosas, entre ellas, que se trata de un anime o algo parecido, sin embargo, no es así. “Messengers” es una divertida comedia, obra del japones Yasuo Baba que hace uso de una historia simple y sencilla para entretener al público por casi dos horas. Las comedias japonesas también tienen su encanto particular y aquí tenemos una prueba de ello.

Naomi Shimizu (Naoko Iijima) es una agente que trabaja en el mundo de la moda con una importante empresa. Un día la situación cambia radicalmente, la compañía cierra sus puertas y Naomi pasa de la noche a la mañana a no tener un solo centavo. Naomi, quien siempre ha disfrutado del lujo y confort, tiene un estatus que mantener, sin embargo, el mismo día de los trágicos eventos atropella a un ciclista. El perjudicado parte de un servicio de mensajería, quien le propone no demandarla si es que ella lo reemplaza en sus tareas. Naomi no tiene otra opción que trabajar junto a Suzuki (Tsuyoshi Kusanagi), dueño del negocio; ambos deberán esforzarse muy duro para sacar adelante esta modesta empresa.

“Messengers” es todo lo que se le puede pedir a una comedia, ya que es divertida, entretenida, y bien hecha. El principal atractivo del film es el contraste de mundos que presenta el director a través del personaje principal, que ve derrumbarse su mundo materialista y superficial, y no tiene otra opción que tomar un empleo humilde y vivir en techo ajeno.

La historia carece de complejidad, es directa y sencilla, pero su virtud es el encanto que tiene Naoko Iijima y su excelente interpretación; su personaje se va transformando de modo natural poco a poco. Existen otros personajes secundarios que aportan de maneras distintas a la película. Tal es el caso de Hattoti (Shinsuke Auki) que se une al grupo de mensajeros ciclistas tras ser despedido de la competencia. Así como él hay muchos más.

Las escenas más emocionantes ocurren durante la carrera entre el servicio de mensajeros ciclistas y su competencia motorizada. El rodaje de estas escenas resulta muy llamativo, con una edición y montaje que dejan ver el cuidado que se ha puesto. Pero lo que considero la clave de la cinta es el saber mantener el interés a un cierto nivel y no bajar de allí. En otras palabras “Messengers” es un film que funciona de maravilla para aplacar el aburrimiento.

Las comedias japonesas tienen un sabor distinto, y siempre resulta saludable echarles un vistazo. “Messengers” es un ejemplo de una cinta bien hecha, que quizás no arranque carcajadas, pero si una larga, continua y saludable sonrisa.

Mount Patrol (2004)


La belleza del contraste
Por Kino no Youko

"En Kekexili cada pisada puede ser la primera huella humana que se deja en ese lugar desde que se creó el mundo" –parte de un diálogo en el film-

¿Qué hace que algo sea bello? ¿Dónde radica su belleza? Son preguntas que han atormentado a muchos desde la antigua Grecia, pasando por Da Vinci, incluso hasta en la actualidad. Y luego, tras de ver mucho cine, es difícil poder llegar a una conclusión de lo que significaría belleza cinematográfica. Sin embargo, siempre existe un elemento en común que hace que notemos esa virtud. En este caso: El contraste.

Kekexili es una zona de China aún virgen, una de las pocas regiones del planeta que conserva esa característica. Allí se encuentra la reserva natural de Hoh Xil, ubicada en la provincia de Qinghai, noroeste de China, y a su vez, la película no dista mucho de lo que en sí el territorio de Kekexili simboliza.

Sólo con una película a cuestas (“Xun qiang” aka “The Missing Gun”), Chuan Lu, director promesa de China, sorprende al mostrarnos un territorio lleno de contrastes, no sólo desde un punto de vista visual, -como en muchas críticas y comentarios se ha leído-, sino también, desde un punto de vista conceptual y ético. Finalmente, todo el tratamiento de la película culmina en su mérito máximo, siendo éste, construir desde un permanente contraste un escenario tanto ético como estético coherente, sin contradicciones, y por sobre todo, haciendo coincidir una misma moral para todos los acontecimientos de la historia.

Mérito indiscutido para su director, quien además escribió el guión de su obra basándose en hechos reales que se vivieron desde 1993 hasta 1996 en la llamada Patrulla de Montaña. Grupo gubernamental encargado de velar por la preservación y protección del antílope tibetano, que aún hoy, está en vías de extinción por la caza indiscriminada de comerciantes.

Aunque el film tiene un marcado corte ambiental, esconde mucha riqueza en temáticas humanas, siendo el antílope tibetano, la herramienta parta mostrar como en momentos de angustia y desolación no existe moral que evalúe actos ni conductas. Atrapados en una naturaleza imponente, llena de belleza -no por ello escasa de muerte- es que están arrojados sus protagonistas al destino. Parajes y locaciones que muchas veces llevan a la reflexión y el cuestionarnos sobre quién en verdad es la presa, el cazador y el patrullero.

Su argumento se inicia con la llegada de un periodista desde Pekín quien es testigo presencial de toda la persecución que se lleva a cabo para encontrar a una banda de cazadores furtivos. De esta forma, inicia un viaje con la Patrulla de la Montaña con el fin de comunicar en un futuro lo que allí, en ese desconocido e inquietante territorio, ocurre.

Una película recomendable. La muerte y la vida, el silencio y sonido, lo bueno y lo malo, una serie de contrastes que lucen en un montaje y fotografía muy cuidados estéticamente. Actuaciones bien representadas que hacen ponerse en el lugar, y con ellos, también guían nuestro propio viaje en la butaca.

Curiosamente no emociona en plenitud. Nisiquiera conociendo que “en Kekexili cada pisada puede ser la primera huella humana.” y notando que desgraciadamente son siempre huellas de muerte las que se forman en ese lugar. Pese a lo triste, quizá no ocurre eso ya que el verdadero drama, nos intenta decir el director, no es lo que le pasa al antílope, sino al animal llamado hombre.

Suicide Bus (1998)


Sin nada por qué vivir
Por Conri

"Suicide Bus” nos cuenta una historia bastante buena. Es posible que el titulo nos haga pensar en una película al estilo “Suicide Club”, pero la diferencia es total, son el agua y el aceite, dos cosas totalmente diferentes. Solo lo aclaro para que no les pase como a mí, que pensé eso y luego termine viendo un drama, que al menos valió la pena por sus muchos cambios que comentaré después.

Varios buses están teniendo accidentes camino a Okinawa. Las zonas montañosas hacen que sus conductores pierdan el control y caigan al vació. Sin embargo estos accidentes solo eran producto de la inconsciencia y también de ladistracción, nunca se creyó que alguien fuera a planear uno de ellos con antelación. Este viaje iba a ser una excepción, un viaje de ida donde no se necesitaba pasaje para el regreso.

Varias personas, algunos de edades altas y otros no tanto, en su mayoría deudores hipotecarios y jugadores empedernidos ya consumidos por sus malos negocios y vicios, deciden, sin ya nada que perder, hacer un viaje suicida gracias al cual sus familias podrían vivir felices cobrando el seguro de vida por sus muertes.

Pero todo va a cambiar cuando uno de los pasajeros al echarse atrás con este proyecto envía a su sobrina a este bus. Ella no formaba parte del plan, no tenia que morir en ese viaje, pero su destino estaba firmado, ella se acomoda en uno de los asientos traseros y el viaje comienza. ¿Podrá volver viva a su casa?

Esta película tan bien narrada y dirigida por Hiroshi Shimizu nos muestra la influencia de un personaje sobre los demás. Mediante el paso del tiempo vamos a empezar a darnos cuenta como la protagonista (Nanako Okochi) con su dulzura y encanto empieza a modificar las actitudes en los personajes suicidas que van con un destino fijo.

Largos caminos recorrerán por unos días hasta llegar a aquella curva que los espera, donde para algunos es el final mientras que para otros solo el comienzo de una vida digna. Pero a medida que pasa el tiempo la negativa a bajar de la muchacha del micro cada vez es mayor, y se niega a quedarse, aunque no conoce los motivos reales por los cuales la quieren abandonar en el camino.

La verdad que la película tiene cierto sentido moral bastante fuerte, las actuaciones están bien, y los paisajes son muy apreciables. No esperen encontrar sangre ni nada de eso, ya que es una historia por momentos cruda por otros un poco cómica. Pero vale la pena verla, entretiene y cumple su objetivo, que aunque no lo dije en todo el comentario es “Sorprendernos”.

The King of Masks (1996)


Dos caras de la Máscara
Por Kino no Youko

Es curioso como las palabras pueden significar conceptualmente una cosa, y sin embargo, en su esencia corresponden a algo diametralmente opuesto, casi contradictorio. Algo así nos pasa con la palabra "máscara". Aunque proviene del árabe (Mashera) que quiere decir “payaso”; para muchas culturas antiguas -en su origen cotidiano-, está mucho más cerca con la raíz de la palabra itálica "maska", que significa alma del difunto. Así, “maska”, se presenta como un nexo, un vehículo de comunicación con lo espiritual... lo sagrado.

La galardonada "Bian Lian", del afamado director Tian-Ming Wu, posee un argumento aparentemente simple. Quizá por esa razón durante su exhibición en las pantallas occidentales lo rotularon como un film para todo espectador.

La historia consiste en la vida de un anciano artista callejero que busca un niño varón al cual heredar su arte familiar antes de morir. Con el paso del tiempo, mediante el previo pago de dinero, accede a hacerse cargo de un niño, pero al poco andar, descubre que lo han engañado y se trataba de una niña. Es ahí, en ese básico argumento, el lugar donde se esconden temáticas más complejas como la esclavitud, la fe, el destino, y por sobre manera algo que aún hoy en día esta latente en el mundo: el miedo al cambio.

El que sea ambientada en los años 1900 no es un elemento dejado al azar. La narración está situada en el período republicano, cuna de una serie de convulsiones político-sociales, época plagada de conflictos de independencia en numerosas zonas de China bajo el control de los llamados "Señores de la Guerra" y posteriormente la segunda guerra Chino-Japonesa. Este cúmulo de situaciones constituye el marco histórico del film. Así mismo, este contexto refleja un tiempo de profundos cambios e inestabilidad, acontecimientos que son una réplica de la vida en los protagonistas. En muchas secuencias quedan de manifiesto estos hechos al considerar la presencia represiva del poder militar y su importancia para la sociedad de la época.

El vertiginoso mundo a comienzos del siglo XX, -época que por su naturaleza ya evidencia un cambio hacia lo incierto- es donde se sitúan los protagonistas de la historia, y siendo su hilo conductor -búsqueda desesperada por continuar con la tradición del arte callejero familiar-, la esencia de la angustia, el miedo a lo incierto y la falta de seguridades en un escenario de crisis.

La película evidencia sucesos específicos al respecto. Por un lado, un hombre que practica el trasformismo, para interpretar una mujer en la ópera china siendo una figura local y regional muy respetada; diosas de la suerte que influirían en el destino de los hombres y su futuro, entre otras situaciones. Y por otro, un género femenino diezmado por abusos y privaciones; diferencias sociales que distan mucho de la idea de lo femenino que se tiene en las artes, y con mayor intensidad, en el ámbito espiritual-religioso de la época.

