Noroi (2005)

Documental
Por Conri

Desde algún rincón de Japón nos llega este film…o mejor dicho es una cinta que llega a las manos de una productora sin saber como. Supuestamente este “documental” basado en hechos reales nos cuenta una historia bastante extraña y medio incomprensible. Para que no se desilusionen, el principio es bastante creíble pero se torna un fracaso a medida que corre el tiempo. Dejamos de ver un documental para pasar a ver una película filmada con una cámara de mano al mejor estilo Blair Witch.

Con anuncios como “Los nombres de personas y organizaciones que aparecen en esta película han sido parcialmente modificados” da comienzo este documental. El mismo nos cuenta la historia de Masafumi Kobayaashi, un tipo que llevaba años investigando casos paranormales, que ha escrito varios libros sobre el tema y es muy respetado en Japón. Empezó a usar el método de capturar todo con cámaras digitales y así obtener mejor información sobre los sucesos sobrenaturales. Este documental es casi un crudo de su ultimo video documental llamado “La Maldición”. Luego de esto nada se supo sobre la desaparición de Kobayaashi.

“La Maldición” (Noroi) nos muestra a un Kobayaashi inverso en un caso realmente serio. Todo comienza cuando conoce a Kana, una chica con poderes sobrenaturales que vive con su madre y su padre que son los que la contienen. Pero un día Kana desaparece y Kobayaashi hará lo imposible por encontrarla.
La niña no desaparece así por que si. Tras su desaparición se encuentra el poder de invocar a dioses que creían muertos pero que la gente de aquellas tierras seguía conservando en sus rituales. Poco a poco Kobayaashi va a ir penetrando en el mismísimo mundo de lo paranormal y pasara de ser un simple capturador de imágenes a protagonista de esas historias, y su cámara será el único testigo hasta el día de su desaparición.

Como habrán leído anteriormente se trata de un documental, pero lamentablemente las actuaciones apagan todo el misterio del guión. Al principio del film podemos observar un documental bien armado, pero luego la edición aniquila todo lo que venían haciendo bien al principio. A veces los protagonistas toman prioridad al filmar que al salvar sus vidas y eso lo hace poco real.

La verdad es que sentía que iba a poder sacar provecho de este film, pero no es lo que me esperaba. La trama esta muy bien planteada; creo que tiene muchos detalles muy bien cuidados pero hay otros tantos que son muy bruscos y escenas de las que vemos en los típicos videos de discovery donde pasan fantasmas y luego te acercan las cámaras para que los veas bien (solo que aquí los ves demasiado bien) y luego hacen ese mismo primer plano que no tiene ningún sentido y lo hace parecer demasiado irreal.

Si hablo del sonido, al intentar hacerlo al mejor estilo documental no editado, casi no tiene música, pero al final si…¡¿Diríamos que está editado o no?!...Esos pequeños detalles son los que hacen a este documental a veces bizarresco, a veces interesante y a veces aburrido. Unos 10 minutos de película se podrán aprovechar.

Diary (2006)

Miedo interno
Por Sinsangre

La sensación que provoca el miedo en las personas podría resumirse como ese sentimiento de angustia que nos provoca un peligro, sea real o imaginario. Incluso es ese conocimiento erróneo que uno tiene y que le impulsa a pensar en negativo, a creer que pasará lo que precisamente no queremos que ocurra.

Bajo estas premisas, Oxide Pang (en ésta película deja a su hermano en las tareas de producción), nos ofrece una auténtica película de miedo, en todas sus facetas. Pero, para no llevar a engaño, no nos encontramos con una historia convencional de fantasmas o apariciones misteriosas, que las hay. Aquí el miedo se siente sin necesidad de que éste se muestre en pantalla. El miedo al rechazo, al abandono y el sufrimiento que eso conlleva a la persona que lo padece. El miedo a lo desconocido, por otra parte, a la inseguridad que te ocasiona el perder el control de lo que ocurre a tu alrededor. Un miedo universal y más efectivo que el que originan los abundantes yureis que abundan en la cinematografía asiática y que cada uno de nosotros ha experimentado en más de una ocasión.

Winnie siente como su novio la ha abandonado. Ya no responde a sus llamadas y no paree que se quiera comunicar con ella. En un intento de rehacer su vida, tropieza con Ray, un joven con un extraordinario parecido con su antigua pareja. Tras tomar un café juntos, Ray entiende el calvario por el que ha pasado la desconcertada Winnie y accede a verla para ayudarla a superarlo. Bajo estas premisas se nos presenta una película de un gran poderío visual que, sin embargo adolece de un problema que la impide convertirse en magnífica. He intentado ser muy cauto a la hora de resumir el argumento de la historia, pero basta tan solo unos instantes de su visionado para que uno comience a anticiparse a lo que está a punto de pasar ante sus ojos. El director va al grano y eso le resta esa pizca de tensión que podría haber convertido la visión de un conjunto perfectamente enlazado y entretenido en una nueva muestra de por qué el cine de terror asiático es la base sobre la que los amantes del género sentimos cierta predilección.

Sin embargo, pese a su desarrollo previsible y engañoso, tan habitual en el cine de terror contemporáneo que aprovecha ideas eficaces para adaptarlas a nuevas vueltas de tuerca sobre lo mismos temas, la película funciona y consigue mantener el interés con facilidad y con un progresivo sentimiento de fascinación que invita a hablar bien de esta obra.

En su haber tiene dos puntos de gran importancia por los cuales ya merece la pena su visionado. Por un lado, la imaginería visual que imprimen los hermanos Pang a cada una de sus obras, auténticos creadores de atmósferas desasogantes (esa cocina fuera de plano) e incómodas , que ponen las bases para creerte en todo momento lo que ellos te ofrezcan. A pesar de ese comienzo lento y falto de interés, con la presentación cansina del padecimiento de la joven despechada, el espectador reconoce fácilmente que el aire está viciado sin saber en realidad el motivo de esa sensación (las marionetas que pueblan la pantalla ayudan) y es consciente de que hay algo más escrito en ese diario que deseas leer cuanto antes para abandonar el desasosiego reinante.

Por otro lado, nos encontramos con una sorpresiva Charlene Choi, auténtico motor de la película y pilar básico para que la historia no haya claudicado a las primeras de cambio. Su interpretación va ganando enteros a lo largo de la trama, siendo capaz de eclipsar a sus compañeros de reparto en todo momento, lo cual no era difícil porque sus papeles son muy secundarios e incluso catatónicos. Son los pequeños detalles, sus gestos y esa mirada perdida la que hacen convincente un difícil y arriesgado papel que en manos inexpertas podría haberse convertido en una bomba de relojería.

Para desgracia del espectador, el guión da demasiadas pistas sobre lo que sucede en pantalla y se vuelve previsible desde el inicio (¿era necesario la justificación médica con esa seria voz en off?), intentando razonar de manera gratuita el derroche de fantasía y pesadilla que pasará por nuestros ojos y por los de la protagonista. Da la sensación que quería lavarse las manos y advertir al espectador de que lo que vemos tiene toda su razón de ser y se olvida de que, en una película como ésta de suspense, lo interesante sería mantener esa intriga que te obligue a sufrir, y ponerte en el lugar de quien sufre, lo que acontece en la historia.

En definitiva, una correcta película de suspense que, aprovechando el poder interpretativo de su protagonista, es capaz de mantener el interés y la mirada durante toda la trama a pesar del engañoso guión y la torpeza del director en querer justificar lo innecesario.

Zatoichi meets Yojimbo [20] (1970)

La guerra del oro
Por Fingolfin

No puedo negar que desde que cogí por banda la primera película de la saga, he estado esperando el momento de llegar a esta. Presentada también con el título de “Zatoichi vs Yojimbo” me recordaba en cierta forma a los films modernos estilo “Alien vs Predator” o “Freddy vs Jason”; heroes o protagonistas de conocidas películas que se enfrentaban en una sola. Es un estilo muy utilizado también en los comics de marvel y otras editoras americanas que siempre terminan mezclando los personajes de sus obras.

Es curioso que si en esta ocasión era Toshiro Mifune el que se ponía como personaje secundario de Shintaro Katsu, en “Incident at Blood Pass” (dirijida por Hiroshi Inagaki ese mismo año) se produjera la situación contraria. Aparte de estas dos ocasiones nunca los he visto juntos, y tampoco estoy muy seguro de que lo hayan vuelto a hacer.

