Exodus (2007)

Un exterminio de lo convencional
Por Squareta

“Exodus” es un drama con aires de comedia, estrenado el 2007 y que viene dirigido por el hongkonés Ho-Cheung Pang, el mismo director de “Isabella”, “Men Suddenly in Black” y “You shoot, I shoot”, entre otros.

Tsim es un policía que toma una declaración a un hombre que fue arrestado por entrar a un baño de mujeres y utilizar una cámara de vídeo en el lugar. Cuando Tsim le pregunta por qué hizo eso, el hombre le responde que fue porque está investigando una posible conspiración por parte de un grupo de mujeres que quieren eliminar a todos los hombres del planeta. El policía se toma tal absurda respuesta como una broma y un intento desesperado por librarse de la situación, pero cuando al día siguiente el hombre actúe de forma diferente y desaparezcan todas las pruebas del caso Tsim se cuestionará qué tan verídica fue aquella declaración y comenzará a investigar la vida de aquel hombre y de otras posibles sospechosas que se irán colocando en el camino.

Es innegable lo atractiva que se ve la historia leyendo su sinopsis. Además, los primeros minutos de la cinta son tan extraños que hacen aumentar aún más las expectativas. La película es original, tiene graciosos momentos, es entendible y pudo ser buena. Y si digo pudo es porque el resultado final es mucho menos de lo que prometía. Conforme avanza va volviéndose lenta, cansina y lo peor de todo, predecible. Cito lo mucho que se demora en avanzar algo muy lógico, mientras que el flash-back que resultaba de lo más divertido duró unos pocos segundos.
Pero si nos ponemos a juzgar el lado técnico sólo hay cosas positivas que decir. Con una fotografía preciosa y unos buenos actores, se ve que el resultado sólo decayó por lo que mencioné previamente.

Se me hace muy difícil dar un veredicto final. Es cierto que daba para cosas mucho más interesantes pero también es cierto que disfruté viéndola, más que nada por lo absurdo de su historia. Así que tratando de decidir si me ha parecido buena o mala, he pensado que lo mejor es darle una oportunidad, para ver algo novedoso y disfrutar la fotografía. Y aunque a mitad de película ya se descubra cuál será el final, recomiendo que esperen por él y hagan el mayor de sus esfuerzos por no adormecerse con lo lento que es su ritmo.

Torawakamaru, The Koga Ninja (1957)

El ninja de Toyotomi
Por Fingolfin

He aquí otra muestra del atracón de cine ninja que me estoy dando en las últimas semanas. La primera conclusión que se puede hacer de este tipo de películas es que son bastante monotemáticas, con efectos especiales muy pobres y bastante enfocadas exclusivamente al entretenimiento gratuito.

Hideyoshi Toyotomi está planeando la construcción de una fortaleza en el exterior del Castillo de Osaka, para cuya protección ha seleccionado a Torawakamaru de los Koga, uno de los más hábiles ninja del pais. En el otro extremo y siguiendo las órdenes de Ieyasu Tokugawa, los ninjas de Iga, Ichikawa Goemon y Sandayu Momochi, tratarán de robar los planos sea como sea para entorpecer así los planes de Toyotomi.

El esquema está bastante claro, siempre Iga contra Koga y cada vez viviendo el enfrentamiento desde uno de los dos puntos de vista. Cuando nos toca ser de Koga el bueno es Hideyoshi Toyotomi y Tokugawa es el que intenta arrebatarle su poder con estratagemas ruines. Cuando sucede lo contrario, Tokugawa solo busca el poder para conseguir la paz y poner fin al mal gobierno de Hideyoshi. Puramente monotemático. Esta vez vamos de parte de los Koga y nuestro protagonista es Torawakamaru.

Los efectos especiales (principal elemento de toda película ninja) son tan simples como efectivos. La mayor parte de las técnicas consisten en luchadores que saltan y desaparecen o trucos visuales, para lo cual se lleva a cabo un simple desvanecimiento del personaje. También se usa ese efecto para la transición de muchas escenas, por lo que puede llegar a ser realmente repetitivo. No son nada del otro mundo, estamos en 1957, pero son al menos aceptables. La tónica se estropea con unos vuelos por las nubes en los que el 98% del público soltará una carcajada, y con unas transformaciones en animales (mediante disfraces o imitaciones de cartón) llegada la parte final.

Las coreografías no son demasiado abundantes pero las que aparecen se llevan a cabo con una estética bastante vistosa y mucha velocidad, haciendo parecer que en lugar de espadas de verdad fueran de plástico o algún material mucho mas ligero. Obviamente dado el carácter general del film no hay nada de cortes, golpes o sangre, sino que todo se lleva de la forma mas limpia posible.

No es una película tan infantil como pueda parecer ni tampoco cómica, simplemente tiene ese tono desenfadado del que han gozado grandes títulos del género como la “Tange Sazen” de 1935. El nivel de “Torawakamaru, the Koga Ninja” es bastante parejo con el de “Iga no Kagemaru” en todos los aspectos. Fue una lástima que aquella música inicial de superproducción se quedara solo en un espejismo.

Return (2007)

Aquellos traumas inolvidables
Por Squareta

Un niño de sólo 9 años está siendo operado. Extrañamente, ocurre un imprevisto y la anestesia no le hace efecto. Así, consciente e incapaz de moverse se desgarra del dolor mientras los doctores le cortan su cuerpo. Su enfermedad ha sido curada, pero aquel trauma lo dejará marcado por el resto de su vida. 25 años después de aquel incidente, todos los que participaron en esa operación están muriendo misteriosamente. Un médico hijo de un participante en esa operación comienza a recibir llamadas amenazantes, las que sólo serán el inicio de una enredada trampa que tendrá a muchos sospechosos, pero pocas ideas del por qué están ocurriendo éstos hechos.

Estupenda película que logra mezclar de manera acertada diversos géneros como el thriller, el drama y el horror, con una trama que se mueve en el mundo de la medicina y que toca un tema tan aterrador como es la “conciencia durante la anestesia”. Dirigida por Lee Gyu-Man, es otro interesante estreno coreano.