Sumado a todo esto, un artista callejero que la única manera de entregar su arte es mediante máscaras, y por otro lado, una sociedad que parece agradarle la idea de ocultar sus rostros por conseguir estabilidad, distracción, y finalmente una falsa seguridad. En suma, una serie de contradicciones elementales que potencian el argumento del film, y que en su trasfondo, hacen que el choque generacional entre la niña y su abuelo, se convierta en una metáfora del miedo y sesgo social producto de despropósitos vitales presentes en la sociedad china de la época.

Ahora bien, todo esto suena como una clase de historia y muchos se preguntarán qué tiene que ver con nosotros. Ese punto es interesante. Como vemos en la China del 1900, su mundo no dista mucho de lo que ocurre en la actualidad. Los conflictos latentes sobran. El mundo esta lleno de contradicciones en el hacer y quehacer humano. El miedo, la angustia y el desarraigo, es pan de cada día. Y aunque la película fue hecha en 1996, la situación en general no ha cambiado. El hombre se da su propia espalda y es quién hoy en día se llena de máscaras para ocultar realmente quienes somos.

Precisamente ese es su mérito, el film apela a la condición evolutiva del hombre y la forma que tenemos para enfrentar el futuro y sus problemas. Quizá en muchas ocasiones, es necesario aceptar a la niña como nieto-heredero, olvidando la anacrónica y dogmática tradición y; aunque el mundo parezca equivocado, el tiempo dará las razones finalmente. Así, pese a la contradicción de las dos caras que encierra la palabra “máscara”, esta obra es una invitación a reflexionar la decisión sobre qué lado de ella ocuparemos para ver nuestro mundo.

El Furor del Dragón (1972)


El último espectáculo en el coliseo
Por Fingolfin

“The Way of the Dragon” es un clásico entre los clásicos de las artes marciales, protagonizada y dirigida por el mas grande de los maestros: Bruce Lee, una de las pocas personas capaces de doblar su tamaño exhibiendo musculatura. Si mal no recuerdo fue mi primera película oriental hace ya algunos años.

Tang Lung (Bruce Lee) llega a Roma para ayudar a una amiga de la familia con problemas en su restaurante, fastidiada por la mafia italiana.
Todos creen que Tang Lung es un paleto (y cualquiera lo haría), pero demuestra su increíble habilidad para la lucha en cuanto se le presenta la oportunidad. Desde entonces, las cosas van a peor, y nuevos luchadores entraran en juego.

El efecto de Bruce Lee en Roma es igual que el de tantos otros que se han refugiado en su papel de paleto de pueblo para luego sorprender con su habilidad. Sin embargo Tang Lung y Bruce Lee llevan más lejos aun esta constante habitual. En todas sus películas nos deja alguna escena en la que huye de una mujer semidesnuda. Su actitud es incluso bastante cómica, ya que si recordamos, en sus films normalmente trata de mezclar acción y comedia.

Los combates si bien son de los que yo llamo de dar-y-recibir, en los que uno pega y el otro no se de defiende, siempre tienen un carácter publicitario de las artes marciales, utilizando para ello las armas mas tradicionales como son los nunchaku. En alguna que otra escena se trata de poner de manifiesto la superioridad de las técnicas chinas respecto a las japonesas.

Entre los “malvados”, además de un montón de macarras italianos vestidos de forma escandalosa y llenos de navajas, encontramos a personajes como Ing-Sik Whang o Robert Wall. Y por supuesto la aparición estelar de Chuck Norris (Colt en la película), mas conocido actualmente como Walker Texas Ranger, que aparece camuflado en un look años 70, y cuyo combate con Bruce Lee en el Coliseo Romano ante la mirada de un gato aun no ha sido olvidado (y hasta la fecha es la última escena rodada en ese escenario).
Como última curiosidad, todo el rodaje se hizo sin sonido, al que los actores después pusieron la voz.

“El Furor del Dragón” define perfectamente el estilo de los films de Bruce Lee, y sin ser la mejor de sus películas se ha convertido en la más conocida gracias a la fama actual de Chuck Norris. Un clásico del que todos habrán oído hablar, pero que no tantos se han decidido a ver.

One Nite in Mongkok (2004)


Thriller de ritmo vertiginoso
Por Casandra

La muerte del hijo de un jefe mafioso a manos de un miembro de otro grupo desata la venganza. Tim, el padre de la víctima, contrata a un asesino a sueldo que toma a una prostituta como guía en la ciudad. Mientras tanto, la investigación policial busca frenar el conflicto evitando el asesinato. Hasta aquí, la historia no parece ofrecer nada nuevo. Y tal vez no lo haga, pero “One Nite in Mongkok” es un sólido thriller que atrapa al espectador desde el comienzo.

Derek Yee construye una trama que sigue dos líneas de acción, la búsqueda de los policías y las peripecias del asesino y la prostituta. Ambas se desarrollan paralelamente, confluyendo en varios momentos. El desarrollo de los personajes desde el guión y las actuaciones es uno de los aspectos destacables del film. Yee no cuenta una historia de buenos y malos, sino que introduce matices, mostrando la ambivalente moral del asesino y de los policías.

El guionista y director se detiene en detalles que agregan profundidad a la historia, marcando aspectos como los problemas idiomáticos entre el mandarín y el cantonés, que ayudan a su contextualización. Esto no resta ritmo a un relato vertiginoso que crece minuto a minuto.

La ciudad de Mongkok ofrece el escenario perfecto. El retrato de Yee focaliza su atención en el costado peligroso y sórdido de Mongkok así como en su superpoblación, aspectos que pone de manifiesto gracias al uso de la cámara en mano y de los de ambientes pequeños que transmiten una sensación de ahogo.

Todas las actuaciones tienen gran nivel, incluso los actores que interpretan papeles menores escapan a los estereotipos del género. Daniel Wu, como el asesino a sueldo, logra transmitir la seguridad que le brinda al personaje su oficio en la primera parte del film, y la creciente confusión con el correr del tiempo. Cecilia Cheung es la prostituta de buen corazón, pero construye un personaje donde se mezcla la bondad con el interés, mientras que Alex Fong crea un oficial Milo de una ambigüedad inquietante.

Así, la suma de un buen guión, excelentes actuaciones y una puesta en escena que cuida cada detalle, da como resultado un film que entretiene y obliga al espectador a mantener la atención a lo largo de sus casi dos horas.

Mokpo, Gangster's Paradise (2004)


De detective a mafioso
Por Master of Hate

Lee Su-cheol (Jo Jae-hyeon) es un detective poco respetado dentro del departamento de policía, sin embargo una gran investigación se empieza a llevar a cabo y es necesario un hombre dispuesto a infiltrarse en los círculos de la mafia. Usando el nombre de Nam Ki-nam, Su-cheol intenta unirse a la organización del jefe Baek Seong-gi (Cha In-Pyo). Cuando finalmente lo consigue, tiene que empezar desde abajo, sin embargo su experiencia policial le ayudan a ascender hasta convertirse en la mano derecha del jefe. Pero ahora que ha conseguido tanto poder ¿estará dispuesto a cumplir con su misión?

“Mokpo The Harbor”, nombre alternativo de la cinta, es la carta de presentación del director Jin Ji-hun, que decide incursionar en el género de comedia, específicamente en la de gángsteres. La primera media hora del film, es bastante desalentador, vaticina un trabajo pobrísimo cuyo único atractivo parecen ser chistes esporádicos. Sin embargo, pasada esa primera media hora, el film logra enderezar su rumbo y logra captar el interés con una trama que, aunque perecible, se hace divertida, gracias a las genialidades que se le han ocurrido al director.

Es necesario ser un poco paciente, porque hasta que Su-cheol logra infiltrarse de verdad, la cinta no ofrece mucho, pero una vez pasado este punto, los chistes se vuelven más eficaces, y la historia cobra gran atractivo. Hay unas cuantas parodias que resultan especialmente cómicas, por ejemplo, la de “My Sassy Girl”, también tenemos una escena con pulpo incluido (quizás homenaje a "Oldboy") y otra buenísima es una pelea de boxeo al mas puro estilo Rocky Balboa.

Jo Jae-hyeon ("Crocodile", "Sword in the Moon") cumple un gran papel, aunque dada su gran trayectoria no se puede esperar menos de él. Alguien que si resultó una gran sorpresa es Cha In-Pyo a quien no veía desde “Mr Iron Palm”. Su interpretación como jefe de la mafia, y hombre sensible y romántico al mismo tiempo, es sumamente cómica. Destaca también dentro del reparto Song Seon-mi ("My Boss, My Hero" y "Liar").

Llama la atención la adecuadísima selección musical, que porta mucho al filme, los detalles que se incluyen en la película le dan un toque de originalidad, aunque la historia no sea nada nuevo. Lo que levanta el nivel de la cinta son detalles, como por ejemplo las evidentes parodias, chistes de lo más hilarantes, algunos incluso se pasan de atrevidos, pero en general funcionan eficazmente a la hora de hacer reír. La última parte de la cinta, como es de esperarse, apuesta por un giro dramático que en esta ocasión encaja muy bien, sin verse forzado.

Admito que “Mokpo The Harbor”, a pesar de ser una comedia muy normal, me ha gustado mucho, porque es atrevida, tiene chispazos de originalidad, que se complementan con grandes actuaciones y la mano del director que sabe realzar un film que empieza algo perdido. Una buena comedia que recomiendo para quienes quieren algo un poco distinto dentro de la línea de comedias de gángsteres y policías.

FM-Team presenta a: Kino no Youko


Hoy damos oficialmente la bienvenida a nuestro nuevo colaborador: Kino no Youko. Del que hacía un tiempo veniamos siguiendo sus extensos comentarios en el blog, los cuales nos habian gustado bastante y nos hicieron pensar que sería un buen candidato.
Tambien dar sinceramente las gracias a Chowfanblog, Dawzen7, Galudo, y todos los que mostraron interes en prestar su ayuda y colaboración.

Kino no Youko se ocupará sobretodo del cine chino, que últimamente estaba quedando atrasado con respecto a Korea del Sur y Japón.

Bienvenido ;)

Shadowless Sword (2005)


Las comparaciones son odiosas
Por KeNJi-KuN

Año 927 AD. El antiguo Reino de Korea esta apunto de ser invadidos por tropas extranjeras. El objetivo final sera acabar, uno a uno, con los miembros de la familia real. Sólo uno de ellos, un joven principe enviado al exilio, tiene la llave para poder rehacer el imperio. La mision de encontrarlo recae en la poderosa guerrera Yon So-ha, pero Gunhwapyong, lider de las tropas enemigas, tambien va tras él.

Ante todo, "Shadowless Sword" era el esperado regreso de Kim young-jun trás 6 años después de su debut con "Bichunmoo", un wu-xia que camuflaba un enérgico drama con coreografias made in hk y vertiginosos combates cargados de fuerza gracias a la efectividad del argumento. Pues 6 años más tarde vuelve coproducido por new line en asociación con Taewon, con la distribución internacional garantizada y 8 millones de won avalando el proyecto. Las comparaciones están servidas.En esta ocasión tenemos una "Bichunmoo" descargada en cuanto al dramatismo, con trasfondo histórico y pequeños asaltos de comedia añadiendo unos combates que, extrañamente, se hacen menos espectaculares que en su debut.