Pues bien, después de esta introducción lo primero a mencionar es que el Yojimbo que aquí tenemos, no guarda la similitud exacta con el que Kurosawa creó en 1961. En la lista de características compartidas tendríamos su habilidad con la espada, su sexto sentido para sacar dinero de todas partes, y un cierto carácter despreocupado. En contra, podemos ver una actitud salvaje y desmedida (al estilo Mifune años 50), llevando la interpretación hasta el límite del realismo pero sin sobrepasarse. El Yojimbo de esta película, más que un ronin inteligente es un maleante, y posteriormente su identidad se modificará aún más a partir de un momento que comentaré después.

Sinopsis: Zatoichi, cansado de matar, decide volver a su pueblo favorito después de recordar lo hermoso que era estar allí. A su regreso todo ha cambiado, el que antes fuera el jefe del lugar ahora es un viejo fabricante de budas de piedra, y el pueblo se encuentra bajo el control de un comerciante. Su hijo menor trabaja haciendo monedas para el Shogunato y según los rumores le envía cantidades de oro periódicamente. Tras la búsqueda de ese oro está Yojimbo, el hijo mayor del comerciante, y posteriormente también Zatoichi.

Antes de comenzar con la valoración, quería decir que ya hace 5 meses de la primera vez que la vi. Si hubiera escrito la crítica en aquel momento probablemente sería mucho mas pesimista de lo que va a ser esta, ya que mis expectativas de la combinación Okamoto-Mifune-Katsu eran enormemente altas. Después de verla de nuevo tendré que admitirle mérito en bastantes aspectos.

El argumento se presenta interesante durante la primera hora del film, con una fluidez apabullante y unos personajes con perfiles para todos los gustos. Se combina muy bien el sentido del humor de Yojimbo con algunas pataletas de Zatoichi, que me recordaron enormemente a las que tuvo en “Zatoichi and the Doomed Man” cuando Hyakutaro le suplantó el nombre.

Las falencias llegan justo con la aparición de Kuzuryu, interpretado por Shin Kishida (que anteriormente ya había estado al servicio de Kihachi Okamoto en “Kill!” y “Red Lion”), que pese a ser un personaje bastante interesante, hubiera quedado bien fuera del film. Y es que una de las características fundamentales de la saga es la media de duracion de 85 minutos, que la convierten en un atractivo para entretenimiento rápido. “Zatoichi meets Yojimbo” dura 116 minutos, y es una pena que pudiendo haber recortado a este personaje se tuviera que alargar tanto. A raíz de su aparición, como se suele decir, “se desvela el pastel”. Se descubren las verdades y las intenciones de todos, y comienza un largo desenlace.

La acción queda muy lejos de aquellas maravillas bajo la nieve con las que Okamoto nos deleitaba allá por mediados de los 60 en blanco y negro, y aquí abusa demasiado de los planos cortos. Resalta el detalle de que la espada de Zatoichi sea mas larga de lo acostumbrado y con una vaina bastante fea (nada más comenzar el film se le rompe la suya por tercera vez en la serie).

La película no deja de ser una muy buena elección dentro de la filmografía de Zatoichi, pero quizás se aprecie mejor en el segundo visionado que en el primero. No deja de ser recomendable disfrutar de Katsu y Mifune en un mismo fotograma.

Heart is… (2006)

…Tierno
Por Master of Hate

“Hearty Paws” llega en un momento bastante oportuno ya que, por encima de lo que pueda aportar como una película para verla en familia, nos ofrece algo que no abunda en la cinematografía surcoreana. Con un protagonista canino y dos niños (uno de ellos es Yoo Seung-ho, conocido por su notable actuación en “The Way Home”) el novel director Oh Dal-gyoon crea una historia sencilla, directa y sin demasiadas sorpresas pero altamente efectiva, y sumamente conmovedora.

La trama da inicio cuando Chan, un muchacho de once años roba un adorable cachorro para regalárselo a su pequeña hermana Soi (Kim Hyeong-ki). Juntos, los hermanos esperan con ansiedad el regreso de su madre que hace tiempo los abandonó; mientras tanto, dependen parcialmente de su tía que también se ve obligada a abandonarlos. Pero es un trágico accidente el que cambia la vida de los niños y pone a prueba la devoción de “Maumy” un perro que se convierte en el verdadero protagonista de esta historia.

Visto desde un punto de vista más global, “Heart…is” no es nada que revolucione la manera de hacer cine, pero para Corea representa un paso interesante, inteligente y necesario. Cierto es que hace poco tuvimos a “Sugar Lump” como otro film que rompió algunos moldes y también constituyo un buen inicio para explorar otros terrenos. En este último caso, es probable que el balance no haya sido todo lo bueno que muchos deseábamos. Algunos de los problemas que comparten ambas historias es que tienden a ser previsibles, blandas y con algunos clichés; así mismo, recurren habitualmente al el poder de las imágenes que les vale para arrancar muchas y grandes lágrimas.

Hablando de lo bueno, hay muchas cosas dignas de resaltar, como el proceso de rodaje que seguramente tuvo sus particularidades por lo especial del caso. El resultado es de una calidad notable por lo que se hace imposible desmerecer el trabajo que ha habido de por medio. De este modo estamos ante un filme que, a pesar de contar con un reparto en el que abundan rostros jóvenes y una hermosa ejemplar de labrador, consigue sacar adelante, a fuerza de buenas actuaciones, una historia sencilla que termina siendo el producto favorito de los amantes del melodrama.

La película cuenta con una música muy apropiada y, a pesar de no haberse hecho sentir con demasiada fuerza en las taquillas, deja un buen sabor de boca que hace pensar en lo bien que tienen aprendida la lección muchos cineastas surcoreanos, pues cuando de hacer melodramas intensos se trata, muchos aplican la formula correctamente, y logran salir airosos. En fin, un trabajo que está por encima del bien o del mal y que recomiendo encarecidamente a todos.

Re-Cycle (2006)

Un mundo reciclado
Por Squareta

Esta producción marca el regreso de los hermanos Pang y nos lleva a un mundo de fantasía y de horror. La historia se centra en una escritora que ha logrado éxito con una trilogía de libros románticos. La presión de estar en la cima la obliga a publicar una nueva obra lo antes posible. En una conferencia de prensa da un avance de su libro: se llamará Re-cycle y tratará sobre lo sobrenatural. Al tiempo que avanza con su novela extraños hechos le comienzan a suceder, los que la llevan a un extraño mundo en donde todo lo desechado de su libro comienza a hacerse realidad.

El film parte muy típico. La primera media hora nos puede hacer creer que es otra película más del montón. Pero la llegada de la protagonista al nuevo mundo, trae un aire novedoso a la trama. Pronto se le verá tratando de escapar de aquel lugar, pasando por los distintos escenarios, cada vez más aterradores y estéticamente deslumbrantes, esquivando enemigos y encontrándose con personas que la ayudarán en su odisea. En el rol protagónico tenemos a Angelica Lee, quien ya nos había mostrado una estupenda actuación en “The Eye”. Obviamente, los flash-backs, los sonidos estridentes y ese estilo de videoclip típicos de la estética Pang también se hacen presentes aquí.

Re-cycle obtiene sus puntos más altos gracias a sus notables efectos especiales. No es por nada que una de las razones del largo tiempo que ha llevado concluir la película es que en un principio los Pang no quedaron conformes con los efectos por lo que consiguieron más dinero para mejorarlos. El resultado se ve fácilmente y nadie puede negar que los paisajes quedaron muy bien logrados.

Pero lamentablemente el film también tiene su punto débil y este es la trama misma. Más que en el contenido, es en la narración en donde falla. Todo va transcurriendo sin pausa, sin un motor principal y sin darle mayor explicación a los siniestros personajes, a cómo llegó al mundo, etc. En definitiva, son muchos los cabos que no se logran atar.

Así, la cinta se queda en terreno medio. La idea es indiscutiblemente buena pero no se supo manejar bien. Es una pena que se prefiera crear unos buenos efectos a armar bien la historia. Aún así, no deja de ser un interesante y original panorama dentro del género.

Umrao Jaan (2006)

Marcada por el destino
Por Casandra

Basada en la novela de 1905 de Mirza Muhammad Hadi Ruswa, “Umrao Jaan” cuenta la historia de la joven Amiran (Aishwarya Rai), víctima de un secuestro que la aleja de su familia. Este hecho marcará para siempre la vida de Amiran, quien convertida en cortesana cambiará su nombre por el de Umrao Jaan.