El personaje principal es Jae-u Ryu, un afanado doctor que hace lo imposible para curar a sus pacientes. A medida que él empieza a investigar sobre él o los culpables de lo que está sucediendo comienza a moverse una historia paralela en tiempo pasado, la que nos muestra la vida del niño después de su traumática operación, dándonos una idea en qué condición mental se encuentra 25 años después.

Podemos ver a la venganza como el motor de la cinta, pero eso no impide que la misma se mueva por otros elementos inconexos a simple vista, como puede ser la hipnosis o los dramas familiares. Estas cosas no están al azar y se ve preocupación por dejar todo bien atado. Y la preocupación también se puede ver en los excelentes juegos de cámara, en los bonitos colores (sobretodo en los flash-backs) y en el destacado reparto con actores como Kim Myung-Min, Yu Jun-Sang, Kim Tae-Woo y Kim Yu-Mi. Esto nos da una parte técnica impecable, como ya nos tienen acostumbrados los coreanos.

Asi que si estás buscando mantenerte intrigado te recomiendo que le eches un vistazo a “Return”. Con un desarrollo eficiente y variados giros de trama logrará su objetivo. Un acierto dentro del género.

Samurai Vendetta (1959)

Círculo fatal
Por Fingolfin

La película de hoy es todo un clásico dirigido por Kazuo Mori que comienza a crear expectativas por sus protagonistas, Raizo Ichikawa y Shintaro Katsu, dos de los actores con más renombre en Japón y que junto con Tomisaburo Wakayama (hermano de Katsu) componen mi selecto grupo de esgrimistas favoritos.

Un enfrentamiento entre Yasubei Nakayama y los hermanos Murakami, representantes de distintas escuelas de lucha, acaba con la victoria aplastante del primero ante la mirada pasiva de Tange Tenzen, número uno de la escuela derrotada. El reproche de sus compañeros termina con su expulsión, sufriendo Nakayama las mismas consecuencias dentro de su clan y quedando degradado a ronin. La fama adquirida con su gran victoria hace que constantemente reciba ofertas de matrimonio y solicitudes de empleo de los señores más importantes. Todo quedará en un segundo plano desde el momento en que conoce a Chiharu y queda fuertemente enamorado de ella.

El título internacional, si bien no es muy atractivo, al menos representa de forma perfecta la temática de la película. Una vez más tenemos un espectacular muestrario de acciones que derivan del estricto código samurai, especialmente injustas en lo referente al sexo femenino. Evocando “Gonza the Spearman”, una mujer se ve en la difícil decisión de suicidarse o ser asesinada por su marido después de que unos hombres la violaran; algo que en la mente occidental del siglo XXI nos pone en el dilema de reírnos o llorar.

Si el Bushido juega en todo momento con el honor como estandarte, resulta contradictoria la facilidad con la que continuamente hay muertes, traiciones y disturbios. Lo cierto es que un sentido tan alto del orgullo desemboca en que cada ofensa se contrarresta con venganza, creando así un círculo vicioso sin fin que lo único que trae son más y más víctimas.

Hablando de venganza todos pensamos en los 47 ronin, que no solo tienen dedicadas innumerables películas sino que además aparecen como moldeadores de la trama en otras tantas. En un principio la historia de Asano y Kira se oye de fondo sin demasiada importancia hasta que los personajes van quedando atrapados durante el desarrollo y terminan participando directamente en los hechos.

El film está plagado de combates y acción bien coreografiados pero muy poco realistas. Las espadas actúan como las de kendo, limitándose a golpear a los adversarios pero sin transmitir la sensación de cortar. Esa es la razón por la que resulta tan irreal la sangre de las heridas, que aparece ya completamente esparcida unas décimas después de recibir el contacto. En los últimos momentos de película Raizo Ichikawa tiene la parte “fantasma” del film, con un combate bastante “raro” en el que podremos ver algunos de los movimientos que posteriormente utilizó en “The Betrayal”.

“Hakuoki” (título original) es otro clásico del cine chambara, protagonizado por dos de los más grandes. De visión obligada para todos los amantes.

The Echo (2004)

Ecos en la vida
Por Squareta

Yam Laranas nos trae desde filipinas esta película, de nombre original Sigaw y que fue estrenada el 2004.

Marvin es un muchacho que se acaba de independizar. Se fue de la casa de su madre hacia un departamento y tiene planes de vivir con su novia. En el mismo piso vive una familia compuesta por el esposo Bert, que es policía y muy celoso, su esposa Anna y su hija Lara. Esta familia pelea constantemente y la mujer todos los días golpea las puertas pidiendo ayuda.

“The Echo” es una película de horror que muchas veces se entremezcla con el drama. Por un lado tenemos al chico que con todo su sacrificio se ha mudado a un departamento y que a pesar de los molestos ruidos de la familia vecina no quiere irse del lugar y por otro lado tenemos la triste historia de la familia, cuya esposa e hija son maltratadas por Bert. Sin mostrar nada tan explícito, se siente la violencia y puede conmover en más de alguna ocasión. Las escenas de terror son acompañadas de fuertes ruidos que pueden asustar si te encuentran desprevenido y sin venir en demasía las encontré muy acertadas, aunque un par puedan parecer copias de otros clásicos del horror oriental. Con todo esto se puede decir que los momentos de horror en general son correctos.

El elenco está compuesto en tu totalidad por actores consagrados en el cine de su país, entre los principales tenemos a Richard Gutierrez en el papel de Marvin, Angel Locsin es Pinky, Jomari Yllana es Bert e Iza Calzado es Anna.

En resumen, “The Echo” es una nueva opción para ver, que sin ser una genialidad en su género logra mantener la expectación, ya que aunque se pueda prever lo que viene no se sabe exactamente cómo sucederá pero más que nada, la recomiendo pues resulta interesante visionar películas de un país cuyo cine es muy desconocido.

Romance (2006)

Bello y artificial
Por Master of Hate

Lastimosamente hay cintas que pese a estar casi listas, por alguna nimiedad, no han sido publicadas. Este es el caso de “Romance” cuya reseña ha tenido que esperar meses para finalmente incorporarse al blog.

Esta es la tercera película de Moon Seung-wook y una nueva apuesta por el drama con sello coreano que probablemente muchos conozcan de memoria. El reparto me hizo generar ciertas expectativas, cosa que no siempre es recomendable; pero en este caso dichas salvo algunos detalles puedo hablar de una película con un nivel bastante decente.