Y es que, al igual que la película, las peleas me han parecido bastante descafeinadas e irregulares. En ocasiones parece que el mayor combate se produjo en la sala de montaje para hacer encajar algunos vuelos, y vale, tambien ocurría en "Bichunmoo", pero resultaba menos exagerado y mejor acabado, más teniendo en cuenta el presupuesto de la actual.

La misma sensación fría y distante que me dejan sus peleas me ha ofrecido el film en sí, llegando a hacérseme demasiado pesado para lo lígero que en realidad es. Y es que si "Bichunmoo" ponía a prueba la sensibilidad del más pintado, en esta ocasión habría que hacer esfuerzos para emocionarse, y ya no eso, si no para dejarse atrapar por la historia, que aún así y todo sea dicho, goza de algunos buenos momentos.

La falta de emoción impresa en la mayor parte de la cinta parece querer ser impuesta de repente en unos flashbacks que intentan además dar giros a la historia, algunos más previsibles que otros; pero que en la mayoría de los casos me han parecido forzados, tramposos y sólo han acentuado aún más mi idea. La banda sonora aunque con ciertos momentos preciosistas y de una belleza incuestionable, tambien cuenta con otros pasajes menos afortunados y en gran parte pienso que ha sido desaprovechada. Visual y técnicamente ya se sabe, actualmente Korea se lleva la palma en territorio asiático. Protagonizan la cinta Ji-Woo Choi, Ho-bin Jeong, Jun-ha Jeong y Su-ro Kim, cumpliendo en unas actuaciones tampoco excesivamente destacables ni demasiado exigentes.

"Shadowless Sword" es una película que me ha dejado una sensación extraña y helada, es un film que muy a mi pesar me costaría volver a ver, al menos en un espacio corto de tiempo. No obstante cumple como un simple entretenimiento, pero esperaba algo más, sobre todo vistos sus credenciales. Una oportunidad desaprovechada, que no fallida.

A Millionaire's First Love (2006)


A alguien se le fue la mano
Por Master of Hate

Suelo tener algunos problemas para conectar con los filmes de Kim Tae-gyun, se me viene a la mente el caso de “First Kiss” cuyo visionado fue de todo, menos placentero, y “Vulcano High” que para mi gusto se salva sólo en ciertos aspectos. Puse mis esperanzas en esta anunciada cinta que prometía bastante, pero que muy a mi pesar, he de decir que me supo a poco.

Kang Jae-kyung (Bin Hyun) es un joven millonario, mimado, prepotente e irritante que acaba de heredar de su abuelo una gran fortuna, la misma que teóricamente debe pasar a sus manos cuando cumpla 18 años. A pesar de cumplir la edad, el abogado de la familia, le informa que para obtener la herencia debe cambiarse a una escuela rural y graduarse allí; de no acatar esa orden, sólo podrá reclamar el 0.01% de dicha herencia. La noticia es trágica para Jae-kyung que termina estudiando en un pueblo de escasos recursos. Eun-whan (Lee Do-hyeon) aparece en la vida de Jae-kyung como la persona que le hará ver el verdadero valor de la vida, y que el dinero no lo es todo, sin embargo el destino parece no estar de su lado.

La idea me parece magnifica, pero desde el primer instante noté que Tae-gyun apostaría por lo fácil. De este modo, todo se vuelve predecible en un grado alarmante. Podemos tranquilamente tomar el titulo de la película de manera literal y todo queda servido, nada de de complicaciones. Estas historias donde luego de algunos percances una pareja termina junta, pero ella tiene una enfermedad incurable, son el pan de cada día, y si no se le planea echar algo de originalidad, el resultado puede ser el que vemos en este filme.

Al hacer una historia tan predecible, lo que nos queda esperar que hayan otras cosas que la salven de alguna manera, lamentablemente nada de esto se da. El supuesto romance, se ve un tanto descompensado, y por eso fue necesario hacer uso de unos cuantos flashbacks para que resultara algo más convincente. En otras palabras, resulta que nos han entregado el paquete completo.

El mensaje esta allí escrito con grandes letras: “El amor no tiene precio” o quizás podamos decir “El dinero no lo es todo en la vida”, pero la manera de decirlo peca de ingenua y se vuelve tremendamente fantasiosa. Entonces, el primer elemento que se sacrifica en pos de ser directos y explícitos es el realismo; algo que siempre se agradece y que de no estar allí se echa de menos.

Me sorprende ver que casi un tercio del filme este dedicado íntegramente a tocar la sensibilidad del espectador, ya no son los 5 o 10 minutos de rigor en donde es lógico encontrar unas melodías muy románticas y algunas escenas en cámara lenta, la lluvia, y cualquier arreglo que trabaje a favor del melodrama. Aquí no han medido bien la dosis y se les ha ido la mano y se ve claramente el desesperado (o quizás premeditado) intento de conseguir lágrimas a raudales del público. Y no digo que no sea probable que se consiga, Lee Do-hyeon hace un trabajo increíble en esta cinta, pero evidentemente mi queja va por otro lado.

No quiero enviar directamente a la guillotina a este filme, que si algo tiene de bueno es su mensaje, inocente, pero válido. La trama únicamente se puede tomar como una fabula y nada más. También, de una u otra forma, “A Millionaires First Love” se ve opacada por cintas que, en la misma línea romántica, conmueven de verdad, sin recurrir a tanto artificio y sin hundirse en un pantano de melodrama. Me guardo algunos comentarios negativos sobre la edición que me ha parecido muy imprecisa.

Finalmente, es posible que muchos no estén desacuerdo con mi punto de vista, lo cual sería perfectamente entendible. Y en caso de duda, que mejor que sesionarse por si mismo. Es muy posible que quienes hayan conectado con las películas de Kim Tae-gyun anteriormente, sientan simpatía por ésta.

Vampire Cop Ricky (2006)


Un superhéroe surcoreano
Por Master of Hate

Pensar en superhéroes probablemente no nos lleve a Corea, en donde, al igual que en la mayor parte del globo, lo primero que vendría a la mente son las figuras míticas del hombre araña, batman y demás personajes. Metiéndose en lo que es la cinematografía surcoreana, al menos en el espacio que ha acaparado este renacer del su cine, no logro encontrar un referente cuya magnitud sea representativa y de carácter más general en cuanto a los modelos de cintas de superhéroe. Lee Si-myung , el director de “2009 Lost Memories” apuesta en su segunda película por desarrollar el un personaje tradicional, ajustarlo y finalmente brindarnos “Vampire Cop Ricky”.

Un mosquito venido directamente desde Transilvana llega hasta Corea en donde su primera y única victima es Do-yul (Kim Su-ro), un policía cuyos principios parecen no corresponder a los de su profesión. Do-yul realiza un trato clandestino con Tak Mun-su (Byung-ho), líder de una organización que controla varios negocios ilegales. Pronto Do-yul se da cuenta de su error y trata de enmendarlo, pero ya es demasiado tarde, su traición es descubierta, pero eso no es todo ya que además se ha trasformado en un vampiro.

Un policía vampiro persiguiendo malhechores por las calles de Seúl seguramente no es algo que se escuche comúnmente, ni siquiera en las películas. Por suerte esta idea va a cambiar después del visionado de “Vampire Cop Ricky” que por calificar de algún modo rápido se me ocurre decir que es “diferente” en gran medida a lo que cabria esperar de los héroes occidentales.

La portada, y el trailer de esta película no son muy acertados, ya que tienen una pinta de comedia por todos lados, lo que sugiere que la trama va únicamente en plan de risas, carcajadas y diversión. En realidad eso conforma una parte importante de lo que ofrece el filme, pero quizás no muchos sospechen que hay momentos bastante serios y dramáticos. Esta mezcla un tanto ambigua no es nueva, hay muchos directores que tienen una marcada preferencia por crear cintas que fusionen estos géneros, sin embargo aquí se ha dado un paso adelante. Los superhéroes por lo general no tienen mucho interés en hacer reír.

Nuestro personaje central tiene la peculiaridad de que se convierte en vampiro cuando se excita y cuando se ve en una situación de riesgo extremo (a lo Hulk). Así que ver a alguien cuyos poderes (a lo Bruce Lee) dependen de ver un poco de pornografía tiene sin duda su particularidad. Por otro lado está el hecho de que el protagonista sea Kim Su-ro, figura bastante conocida en el cine surcoreano, más que nada por sus papeles secundarios. Verle en este papel, en lo personal, me deja satisfecho, pues se le ha dado la oportunidad de mostrar algo más de su talento.

A pesar de que el film entra perfectamente en el género de la comedia, tiene, como dije antes, algo más que ofrecer. Quizás la parte melodramática a muchos no les siente bien, ya que las situaciones cómicas se cortan para dar paso a momentos un tanto sentimentales que tampoco llegan a ser contundentes. Pero, los aficionados que han seguido ya un tiempo este cine, que fluctúa entre la acción/comedia/drama, saben que no es nada nuevo; el atractivo aquí pasa por el hecho de tomar una figura que encaja mas dentro del papel de superhéroe y llevarlo a otro nivel.

Sobre las actuaciones vale la pena destacar, una vez más, a Kim Su-ro que muestra un poco de su otra y desconocida faceta. Películas como “Fun Movie” o “Dance with the Wind” le han dado la oportunidad de mostrar sus habilidades de cómico, pero ahora se le ve intercalar dichas habilidades con un papel algo más serio, aunque en “All for Love” ya tuvimos oportunidad de verle desde otra perspectiva. Veteranos como Jeon Ho-jin ("Double Agent", "Crying Fist") y Oh Kwang-rok ("Sympathy for Lady Vengeance", "A Moment to Remember") complementan el reparto, junto a rostros más nuevos como Jo Yeo-Jeong.

De juzgarla enteramente por su originalidad o guión, la cinta no tiene demasiado valor, su virtud esta en calificarla producto de entretenimiento, y es bajo esa consideración en donde me arriesgo a decir que ‘Vampire Cop Ricky” consigue ser convincente y una película de muy buena manufacturación.

Sin llegar a ser un largometraje espectacular, ‘Vampire Cop Ricky” deja una muy buena impresión, sobretodo porque no ha seguido la línea convencional, y porque se arriesga a jugar con el género, y aunque estoy seguro de el resultado pudo haber sido mejor, aplaudo la cinta del señor Lee Si-myung cuyo segundo trabajo me ha gustado más que su debut. Finalmente veremos si es que es él mismo quien dirigirá la secuela.

Kurutta Ippeji (1926)


Érase una vez…
Por Conri

Esta película me hizo entender un poco mas al cine japonés, y la verdad que me pareció extraordinaria en el sentido de cómo manejan las imágenes desde aquellos tiempos. Lamentablemente no se consigue alguna buena versión donde poder verla con una calidad decente ya que esta película se creía perdida hasta que la encontraron y le hicieron un tratamiento como para por lo menos poder verla y gracias a ello llego a mis manos y puedo comentárselas en este momento.