La historia fue filmada en 1981 por Muzaffar Alí, con Rekha en el rol principal. J. P. Dutta propone una “Umrao Jaan” diferente, de gran preciosismo visual. Por otro lado, este melodrama histórico evidencia una muy lograda reconstrucción de época. Las escenas que aluden a la conquista del país poseen dramatismo y crudeza.

Como sucede en la mayoría de los melodramas, su protagonista es una mujer. El centro del conflicto de Amiran/Umrao Jaan es su imposibilidad de alcanzar la felicidad. Amiran/Umrao Jaan es víctima del destino. Su historia es un melodrama porque plantea el conflicto de la identidad perdida así como también, por la aparición del amor imposible. Desde el planteo inicial de su historia de amor con Nawab Sultan (Abhishek Bachchan) el fracaso es predecible, tanto sea por sus orígenes que los separan o bien por los hechos que los rodean.

El único medio que le permite alcanzar la redención a la protagonista es el arte. Umrao Jaan, en sus últimos años deviene poeta y es admirada por sus obras. Su pasado familiar y sus años de cortesana, son narrados poéticamente por ella a un escritor que la admira. Lo amargo de su historia no es el desencanto frente al amor contrariado sino su expulsión de la sociedad. El arte la redime, pero lo cierto es que vive encerrada sin mantener contacto con un mundo exterior que prefirió expulsarla y olvidarla.

La puesta en escena que construye J. P. Dutta alterna entre la suntuosidad del vestuario y maquillaje de las cortesanas y los hombres de poder y el decoro de la gente del pueblo. La música de Anu Malik y Javed Akhtar no se destaca más que en las presentaciones de Umrao Jaan frente a sus clientes, y si lo hace es por la interpretación de Aishwarya Rai. La actriz se luce acertando en cada matiz que brinda a su personaje, pasando de interpretar una adolescente llena de esperanzas hasta su aparente resignación y sabiduría en el descenlace. Todo eso, acompañado de su mundialmente reconocida belleza.

Poco más se puede decir de esta versión del clásico “Umrao Jaan”. El director J. P. Dutta consiguió una película correcta, con una buena puesta en escena y modestas actuaciones, que no ofrece sorpresas y con un ritmo bastante lento. Indudablemente, la historia de Mirza Muhammad Hadi Ruswa merecía más. Con tanto buen melodrama dando vuelta, sería preferible dejar “Umrao Jaan” a los fanáticos de Aishwarya Rai.

Memories of Matsuko (2006)

El nuevo clásico
Por KeNJi-KuN

A medio camino entre la comedia, el musical y el drama; el director y escritor Tetsuya Nakashima (Shimotsuma Monogatari, Beautiful Sunday, Natsu Jikan No Otonachi) adapta a la gran pantalla la exitosa novela de mismo nombre de puño y letra de Muneki Yamada: "Kiraware Matsuko no isshô"

130 minutos repletos de excesos a todo color recorren sin aparente orden la agitada existencia de Matsuko Kawajiri con una solvencia que trasciende al mejor esquema escrito. Con comicidad, música y mucha frescura el espectador ávido de buen cine no puede más que dejarse llevar por una historia impredecible cuyos límites no podrá anticipar hasta ser testigo del desenlace. El imponente y vertiginoso inicio del film es su mejor carta de presentación. Diferentes lineas argumentales dotadas de múltiples personajes merodean en el universo repleto de imagen y sonido creado por Tetsuya Nakashima para la ocasión.

Imponente puesta en escena y cuidado por el detalle para ilustrar una historia tierna y dramática con los suficientes grados de comicidad como para hacer desconfiar en un primer momento de su rumbo, intenciones y, por que no, calidad. A estos efectos, los intérpretes están a la altura. Miki Nakatani aprovecha su protagonismo para regalar una notable interpretación, acompañada de unos secundarios de lujo como Yusuke Iseya, Eita, Teruyuki Kagawa, Mikako Ichikawa y Asuka Kurosawa con cameos de Kou Shibasaki y Anna Tsuchiya entre otros, y las apariciones estelares de figuras de la música japonesa contemporanea como AI, Bonnie Pink y Kaela Kimura.

Con estas apariciones es deuda reseñar la banda sonora, donde partituras clásicas, hip-hop, j-pop, R&B navegan en el mismo barco. El otro gran elemento a destacar es la fotografia, de la que tuvimos un anticipo en la anterior película del realizador, colores vivos, contrastes, efectos de iluminación y filtros que en combinación con diferentes tecnicas de filmación y el montaje hacen de Memories of Matsuko toda una experiencia visual. Una de las mejores películas de 2006 (personalmente la que más he disfrutado).

Red Shadow (1961)

La espada del tesoro
Por Fingolfin

“Red Shadow” es otro de los grandes clásicos del cine samurai dirigido por Shigehiro Ozawa y rodada justo después de su otra célebre obra “Festival of Swordsmen”. En esta ocasión también hay un torneo de por medio, pero las luchas son menos relevantes y nuestro protagonista no toma parte en ellas.

Una mujer ninja instruye a su hijo bastardo en el arte del ninjutsu, convirtiéndole en un excelente luchador. Llegado el momento, el Shogun Iemitsu convoca una serie de enfrentamientos entre los mejores guerreros del país, recibiendo cada uno de los vencedores una de las 10 grandes espadas que pertenecieron al mítico Ieyasu. La misión del joven (llamado así mismo “La Sombra”) será descubrir cual de esas hojas porta el grabado que les descubrirá el lugar donde se guarda el dinero de la familia Toyotomi, escondido antes de su caída.

La iba a considerar película “de ninjas”, pero la verdad es que, pese a la presencia de personajes como Hanzo Hattori y “La Sombra”, la mayoría de características encajan más con el chambara clásico. Por lo tanto elimino el temor a esos efectos especiales, en ocasiones tan poco cuidados, que rodean el género.

Los combates del torneo consiguen el realismo a través del respeto entre los contendientes. Ninguno se abalanza sobre el otro como un simple actor que hace su trabajo, sino que se estudian durante bastante tiempo y buscan la mejor forma de atacar. En el resto de coreografías (monopolizadas por “La Sombra”) toma una mayor importancia el aspecto ninja, haciendo aparición algunos saltos y movimientos rápidos espectaculares.

La incertidumbre sobre el padre de nuestro protagonista, la procedencia real de su madre y las relaciones entre las familias terminan convirtiendo la parte final en el desenlace de un auténtico culebrón, olvidando por completo la presentación que se había hecho de la película y tirando un poco por tierra todo lo que había pasado antes.
No era la forma en la que esperaba que acabara, pero al menos el punto y final me pareció de buena factura, con un coro musical al que cambiando la letra un poco te podía hacer recordar el principio y el final de “Throne of Blood”.

90 minutos de chambara clásico en estado puro. La mejor cura para el aburrimiento y para pasar un buen rato, sobretodo los que nos deleitamos en estas películas.

Gangster High (2006)

Al menos hay amistad
Por Master of Hate

Cuando hablamos del cine de gángsteres en la cinematografía coreana, nos estamos refiriéndonos a un gran islote que se ha ido formando poco a poco y que actualmente es uno de los géneros que más se explota. Los intentos de sacarle provecho van desde descabelladas comedias hasta melodramas intensos y llenos de acción. Sin embargo, no todo lo que brilla es oro y en muchos casos las cintas que son producto de este favoritismo por el género no tienen el nivel que a muchos nos gustaría. Dejando de lado algunas joyas y un puñado de buenos exponentes, tenemos un mostrador con varios títulos que, por diferentes motivos, nos hacen pensar “si tan sólo la hubieran hecho de esta manera” o cosas parecidas. “Gangster High” en cambio me ha hecho pensar “Si tan sólo no la hubieran hecho” En todo caso, veamos lo que nos trae el director Park Ki-hyeong.

El argumento tiene sus raíces en títulos muy importantes y reconocibles como “Friend” y la casi olvidada “Beat.” Se trata de una historia que toma lugar en una secundaria en la que una inesperada riña termina uniendo a los implicados que posteriormente deciden crear un club de fútbol. El grupo, conformado por seis integrantes, se vuelve, sin si quiera proponérselo, algo más que un simple club. Pronto surgen problemas con bandas rivales de otra escuela lo cual requiere acción inmediata y directa. Sin embargo “Los Tigres” que es como finalmente deciden autodenominarse, se enfrascan en una mortal lucha con un peligroso tipo que busca venganza.