Yoon-hee (Kim Ji-soo) vive sometida a los maltratos de un marido posesivo y obsesionado con el poder. Afligida por su situación, un día decide suicidarse, pero el detective Hyung-jun (Jo Jae-hyeon) evita la tragedia. Hyung-jun, que atraviesa por el peor momento de su vida tanto personal como profesional, ve en Yoon-hee a la única persona capaz de devolverle los deseos de vivir. Ambos se atreven a ir contra viento y marea con tal de no dejar que nadie los separe.

Seria bueno empezar por el reparto que hace posible esta genial cinta. Kim Ji-soo está en mi pupila desde su magnifica interpretación en “This Charming Girl”, para mi, una de las mejores cintas del 2005. En “Romance” nuevamente deja claro que su talento es inmenso y nos regala una eficaz interpretación. La figura masculina es encarnada por Jo Jae-hyeon, actor de una enorme trayectoria, que ha protagonizado películas como “Mokpo The Harbor” “Crocodile” o “Sword In The Moon” entre otras. Vale la pena también mencionar a Hyeong-seong, protagonista de filmes como “GIT” (otra de las joyas del 2005) quien merece una honorable mención por notable actuación y por ser co-autor del guión.

“Romance” es una mezcla de puro melodrama con grandes cantidades de acción. Moon Seung-wook da muestras de conocer ampliamente el género y su construye su historia basándose en un argumento muy sencillo –típico hasta cierto punto-. Demás está decir que la historia como tal no aporta nada extraordinario, pero no se puede decir lo mismo del contenido visual, área en la que parece haberse puesto mucho más cuidado. La elección de la banda sonora resultara especialmente buena a aquellos amantes del tango. En cuanto a la acción, tenemos escenas de altísimo nivel que ayuda a llenar un poco la sencillez del argumento. La química entra los protagonistas es inmediata y aunque se logra de un modo algo precipitado; su acercamiento e inminente atracción pudo haberse desarrollado un poco más.

Ahora, no todo lo que brilla es oro, o al menos eso dicen. “Romance” es una película que se enfoca más en explicar el por qué de las cosas, y no tanto el cómo se llevan a cabo. Véase o no como un problema, no es algo que todos vayan a pasar por alto. Es decir, nuevamente nos referimos al argumento que prefiere resaltar la importancia del lado estético y echar mano de varios clichés, cosa que seguramente molestara a varios.

Una cinta entretenida, predecible, hermosa visualmente, triste, pero algo sencilla; en fin, una mezcla de virtudes y defectos con balance positivo.

D-Day (2006)

Comienza la cuenta regresiva
Por Squareta

“D-Day” es otra película que forma parte del “4 Horror Tales". Dirigida por Kim Eun-kyung, es también conocida bajo el nombre de “Roommates”. En ella conoceremos a fondo a la estricta Academia Younghwa, en donde chicas se preparan para el Día-D, el día del examen de entrada a la universidad.

Se sabe que el examen es un elemento muy estresante, pues la competencia es alta. Además, en la academia les prohíben todo tipo de distracciones y se les obliga a estudiar casi la mitad del día. Los profesores y padres creen que esto es lo mejor para obtener un buen rendimiento, pero estos factores pueden afectar el bienestar psicológico de las estudiantes. Es más, pueden ser los factores detonantes para que un grupo de muchachas comience a ver extrañas apariciones… ¿pero dichas apariciones serán producto de su imaginación por el stress o habrá algo más en el lugar?

La historia se centra en 4 muchachas que son compañeras de habitación. A medida que transcurra la historia iremos viendo cómo se van transformando y cómo van reaccionando de forma distinta ante la presión. Acá no están los típicos estereotipos de chicas populares ni abusadoras, sólo hay chicas que desean rendir un buen examen.

El reparto lo conforman en su totalidad actrices novatas que nos brindan unas efectivas actuaciones. Se aprecia que la cinta no cuenta con un gran presupuesto pero el mismo está bien aprovechado. Las escenas de terror son casi siempre efectivas y están muy bien utilizadas, pero lo que rescato ante todo es la interesante historia que nos muestra un hecho (aunque exagerado) de una realidad muy latente: la presión de los estudiantes ante la universidad. Personalmente la encuentro la mejor de la saga y una película que vale la pena ver, ya sea para pasar un par de sustos o para hacer una llamada de atención a nuestra sociedad.

600 Críticas en FM-Team

Hemos pasado las 600 críticas y es el momento de celebrarlo como corresponde. Una vez más, muchísimas gracias a todos nuestros fieles lectores que nos visitan periódicamente y a todos los nuevos que se van incorporando. Esperamos poder seguir aumentando las críticas para que este blog se haga cada vez más grande y así pueda ser una buena referencia de nuestro querido cine oriental.

Aprovechando también la ocasión, les deseamos unas felices fiestas y los mejores deseos para el año que se viene.

Y eso, recuerden seguir visitando al fm-team (ya sea en este blog o en el foro) y recuerden que cualquier crítica y/o comentario serán bienvenidos.

¡Saludos!

The Humanist (2001)

¿Un poco de humanismo?
Por Master of Hate

“The Humanist” resultó una grata sorpresa ya que personalmente no me esperaba nada del otro mundo. Quizás el nombre de Lee Mu-yeong no sea demasiado conocido, sobretodo como director; sin embargo, el ver Park Chan-wook figuraba entre los guionistas me causo cierta curiosidad. Por suerte la cinta tiene bastante que ofrecer con su mezcla particular de géneros.

Un grupo de tres amigos se ven envueltos en un grave accidente en el que, sin querer, matan a un respetable policía. El compañero del fallecido decide que no denunciará al grupo después de ver que uno de ellos es un joven de buena familia y le puede proporcionar algún beneficio. El policía le pide una millonaria cantidad de dinero que el joven sólo podría conseguirla de la fortuna de su padre, lo malo es que éste no esta dispuesto a darle ni un centavo. La única solución que encuentra el muchacho es planear el secuestro de su propio padre y para eso recurre a los dos amigos que le acompañaron el día del accidente. Así ponen en marcha un plan perfecto en el que no sólo le pagarán al policía corrupto sino que obtendrán una cuantiosa suma para ellos.