Kurutta Ippeji nos cuenta la historia de un custodio de un hospital psiquiátrico que empieza a sentir cosas extrañas por una interna. Esta interna ha sido recluida por el supuesto asesinato de su pequeño bebe, pero nada está dicho. Por el momento lo único que quiere el custodio es dejar en libertad a la mujer y escaparse con ella y así poder formar una nueva familia.

Esta película muda nos deja apreciar como ya desde los comienzos el cine japonés, éste se apropiaba de un genero diferente. La lluvia en conjunto con el agua toman un lugar principal en el comienzo del rodaje, ambas provocaban ansiedad, angustia y encierro a la protagonista ya que su hijo se ahogó.

Por lo que he leído sobre esta película dirigida por Teinosuke Kinugasa, es una especie de film experimental ya que podemos notar varias tomas y escenas en las cuales ya con el conocimiento que tenemos del cine y estando a acostumbrados a ver escenas y planos bastantes raros, nos sorprenden igual.

Interesante para quienes gustan de cosas extrañas, aunque tal vez haya varios momentos en los que no entenderemos lo que sucede y nos podremos aburrir un poco. Yo por mi parte se las recomiendo, es bueno ver los orígenes del cine que mas nos gusta y así mismo poder disfrutar de ella un rato.

Silsiilay (2005)


Tres mujeres, un hombre
Por Casandra

Tercer film del director Khalid Mohamed, “Silsiilay” presenta tres historias que tienen como protagonistas a mujeres en un momento de crisis afectiva en sus vidas. Zia (Bhumika Chawla) es una estrella de cine que fue abandonada por su pareja, Anushka (Riya Sen) debe decidir entre dos hombres que se interesan por ella y Rehana (Tabu) debe enfrentar la verdad sobre su matrimonio.

Khalid Mohamed incorpora a Shahrukh Khan como narrador de las historias. Khan presenta los personajes y hasta se permite hacer algún comentario sobre la situación de estas tres mujeres. La elección de la figura del narrador presenta el problema de la ruptura del ritmo del film, pero deja en claro que el director privilegia la transparencia de sentido antes que la fluidez del relato. Contra esto último conspiran también algunas canciones, en especial, en el tercer episodio.

El film adopta un tono que va de la comedia de enredos en la segunda historia al drama en el tercer episodio, mientras que el primero se queda a mitad de camino. De los tres, el episodio de Rehana es el más logrado, tanto narrativa como visualmente. Tabu encarna a su Rehana con la sutileza de los grandes actores, y logra transmitir todas las emociones de su personaje con gestos mínimos. Riya Sen ofrece frescura y naturalidad a su inocente Anushka, mientras que Bhumika Chawla construye a su Zia como un personaje neurótico e irritante.

La concepción visual propuesta por Santhosh Sivan resulta el punto más interesante de la película. Cada episodio y cada mujer tiene un color que los distingue, y la puesta en escena se construye en base a este diseño.

En líneas generales, es un film que escapa de algunas convenciones del cine de Bollywood, presentando diálogos directos y realistas. El tema de la libertad con que manejan sus cuerpos en una sociedad tradicional es central en las tres historias. Aún así, resulta curioso el hecho de que estas historias de mujeres que deciden hacerse cargo de sus destinos sean narradas por un hombre. Es a través del presentador que accedemos a ellas, lo que marca el límite de esa supuesta libertad. Esto parece indicar que la mujer sigue siendo personaje, pero aún no puede narrar su historia.

Takeshi´s (2005)


¿Será todo un simple sueño?
Por Conri

He tenido la suerte de poder ver esta película en el BAFICI y fue una experiencia totalmente distinta. Distinta en el sentido que vemos a un Kitano que podríamos comparar en cierto modo con el de “Sonatine", pero sin llegar a ese nivel. Es curioso, pero al ver la película rodeado de personas y no en solitario, se es capaz de apreciar los distintos puntos de vista, los diferentes comentarios y por supuesto, las diferentes valoraciones. Aquí les dejo la mía.

En el film tenemos a Beat Takeshi, un gran actor triunfador que prácticamente tiene el mundo a sus pies. Sin embargo su carrera va decayendo poco a poco, y nos damos cuenta que después de todo es un tipo como cualquier otro, un actor más. Es posible que la fama se le haya subido a la cabeza, porque ya nada es como fue hace mucho tiempo, su actitud cambia y el Takeshi que todos conocíamos ha desaparecido.
Beat Takeshi conoce a una persona en apariencia idéntica a él, un vulgar payaso que tranquilamente podría ser su doble. Este gran admirador suyo le pide un autógrafo en cuanto se encuentran frente a frente. Y en aquella firma nace una historia.

Su “otro yo” (por decirlo de alguna manera), enfrenta su vida como una persona que carece de carácter y que vivirá con el sueño de poder llegar a ser un famoso actor, pero la suerte no esta con él. Su simple oficio de personal de un mini-mercado lo llevará al delirio, a navegar su propio interior y pasar por las mas extrañas situaciones. Pueden parecer simples sueños, pero… mas tarde se revelarán muchas cosas mientras otras cada vez se alejan mas de la realidad.

Nos encontramos perdidos entre las realidades y las propias ideas del subconsciente de una persona. Se nos revelan tantas cosas frente a nuestros ojos que llaman a la confusión, pero al analizarla en profundidad vemos todo mas claro. La fama en tal caso lleva a la desesperación, el poder nubla las vidas ajenas y en cualquier momento puedes pasar a ser un don nadie. “Takeshi´s” presenta a una persona inmersa en una nube de confusiones en la cual podemos quedar atrapados sino intentamos buscarle una explicación.

Pasando a otros aspectos del film, tanto la música como los actores son excelentes, y nos damos cuenta de que Kitano cada día trabaja mejor. En esta película no se limitó a escribirla, editarla y dirigirla, sino que además da vida a dos personajes que en realidad son uno: él. Por supuesto no quiero desmerecer el resto de actuaciones, que de una pasada general son bastante buenas.

Solo dejo una última recomendación. Al ponerse con esta película será un factor importante el ir con una mente totalmente abierta y no solo juzgarla como si fuera una película normal y corriente, una más. Kitano en mi opinión tiene una filmografía que destaca por la manera de contarnos las historias y de hablar con el espectador a través de su estilo particular. Les aseguro que si van con el único concepto de intentar entenderla, prestarle mucha atención y tener paciencia, en algunos momentos la disfrutaran tanto como yo.

Samurai Banners (1969)


El estratega
Por Fingolfin

“Ran” y “Throne of Blood” son películas que mantengo siempre en un pedestal por encima de todas las otras; supongo que lo que más me atrae de ellas es la tragedia Shakesperiana que representan. Sin embargo hablando ya de “Samurai Banners” (conocida también como “Furin Kazan” o como “Viento, Fuego, Bosque, Montaña”), me descubro ante su genialidad, y la comparo sin ningún tipo de complejos a “Kagemusha” o cualquier otro film de Kurosawa.

“Samurai Banners” nos narra la historia del famoso general de Shingen Takeda, que no es otro que Kansuke Yamamoto, de cuya boca oímos la mítica frase que rezaban los estandartes del ejercito: “Veloz como el viento, silencioso como el bosque, feroz como el fuego, grandioso como la montaña”. Su brutal ascenso desde ser un ronin miserable hasta el brazo derecho de Takeda no es otro camino que el de su ambición. La ambición de cumplir un sueño y sacrificar todo cuanto sea necesario por cumplirlo.

Tratamos de nuevo mi época favorita: el siglo XVI, y nos topamos con geniales personajes como Kenshin Uesugi, Nobusato Itagaki, o el propio Shingen. Al igual que en “Kagemusha” presenciaremos la historia desde el bando de los Takeda, lo que controlará nuestros sentimientos hacia ese lado.

Sus mas de 150 minutos dan cabida a prácticamente todo, al drama, el amor (entre el señor y su vasallo), y la guerra. Nuevamente centenares de extras y caballos nos deleitaran con un espectáculo de color similar al de “Ran”. Magnificas secuencias y planos generales de combate en las batallas, adornadas cuando vemos como todo se amolda a las estrategias diseñadas de antemano, y los hombres se transforman en piezas que despliegan un resultado ya concebido. Resulta incluso impactante ver al señor y sus hombres cercanos apostados en una colina, contemplando como se desarrollan sus planes y actuando en consecuencia.

Sin desmerecer en absoluto el film, esta vez me he tenido que romper los sesos buscando algún punto flaco, o incluso algo que simplemente no me gustara. Lo único que he encontrado mas débil que el resto han sido los primeros planos de combate a caballo, demasiado flojos y lentos. Con este entupido detalle solo vengo a decir que si tiene algún “fallo”, desde luego es insignificante.

Toshiro Mifune como siempre es estupendo encarnando a Kansuke Yamamoto, derrochando toda su fuerza y sentimiento para el papel. Además de él, quiero destacar a Yoshiko Sakuma (Pricesa Yufu) y a un bastante correcto Kinnosuke Nakamura (Shingen Takeda).

Y dejo lo mejor para el final. La banda sonora de Maseru Sato es simplemente genial. No es la típica música de superproducción de romanos que aparece por todas partes, sino que está reservada a escenas y momentos de mucha fuerza.

¿Qué mas decir? Está bastante claro que es una estupenda recomendación, y dentro de Hiroshi Inagaki, para mi gusto solo “Chushingura” es capaz de mantenerse a la altura.

Father and Son: The Story of Mencius (2004)


Un padre compulsivo
Por Master of Hate

Maeng Man-su (Jo Jae-hyeon) Esta empeñado en que Sa-sung, su único hijo, entre en la Universidad de Seul, la mejor de Corea. Sin embargo, Man-su es pobre y tiene que trabajar muy duro, e incluso solicita un préstamo, para pagar por la educación de Sa-sung. Aun así, esto no es suficiente, Man-su tiene que cambiar a su hijo a una de las mejores secundarias, y para eso se mudan a un buen apartamento de la zona. Sus vecinos resultan ser un grupo de mafiosos que se hacen cargo de Choi Hyeon-jeong (So Yi-hyeon) una atractiva joven que va a la misma secundaria que Sa-sung. Los jóvenes se comprenden muy bien, pero sus respectivos guardianes terminan odiándose a muerte.

Estamos en presencia de otra cinta con un argumento interesante que falla estrepitosamente en su desarrollo, que resulta de todo, menos cómico. Kim Ji-yeong intenta, en su primera película, crear una comedia con toques dramáticos, que termina siendo una mezcla poco interesante. “The Story of Mencius” es una historia plana, sin una forma definida, ni nada que pueda generar un interés real. Las situaciones se ven demasiado forzadas como para resultar divertidas, y ninguna de las actuaciones logra sacar del bache el argumento.