El filme tiene algunas virtudes que vale la pena destacar. En primer lugar, es posible que en algunos momentos, especialmente cuando se trata de moldear los lasos de amistad, llegue a acercarse a la mencionada “Friend”, así mismo, hay buenas dosis de acción y un aceptable desarrollo de los personajes. Sin embargo, no es posible decir nada más sobre de la película que suene halagador. La historia pareciera estancarse y no brinda muchas oportunidades para que todo fluya y evolucione de modo más llamativo. La impresión final que se queda es la de un largometraje que, a causa de tantos altibajos, va a pasar sin pena ni gloria.

La selección musical no es algo que tampoco llegue a destacar; y en cuanto a las actuaciones, hay unos cuantos rostros medianamente familiares, y en cuando a calidad, no hay mucho que decir, salvo que cumplen con la premisa de la película pero que de ninguna forma son un factor determinante que haga pensar que la película daba para más. Las escenas de acción están bien puestas, y la violencia no precisamente poca, pero el problema es que en Corea desde hace un buen tiempo se vienen haciendo cosas mucho más arriesgadas e interesantes. Lo que aquí vemos no es nada nuevo o innovador, no está mal, pero no creo que haya muchos que se queden sin aliento.

Una película recomendable para los adictos compulsivos a las cintas de gángsteres, historias de amistad en los años de secundaria, y para quienes no son nada exigentes con este tipo de cine (asumo alguno habrá). Yo por mi parte, prefiero olvidarla en este instante.

Gemini (1999)

Amores Eternos
Por Conri

Me imagino que varias veces les ha sucedido lo de empezar a ver una película con una idea y terminar con una totalmente distinta. Al principio le encuentras un sin sabor porque no era lo que esperabas, pero minuto a minuto te vas metiendo en la historia y sintiendo que lo que estás viendo es mucho mejor a lo que te imaginabas; una trama que te atrapa, de las que te dan a entender algo escondiendo secundariamente un argumento muy bueno que terminara dando desenlace al film. Bueno pues esta no es nada más y nada menos que una muestra de lo que acabo de contarles.

“Gemini” detrás de el aspecto de su portada se esconde una excelente historia de amor, abandono, tortura, desprecio hacia la vida…Es difícil obtener la perfección, pero cuando la encuentras detrás de ella puede venir el infierno.

Es la historia de un doctor llamado Yukio, el mejor de su pueblo e hijo de dos padres médicos muy reconocidos también. Su esposa, Rin, es una mujer un tanto extraña que tras un accidente donde quedo atrapada en un incendio sufre pérdida de memoria y lo único que recuerda es desde aquel día de la tragedia en adelante. Una epidemia invadía aquellas zonas de Japón, por lo que eran muy cuidadosos, pero un día el padre de Yukio aparece muerto por culpa de esa enfermedad.

Al poco tiempo fallece la madre de un ataque cardiaco, producto una aparición extraña de una persona en su casa. Este último caso ya levanta sospechas debido a que nadie entendía que era lo que realmente había sucedido. Cosas extrañas estaban pasando en aquella enorme casa. Sombras que rodeaban las ventanas y silencios que provocaban ruidos mentales. Yukio, realmente perturbado, intenta seguir con su vida normal, pero un día todo cambia… Al salir a regar las flores escucha un ruido y pensando que se trata de su esposa, la llama, pero nadie salía de los arbustos ni se sentía el más mínimo ruido. Al darse vuelta siente en un empujón detrás de él, se torna en una pelea con una persona a la cual no puede identificar y termina cayendo en un aljibe, quedando prisionero de algo que desconoce y no sabe que quiere de él… ¡¿Quién será esta persona extraña?! ¡¿Tendrá alguna relación con sus pacientes?! ¡¿Podrá Yukio escapar de aquel infierno en el cual ingresa sin saber por qué?!

¿Si les dijera que he formulado pocas preguntas me creerían? Bueno, sepan que detrás de esta trama se oculta mucho más de lo que ven. Es una película realmente bien armada con una muy buena estética. De mitad en adelante verán cosas que les extrañarán, y llegaran a descubrir a fondo las historias de todos los personajes. Ese es el complemento principal del film, el detalle que la hace: “La Película”.

Se la recomiendo a todos y creo que la podría llegar a disfrutar cualquier espectador. Aunque puede que al principio les parezca un poco lenta, luego toma un rumbo que no dejara que se despeguen de la pantalla y querrán saber el porqué de cada pregunta que les generan los personajes a medida que trascurre el metraje.

Death Note 2: The Last Name (2006)

Con justicia drástica
Por Squareta

Segunda película basada en el popular manga Death note, aunque rigurosamente se debería ver a Death Note como una sola película dividida en dos partes. Esta secuela, al igual que su predecesora, se estrenó el 2006 y está dirigida por Shusuke Kaneko.

Light Yagami continúa con su afán de limpiar al mundo de asesinos a través del Death Note. Pero en esta ocasión se descubre que no solo existe un libro, sino que en realidad hay muchos más. Aparecen así nuevas libretas, con las mismas características pero con otros portadores. Uno de ellos es una chica que resulta ser la fan número uno de Light y que quiere imitar su labor, aunque de forma más drástica y apresurada. Con la incorporación de nuevos libros y de sus respectivos dueños, las muertes aumentarán y los policías se verán mas desconcertados que antes. Obviamente L, el detective misterioso y principal enemigo de Light, entiende la situación y ayudará a la policía a localizar a los asesinos.

The Last Name se ve mucho más interesante que la primera Death Note, ya que contiene lo mismo pero en mayor cantidad: más sorpresas, más traiciones, más personajes e interesantes momentos. Como resultado se obtiene una película más entretenida y con mejor ritmo (y eso que a la primera parte no le faltaba ninguno de estos factores). Sus más de dos horas de duración no se hacen pesadas en ningún momento, por el contrario, casi toda su duración uno se la pasa pensando cual de los dos protagonistas ganará, al tiempo que se van conociendo más detalles. En esta cinta tampoco faltan sus dosis de romance, aunque de un modo poco convencional. La aparición de nuevos libros provoca que aparezcan más shinigamis, todos con su propia personalidad y estilo. Pero sin duda la parte más emocionante está en que Light y L por fin conocen, y ahora la lucha mental será desde muy cerca.

Sin embargo, en el aspecto técnico no hubo mejora alguna y se le podría atacar a lo mismo que se le atacó a su predecesora, es decir, malos efectos y actuaciones promedio, otorgándonos una producción de menor calidad a la que estamos acostumbrados con las cintas de este país.

En resumen, argumentalmente es superior a su primera parte y recomendada tanto para los fans del manga como para todo el que busque una entretenida película sin una gran producción de fondo. Para finalizar, mencionar que encontré en la red una cinta titulada como “L” que se espera para el 2008 y que estará dirigida por el mismísimo Hideo Nakata. Al parecer la historia no ha terminado aún.

Death Note (2006)

Si tu pudieras…¿lo harias?
Por Squareta

Light Yagami es un inteligente muchacho que se encuentra muy decepcionado con el actual sistema judicial japonés. Un día se encuentra un misterioso libro que tiene escrito en su portada “death note”. Inmediatamente se le aparece un shinigami que le explica sobre dicho libro: el death note tiene el increíble poder de matar a cualquier persona que tenga su nombre escrito en él. Con tal poder en sus manos, Light decide usarlo para crear un mundo mejor, eliminando a todos los criminales del mundo. Muy pronto la gente no parará de hablar de Light, aunque nadie sepa quien es él realmente. Asesino para algunos y héroe para otros, se creará aliados y a la vez grandes enemigos, entre ellos “L”, una persona tan inteligente como Light que se le seguirá la huella desde muy cerca. Ambos comenzarán una lucha en el que solo uno sobrevivirá.

Estrenada el 2006 bajo la dirección de Shusuke Kaneko, Death Note es una cinta de muy buen ritmo, que une en un solo mundo a la fantasía y a la realidad. Seguramente mas de alguno habrá sentido que la justicia no es tan eficaz, y también ya han visto varias veces a “héroes” que hacen justicia con sus propias manos pero nunca de una manera tan simple como escribiendo el nombre en un cuaderno. El hecho de que al protagonista le sea tan fácil matar provoca el efecto de que sea casi invencible, algo a lo que sin duda Light le sacará provecho. No hay duda que el argumento es de lo más llamativo, aunque el crédito de la idea se lo merecen Takeshi Obata y Tsugumi Ōba, creadores del manga del mismo nombre, el cual goza de una gran fama mundial.