“The Humanist” sorprende por su extraña mezcla de géneros; se puede categorizar como un thriller, una comedia de humor negro, o un drama, así mismo tiene cierto componente subversivo con imágenes bastante crudas y sangrientas. Obviamente no es que se trate de gore en su estado más puro, aunque de haberlo querido, bien se pudo hacer algo clasificable dentro de ese género. En todo caso, lo interesante es la presencia del humor negro que llega a sorprender en varias ocasiones por su buen manejo y gran efectividad. La cinta alterna rápidamente el tono de la historia que en determinados momentos pareciera decantarse por una línea más dramática, pero que inmediatamente vuelve al terreno de la comedia gracias a algún hecho sorpresivo.

Las actuaciones son bastante buenas con un Ahn Jae-mo (“Legend of the Seven Cutter”) muy metido en su personaje, arrogante, pero no necesariamente malvado. Lo acompañan en el reparto, Park Sang-Myeon (“My Wife Is A Gangster”) y Kang Seong-jin (“Attack at the Gas Station) que completan en grupo de los “tres amigos” que llevan a cabo el secuestro.

La historia es bastante sólida, llena de sorpresas y giros arguméntales, y como dije antes, sorprende mucho por lo violento y atrevido de su contenido. Por un momento me ha recordado a “The Quiet Family” de Kim Ji-woon, claro que a nivel de estética y mezcla de géneros, pues los argumentos no tienen nada que ver. Finalmente, creo que no hay problema en recomendarla, pues si bien no se trata de ninguna joya, es una película graciosa con una historia llamativa y bien desarrollada.

February 29 (2006)

¿Maldiciones eternas?
Por Squareta

"29 de Febrero" es una cinta que forma parte de "4 Horror Tales", que como el título lo puede indicar, son cuatro películas de origen coreano que cuentan historias de horror, estrenadas el 2006 y bajo el mando de directores novatos. Estas películas no se relacionan entre sí. Jeong Jong-hoon es el director de esta cinta que habla sobre la maldición existente en esta fecha tan extraña.

Un periodista llega a un hospital psiquiátrico para entrevistar a una paciente. Ella se llama Jiyeon y le teme a la oscuridad. Cuando el periodista le pregunta el por qué de su estado ella se impacienta y comienza a recordar los tiempos en que ella trabajaba en una caseta de peaje y un terrible día recibió un ticket ensangrentado. Ese incidente fue sólo el comienzo de una maldición que se repite todos los 29 de febrero.

Entretenida película de fantasmas con elementos policiales en el que la presencia terrorífica se hace presente durante casi todo su transcurso. En ella podemos ver cómo una chica normal se va transformando producto de algunas apariciones, de las que nadie le cree y que no la dejarán vivir tranquila. También se puede ver a unos policías que están investigando un caso que podría relacionarse de cierto modo con la chica.

Los elementos visuales están bien utilizados, así como también los momentos de tensión, generando un par de escenas de miedo aceptables. El reparto está compuesto casi en su totalidad por actores novatos, excepto por la protagonista Eun-hye Park ("Sunflower", "The Record").

De esta forma, "29 de Febrero" no es sólo parte del "4 Horror Tales", sino que es parte de la gran mayoría de películas de horror que nos están llegando desde Corea aprovechando el éxito de este género: un film sin mucho que aportar pero que sigue siendo una buena opción para pasar el rato.

Heaven and Earth (1990)

Crónica de una guerra
Por Fingolfin

Cuando hablamos de Japón en el siglo XVI habitualmente lo hacemos pensando en un peliculón con una temática interesantísima que rara vez nos ha fallado. Los protagonistas son Shigen Takeda y Kenshin Uesugi, dos grandes guerreros que se enfrentaron en multitud de batallas.

Takeda, ansioso por extender sus territorios y alcanzar el mar, señala como objetivo la región de Echigo. Uesugui (el tigre de Echigo) hizo una promesa de defender su tierra a toda costa, sacrificando a su propio hermano y alejando todos los placeres de su vida. Además de la sabiduría de cada uno, tienen detrás grandes estrategas como Yamamoto Kansuke y Wusami Suruga.

Otra de esas grandes superproducciones plagadas de extras, colorido, caballos, armaduras y escenarios de ensueño. Otra partida de ajedrez con dos líderes que controlan a sus hombres como piezas y despliegan sus inteligentes estrategias sobre el tablero. La mayoría de ellas se anuncian con subtítulos y en alguna que otra se especifica su inclusión en el libro de Yamamoto Kansuke.

Pese a que el director trata de mantener la guerra desde el punto de vista de los dos bandos de forma relativamente neutra, es evidente que la importancia de Kagetora (Uesugi) es la que más tira, condicionando al espectador a ir siempre con el que defiende y no con el invasor. Personalmente siempre he sido un gran admirador de Takeda, por lo que salvo en alguna escena aislada no ha conseguido llevarme a su terreno; otros lo tendrán más difícil.

La acción es espectacular. En un solo fotograma se puede apreciar una gran diversidad de escenas de lucha. Mientras avanza la caballería de Uesugi dos grupos de piqueros de rojo y negro se enfrentan unos con otros y multitud de samuráis desperdigados se baten en duelos. Este tipo de tomas están logradas de manera impresionante, sin nada que envidiar a las grandes y modernas superproducciones americanas. El punto débil como suele ser habitual se centra en los detalles minimalistas de la batalla, es decir, los primeros planos de lucha, que carecen de realismo y son demasiado lentos. Mención aparte para los combates entre los grandes personajes del film.

La música pasa desapercibida. No porque sea mala o regular, sino porque encaja perfectamente con las escenas y pasa a formar parte del “todo”. Solo durante la batalla final tiene momentos donde se baja el sonido escénico para dar paso a una hermosa pieza, y en alguna que otra ocasión podemos disfrutar de la melodía de la flauta de Nami.

Las actuaciones son bastante buenas por parte de todos los actores, tanto primarios, secundarios como extras. Resulta extraño que ninguna mujer tenga actuación destacada y solo dos tengan diálogos (algo raro en el chambara pero un poco más frecuente en este tipo de películas).