El guión, pobremente construido, se ve aun más afectado todavía, por la manera de estructurar la cinta. Es posible salvar la intención de Man-su como personaje, que hasta cierto punto puede inspirar respeto por su determinación y deseos de ver a su hijo en la universidad. Así mismo se puede cuestionar las motivaciones de un padre, que intenta forzar a su hijo a seguir una carrera que no desea. En la película se ven estas cosas, pero en ningún momento resultan razonables, o justificables.

Las actuaciones pasan sin pena ni gloria, incluso Jo Jae-hyeon ("Crocodile", "Mokpo The Harbor") me ha parecido poco inspirado, aunque por otro lado So Yi-hyeon sorprende gratamente; habría que verla bajo una mejor dirección.

Son casi dos horas de una película sosa, simple y sin mucho que ofrecer. Es posible que incluso el espectador habitual de comedias no encuentre motivos suficientes para poner su atención sobre esta cinta, que urjo dejar pasar.

Gonza the Spearman (1986)


Victima de la tradición
Por Fingolfin

Antes de ver una película los únicos datos que tengo son su cartel/portada y el director. Era obvio mirándolo desde ese punto de vista que iba a quedar sorprendido después de ver la realidad del film. En la imagen que aparece encabezando la crítica vemos a Gonza en posición de ataque, combinado con un fondo rojo y negro que solo me deja emplear la palabra “aterrador”. Sorpresa, nada de lucha, nada de lanzas, nada de espadas, “Gonza the Spearman” es un buen drama basado en la obra de Chikamatsu (conocido como el Shakespeare japonés) del siglo XVIII. Si recordamos, no es la primera vez que Masahiro Shinoda lleva al cine trabajos de Chikamatsu, sino que también fue así con la ya comentada “Double Suicide”.

Es difícil hacer una sinopsis sin definir primero a todos los personajes que participan en el film. Así que primero y muy brevemente hablaré de cada uno de ellos.

Bunnojo (Shohei Hino) en un principio parece una persona completamente normal, pero a la que se le nota un ligero resentimiento hacia la superioridad de Gonza (Hiromi Gô), al que parece no puede derrotar en nada. Oyuki (Misako Tanaka) es la hermana de Bunnojo, está prometida a Gonza, pero no cuenta con la aprobación de su hermano. Osei (Shima Iwashita) es la esposa con tres hijos del importante señor Ichinoshin, a la que Bunnojo persigue constantemente en ausencia de su marido para mantener relaciones; ella siempre se niega. Okiku (Kaori Mizushima) es hija de Osei, su papel en la historia es de espectadora, pero se ve envuelta en los trágicos acontecimientos de forma involuntaria.

Resumiendo ahora un poco la trama, Gonza es lo que podríamos definir desde el punto de vista de la mujer como “el hombre perfecto”. Es guapo, uno de los mejores luchadores del país, tiene una personalidad encantadora y una buena posición social. Sin embargo para el luchador atrapado en una sociedad de paz, una de las cosas que menos le interesan son las mujeres (confirmaremos esto en una frase textual del protagonista) a las que solo utiliza según le convenga.

Los problemas comienzan cuando se le encarga ser, junto con Bunnojo, lo que literalmente se puede traducir como “maestro de la ceremonia del té” (tea-master) ante la llegada del Lord. En ese acto de vital importancia no puede cometer fallos, y decide pedir ayuda a Osei. Normalmente los secretos de la ceremonia del té solo se transmiten de padres a hijos, pero ella le ayudará a condición de que se case con su hija Okiku (sin saber que Gonza ya está prometido a otra); Gonza accede.

Sucede que en uno de los encuentros de ambos, sus dos cintos acaban siendo conseguidos por Bunnojo, quien ahora completamente cegado por los celos los exhibe por la ciudad extendiendo rumores de adulterio.

En pleno Japón del siglo XVII, y con las fuertes creencias de la gente, Gonza trata de suicidarse para salvar su honor, pero Osei se lo impide. El honor que ella quiere guardar es el de su marido, así pues decide fingir que han cometido adulterio de verdad y marcharse juntos hasta que su marido les mate a ambos.

Este difícil juego de honor plantea un enorme dilema moral a Gonza, que de pronto tiene que elegir entre suicidarse elegantemente y admitir de esa forma el adulterio, o marcharse con Osei y vivir como marido y mujer para cometerlo de verdad.

Reflexionando un poco sobre la historia nos damos cuenta de lo impactante que es para todos los personajes. Los dos protagonistas están condenados a morir sea lo que sea que hagan, pero el señor Ichinoshin está obligado a matarles para proteger su reputación. Nadie negará que puede ser fácil matar al que te engaña con tu mujer, pero matar a la madre de tus hijos es algo bastante complicado. Y lo curioso de todo es que la familia de Osei parece la más interesada en que ella muera, todo por la irracional importancia del honor familiar.

Durante todo el film se utiliza la ceremonia del té como representación de la increíble formalidad y el estricto código social de la época. En una de las escenas iniciales vemos que se cuidan detalles tan insignificantes como el número de vueltas que se le da a la taza antes de beber, o los giros que hace la servilleta para limpiar el borde.
En cierto modo debe ser doloroso para un samurai de acción desperdiciar su tiempo estudiando las ridículas formalidades de la ceremonia, y de las que depende su futuro.

Pasando al especto técnico tenemos importantes diferencias con otras películas del director como “Samurai Spy” o sobretodo “Ansatsu”, y es que los escenarios son realmente llamativos, repletos de color y con los personajes situados de forma muy armonizadora. Lo cual es un lógico parecido a “Double Suicide”, también sacada del teatro Bunraku de Chikamatsu.

Estética, hermosa y cruel. Toda la historia se construye poco a poco, como un frágil castillo de naipes que en cualquier momento caerá por la forma en que Gonza actúa con las mujeres. Probablemente sea la película que mas me ha gustado hasta la fecha de Shinoda. Muy recomendable.

University of Laughs (2004)


Por amor al arte
Por Conri

Sin ninguna expectativa me senté a ver esta película y la verdad que no me arrepiento. Lo único que sabía sobre ella era que los 120 minutos de metraje transcurrian en una misma habitación. Al principio me plantee varias cosas, pero hay que animarse y mirarla. El tema que trata es el mismo, pero la verdad entretiene muchísimo si no le pierdes el hilo, es posible disfrutar a fondo, aquí les dejo la crítica.

Un nuevo censor llega para rechazar los próximos guiones teatrales, su nombre es Sakisaka. En realidad, su trabajo no es solo rechazar guiones, sino censurar y calificar si estos pueden ser expuestos al público o no.

Luego de haber pasado ya varios personas con sus guiones teatrales, llega el turno a Tsubaki, representante, director y escritor de la University of Laughs ("Universidad de la Risa”). Con mucho nerviosismo Tsubaki le entrega el guión a Sakisaka, este lo lee detenidamente… y con una voz fuerte y clara… le dice que “No esta aprobado para presentarlo”.

Tsubaki lo frena y le pide por favor que le de una oportunidad más para modificarlo, pero el guión tenia que ser cambiado por completo, ya que Sakisaka comenta que esa adaptación cómica de Romeo y Julieta era poco oriental, así que la tendría que volver a escribir basándose en Japón.

Una y otra vez Tsubaki llega con las esperanzas de que su guión sea aceptado pero este nuevo censor le complica las cosas demasiado. Sin embargo, poco a poco empieza a aflojar y a a conocer lo que es el mundo teatral. Sakisaka empieza a descubrir que nada es tan aburrido como cree y que la risa es fundamental para la vida.

Aunque la historia está casi toda narrada dentro de una sala de cuatro paredes, una mesa y dos sillas, consigue retener bastante. Sólo una pequeña ventana separa el mundo exterior con aquel salón donde nacen nuevas ilusiones para muchos escritores. Sakisaka es una persona muy cerrada en cuanto a la idea de comedias teatrales, él nunca encuentra un motivo por el cual reírse mientras que Tsubaki hace todo lo contrario; es un escritor nato, un comediante muy destacado, pero ni esto hace doblegar al gran censor.

Tengo que destacar que las actuaciones me parecieron excelentes. Imagínense una película donde no hay buenas actuaciones y se desarrolla toda en un mismo lugar, seria algo intragable. En ese espacio tan reducido uno puede llegar a imaginarse por momentos, historias diferentes que corresponden a los supuestos guiones y nos sitúan en lugares distintos, hasta ver más allá de ese cuarto.

Para las personas que no la vieron, se la recomiendo. Espero que la puedan disfrutar tanto como yo, vale la pena. Me pareció algo diferente y con un final que a los sensibles, y a muchos otros les pondrá la piel de gallina.

Blue Swallow (2005)


Un sueño en el cielo
Por Master of Hate

Las navidades del 2005 vieron como un anticipado film de gran presupuesto conseguía una paupérrima taquilla, convirtiéndola en un fracaso mayúsculo en cuando a recaudaciones. Cierto es que aquí han habido ciertas cuestiones, muy delicadas, que han jugado en contra de la película, y que al final ha hecho que el público le de la espalda. No me corresponde evaluar estos asuntos, pero me parece que en este caso no ha sido del todo justa tal reacción. No es que estemos ante un filme de primerísimo nivel, pero ciertamente no es para nada un trabajo que se pueda desechar así como así.

La cinta esta basada en la vida de Pak Kyeong-Won, la primera mujer piloto de Corea que gurgió en tiempo de la ocupación japonesa. No se hace mucho énfasis en su niñez, ni en como llegó a Japón, los detalles empieza al mismo tiempo que el aprendizaje formal. Sus logros se ven opacados por un atentado en el que tanto ella como su pareja Han Ji-Hyeok se ven envueltos sin tener ninguna culpa. Finalmente Pak Kyeong-Won tendrá que decidir si cumplirá su sueño a costa de ser considerada una traidora por sus compatriotas.

Una de las virtudes de la película es su reparto, ya que en estos casos donde se toma como referente figuras históricas es necesario ser muy cautelosos. Jang Jin-Young ha sido un buen acierto, y aunque hasta el momento sus interpretaciones en películas como “Over The Rainbow” o “Scent of Chrysanthemums” no me habian parecido nada de otro mundo, en esta ocasión sí se hace evidente su buen desempeño. Kim Ju-hyuk (“Mr Hong” “YMCA Baseball Team”) cumple otro destacado papel.

La fotografía es un aspecto que está muy bien cuidado, la ambientación en la década de los 20’ resulta plenamente convincente y los vestuarios grandiosos. Los CG son efectivos, y no es que se vean mal, pero hay momentos en los que si se nota que es un área que aún necesita pulirse un poco más. La historia tiene un par de giros sorpresivos y algo que me ha parecido inteligente es meter un par de escenas cómicas para hacer más placentero el visionado.

Ahora, el problema está en que al ser un filme que tiene 133 minutos de metraje, puede haber problemas en mantener el interés en la trama. Evidentemente eso es lo que pasa en algunos pasajes, además hay escenas que pudieron haberse dejado fuera sin que esto afecte el resultado final.