Pero la película tiene más características positivas aparte del argumento, entre ellas los personajes, todos bien característicos y que no dejan indiferente a nadie. También mantente el ritmo, llenándonos de sorpresas y de suspenso. Pero si hablamos de la producción el panorama cambia un poco. Se descuidaron bastante del aspecto técnico, los efectos especiales son muy pobres, así como la fotografía. Las actuaciones tampoco son muy sorprendentes y algunas situaciones son demasiado fantásticas.

En resumen, la película cumple eficazmente con entretenerlos sin mayores pretensiones. Recomendada para todos los que quieran pasar un entretenido rato, pero véanla con tiempo, ya que si ven ésta obligatoriamente deberán ver la segunda parte, porque la historia no termina aquí. Y los que se leyeron el manga no crean que no se llevarán algunas sorpresas, ya que se agregaron y eliminaron algunos personajes.

Parineeta (2005)

Triángulo perfecto
Por Casandra

"Parineeta" es el auspicioso debut de Pradeep Sarkar como director. El film está basado en la novela del mismo título de Sarat Chandra Chattopadhyay de 1914. "Parineeta" cuenta con tres versiones previas de 1942, 1953 y 1969 dirigidas por Pashupati Chatterjee, Bimal Roy y Ajoy Kar respectivamente. La versión de 2005 mantiene la voz del narrador (rol jugado por Amitabh Bachchan) como residuo de su origen literario.

La historia es narrada con gran maestría por Pradeep Sarkar. Lalita es una huérfana que vive con sus tíos y se enamora de Shekhar, su vecino y amigo de la infancia. La unión parece imposible por la diferencia de clases y por el engaño que construye el padre de Shekhar. Aparece entonces Girish, y enamorado de Lalita, intenta conquistarla. En este triángulo se apoya la acción.

La película es muy bella visualmente. El guión de Vidhu Vinod Chopra traslada la historia que la novela situaba a principios del siglo XX en Calcuta, a mediados de los años sesenta en la misma ciudad. Las elecciones en la iluminación y escenografía evidencian la mano firme del director que logró amalgamar las diferentes materias expresivas que intervienen en el film.

Los personajes de la historia no obedecen a las habituales divisiones maniqueas entre buenos y malos de muchos films de Bollywood, sino que son complejos y poseen rasgos de construcción psicológica. Lalita (Vidya Balan) debe enfrentar la disyuntiva de seguir su corazón o casarse con un hombre al que no ama por el bien de su familia. Shekhar (Saif Ali Khan) es un joven de fuerte carácter pero a quien le cuesta imponerse frente a su padre. Girish (Sanjay Dutt) es el enamorado con más experiencia en la vida y dispuesto a todo para conseguir a Lalita.

En los melodramas de Bollywood de los últimos años, el rubro de las actuaciones masculinas suele quedar en segundo plano frente a las interpretaciones femeninas. Gracias a la labor de Saif Ali Khan y de Sanjay Dutt y a la pericia de la dirección de actores, esta película ofrece grandes actuaciones en ambas performances. Saif A. Khan y Sanjay Dutt dejan de lado la actuación exteriorizada para construir sus personajes desde el interior. Por ello, sus interpretaciones se apoyan en los gestos y las miradas, pero trabajadas sutilmente. El trabajo de Saif Ali Khan mejora con cada nuevo film.

Sin embargo, quien sorprende es la actriz Vidya Balan, en uno de sus primeros trabajos. Vidya Balan demuestra una solidez y naturalidad poco habituales, al tiempo que su presencia cautiva a la cámara.

Sin lugar a dudas, “Parineeta” es una excelente película (y una de las mejores de 2005). Las actuaciones, la bella fotografía, la precisión del guión, y la música se conjugan para lograr una obra destacable.

Visitor Q (2001)

Armonía familiar
Por Fingolfin

Imaginad por un momento que tenéis que hacer una película sobre una familia prototipo: padre, madre, hijo, hija. Ahora dejad volar la imaginación y transformad esa familia en la mayor aberración de convivencia social y dignidad moral. Seguramente el resultado obtenido ni se acercará a esta obra maestra del afamado Takashi Miike.

La sinopsis podemos reducirla a la descripción de esos 4 personajes. El padre es un periodista atareado con su reportaje “La juventud de hoy”, que para conseguir un buen video es capaz de tener relaciones sexuales con su hija y grabar como abusan de su hijo los compañeros de clase.
La madre es coja (algo en lo que ha tenido mucho que ver su hijo) y al igual que Fujiko (hija) es prostituta, solo que ella lo hace para comprar drogas y la otra para sobrevivir después de marcharse de casa. El hijo reduce su papel a recibir humillaciones de sus amigos y a pegar a su madre con su exquisita colección de fustas.

Atendiendo a las críticas que se han hecho de esta película podríamos distinguir entre 3 grupos distintos de espectadores. En primer lugar estarían los puristas, que la consideran una barbaridad que censurarían de principio a fin si de ellos dependiera. Luego estarían aquellos que simplemente buscan cosas impactantes y han encontrado una mina en este film. Finalmente los que más la han valorado, cinematográficamente hablando, son los que miran a través de las imágenes y mas allá, reconociendo una importante crítica social bañada de un humor negro al más puro estilo de Camilo José Cela (que también tenía su familia feliz en los Pascual Duarte).

Desde el principio se nos deja claro de qué va la cosa. Jamás ninguna película tuvo un fotograma capaz de hacer abandonar una sala de cine entera o de apagar la televisión de una casa. Ese fotograma es la primera imagen de “Visitor Q” y dice literalmente: “¿Alguna vez lo has hecho con tu padre?”. La técnica se repite en dos ocasiones más con un resultado no menos impactante.

Este film es susceptible de mitificación por parte de todos aquellos que no la han visto y se dedican a buscar información para comentar con los amigos lo que es capaz de hacer un director por llamar la atención (mi caso). Encontraran frases del estilo “ordeñan a la madre”, “el padre practica necrofilia”…etc, que no son más que descripciones poco fieles de lo que está pasando en escena. No es un drama o una película seria donde todo eso puede tener un desarrollo brutal, sino que es una comedia negra, acompañada de música extremadamente cursi, que continuamente saca las más sinceras carcajadas del espectador.

Llevo 5 párrafos y…¿dónde está el visitor Q? El visitor Q es el elemento que rompe la “armonía” familiar e interactúa con los personajes llevándolos más aún al límite y finalmente arrebatando lo humano de casi todos ellos (especialmente del padre). Su inclusión en la familia es de lo más curioso, e incito a sus detractores a considerarla algo humorístico y no algo forzado.

Cualquier otra cosa que les diga no va a servir para ilustrar en absoluto lo que tenemos en este film. Es difícil describir el ambiente alegre, activo y tremendamente real que rodea “Visitor Q”. No conviene olvidar que la mitad de las escenas son de cámara digital, que apenas tiene créditos iniciales y que el formato es PAL. Consejo: veanla.

Bar Legend (Ddukbang) (2006)

Lejos de ser leyenda
Por Master of Hate

Como ya todos deben saber, el cine de gángsteres, que muchas veces involucra historias de secundaria, pandillas y el tema de la amistad es uno de los géneros más representativos de la cinematografía surcoreana. Para hacer corta esta introducción y no volver a hablar de las influencias de “Friend” y “Beat” diré que “Bar Legend” es un trabajo que representa muchos de los aspectos más características de este cine, pero fusionados de manera un tanto ineficaz.

El argumento gira entorno a tres jóvenes: Seong-hyun, Gyeong-roh y Jeong-gwon, que en sus años de secundaria, formaron en su zona una pandilla legendaria que todo el mundo conocía y temía. Luego de terminar sus estudios los amigos se separan y empiezan a vivir vidas relativamente normales. Seong-hyun, quien en su tiempo fue un gran luchador, y Jeong-gwon, el gracioso del grupo, tienen trabajos modestos y han perdido el respeto de los demás. Mientras tanto, un grupo de mafiosos se toma el sector e intenta realizar lucrativos negocios a costa de la gente. Todo esto cambia cuando Gyeong-roh, ex líder del grupo, regresa al barrio y se topa con sus viejos amigos. Los tres vuelven a revivir el temido “No Touch” clan y se convierten en un obstáculo para los gángsteres.