No tenía dudas tras escuchar comentarios y opiniones sobre “Heaven and Earth” de que iba a ser una gran producción. Lo que no me imaginaba ni de lejos es que sería tan espectacular visualmente y tan acertada en todos los demás aspectos. Recomendada para todos los amantes de la épica y especialmente aquellos que disfrutaron recientemente de los detalles estratégicos de “Battle of Wits”.

The House (2005)

Lugares inquietos
Por Squareta

Producción hongkonesa de Man-Ching Ng, quien sólo ha sido director de esta película pero que anteriormente había tomado el mando en la fotografía de “Inicial D” y de “Infernal Affairs 3”.

Una madre y su hija buscan un nuevo hogar. Encuentran un departamento que es del gusto de la madre pero no de la hija, ya que ella tiene un mal presentimiento del lugar. Sin embargo, la madre igual decide arrendar el sitio. La pequeña no se siente muy cómoda en el departamento y menos cuando la madre encuentra un trabajo como guardia de seguridad y la tenga que dejar sola en las noches. Pronto la niña descubre que su miedo se debe a la presencia de fantasmas en el lugar.

Siendo sincera, esta película me pareció de las más típicas que nos llegan desde oriente. Una película de fantasmas con altas dosis de drama, que nos puede asustar en algunos momentos y conmocionar en otros, ya que vemos los conflictos madre-hija producto del lugar y los problemas que tiene que afrontar la madre que ya no tiene el apoyo de su esposo.

El aspecto técnico no tiene nada para cuestionar. La pequeña nos brinda una buena actuación junto con el resto del elenco. La atmósfera del film es otro punto a favor, desoladora y con un buen juego de colores.

Y no hay mucho más que agregar sobre “The House”. Es sólo una película más, de esas para ver y olvidar pues no posee ningún elemento que la haga distinguir del resto.

Oniwaban (1974)

Sacrificio Absoluto
Por Fingolfin

“Demon Spies” (título internacional traducido literalmente) está dirigida por Takashi Tsuboshima y protagonizada por actores sin demasiada fama. El film abre de forma desconcertante, haciéndonos pensar en una historia Kaidan de un lugar secreto habitado por niños asesinos con máscaras de diablos. Enseguida la tónica cambia por completo, metiéndonos de lleno en una interesante historia de ninjas y sacrificio.

Los Oniwaban son ninjas dedicados por entero a su misión de mantener la paz en el país. Sus vidas no tienen ningún significado y todos pueden ser prescindibles en caso de ser necesario. El entrenamiento dura 10 años y comienza en la niñez, viviendo como una autentica secta con todo tipo de prácticas de ataque, defensa y sexo (el cuerpo como arma). Una vez finalizada esa etapa, 5 de los 60 que comenzaron son los elegidos para impedir la revuelta en Kishu, donde se han comprado multitud de armas de fuego extranjeras que son guardadas en una armería secreta.

Podíamos comparar la parte de entrenamiento con la película “Azumi”, donde la última prueba nos dejó a más de uno con la boca abierta. Sin embargo “Oniwaban” la pone al nivel de un divertido juego infantil, ya que el estricto código de los ninjas-demonio contiene todo tipo de barbaridades inimaginables. Pensaba comentar algunas de ellas pero prefiero dejar despertar la curiosidad del lector.

Como es habitual en esta época tenemos nuestras escenas de ligero contenido sexual. Al principio del film la única chica del grupo tendrá el gusto/desgracia de poner su cuerpo a disposición de todos los discípulos para poder usarlo libremente en su misión (algo así como en “Naked Weapon”). En el metraje aparecen varias mujeres semidesnudas, solo que en esta ocasión no es de forma tan gratuita como en otros films contemporáneos. Mención especial para los dos profesores que hacen una magnifica representación de sexo en Kabuki.

La acción tarda en aparecer pero lo hace con calidad, con muy buenos movimientos ninja y sin necesidad de utilizar efectos especiales de los que suelen estropear la estética del género. Las coreografías son rápidas y normalmente terminan en amputaciones o cortes de los que dejan salir chorros de interminable sangre.

Ahora es el momento de decir que la película me ha gustado bastante. El argumento gana fuerza por un solo personaje: Yokobue Shogen (el rival). Es de las pocas que presentan un enemigo tan digno, que pese a las numerosísimas e increíbles estratagemas de los Oniwaban, nunca llega a dejarse engañar y se mantiene alto y poderoso hasta el último momento.

La verdad es que es de las que tengo que recomendar a todo el mundo. Por supuesto no es una obra maestra, pero sí son 87 minutos de puro entretenimiento con una trama muy interesante y cuidada.

Woman in the Dunes (1964)

Un mágico cautiverio
Por Master of Hate

En uno de esos escapes fugaces en los que le alejo del cine contemporáneo he tenido la oportunidad de visionar una excelente pieza del celuloide de la que sólo puedo hablar bondades; se trata de "Woman in the Dunes" del director japonés Hiroshi Teshigahara. La cinta data de 1964 y parece ser ya una gran pieza de culto para muchos cinéfilos alrededor del mundo.

Niki Jubei (Eiji Okada) es un entomólogo que se halla investigando y recolectando insectos en un área casi desértica lejos de la ciudad. Debido al poco tiempo que tiene disponible, decide pasar la noche en una casa de la zona, ubicada en un medio de enormes dunas de arena; allí vive una sencilla y tranquila mujer (Kioko Ishida). Al día siguiente Niki intenta marcharse, pero le es imposible ya que la escalera que le permitió bajar ya no se encuentra. Pronto se le informa que esta atrapado y que, junto a aquella mujer desconocida, deben trabajar como esclavos si es que quieren sobrevivir.

Mi desconocimiento sobre la filmografía de Teshigahara me impide entrar en detalles con respecto a su estilo. Pero en lo que respecta a esta película se pueden sacar a relucir muchas características. Este director demuestra una asombrosa capacidad de sentido estético que se ve reflejado en el tipo de tomas y planos que elige constantemente. La cinta roza la paranoia, el erotismo, lo surreal, lo banal, y muchas cosas más a través de los ojos del protagonista que va siendo víctima de un proceso continuo de cambios. El entorno casi claustrofóbico que transmite la cinta es tan poderoso que llega a contagiar al mismo espectador. La relación que mantiene Niki con la mujer es otro de los puntos más fascinantes de la trama, ya que pasa por varias etapas. Finalmente, no deja de rondar, esa sensación constante de estar ante una obra existencialista que, a su manera, arroja una serie de interrogantes sobre el por qué de la vida y a dónde queremos ir realmente.