En cuando al contenido político que hallamos, es inevitable que de una u otra manera cause cierta polémica. Hay algunos diálogos que pueden disparar críticas, dependiendo de cómo se los tome. La imagen que se da de los japoneses no parece ni buena ni mala, en realidad se les juzga individualmente más que como un colectivo, es decir, hay de todo. Claro está, es la apreciación de alguien que no centra su atención en estos aspectos y por lo tanto no puede hacer un comentario realmente acertado y profundo sobre el tema, pero aún así, pienso que hay algunas líneas bastante comprometedoras.

Las escenas aéreas, la música (el corte final sobretodo) y la excelente fotografía redimen en parte las falencias que podamos encontrar en esta cinta. Personalmente, no creo que se haya quedado a medias, mucho menos que sea un fracaso. Si bien quizás no salió todo lo bien que se esperaba, no es razón para desalentarse, y por este motivo considero conveniente recomendar esta película, que así como tiene unos cuantos fallos, tiene notables aciertos.

Whirlwind (1964)


Supervivientes
Por Fingolfin

Ya sea conocida como “Shikonmado - Dai tatsumaki”, como “Big Tornado” o como “Whirlwind”, es un interesante film de Hiroshi Inagaki que en ocasiones ha sido tildado de segunda parte de su obra “Osaka Castle Story”. Yo mas bien la considero una especie de continuación, que empieza justo donde termina la anterior e incluso comparte el escenario del castillo de Osaka. Lo cierto es que si la primera quedaba inconclusa sin contarnos el final de la batalla para no hundir toda la historia, en “Whirlwind” el resultado será lo que cree el argumento.

La batalla de Osaka acaba con la derrota total del ejército de Toyotomi y sus aliados más importantes (ejemplo de Yukimura Sanada), y cada uno de los supervivientes adopta una postura distinta para el destino de sus vidas.
Si continuara con la sinopsis la acabaría transformando en un análisis, así que prefiero dejarla ahí, y dedicarme a comentar el resto.

El honor es un elemento importante a la hora de ver en qué desemboca cada una de las vidas de los derrotados. El cocinero y el soldado Kujuro escapan de la batalla y se convierten en traidores a cambio de salvar sus vidas. Finalmente caerán mas bajo aun si cabe y pasarán a ser ladrones.

Jubei está decidido a cometer seppuku pese a los consejos de su amigo Kyunosuke, el cual prefiere escapar y comenzar una nueva vida ligada al dinero. Justo cuando está apunto de suicidarse aparece Kozato, que huye del castillo con el nieto del señor Hideyoshi, y Jubei la ayuda a escapar.

Shuri Kusanagi es quizás el que peor parado sale de la derrota. Decidido a buscar la muerte en combate y descorazonado al no encontrarla, despacha su odio con el mundo asesinando a todo aquel que encuentra por las calles.

Como ya podemos imaginar el film nos deja una sensación de película de postguerra, centrada en las complejas historias de cada personaje y su lucha por salir adelante. Este es uno de los elementos mas destacados de “Whirlwind”, ya que implica un enorme desarrollo de los sentimientos y las personalidades de cada uno, algo habitualmente reservado solo para el protagonista. Es difícil hablar pues, de actores secundarios, ya que el tiempo en escena está bastante repartido entre todos.

La dosis de acción es bastante escasa y rara vez implica el uso de las espadas. Como ejemplo podría decir que Toshiro Mifune (Akashi) es el que mas combate, y lo hace con un pequeño garrote que combina con artes marciales. Sin embargo cuando han de aparecer katanas el nivel es bastante bueno igualmente, destacando el corto duelo entre Jubei y Shuri.

El amor también tiene importante acto de presencia y gran influencia en el desarrollo de la trama. Aparece ligado a la figura de Jubei, del que acaban enamorándose dos mujeres totalmente distintas, e incluso de distintos bandos. No obstante cabe mencionar también la relación arruinada entre Akashi y la tía de Kozato, y el extraño amor de Shuri y Kikusato.

Al final de la película es cuando se hace honor al titulo, y por ello se ponen a prueba los efectos especiales de 1964, que se llevan buena nota con un acertado uso de las maquetas. El elemento del tornado da un nuevo sentido a las vidas de los personajes, ya que sobreviven por segunda vez a un gran incidente.

Como valoración final decir que la considero una buena película, con grandes actuaciones y personajes muy bien desarrollados y caracterizados, que gustará a casi todos.

Ansatsu (1964)


Una jugada maestra
Por Fingolfin

“Ansatsu” o “The Assessination” fue una de las primeras películas de Masahiro Shinoda, y la más antigua que he visto del director. Rodada en blanco y negro me ha dejado una sensación totalmente distinta a “Samurai Spy”, la mas cercana cronológicamente, y es que en esta ocasión el elemento histórico eclipsa todo lo demás.

Hachiro Kiyokawa es un hombre que ama a su país, maneja la espada de manera excepcional, y forma parte del movimiento de culto al emperador. Un día asesina a un inspector, situación que le lleva a tener que pactar con el Shogunato para mantener su libertad. Su misión consiste en liderar un grupo de ronin en su viaje a Kyoto, y reestablecer la paz en el lugar. Sin embargo sus intenciones son muy diferentes y nunca estará dispuesto a abandonar sus verdaderos ideales.

El acontecimiento del que trata el film es la gran jugada de Kiyokawa al grupo llamado “roshi-gumi”. Para mí ha sido bastante interesante, ya que la única vez que lo había visto en pantalla fue desde el punto de vista de los defensores del Shogun (concretamente de la milicia Shinsengumi), y en esta ocasión es desde la otra parte, donde por ejemplo se nos ofrece una impresión totalmente opuesta de la aparentemente insignificante marcha de Serizawa Kamo, Kondo Isami, y Toshizou Hijikata (fundadores del Shinsengumi) del grupo.

La película es difícil de seguir durante la primera hora, ya que se construye mediante flash-backs de distintos momentos cronológicos. Esta dificultad de atención se suaviza al terminar cada uno de los recuerdos con la congelación de imagen.
Ahora bien, tampoco quiero exagerar demasiado o transmitir una falsa impresión. La trama está clara en todo momento, y aunque se nos escapen pequeños detalles por este motivo, no representa ningún problema importante.

Hachiro se nos presenta como un personaje “extraño”. El director utiliza los mencionados flash-backs para cubrirlo de incertidumbre, de modo que cada uno nos dará una versión distinta. No sabremos si es bueno o malo, si es de culto imperial o se ha pasado al Shogun, si le gusta matar o lo detesta…etc. La verdad la descubriremos al final, y en cierto modo Shinoda consigue ponernos a todos en la piel de los seguidores de Hachiro, absolutamente desconcertados hasta ese último instante.

La técnica del director es bastante monótona, nada te distrae de la acción, ni los escenarios ni la percusionista y casi inexistente banda sonora. La única nota que rompe la armonía es que en ocasiones se utiliza la cámara (de forma bastante exagerada) para tomas en primera persona.

Como conclusión final, “Ansatsu” es una película que se encasilla en un acontecimiento histórico que en mi opinión no tiene el atractivo suficiente para conquistar al espectador, sino todo lo contrario: puede llegar a aburrirle. Sin embargo los seguidores de Tetsuro Tamba podrán al menos disfrutar de la buena actuación del protagonista.

Lost in Love (2006)


Ocultando la verdad
Por Master of Hate

Estas historias de amor y romance son la especialidad de los amigos surcoreanos, y en esta ocasión han vuelto ha hacer de las suyas. El director Chu Chang-min nos trae otra película de esas que a grandes rasgos intentan contar lo de siempre, pero que de una u otra manera busca ofrecer algo diferente. “Lost in Love” no termina siendo un filme que vaya a dejar indiferente al publico sediento de romance, sin embargo, le ha faltado un poquito más para cruzar esa bandera tan alta que han dejado otras películas.

Woo-jae está profundamente enamorado de su novia, sin embargo ésta ha decidido terminar su relación con él, dejándolo profundamente herido. Yeon-soo, amiga de toda la vida de Woo-jae, ha vivido mucho tiempo amándolo en secreto, pero nunca se ha atrevido a decírselo, ni siquiera ahora que la brecha que les separaba ha desaparecido. El tiempo pasa y el destino vuelve a unirlos, pero Woo-jae no comprende aun los sentimientos de Yeon-soo y quizás cuando por fin logre hacerlo ya sea demasiado tarde para revivir el amor.

A diferencia del mal sabor de boca que me dejo “Mapado”, la primera película de Chu Chang-min, “Lost in Love” me parece un trabajo mucho más completo y bien logrado, que le permite hacer más uso de su talento, sobretodo ahora que ha desarrollado el guión por su cuenta. No quiero echar demasiadas flores aún sobre esta cinta, que sin bien me parece un mejor producto, se queda un poquito corto por no ofrecer más que una linda historia de amor.

El filme tiene un empaque muy bonito, y aunque es ineludible que eche mano del melodrama, sabe mantener el interés a lo largo de los 115 minutos de metraje. Los escenarios elegidos con muy interesantes, un contraste de ciudad y paisajes rurales. Las actuaciones están sujetas a un factor no muy saludable, pero sobresale la de Song Yun-ah (“A Masterpiece in my Life”) que resulta más convincente que Sol Kyung-gu (“Oasis”, “Silmido”). Sospecho que Song Yun-ah incitará a sacar el pañuelo a más de uno.

El problema en cuanto a las actuaciones es que Kyung-gu parece sobreactuar un poco, y puede resultar un tanto molesto. A pesar de ser un veterano del cine, el papel que le ha tocado interpretar resulta un tanto lineal y quizás exagere en algunos aspectos. Es lógico exigir o esperar un desarrollo en los personajes que sea algo más convincente, y a menos que la idea del director haya sido mostrar que 10 años en la vida de una persona no representan un cambio importante, podríamos decir apuntarlo como un desacierto.

Me inclino a creer que se intenta de cierta manera representar 2 problemas muy representativos del hombre y la mujer en sus relaciones amorosas. Primero la poca madurez e insensibilidad e indecisión masculina; el ejemplo lo tenemos con Woo-jae que reúne dichas cualidades. Sin embargo, la devoción de Yeon-soo esta hecha a prueba de tiempo; y aquí es donde se expone el problema femenino. Ella se dedica simplemente a esperar a que el hombre de el primer paso (claro, si ella se atreve, no hay película), y se lo guarda todo.

La idea del film parece ser la de exponer algunos de los problemas más típicos que enfrenta una pareja en el proceso de consolidar una relación, en este intento, los personajes se fuerzan bastante y a veces parecieran pasarse de la raya ocultando sus sentimientos, poniéndose trabas y ahogándose en un vaso de agua. Por este motivo, se sacrifica un poco el realismo, y los personajes se ven un tanto encasillados y sin mucho desarrollo, aunque tampoco es que se llege a notar demasiado.

En conclusión, la propuesta es complaciente y al final no habremos presenciado nada extremadamente novedoso, sólo un film bien hecho y pensado para gustar a la mayoría del público, cosa desde luego, muy correcta. En vista de esto, no es nada fácil dar una calificación acertada al trabajo del señor Chang-min, pues si bien en su segunda apuesta cinematográfica da un paso hacia delante, hay directores que dentro del género son muy dificiles de superar. Pero dejando las comparaciones al margen, "Lost In Love" es un film bastante recomendable que probablemente sólo los más exigentes pueden dejar pasar.