El director Cho Beom-gu parece haber tenido bastante claro por donde quiso llevar la historia, y es que hay un nivel bastante aceptable en los primeros tramos de la película, en los cuales hay golpes, peleas, risas, etc. Sin embargo, poco a poco la cinta pierde fuerza, y el nivel, en lugar de elevarse, termina decayendo. Los elementos claves, es decir, el drama, la acción, la venganza, están presentes, pero la historia en sí se vuelve un tanto indiferente, y no fluye de modo espontáneo. Los flashbacks, un tanto fuera de lugar, tratan de sacar la idea adelante, pero hay partes que se ven demasiado fragmentada y los personajes demasiado superficiales.

Lo que si ha sido un gran acierto es el poderoso estilo visual que usa el director para dar vida a algunas escenas, no es que se trate de innovación precisamente, sino del uso adecuado de cámaras lentas, cambios a blanco y negro, y buena fotografía. En cuanto a las actuaciones, destaca la presencia de Yu Jin-Tae en el papel del despiadado antagonista. Obviamente, verlo en semejante rol aún puede ponerle los pelos de punta a muchos, claro que cuando volvemos a pensar en el nivel de la película tampoco es para tanto.

Finalmente, lo que tenemos es una cinta más, que no pasa de ser un respetable intento de emular obras de verdad imprescindibles para los amantes del cine de acción. “Three Fellas” (título internacional) puede ser una buena alternativa para quienes estamos esperando la próxima gran cinta dentro de este género, ya que ésta se queda corta en su intención de trascender, aunque sirve de entremés.

A Dirty Carnival (2006)

Memorable continuación
Por Master of Hate

Luego de un par de años, Ha-Yu regresa con lo que constituye la segunda parte de la trilogía de la violencia en las calles. “A Dirty Carnaval”, al igual que su predecesor “Once Upon a Time in High Chool” consigue generar un retrato muy realista de la juventud y la corrupción a la que se expone constantemente. Haciendo uso de una gran habilidad narrativa, este talentoso director nuevamente centra su atención en un muchacho y nos guía a través de su camino lleno de espinas.

Byung-du (Jo In-seong) se encuentra en un momento muy difícil ya que su pequeña hermana, y su madre, que además está enferma, están a punto de ser desalojados de su vivienda. Byung-du se gana la vida realizando trabajos bastante oscuros para un grupo de mafiosos; a pesar de esto, es evidente que no tiene esperanzas de salir adelante o de escalar algún peldaño en la organización. Sin embargo, surge la oportunidad de salvar al jefe máximo de una situación muy incomoda que le causa grandes dificultades. Pese al riesgo, esta parece ser la única oportunidad que tiene Byung-du para conseguir la protección del jefe, así que se ofrece para llevar a cabo el peligroso trabajo. A la vez que esto ocurre, un viejo amigo de Byung-du aparece con la intención de hacer una película sobre el mundo de la mafia y toma como inspiración la vida de Byung-du.

La violencia pasa de los salones de clase a las calles, y es aquí donde Ha-Yu vuelve a construir esta nueva una historia que obviamente tiene mucho que ver con “Once Upon a Time in High School.” La cinta es directa y tiene un balance muy equilibrado entre drama, acción y suspenso, y un poco de romance. La larga lista de producciones “serias” que giran en torno al tema de mafias y demás, hace que encontrar originalidad o efectividad en este género sea difícil, no obstante, existen directores con el talento suficiente para hacerlo. Ha-Yu, no inventa nada nuevo, pero sabe dotar a sus trabajos de mucho realismo, que combinados con una efectiva narración dan forma en este caso a una película impactante.

Lo más interesante del film es la recurrencia de temas. Una vez más existe ese interés por dibujar la fuerza de los lazos de amistad que a la larga terminan siendo mucho más endebles de que parecían. A estas alturas es fácil darse cuenta que terrenos explora y explota el directo. Se trata de un proceso de cambios de personalidad importantes que se da en varios personajes, una especia de filosofía muy práctica que se aplica muy bien a nuestros días y que dice: “voy a donde me lleve la corriente”. El toque de romance que tiene la cinta es así mismo bastante agridulce y aunque el concepto se pueda ver algo gastado, basta para el propósito del cineasta.

La acción sigue esa tendencia realista, pero no por eso deja de ser de altísima calidad; existen escenas bien logradas, prolongadas, y muy intensas. La otra parte del argumento que empieza pareciendo algo bastante secundario, tiene que ver con el rodaje de una cinta, dentro de la misma película, inspirada básicamente en al mundo en el que esta sumergido Byung-du. Se trata, a mi modo de ver, de una manera inteligente que tiene el director de plantearnos que mucho de lo que posiblemente se ve en el cine no es más que ficción, y en particular el cine de gángsteres. Es ciertamente un interesante juego que da mucho que pensar sobre el tema, y es que ¿entonces es su cinta un retrato más fiel de cómo es en verdad este mundo? Posiblemente sí.

“A Dirty Carnival” recuerda tanto a la primera parte de la trilogía por la recurrencia de tema y el proceso que trasforma a sus personajes, que hace creer que su próximo trabajo seguirá los mismos pasos. De todos modos, hay que dejar en claro que no se trata de un refrito de ideas, sino un modo de explorar la violencia a través del tiempo, lugares, personajes y situaciones. En resumen, una excelente película con buenas actuaciones y excelente música. Un visionado obligatorio para los amantes del cine de calidad.

Cinderella (2006)

Para ser bella hay que ver estrellas…y fantasmas
Por Squareta

Hyunsu es una joven apasionada por el arte y que tiene una excelente relación con su madre, una prestigiosa cirujana plástica. Muchas de las compañeras y amigas de Hyunsu, preocupadas por arreglar su rostro, acuden a su madre y se someten a cirugías. Las operaciones las hacen más bellas, pero bajo un terrible costo.

Estrenada el 2006 y dirigida por el coreano Man-dae Bong esta película da una nueva razón para no someterse a cirugías. ¿Pensaban que había peligros solo dentro del quirófano? Pues se equivocan, los peligros recién comienzan ahí.

Cinderella tiene un prometedor comienzo, con una trama intrigante y varias escenas terroríficas que mantienen el suspenso. Casi a mitad de la cinta una nueva historia transforma a esta película de terror en una película dramática. La introducción de la nueva historia encaja bien en el argumento. La historia, aunque ya sin sustos, se mantiene interesante y pone énfasis en varios temas importantes, como el sacrificio que es capaz de hacer una madre, la alarmante importancia que le dan los adolescentes al físico y el terror que pueden enfrentar algunas personas que no pueden aceptar su nuevo rostro. Las escenas de terror continúan hasta el final, pero cada vez aparecen con menos fuerza y son menos efectivas. Los sustos no son lo fuerte de esta obra.

Los efectos están excelentes y con el sonido logran una atmósfera terrorífica. La ambientación esta bien lograda. Las actrices también lo hacen bastante bien pese a que la mayoría actuaba por primera vez.

Lo malo es la falsa propaganda que se le hizo. El que los sustos no sean lo fuerte de esta obra es un fallo grande, puesto que esta cinta se clasifica como de terror. Esto puede causar la decepción de muchos que esperaban algo distinto.

De esta forma, Cinderella se puede disfrutar si no se mira el hecho de que no asusta. Pero si lo que buscas es asustarte, mejor busca otra.

The Host (2006)

El monstruo que sacudió a Corea
Por Master of Hate

Estamos ante una de las cintas que seguramente permanecerá en boca de todos por un largo periodo de tiempo. “The Host” se convierte en un trabajo de gran trascendencia para Corea ya que marca la incursión de la industria en un género que, salvo contados trabajos como las cintas de Shim Hyung-rae, no tiene realmente historia en este país. Así mismo, marca el regreso de uno de los grandes directores asiáticos como es el caso de Bong Joon-ho, quien ha tardado tres años en presentarnos algo nuevo, luego de una “Memories of Murder” que lo catapultó a ser uno de los directores contemporáneos más representativos de Corea.

La cinta inicia con una escena directa, clara y sugerente: Una gran cantidad de desechos tóxicos, que son lanzados sin ninguna responsabilidad desde un laboratorio, van a parar al río Han. Al cabo de un par de años, un enorme mutante surge de las profundidades y empieza a atacar y devorar a todos los que se hallan en el lugar. Park Kang-du (Song Kang-ho), y su pequeña hija Hyun-seo (Ko Ah-sung) también son víctimas del ataque y ésta última termina siendo “raptada” por la criatura. De éste modo, la familia Park, se reúne y juntos intenta liquidar al monstruo y salvar a Hyun-seo.