Queda como asignatura pendiente echar un vistazo a los demás trabajos de Teshigahara que seguramente guardan muchas y gratas sorpresas. La recomendación es evidente, pues estamos antes lo que debe ser uno de los filmes más brillantes que ha visto la luz en Japón.

The Bird People in China (1998)

Lugar de ensueño
Por Squareta

En reemplazo de un compañero de trabajo un empresario japonés se embarca hacia China con el propósito de encontrar unas piedras preciosas de jade que podrán pagar las deudas que tiene su empresa. Lo que no sabe él es que han enviado a un yakuza poco amigable para que lo vigile en el viaje. Juntos harán una interminable travesía que los llevará a un pueblo en medio de la nada. Este pueblo posee extrañas costumbres y narra de generación en generación la leyenda de un hombre pájaro.

Esta extraña cinta es de 1998 y viene dirigida por Takashi Miike. Lo que asombra a primera vista es que no es lo que estamos acostumbrados a ver de Miike, para nada. La ultraviolencia y sobredosis de gore son reemplazadas por hermosos paisajes y una historia conmovedora.

La película gira en torno a dos personajes principales, el empresario, una persona correcta y con valores y el yakuza, lo opuesto a él. A ellos no les quedará otra que unirse y obviar sus diferencias para poder llegar a su destino, pues en el camino que parece no tener fin (sin mencionar el hecho de que es casi imposible de recorrer) ocurren todo tipo de problemas. Después del largo viaje y ya en la provincia de Yun Nan logran llegar a su destino. Lo que ven sus ojos es casi increíble: el pequeño pueblo al que parece que se la ha detenido el tiempo los recibe con los brazos abiertos. Los japoneses muy contentos empiezan a relacionarse con el pueblo chino. Conocen la leyenda del hombre pájaro y descubren que en el poblado tienen una obsesión con volar, a la que ellos también les interesarán. Sin darse cuenta, la gente del pueblo provocará un cambio de pensamiento en nuestros protagonistas que les obligará a tomar una complicada decisión.

Técnicamente es muy correcta. Podrán apreciar la belleza visual que rodea la película. Unos paisajes hermosos son complementados con la humanidad de la gente. Los protagonistas están bien desarrollados y cooperan en algunos momentos graciosos que amenizan la cinta. El empresario y su actitud frente a algunos comportamientos de los chinos y el yakuza creará uno que otro momento de tensión.

Creo que todos podrán disfrutar la película como yo lo he hecho. Una linda obra que prescinde de cualquier gran producción y que nos muestra que lo más bello es lo real, aunque cada vez se hace más difícil apreciarlo.

Zatoichi (2003)

Remake de una saga
Por Fingolfin

Ya comenté esta película hace más de un año y al trasladarnos al formato foro decidí dejarla aparte para repetirla. Durante este tiempo he podido ver, comentar, analizar y disfrutar de las 26 películas de Zatoichi interpretadas por Shintaro Katsu, y el resultado de volver a ver la versión de Kitano ha sido realmente sorprendente.

Mantiene gran parte del esquema habitual que ha tenido esta serie pero cambiando sustancialmente algunos detalles con vistas más comerciales. El argumento nace después de media hora de film guiados por la casualidad y las presentaciones de los distintos personajes. En esta ocasión tenemos los dos grandes luchadores que sabemos que protagonizaran el habitual duelo final y aparte otro buen espadachín que se queda a mitad del camino. El adversario duro es Genosuke (Tadanobu Asano), habitual personaje frío que actúa sin maldad y movido por la necesidad.

Zatoichi (Takeshi Kitano) aparece con unas características dignas de analizar, donde incluso al final se pone en duda su ceguera. Se nos presenta únicamente como masajista ciego aficionado al juego, olvidando su verdadero oficio de yakuza-jugador. En el terreno interpretativo me duele mucho tener que hablar mal de un hombre como Kitano, que de las pocas películas suyas que he visto solo puedo decir maravillas. Su actuación no representa a un hombre ciego sino a Shintaro Katsu representando a un hombre ciego. Estoy hablando de una doble actuación donde en lugar de imitar a su personaje, Kitano imita al actor de la antigua saga. Evidencias de mi afirmación son: la forma de andar con las piernas arqueadas y en pasos cortos y circulares, la presencia siempre cabizbaja, y sobretodo esa breve carcajada que acompaña cada una de sus frases. Otro detalle que no conviene olvidar es que a este Zatoichi le cuesta mucho menos matar que al otro, que evitaba el combate siempre que podía y aún cuando no había mas remedio terminaba lamentando las muertes.

Las escenas más destacadas son las mismas que las de la antigua saga: la casa de juegos donde adivina lo que va a salir por el sonido de los dados, las situaciones en las que subestiman sus habilidades, el momento de gloria de su rival cuando demuestra al espectador lo bueno que va a ser, y por supuesto la acción.

Takeshi Kitano obviamente no es un esgrimista como lo era Shintaro Katsu, curtido en decenas y decenas de películas de katanas y samuráis. Este factor es el que condiciona las coreografías en mayor medida, ya que en lugar de agilidad y espectacular manejo del “reverse sword drawing” tenemos un Zatoichi que con una velocidad muy superior a todos los precedentes hace montones de tajos a sus rivales sin que les de tiempo a pestañear, guiado todo el proceso por múltiples efectos especiales. Ciertamente el resultado es difícil de superar visualmente pero tampoco en manipulación. La sangre es bastante surrealista y parecida a la de los videojuegos, pero su uso es increíblemente magnifico.

Los combates están rodados con mucho cambio de cámara (repito que Kitano no es esgrimista), muy lejos de aquellas tomas fijas de Kenji Misumi y los movimientos circulares de Shintaro Katsu. En lo referente a Tadanobu Asano, su estilo de lucha y las cámaras que se le han dedicado hacen sus coreografías mejores incluso que las de Zatoichi, algo impensable en la mítica saga. La escena que todos recordarán es el plano vertical cuando le desafían a un duelo y lucha solo contra un grupo de yakuzas hasta llegar a su jefe.