Art of the Devil (2004)


Hay castigos que no puedes evitar
Por Squareta

Un poco más de cine de terror en que las traiciones, la magia negra, la sangre, el drama y la venganza se hacen presentes. La cinta tailandesa está dirigida por Ghost Gipsy y su titulo original es Khon len khong. Tiene poco más de dos años pero recién vengo a saber de ella, curiosamente después de haber visto el trailer de la segunda parte. Al parecer era más conocida de lo que esperaba.

Una mujer se enamora de un hombre mayor, millonario y casado. Al contarle que ella ha quedado embarazada, él decide desligarse de la situación. La mujer le insiste y él se enoja, castigándola con la ayuda de sus amigos. Obviamente ella no se quedará de brazos cruzados y acudirá a un brujo para que éste, por medio de magia negra, sacie su sed de venganza contra él y contra todos los que se interpongan en su camino.

La historia está narrada en dos tiempos: el presente, filmado en blanco y negro, y el pasado, el que se narra en casi toda la película.

Aunque tiene sus momentos altos, en general la cinta es bastante pareja. Además, basta solo con ver los primeros minutos para saber qué va a pasar durante todo el resto de ella. Tenía la esperanza de algún giro sorpresa, pero este nunca llegó. Lo único que se puede hacer es sentarse y ver lo inevitable.

Pero lo poco y nada que tiene de suspenso se reemplaza efectivamente por gore. Cada escena de brujería viene acompañada por muertes no muy agradables a nuestro estómago, como por ejemplo la muerte de Neng.

De las actuaciones mejor no hablamos ni de la trama tampoco. Los efectos especiales no son muy buenos, pero cumplen con su propósito. Algunos personajes no tienen sentido y a veces falta la lógica, pero si no nos ponemos muy críticos varias de ellas las podemos resolver con un “cosas de brujería”.

A pesar de que las fallas mencionados son graves, “Art of the Devil” no se vuelve pesada en ningún momento y merece puntos por ofrecernos un nuevo enfoque al tema de la venganza, mezclándolo con la brujería.

En resumidas cuentas, me atrevo a decir que “Art of the Devil” vale la pena ver como una muestra de cine de terror tailandés, aunque después de ver Shutter ésta quede muy por debajo de ella.

The Twins (Myungsoo of Reversion) (2005)


Doble problema
Por Master of hate

A pesar de tener personalidades muy distintas, físicamente Park Myung-su y Park Hyun-su son idénticos puesto que son gemelos. Pero por un lado Hyun-su tiene grandes aspiraciones, y decide estudiar leyes en Seúl. Myung-su por su parte no dedica su vida a nada bueno y se limita a poner orden en las calles de su zona y a veces ayuda en el negocio de la familia. La madre de los gemelos se desvive por Hyun-su, pues confía en que el sacará adelante el nombre de la familia, y en este afán de ayudar a su hijo con más futuro, obliga a Myung-su a sacrificarse por su hermano. De esta forma Myung-su tiene que suplantar a su hermano en las circunstancias de mas riesgo. Los años pasan y quizás ha llegado el momento de que el exitoso Hyun-su devuelva los favores recibidos.

Empezare diciendo que he visto peores cosas en cuando a comedias se refiere. “The Twins”, cinta de Park Heung-Sik, no se escapa de caer en la fosa de las tantas cintas que se quedan a medio camino y que a la mayoría les sabrá a poco. Jeong Jun-ho, conocido por ser la estrella de la saga “My Boss, My hero”, ha protagonizado algunas películas que la verdad son poco recomendables, se me vienen a la mente “Romantic Comedy” y “North Korean Guys” por ejemplo. En esta ocasión se salva por los pelos de irse junto con esas.

No quiero desmerecer la intención de hacer una película que pudo resultar mucho más decente, pero no se puede negar que el fruto es poco atractivo. La historia se torna un tanto pesada y justo en el momento en el que parece tomar vuelo, cae en picada y se pierde sin ofrecer nada realmente llamativo. Jeong Jun-ho no me ha impresionado nada en su papel, y menos aún cuando el contraste de personalidades entre los hermanos no llega a encajar. Como resultado tenemos un filme que nos promete cierto nivel de entretención, pero no lo sabe cumplir.

En todo caso y aunque sea un argumento un poco vacío (por no decir totalmente) he de decir que ver a Yoon So-yi (“Arahan”, "Shadowless Sword”) en un papel estelar me ha aliviado bastante, y eso aplacó mis deseos de ser mas duro con la película. Su personaje es muy simpático y es la primera vez que se deja ver en una comedia romántica. Ha salido de ese personaje tan sobrio que sólo sabe de artes marciales y espadas, aún así, en esta ocasión el guión consigue que toda la película deje mucho que desear.

Si tienen interés por ver una buena comedia, mezcla de romance y crimen, sugiero pensárselo dos veces. “The Twins” no es material de primera, y aunque se puede ver sin mucho problema, hoy en día abundan cosas mejores. La competencia en el género, es bastante apretada, así que tomarlo en cuenta.

Double Agent (2003)


Lealtad
Por Master of Hate

El agente del servicio de inteligencia norcoreano Lim, Byeong-ho (Han Suk-kyu) decide desvincularse de su régimen y buscar asilo en Corea del Sur. Los antecedentes de Byeong-ho son bien conocidos en este país y hacen dudar sobre su cambio de ideología, por esta razón es sometido a una serie de torturas con el fin de obtener la verdad. La determinación de Byeong-ho finalmente convence a los agentes de inteligencia que no tarda mucho en reclutarle como uno más de sus hombres. El encuentro de Byeong-ho con Yun Su-mi (Ko So-young), una respetada locutora de radio, desvela un posible plan del que nadie sospecha.

Interesante intento de crear un thriller detectivesco en donde los servicios de inteligencia de las dos Coreas ponen a prueba su capacidad para el espionaje. Kim Hyeon-jeong configura su opera prima intentando incluir ciertos datos históricos, conjuntamente con aspectos importantes en la filosofía de las dos naciones.

Ambientada en los años 80, la cinta presenta una historia consistente en la que Han Suk-kyu (“Green Fish”, “Shiri”) hace las veces de agente surcoreano que hasta hace poco estaba afiliado a la Corea comunista. Una vez que su búsqueda de libertad en la Corea capitalista se vuelve un argumento válido, se le asigna un cargo importante como oficial de inteligencia, más que nada por sus amplios conocimientos en el campo.

El discurso de Byeong-ho, en el que clama por libertad, parece tener cierta ironía, pues su desaforado clamor en busca de libertad se ve de una manera totalmente idealizada. Quizás este mismo hecho revela lo que viene a continuación, el encuentro con un misterioso contacto con e cual intercambia información clandestinamente.

El aparente desertor termina infiltrándose en el corazón mismo de la KCIA y poco a poco sus planes se van revelando. Sin embargo, está en él decidir si continua con lo previsto, o si es mejor escapar junto a Su-mi para iniciar una nueva vida.

“Double Agent” es sin duda un largometraje muy correcto que goza de una excelente producción y una historia intrigante. Pequeñas partes del rodaje se han realizado en Republica Checa y Portugal, añadiendo algo más de atractivo. A pesar de que la mayoría de aspectos se han cuidado mucho, falta cierta contundencia, debido a que un film con un enfoque tan serio, quizás resulta algo frió una vez llegado su desenlace. El tema que se toca aquí requiere de cierto trato y es que una visión demasiado hermética quizás no sea la mejor elección cuando se trata de una representación cinematográfica.

No hay que esperar demasiada acción, ya que no es el fuerte de la cinta, tampoco el romance entre los protagonistas se siente como uno de los aspectos a destacar, todo sigue una línea muy marcada que no varia hasta el final. Las actuaciones cumplen su cometido, pero no son un factor determinante al momento de hacer un balance final.

“Double Agent” ciertamente no es una cinta para el espectador que busca acción o una historia apasionante sobre las dos Coreas. A pesar de que hasta cierto punto se puede hacer una comparación con “JSA” o “Shiri”, este filme resulta algo más sobrio, y directo, y menos entretenido, aun así, su mensaje no deja de ser interesante.

Happiness of the Katakuris (2001)


Una familia con poca suerte
Por Conri

De mano del maestro Takashi Miike hoy nos llega este film que como no puede ser de otra manera no deja de sorprendernos. Al ver película tras película de este director, realmente siempre esperamos que nos impresione con alguna idea rara o algunas imágenes y situaciones inesperadas, y creo que esta película lo logra desde el comienzo.

Los Katakuris, son una familia realmente desafortunada, al quedar todos ellos desempleados no tienen mejor idea que abrir en su propia casa un Hotel.
Ellos viven muy lejos de la ciudad, por esta razón la afluencia de visitantes es muy escasa, todo va cuesta abajo, las visitas no llegan y la familia necesita algunos ingresos económicos para poder subsistir.

Pero el día menos pensado, la primera visita golpea a la puerta de los Katakuris, una extraña persona, con un humor bastante malo y con pocas palabras, estrena la primera habitación, pero al llamar al huésped para servirle su desayuno, los Katakuris se encontraran con su primera sorpresa, aquel huésped mal humorado era en esos momentos tan solo un cadáver. ¿Qué harán los Katakuris? No parecen haber empezado con buen pie… pero a medida que pase el tiempo todo se complicara…

Un film en el cual vemos a una familia con sus miembros un tanto distanciados los unos de los otros desde el primer momento, pero que después nos muestra cómo a fuerza de voluntad y por razones de fuerza mayor, esta familia va a ir tomando forma a lo que verdaderamente son.

La verdad que no hay mucho para decir más que recomendarla. “Happiness of the Katakuris” nos cuenta sus partes cumbres con el estilo de un musical mismo.
¿En cuantas películas habrán visto al protagonista llamar a los espectadores a que canten una canción con ellos y que aparezcan las letras en escena?.

Los protagonistas dejan sus roles de carne y hueso para pasar a representar muñecos de plastilina animados cuadro por cuadro en algunas escenas. Solo en películas de Miike podremos llegar a encontrar estos cambios tan repentinos, pero la verdad es que nos llena y nos divierte durante sus casi dos horas de duración.

Obviamente mas que recomendada a la gente que quiere ver algo más de Takashi Miike, pero también invito a los que quieren incursionar en el cine de este gran director a animarse con esta película que mas que seguro los dejara con la boca abierta y además les robara una sonrisa.

Zinda (2005)


Viva la ironía
Por Master of Hate

Antes de iniciar esto que más que reseña terminara siendo un comentario burlón, quiero pedir disculpas por si alguien se siente ofendido por las expresiones que se verterán a continuación. Primeramente, como parte del gremio de fans de Oldboy, Park Chan-wook y el Cine Asiático, se que la polémica no es poca con respeto a este clon mal hecho de Oldboy. Tengo mucho aprecio por cine asiático, pero a veces es necesario decir las cosas como son, por más duras que pueden parecer.