Inmediatamente salta a relucir que los “héroes” no son más que los miembros de una familia simple y no muy feliz. Cada uno tiene perfiles muy interesantes, empezando por el mismo Kang-du que, a pesar de tener un ligero problema mental, ama profundamente a su hija. También están sus dos hermanos: Nam-il (Park Hae-il), un graduado desempleado y alcohólico, y Nam-ju (Bae do-na), una joven deportista que practica el tiro con arco. Los tres hermanos no tienen una relación precisamente muy profunda y no corresponde al modelo habitual de “rangos” que tanto predomina en la sociedad coreana, y específicamente a nivel familiar. Esto se nota al ver como Kang-su, a pesar de ser el hermano mayor, es constantemente menospreciado por su hermano e ignorado por su hermana. Park Hie-bong (Byeon Hie-bong), el padre de los tres, es otro personaje muy importante.

Muchas serán las ideas que vengan a la mente cuando se habla de que “The Host” es una cinta de “monstruos”, pues habrá gente que espere desde una película de monstruos de serie B, y gente que en base al conocimiento que tiene sobre los trabajos de Bong, tenga expectativas muy elevadas. Sea cual sea el caso, hay muchas cosas que se pueden dejar en claro. En primer lugar, “The Host” poco o nada tiene que ver con una cinta de serie B. Así mismo, haber visto “Barking Dogs never Bites” y “Memories of Murder” puede ser de gran ayuda para entender cuales con los recursos cinematográficos y el estilo propio que Bong sabe imprimir en sus largometrajes.

El trabajo tiene distintas capaz arguméntales y hay mucha ambigüedad en algunas escenas, ya que se pueden interpretar de modos muy particulares. Bong, se maneja haciendo uso constante del elemento cómico, qué sigue teniendo una presencia muy marcada a lo largo de la película. Todo esto se intercala con el drama y el suspenso dando como resultado un trabajo que sigue los mismos patrones que las dos primeras cintas de Bong. Por este motivo, es posible plantear la cinta más como una mezcla entre drama familiar y humor negro antes que de una cinta de “monstruos” y nada más. Tampoco hay que olvidar que parte del argumento, especificamente el que se refiere al lanzamiento de las substancias tóxicos al rio, está basado en hechos reales.

Bong parece un ferviente partidario de incluir en sus películas críticas a todo nivel y es que en sus trabajos hemos visto mucha crítica social y política. Ahora, a todo ello se suma una dura crítica a los medios de comunicación, al estado y, como no, a los Estados Unidos. De todos modos el humor aliviana la mayoría de comentarios negativos y a pesar de lo directos que puedan parecer, no se ven realmente ofensivos. Se trata de una característica que se presenta numerosas veces a lo largo del film reflejado en el manejo mediático, la intromisión del gobierno estadounidense, y sobretodo al momento de mostrar quien es el causante de toda la tragedia. (Spoiler: Tenemos por ejemplo al gobierno advirtiendo a la gente sobre la existencia de un virus, cuando en realidad éste no existe).

Cinematográficamente, la cinta no sólo recuerda a “Memories of Murder” sino a la misma "Barking Dogs never Bites" ya que roza la perfección con un manejo de cámaras soberbio, abundantes tomas en cámara lenta que en ningún momento llegan a sentirse pesadas, muchas tomas panorámicas y efectivos primeros planos que hacen del visionado de la cinta una experiencia extraordinaria.

Es importante no desmerecer el esfuerzo que se ha hecho para conseguir los CGI que presenta “The Host” pues realmente a pesar de que se puedan hablar maravillas de las habilidades de Bong como director, todo se hubiese visto inmensamente limitado de no haber contado con la tecnología necesaria para crear un monstruo convincente. Mucho se ha hablado de los efectos usados para esta cinta. Finalmente, es posible decir que son capaces de soportar una comparación con cualquier mega producción de Hollywood. No obstante, existe una escena en particular –lamentablemente una bastante trascendencia- en la que fallan moderadamente, pero a pesar de ello, no creo que sea posible pedir más en este apartado.

Las actuaciones son claves esenciales que completan el trabajo del director y los efectos de primer nivel. Destaca todo el reparto, que curiosamente ha trabajado ya anteriormente en los otros filmes de Bong. También son dignas de mención, la impactante banda sonora y la gran producción detrás de la película. Se nota que el presupuesto ha sido sabiamente usado e incluso a muchos les parecerá sorprendente que el resultado final pueda desafiar a producciones mucho más costosas.

“The Host” tiene el potencial de ser una cinta apta para la mayor parte del público, pero a su vez, sabe mostrar que no todo tiene que se predecible, obvio y fiel a la estructura de un determinado género. A diferencia de las cintas bélicas, nacionalistas o históricas, “The Host” recurre a otro tipo de elementos para hacer patente su calidad, aceptación y popularidad, y es que no se trata de un largometraje que deposite todo su potencial en un único pilar, por el contrario, hace gala de un gran balance; el ejemplo más claro es que no hay un único y gran protagonista, sino es toda una familia la que tiene que salir adelante en un momento de crisis. El punto es que la gente verá lo que quiere ver, un simple blockbuster, una cinta que crítica al gobierno, un trabajo que resalta el valor de la unión familiar, etc.

El final es indiscutiblemente adecuado y no hay que temer a encontrarnos con aquel temido “típico final coreano” que a muchos aún les resulta siempre una manera muy mala de rematar cualquier filme. Tampoco se trata de un final Hollywood, diría más bien que se trata de un final apropiado que no busca complacer a ningún tipo de público en particular.

Es muy difícil hablar de fallos en el filme ya que visto de modo objetivo, el filme no tiene ningún punto flaco, lo que si es posible generar son opiniones personales sobre lo que hubiese sido interesante incorporar o dejar fuera. La fama de la cinta está plenamente justificada, ya que su potencial comercial deriva de su calidad. Por otro lado, la publicidad ha ido creciendo de forma paulatina conforme se desvelaban más detalles y también proviene de los mismos fans del director que ciertamente no esperaban poco.

Sería una pena tener que hablar de si "The Host" ha sido capaz de superar a una obra maestra como lo es "Memories of Murder" ya que cada uno tiene su atractivo particular y posiblemente habrá sitio para todo tipo de comentarios. Personalmente, pienso que "Memories of Murder" seguirá siendo la obra cumbre de Bong, pero así mismo, pienso que él tiene el talento suficiente para sorprendernos más adelante y quizás conseguir lo imposible.

Deposito mis esperanzas en que la cinta tenga la distribución que se merece y que la mayoria de gente pueda verla en las salas de cine como Dios manda, ya que es el mejor modo de poder apreciar todo su calidad y poder vivir esta experiencia cinematográfica al máximo.

Ice Bar (2006)

Un helado sin mucho sabor
Por Master of Hate

Ambientando a finales de la década del 60, este drama familiar cuenta la historia de una madre soltera (papel interpretado por Sin Ae-ra) entregada al cuidado y crianza de su pequeño hijo Young-rae (Park Jin-bin, “Hello Brother.”). Las dificultades económicas y la discriminación que sufre el pequeño a causa de la ausencia de su padre hacen que la situación sea bastante difícil para ambos. Todo cambia de manera drástica cuando Young-rae se entera de que su padre no esta muerto como le había dicho su madre, sino que esta en Seúl. Es así como el niño decide trabajar vendiendo helados, a escondidas de su madre, para conseguir el dinero y poder ir a Seúl en busca de su papá.

“Ice Bar” es el primer trabajo del director Yeo In-kwang que se ha decantado por un genero bastante conocido y popular en Corea. En todo caso, las expectativas posiblemente no van a quedar aplacadas ya que a estas alturas la idea no es hacer buen cine y punto, sino algo más que marque un avance o difiera, aunque sea un poco, de lo que se ve habitualmente. Y es que el problema esta en que la película es muy correcta, pero al final no hay nada de suma relevancia que se pueda destacar. En otras palabras, una buena ambientación o actuaciones de nivel, son cosas que no se deberían ver como novedad, pero en donde sí hay que poner atención es en el guión y su desarrollo.