El factor Kitano en la dirección no pasa desapercibido ya que hay escenas que te recuerdan su nombre constantemente. Tenemos un grupo de cosechadores que cultivan con sus azadas fabricando melodías al estilo “música urbana”. Más tarde los mismos personajes vuelven a aparecer haciendo lo mismo pero taconeando bajo la lluvia, y finalmente se repite la escena con los martillos y sierras que se usan para construir una casa. Terminando con el elemento musical no conviene olvidar ese extraño final con todos los actores bailando a modo de créditos del film.

El humor “made in Kitano” también tiene presencia con el detalle de pintarle ojos en los parpados o con el retrasado que da vueltas a la casa vestido de samurai. Sin embargo no me ha gustado nada el personaje de Shinkichi, creado exclusivamente para provocar risa en el espectador, algo propio de todas las películas comerciales americanas y no del cine oriental que nos gusta.

Conclusión…siempre es bueno tener un film de estos con carácter internacional que puedan hacer que gente como yo se decida a ver todas o algunas de las anteriores. Por lo demás es meramente una película con buenas escenas de acción y entretenimiento, muy lejos de casi todas las joyas de la vieja saga.

PD: Comentario mejorado del ya escrito el 2005 por fingolfin

Driving with my Wife's Lover (2006)

Un camino demente
Por Master of Hate

"Driving With my Wife's Lover" es otro de esos debuts cinematográficos que quizás mucha gente vaya a querer olvidar lo más pronto posible. Kim Tae-shik nos presenta una cinta que ha conseguido bastante atención en festivales internacionales. Esto se justifica, a mi modo de ver, por lo creativo y ocurrente que se muestra Kim en todo momento, pero eso no quiere decir que la cinta termine siendo del agrado de la mayoría.

La historia nos presenta inicialmente a dos personajes: Tae-han, un marido engañado por su esposa, y plenamente conciente de este hecho, y Joong-shik el amante en cuestión que muy alegremente trabaja como taxista. Tae-han busca a Joong-shik, quien ignora que su romance ha sido descubierto, y decide hacer un largo viaje con él. Durante el camino, ocurren un sinnúmero de situaciones extrañas que ponen en evidencia el deseo de Tae-han de vengarse y averiguar más sobre su enemigo. De este modo, el marido enfurecido va conociendo a persona con mucha seguridad, atractivo y bastante más agradable que él. Su plan de venganza se consolida en la segunda parte cuando Tae-han encuentra a la esposa de Joong-shik.

Probablemente no encuentre referentes directos en el cine coreano para dar una idea clara de lo que tenemos ante nosotros. Personalmente no me he sentido impresionado, aunque es necesario reconocer en todo momento que la sofisticación estilística que muestra Kim es muy innovadora y por momentos incluso, disparatada.

Los puntos interesantes de la película son los personajes y específicamente su perfil. La interpretación de estos personajes también resulta muy curiosa, no debe haber sido tarea fácil. Y cómo ya mencioné el estilo de Kim para rodar. Por otro lado, la historia termina cayendo en un segundo plano, hasta la segunda mitad en donde recobra protagonismo y la película por fin parece poner sus pues sobre la tierra.

Estamos ante un trabajo muy personal pero enredado; cine del que puede generar todo tipo de reacciones. Personalmente rescato el gusto del directo en cuanto al rodaje, pero más allá de eso, no he visto mucho, y he sentido que el interés por la historia no es constante, dando la impresión de estar ante una explosión de ideas y escenas extrañas y un desarrollo predecible y sin mucho que ofrecer.

Shintaro Katsu´s Zatoichi (1989)

No hay color
Por Fingolfin

Como apreciareis en primer lugar, he prescindido de la numeración en el título de la película cuando en realidad le correspondía la posición 26 en la saga. Es un poco la que se sitúa “en medio” de todo. No puede ser considerada como las anteriores ya que se rodaron 25 entre 1962-1973 y esta es de 16 años después, ni considerada independiente ya que después de todo el protagonista sigue siendo el amado Shintaro Katsu (también su director). Mencionar solo que además es conocida como “Zatoichi: Darkness is his Ally”.

Después de remontarme a la otra dirección del actor en la saga “Zatoichi in Desperation” le tenía pánico a este film. Sabía que su duración estaría entorno a las 2 horas, al igual que la de Kihachi Okamoto en 1970, y que podrían convertirse en eternas si no se producía un cambio radical. Pues la sorpresa ha sido para bien, porque la película es de las mejores de toda la saga, con una enorme calidad estética, argumental y musical.

Está protagonizada por un Katsu mucho más mayor, un poco más gordo, con algo de barba y un pelo que comienza a tornarse blanco. Su interpretación es muy destacada, aprovechando la oportunidad que le brinda el regreso al dramatismo que tenían las primeras entregas. Se recupera uno de los mayores éxitos de la serie, que son las amistades entre Zatoichi y el que se convertirá en su último rival, con un cariz sentimental que supera su relación con el mítico Hirate de “A Tale of Zatoichi”.

Al salirse del esquema y duración habituales, Katsu ha podido deleitarse en muchas escenas lentas en las que simplemente camina por maizales persiguiendo hojas o con la cabeza gacha y rostro reflexivo, con una canción en inglés que suena de fondo y destaca bastante. En lo referido a esta canción he encontrado por internet que se le hacen críticas expresas como uno de los grandes fallos del film. No sé si quizás lo hagan por el hecho de que esté en inglés, pero creo que prefiero entender la letra y dar mas fuerza a la escena que escuchar algo en japonés que no viene ni subtitulado. Además de eso sobra decir que la canción me encantó y la escuché varias veces más.

La segunda relación sexual de Zatoichi tiene lugar en esta película de forma mucho más explicita, detallada y directa, con buen acompañamiento musical. Curiosamente las dos entregas en las que ha tenido lugar una de estas escenas estaban dirigidas por el actor, lo que espero no quiera decir nada…

Las coreografías son muy distintas a lo que habíamos visto a lo largo de la serie. La primera de ellas es una cámara fija lejana con un fondo oscuro y una velocidad enorme, prácticamente jugando solo con el sonido de las espadas. Las siguientes van combinando planos fijos para el comienzo que luego se ven sustituidos por rápidos cambios de cámara que dificultan la visualización. En cualquier caso resultan mucho más modernas que las anteriores y mucho más sangrientas, tomando como ejemplo el que Zatoichi empiece la última batalla sujetando con su mano izquierda la cabeza cortada de un hombre.