Hay un viejo dicho que dice “La curiosidad mato al gato”. Eso es lo que me ha llevado a morirme de la rabia luego de ver “Zinda”, claro, tampoco es que no sabia con lo que me iba a topar, pero incluso teniendo asumidas muchas cosas, se hace durísimo ver el descaro sin tapujos.

Se que la gran mayoría no se tomará la molestia de ver la película, y es lo más lógico, si es que no quieren ponerse de mal humor. No obstante en un arranque de decisión, he decidido ver que es lo que es capaz de hacer el señor Gupta como director.

Aquí lo que hay es un intento de clonación de una obra maestra. El problema es que si se pretende hacer tal cosa, o se hace bien hecha (y comprando los derechos) o no se hace, porque después el resultado da vergüenza ajena. Por obvias razones la parte mas polémica de la magistral cinta de Chan-wook se deroga y en su lugar metemos cualquier cosa que no haga que el pudoroso público se tape los ojos o se empiece a tirar de los pelos. Es de conocimiento general, que la cinta esta dirigida a un mercado casero, así que las cosas hay que ajustarlas acorde a esta situación para poder ver algún beneficio monetario.

Pero ya no es el hecho de que esto parezca a veces un chiste o algo que se preparo para el día de los santos inocentes. Hay escenas que estas listas para entrar en el festival del chiste. Empezando por las escenas de acción, es un verdadero homenaje a lo mal hecho. No es por nada, pero ver un metro de espacio entre el puño y la cara del malandrín de turno no hace una pelea nada entretenida, si acaso ridícula. La escena del corredor por lo menos me ha parecido graciosa, se ve que no tuvieron mucha paciencia.

Por cierto, se nota que han querido hacer a este Dae-su, que aquí se llama Bala, más molón ya que ahora a parte de llevar su martillo, sale con destornillador eléctrico y con una espada a lo samurai. A los de vestuario les hubiera sugerido que le peguen mejor la peluca que se nota demasiado que es postiza. Por cierto, si algo de bueno tienen todas las películas, aquí por lo menos la chica es simpática.

Volviendo con lo negativo, como dije antes se ha modificado la trama, así que no hay incestos ni cosas cochinas. Aquí todo el lío lo causaron un montón de chavales de secundaria que se les fue la mano con una de sus compañeras de colegio, claro que Bala fue el que más metió la pata intentando impresionar a sus colegas. Entonces viene el hermano de la muchacha a cobrar venganza y mete en un cuarto a Bala por 14 años (no son 15 para poder convencer a la peña de que no es una vil copia). La hija de Bala anda por tierras lejanas, porque planean venderla, mientras su padre anda con un peluquín bastante feo, sin saber lo que pasa.

La música es lo que mas han querido trabajarse, pero aún así, no es digna de resaltar. La chica mas guapa sale como taxista, escenas de acción que mi vecino las podría hacer mejor, con un antagonista poco lucido y un protagonista que no podría ni hacerle los mandados a Choi Min-shik, “Zinda” resulta de mal gusto, insultante, y como una película que no recomendaría ni a mi peor enemigo.

Suficiente.

Hausu (1977)


Casa embrujada, pero no como todas
Por Conri

Hausu, desde el principio hasta al final nos sorprende con su calidad de ideas diferentes en cuanto nos referimos a casas embrujadas. Esta película japonesa nos cuenta una historia en la cual siempre estamos esperando la siguiente escena para ver con que delirio intentan sorprendernos.

Un grupo de inocentes colegialas van a salir a pasar un fin de semana de ensueño a una casa ubicada en lo alto de una montaña. Esta casa era de la madre de una de las chicas, que se la deja con la intención de que ella pueda compartir momentos agradables con sus amigas.

En la misma casa se encuentra su abuela, que les enseñará todas las habitaciones, pero sin contarles el gran secreto que se esconde en ella. Desde el primer momento que las chicas entran en la casa nada les parece normal, pero su adrenalina de diversión las lleva a tomar como comunes algunas señales que la casa les da. Sin embargo, estas manifestaciones extrañas cada vez aparecen con mayor frecuencia, hasta que las chicas empiezan a desaparecer y su fin de semana se convertirá en una espantosa pesadilla.

Esta sorprendente película fue filmada en 1977, por lo que no podemos llegar a decir que sus efectos especiales son tan malos si tomamos en cuenta el tiempo y la tecnología que tendrían en ese momento. De la misma forma, estos detalles pasan desapercibidos gracias a sus delirantes imágenes. Excelentes e inimaginables manejos de imágenes aparecerán frente a nuestros ojos sin llegar a pensar que la película nos las pudiese brindar de forma tan llamativa.

Como para no quedarse fuera de lo normal, la sangre fluye de manera extrema en algunos momentos, brazos y piernas vuelan por los escenarios, un piano se come a una chica, un gato que tiene poderes y varios detalles mas que se los dejo para que puedan ver una excelente película de terror y un poco de locura extrema.

300 Críticas en FM-Team


Ya se ha convertido prácticamente en un ritual, y casi medio año después del nacimiento del blog ya son 300 los comentarios y películas que han pasado por aquí. En un intento por abarcar todos los géneros y no dejar nada de lado hemos intentado perfilar los colaboradores a distintas secciones del cine oriental. Así pues tenemos cine de terror (Squareta), cine samurai (Fingolfin), cine coreano (Master of Hate), cine japonés y de acción (KeNJi-KuN), el cine de Taiwan-India y el resto de oriente (Casandra), cine de entretenimiento (Kudo), y el cine para los inconformistas (Conri).

Aprovecho la ocasión para despedir formarmente y agradecer el trabajo prestado a Kudo durante todo el tiempo que ha estado con nosotros. Esperamos que algún dia regrese al equipo cuando disponga de mas tiempo libre, pero mientras tanto hay que seguir adelante, y pronto prepararemos algo para buscar un nuevo colaborador (los detalles se especificarán proximamente).

Como siempre agradecimientos a todos los colaboradores y en especial a Master of Hate, que ya alcanza las 100 críticas en su haber, y siempre está ahí en las buenas y en las malas. Sin olvidarnos por supuesto de nuestros lectores, que con sus visitas nos aportan la principal motivación a seguir adelante en esta gran labor.

Recuerdo antes de despedirme, que todos los comentarios se pueden consultar en la "Enciclopedia del Cine Oriental" a la derecha de sus pantallas, o en los archivos correspondientes.

Un saludo.
FM-Team

L´Amant (2004)


3 Hombres para 1 sola mujer
Por Conri

Me puse a ver esta película con una idea muy distinta de la que al final termine teniendo, la verdad es que me lleve una gran sorpresa. Habiendo visto ya algunas películas de Ryuichi Hiroki, uno sabe que este director se ensaña mucho con el sexo femenino, y los problemas que surgen son resueltos por los protagonistas masculinos. En este caso ocurre casi el mismo planteamiento.

Hanako, una chica de 17 años, arregla un contrato con 3 personas a las que ella llama A, B y C, ellos quieren que ella este con ellos durante 1 año entero, y que sea una especie de esclava sexual, pero todo se complica cuando estos 3 hombres empiezan a confundirse y llevan su relación, que hasta el momento era solo sexual, a un plano sentimental.

Como bien explique anteriormente, los sentimientos empiezan a jugar un papel principal en esta película, cuando solo pensamos que se va a tratar de una historia de sexo, pero la verdad que el film esconde muchas verdades.

La dirección de Ryuichi Hiroki le da un impacto machista a la película, aunque escondido creo yo, está el mensaje de que la mujer logra modificar ciertas maneras de pensar en los hombres. Todo no es tan sencillo en este film ya que desde unos primeros momentos nos damos cuenta de que ellos no solo tienen relaciones con la chica por que quieren, algo más se esconde en ese supuesto capricho, pero no lo descubriremos si no logramos ver toda la película.

Las actuaciones son bastante buenas, cumplen su papel de transformación en el cual muestran como la mujer, de ser un objeto pasa a sentirse parte de la relación. Los cambios de personalidad en realidad no son tan rotundos, sino que varían a medida que el tiempo pasa, así podemos dar cuenta de los cambios sentimentales en cada uno de ellos.

Hay otros personajes que toman parte de esta película que resulta recomendable si desean conocer un poco más a fondo el cine de Ryuichi Hiroki.

Abare Goemon (1966)


El dios de la guerra
Por Fingolfin

“Abare Goemon” o “Goemon el Salvaje” nos relata la leyenda de un poderoso hombre que lideró a los campesinos del pueblo de Shinobu, uno de los siete clanes de Kaga. El odio y la desconfianza de Goemon hacia los samuráis es casi irracional y no permite que las riquezas, la paz, las mujeres, o cualquier otra cosa le distraigan de su misión: limpiar la escoria humana, lo que para él encarnan los samuráis.

Hiroshi Inagaki gusta y convence con este film en blanco y negro, una de sus ultimas películas que fue rodada cuatro años después de la genial “Chusingura”, y cuatro antes de la última, “Incident at Blood Pass”.

En “Abare Goemon” tendremos un poco de todo, y sin abusar de nada. De esta manera, en la parte inicial habrá alguna escena cómica, ocasionada por el salvajismo y la manera de actuar de nuestro protagonista (rompiendo cosas, pegando gente, gritando cabreado…etc), y durante el resto del film solo habrá esos leves toques de humor que Toshiro Mifune deja en casi todas sus actuaciones.

Tema secundario es el amor, en dos relaciones de los hermanos de Goemon, las cuales no llegan a conseguir demasiado protagonismo. La acción está bastante lograda, con enormes ejércitos a la antigua (centenares de extras y caballos), y escenas cargadas de fuerza. Las coreografías de combate son bastante elegantes y limpias, sin una sola gota de sangre, y veremos a Mifune luchando a naginata.

Una vez mas los samuráis se valen de los recursos mas viles y rastreros con tal de alcanzar sus objetivos, encontrando resistencia en las revueltas de campesinos. El perfil de granjero entupido y fácilmente controlable queda reventado por el personaje Goemon. No solo es fuerte como ningún otro, si no que no se deja engañar por nadie y sus fuertes creencias le guían sin abandonarle en ningún momento. Tal y como reza el título que he dado al comentario (“El dios de la guerra”), Goemon es un hombre de acción, al que le repugna la propia definición que tiene de paz: “estar enfurruñados en casa, trabajar en los campos, cuidar de los bueyes, hacer el amor a sus esposas, y tener bebes como conejos”.

A la hora de hablar de personajes encontraríamos la problemática de que prácticamente ninguno tiene un desarrollo importante, además de que Toshiro Mifune en la piel de Goemon eclipsa a todos los demás. Otros actores son Makoto Sato (como Yatota Goemon), Ryo Tamura (como Masato Goemon), y el entrañable Daisuke Kato (como Budeuemon Hattori).

La valoración que iba a hacer de la película era de “buena”. Sin embargo tengo que reconocer que quedé conquistado por los 10 últimos minutos, y sobretodo por la manera de finalizar la película que usa Inagaki. Ciertamente terminar un film supone terminarlo también en la mente del espectador, pero ¿y si se deja en el mejor momento, en la situación de máximo esplendor?...genial.