La historia se torna bastante predecible y lenta recurriendo a escenas algo irrelevantes y a situaciones un tanto ajenas al argumento. A diferencia de muchos otros dramas familiares, “Ice Bar” es mucho menos emotivo y sentimental, al punto que de compararla con “Hello Bother” podríamos hablar de una brecha enorme. Pero que no se me malinterprete, “Ice Bar” tiene sus momentos y sus cosas positivas, es sólo que se queda corta, y se muestra bastante tímida sin ofrecer nada más que una historia con personajes simpático. Se me viene a la memoria otra cinta como “My Piano” que sufría de un “problema” similar.

Si bien perderse “Ice Bar” es algo que todos se pueden permitir sin temor a estar dejando de lado un trabajo valioso, tampoco se trata de uno que haga daño en el caso de que se visione. En resumen, una película simpática, simple y entretenida, buena para ver en familiar en esos días que no hay mucho de donde elegir.

Woman on the Beach (2006)

Impresionante
Por Master of hate

Cuando pensamos en la oleada de grandes directores coreanos que han aparecido en la última década nos encontraremos inmediatamente con un grupo muy reconocible encabezado probablemente por Park Chan-wook. Pero casi en otra dimensión, bastante opacado por los filmes comerciales, está el nombre de Hong Sang-soo quien con justicia es uno de los cineastas que debería integrar ésa lista y además colocarse en un apartado especial reservado para directores como Kim-ki duk o Song Il-gon, que son quienes llevan la idea de cine de autor a una nivel único. Hong Sang-soo es uno de los poco directores que puede jactarse de hacer un cine minimalista, enormemente complejo, muy alejado de cualquier argucia cinematográfica, elemento dramático, e incluso, en ocasiones, carente de lógica, aunque jamás de realismo. La propuesta cinematográfica de Hong es de lejos una de las más apasionantes, y originales que nos llegan desde oriente.

“Woman on the Beach”, su cinta más reciente, es un paso importante que demuestra que Hong aún está en buena forma y tiene grandes ideas. Si bien sus dos cintas anteriores, “Woman is the future of Man” y “A Tale of Cinema” dejaron algunos “insatisfechos” entre su séquito de seguidores, me aventuro a decir que con su nueva película, no sólo recobrará el terreno perdido (si es que hubo alguno) sino que ganará el respeto de nuevo público, que posiblemente se tope con el filme más “comercial” de Hong hasta la fecha, eso sí, ruego que esto no se malinterprete ya que en ningún momento estoy sugiriendo que se trate de un trabajo radicalmente distinto a lo que hemos podido observar desde aquel brillante debut titulado “The Day a Pig Fell Into the Hole.”

Dos viejos amigos se reencuentra y deciden ir la playa por unos días, uno de ellos es el director Kim (Kim Seung-woo) quien necesita imperiosamente concluir el guión para su próximo trabajo; el otros es Chang-wook ( Kim Tae-woo) que decide acudir llevando a su novia Moon-sook (Ko Hyeon-gang). Inmediatamente el director Kim se interesa por Moon-sook y abiertamente muestra su admiración e interés por ella. Aprovechándose de que Chang-wook es un tipo muy sencillo, ingenuo y respetuoso, incluso físicamente menos fuerte, el director Kim toma la batuta y trata de imponer sus decisiones e ideas de modo muy sagaz. Estas armas le terminan dando resultado ya que esa misma noche logra convencer a Moon-sook para pasar la noche juntos. A la mañana siguiente, el director Kim afirma que esta confundido y que prefiere regresar a la ciudad pues el lugar no le agrada. Este hecho afecta directamente a Moon-sook ya que después de unas pocas horas el interés del director por ella parece haberse desvanecido. Al cabo de dos días, el director Kim regresa a la misma playa a meditar sobre lo ocurrido.

Probablemente “Woman on the Beach” sea el único titulo que se pueda interpretar totalmente de modo literal en la filmografía de Hong. A nivel superficial, la cinta recoge los elementos o situaciones más habituales (algunos imprescindibles) de su cine, es decir, forman parte íntegra de la trama un director de cine en horas bajas, las reuniones llenas de alcohol, los amigos de la juventud, los hoteles y desde luego la particular presencia femenina. Pero pasando ya a otro nivel más profundo, tenemos el juego psicológico, que siempre consume a los protagonistas, los traumas del pasado, y ese dilema moral que muchas veces es inexistente y que sólo queda en la mente del espectador. Es aquí donde la película adquieres esa profundidad y complejidad tan característicos que atraen y desconciertan.

Hong vuelve a plantear temas y situaciones ya vistos anteriormente, pero los personajes llegan a ser tan independientes que todo toma un nuevo rumbo y la trama pareciera rehacerse de un modo muy distinto. La imagen de dos hombres bebiendo con una mujer y potencial pareja de una noche, puede a muchos recordarnos inmediatamente a “The Turning Gate” o “Woman is the Future of Man” y es que no hay mayor secreto. Hong vuelve a destruir la imagen de un “artista”, en este caso el director Kim, que a priori hace prevalecer su masculinidad y lucidez sobre su amigo, pero que más adelante revela su propia miseria, inseguridad y oportunismo. De igual modo, están presentes las ideas filosóficas que se mezclan con lo banal y cotidiano para mostrar el lado más patético y bochornos del hombre. La mujer, por su parte, sigue siendo esa especie de “trofeo” tan fácil y difícil de conseguir, no sin antes llegar a tener por un instante el control de sus dos admiradores y hacer su propia elección.

Sorprendentemente, “Woman on the Beach” cuenta con un refinado, agudo y eficaz elemento cómico que antes se camuflaba un poco más, o quizás apuntaba más a lo satírico. Ahora, el factor cómico termina siendo un poco más accesible y fluye de modo muy natural siguiendo las escenas y algunas situaciones inesperadas. Así mismo, la cinta puede parecer un tanto menos pesimista, pero lo que si ha llegado a sorprenderme es que el final está un poco más definido, y es que se nota sobretodo cuando lo comparamos a lo que Hong nos tiene acostumbrados.

Algo más que cabe señalar es que las escenas de sexo, que casi siempre forman parte importante de las cintas de Hong, están muy ausentes, o al menos no se muestran de modo explícito. Dichas escenas siempre suelen ser crudas y directas y casi siempre causan un efecto de extrañes, incomodidad, y a veces incluso repudio por la falta de glamour, generalmente surgen de modo repentino, sin más preámbulo que el deseo vació de un momento cualquiera. No obstante, en esta ocasión el efecto se mantiene casi al mismo nivel sin recurrir a este tipo de escenas como fuente primaria, el peso ahora esta más en el lado de los diálogos.

Una vez más, Hong Sang-soo a sido capaz de crear un trabajo enorme con un guión muy inteligente y efectivo. A nivel cinematográfico, resulta impecable con tomas largas, intimistas y un control total sobre las escenas, hasta el punto que seguir el desarrollo de la historia es casi ser parte de ella. Las actuaciones no hacen más que reafirmar el nivel de la obra. Tenemos de este modo a un Kim Seung-woo (“Heavenly Soldiers”,“Yesterday”) que posiblemente ha interpretado el mejor papel en su carrera, a un Kim Tae-woo (“Bus Stop”, “JSA”) muy convincente, y a una Ko Hyeon-gang que regresa a las pantallas luego de aproximadamente 10 años de ausencia, a pesar de eso, realiza un papel sumamente destacado. Completa el reparto la conocida Song Seon-mi (“Mokpo the Harbor”, My Boss, My Hero”)


Hong Sang-soo nos deleita con una película soberbia que sigue yuxtaponiendo lo banal con los sentimientos y el aislamiento con las relaciones interpersonales. Existen interesantes simbolismos que siempre ocurren de modo totalmente coincidencial y pareciera no tener ninguna relación con el argumento. Aparece nuevamente ese estudio del comportamiento por géneros, es decir, características netamente masculinas, como los arranques de ego o el deseo de imposición sobre “el otro” en pos de impresionar a la mujer, que en este caso Moon-sook tiene una característica única por haber vivido en el extranjero. El análisis de cada personaje daría lugar a muchas posibilidades sobretodo por las interpretaciones y el grado de realismo que desprenden, de todos modos, siempre es mejor descubrirlo por cuenta propia.

Recomendar la cinta es prácticamente una obligación ya que personalmente la veo como una de las grandes triunfadoras del año en curso. Quedan muchas cosas por decir sobre este pedazo de trabajo, que recibió una inmensa ovación por parte del público al final de su proyección, sin embargo no hace falta decir más, ya que seguramente los seguidores de Hong, sacarán sus propias conclusiones cuando llegue el momento. Lo que si puedo afirmar es que “Woman on the Beach” superó todas mis expectativas.