Al igual que intentó fracasadamente con “Zatoichi in Desperation”, Katsu sigue tratando de explicarnos el mundo de Zatoichi. Utiliza un espejo que lleva siempre consigo y que después de todo no le sirve para nada y trata de hacernos comprender lo que representan para él los colores y lo difícil que es entenderlos. Pese a que la película tiene partes bastante oscuras en esta ocasión ha decidido prescindir del abuso o las cámaras desenfocadas, lo que es de agradecer por mi parte.

Conocemos detalles del pasado del masajista que chocan con lo que teníamos entendido. Se supone según “Zatoichi at the Blood Fest” que andaba mal de la vista en su juventud y que la fue perdiendo progresivamente hasta quedarse ciego. En este film se nos dice que fue a los 2 años, lo que obviamente no tiene cabida en el término “juventud” que utilizaba Kimiyoshi Yasuda en su film.

La conclusión es que se trata de una de las mejores del espadachín, la favorita de mucha gente, el punto intermedio entre la saga de las 25 y la Zatoichi de Kitano, y otro acercamiento a lo que ha sido representar a un ciego durante tantos años por parte de Katsu. A la gente que no tenga pensado ver la saga, esta es la película ideal para disfrutar del personaje durante un par de horas.

The Victim (2006)

Un trabajo peligroso
Por Squareta

Una muchacha llamada Ting y aspirante a actriz hace una demostración pública de su talento cuando la observa un policía. Él le ofrece un trabajo algo extraño: recrear las muertes de las víctimas que se están investigando. Sus actuaciones en ese campo la hacen conocida al punto de representar papeles muy importantes. Pero se debe tener cuidado cuando se juega con fantasmas, porque nunca se sabe si ellos quieren jugar también.

Ting es muy cuidadosa a la hora de reconstituir las escenas del crimen y se preocupa de no molestar a las almas de los fallecidos. Cuando aparece en las noticias la muerte de una famosa modelo tailandesa Ting sabe que obtener esa recreación es un paso seguro a la fama. Empieza entonces a investigar a la modelo Meen de una forma tan profunda que creará un misterioso vínculo con ella, sin darse cuenta de los peligros que puede acarrear esa situación.

El tailandés Monthon Arayangkoon nos trae esta cinta de fantasmas conducida de una forma diferente a las convenciones del género, la que por momentos puede llegar a confundir si es que no se le sigue el ritmo. Y es que lo que parte como una simple cinta de horror va tomando otros matices, algunos bastante inesperados, tomando historias que se van complicando, alternando e incluso desapareciendo.

Posee momentos intensos y con algunas escenas muy bien logradas, pero de igual modo existen otras escenas bastante falsas, sobre todo las presencias fantasmales. Aunque las ganas le sobran, porque la falta de convincentes efectos se compensa con buenos movimientos de cámaras y un buen manejo del ambiente. El fondo de la película también se puede destacar, pues algunas locaciones de filmación fueron famosas escenas de crímenes reales. Y para aumentar el susto a los espectadores, algunos miembros del equipo mencionaron que sintieron extrañas presencias durante la filmación, reflejadas a través de ruidos y rostros en las cintas.

Como punto en contra (pues no todo puede ser tan bueno) está el hecho de que la historia se pierde al tratar de abarcar tantas cosas. Una clara muestra de ello es que a mitad de película todo comienza de cero, dejando a todos perplejos.

“The Victim” posee un toque de originalidad que vale la pena ver. Me atrevo a recomendarla con reservas, sabiendo que a algunos no les convencerá y a otros les agradará su visionado.

Festival of Swordsmen (1961)

El torneo de los mejores
Por Fingolfin

Muchas veces nos hemos preguntado acerca del mejor argumento para una película de acción y la respuesta casi siempre acaba en un torneo. Así se presenta el film y así se mueve el argumento pese a que finalmente varias subtramas lleguen a eclipsar el evento.

Busshi Shirogoro es un ronin de increíble habilidad tanto con la espada como con algunas artes de lucha habituales de los ninja. Viaja hacia Edo buscando maestros que le ayuden a perfeccionarse antes del torneo y sus pasos le llevan a la casa del máximo representante de la escuela Yagyu, la familia de maestros de espada del Shogun. La fama de esta familia se encuentra en decadencia y sus esgrimistas ya no son tan habilidosos como los del pasado. El torneo parece usarse como arma para ponerlos en evidencia delante de todo el país.

La película va directa al grano y con sencillez en todo momento, prescindiendo de cualquier escena que no sea estrictamente necesaria. Cada vez que aparece Busshi en escena es porque va a pasar algo, ya sea salvar a alguien o enfrentarse a algún rival. Ese método evita las escenas aburridas pero hace un poco previsible todo el film.

Las coreografías serían tema de debate internacional. Los movimientos son simplemente sublimes: muy rápidos, bien colocados, enormemente estéticos…etc. El problema que presentan es un “realismo cero” que roza el teatro. Las espadas pasan a una distancia considerable de sus rivales cuando los abate, haciendo bastante evidente que no se clavan en ningún momento. Además nuestro protagonista suele hacer saltos imposibles donde “supuestamente” golpea a su rival, que cae segundos después sin que hayamos visto nada.

Cabe destacar sobretodo la presencia del respetable señor Tomisaburo Wakayama (“Lone Wolf and Cub”), que con un pelo liso y largo hasta la cintura puede desatar alguna carcajada a los espectadores que le conozcan. Su actuación es buena (sin demasiados alardes) y su papel es el de rival principal de Busshi.

No hay mucho más que hablar de esta película. Como ya he dicho es de las más simples y directas que he visto nunca, su duración parece reducirse a la mitad mientras la estás viendo y lo único que puede llegar a decepcionar es el propio torneo (que no resulta ser torneo sino una serie de duelos de exhibición).