Marebito (2004)

El Hueco de La Tierra
Por KeNJi-KuN

Masuoka es un cámara que vive obsesionado por el miedo; pero no el suyo si no el que recoge con su objetivo en la cara de otros. La ultima, la de un hombre que se suicida clavándose un puñal en el ojo. Es tanta su ansia que se dedicará a buscar aquello que tanto aterrorizó a aquel hombre. Y lo encontrará en el subsuelo de la ciudad de Tokyo donde descubrirá un extraño mundo subterráneo.

Hablamos del más reciente film de Takashi Shimizu, conocido por todos por la saga “Ju-on”. Puntualizar que nos encontramos ante un film de bajo presupuesto, rodado en un plazo de 4 días con cámara digital y un estilo que lo aparenta más precario de lo que en realidad es. Está protagonizada por el director de películas como “Tetsuo” o “Vital”: Shinya Tsukamoto, al que Shimizu intenta emular en la dirección, cosa que desde luego no se aprende en 4 días.

El argumento a priori se muestra interesante. En la primera mitad del metraje se despierta un cierto interés, gracias al misterio y tensión que provocan muchas de sus imágenes, algunas rodadas en tono semi-documental, no obstante la obra muestra su punto culminante en los desplazamientos del protagonista a través del mundo subterráneo de Tokyo, pero a partir de su “descubrimiento” va perdiendo fuelle hasta llegar a un final que podría haber sido bastante más afortunado.

El reparto lo conforman Shinya Tsukamoto, Tomomi Miyashita, Kazuhiro Nakahara y Shun Sugata, sin que destaquen ni sean reseñables ninguna de sus interpretaciones. La humildad del film queda patente en la fotografía y en los fondos digitales en la “zona descubierta” del mundo subterráneo; por el contrario el apuñalamiento del ojo está bastante conseguido. Los únicos sonidos que podemos adivinar como música los conforma un piano rudo y seco que rompe un poco la monotonía de los ruidos y atmósferas, pero que poco o nada aporta al conjunto.

“Marebito” es una película que nunca debió haber sido más que un corto. Un intento fallido de Takashi Shimizu por alejarse de su asociación a “Ju-on”. Solamente recomendable para los fans de Shimizu y aquellos que quieran ver a Tsukamoto en pantalla. Aunque a pesar de todo cuenta con algunos momentos interesantes es un film más digno de olvidar que de mirar.

Hitokiri – Tenchu (1969)

Perro de caza
Por Fingolfin

Una de las películas más famosas del género, y por supuesto del director Hideo Gosha. Tal vez sea conocida mejor como “Tenchu” que viene a significar “Castigo Divino”. Ciertamente estamos ante un film difícil de catalogar, y si bien algunos la tienen como una maravilla del cine chambara, yo creo que tiene tantas cosas buenas como malas.

La sinopsis se resumiría en la historia de Okami Izo (Shintarô Katsu), un asesino que dedica su vida a matar a todo el que se le ordena, ignorante de un porqué o una razón por la que sus victimas deban morir a sus manos. En su vida hay 3 personas que le influirán en mayor o menor medida. Takechi (Tatsuya Nakadai) es el hombre que lo tiene bajo sus órdenes, y que le manda cumplir su cometido como si se tratara de su fiel perro. Ryoma (Yûjirô Ishihara) será el otro extremo a Takechi, e intentará velar por el bien de Izo, alejándolo del camino del asesino. Finalmente como no suele ser de otra forma, hay una mujer, Onimo (Mitsuko Baisho), donde encuentra refugio ante sus problemas.

Excesivo, es la palabra con la que mejor se definiría todo lo que compone esta película. Excesiva es su duración, más de 140 minutos que en su parte final, sin ser mala, se hace interminable. Lo mismo se podría decir de la actuación de Shintaro Katsu, si bien es cierto que no actúa por debajo de lo esperado, también lo es que sobreactúa demasiado, y en muchas ocasiones se le ve exagerando claramente.
En cuanto a Tatsuya Nakadai, no hay nada malo que decir, solo que su papel está bastante encasillado y muy limitado para verle como nos gusta a todos.

El marco de la historia no está nada mal, el triangulo Satsuma-Choshu-Tosa siempre da un buen juego y ambientación a las historias de samuráis. En cierto modo Okami Izo me recordó mucho a Kenshin (estoy seguro de que muchos habrán visto la serie manga “Rurouni Kenshin”), por que es un mero instrumento del poder, le usan solo para matar, no participa (ni tampoco le importan) las tomas de decisiones de su clan, y su único camino es hacer bien su trabajo.

“Hitokiri” alcanza un gran nivel de crueldad cuando rebasamos las dos horas. Nos damos cuenta de la recompensa que recibe el más fiel de los hombres después de muchos años de servicio, y de que en ocasiones, los nombres de los que propiciaron el cambio se pierden en el pasado.

Por supuesto no ha sido ni mucho menos una de mis películas favoritas, pero es un clásico del género que al menos proporcionará entretenimiento al espectador hasta su ecuador. A partir de ese momento…paciencia, el final merece un análisis detenido y valorar la evolución del personaje.

North Korean Guys (2003)

Volviendo a casa
Por Master of Hate

Continuando con la tradición de los últimos años de películas que tocan el tema de la separación de las 2 Coreas, tenemos otra historia más, pero ahora orientada hacia la comedia. “North Korean Guys” del director Ahn Jin-woo retoma el concepto, y retrata de manera cómica las vivencias de 2 militares norcoreanos que por un accidente terminan en una playa de Corea del Sur.

Después del naufragio, Choi Baek-du (Jeong Jun-ho) y Lim Dong-hun (Hyeong-jin), exploran las playas, temerosos de ser identificados. A pesar del mucho cuidado que tienen, terminan metiéndose en muchos problemas, principalmente por ayudar a Han Na-ra (Ryu Hyeon-kyeong), una chica de buena familia que se siente asfixiada por la falta de cariño, razón por la cual se ha marchado de su casa. Entre ellos se entabla una bonita amistad, sin embargo, ella no sabe el secreto que ocultan sus nuevos amigos. Pronto las autoridades descubren la entrada de los norcoreanos y se desata una búsqueda para atraparles.

Muy buena la trama al igual que el reparto, pero muy a mi pesar, tengo que decir que la película deja bastante que desear. No niego que tiene algunos momentos, y puede resulta graciosa en algunos pasajes, sin embargo, entre persecuciones e intentos de regresar a su país, los implicados no encajan del todo en el modelo que propone el director. El mayor problema que podemos ver en este film, es un retrato bastante pintoresco e iluso de 2 miembros de la marina norcoreana. No creo que valga como argumento decir que se plantea de esa forma porque es una comedia. El discurso de los protagonistas esta siempre centrado en la unificación de las 2 coreas y en anécdotas sobre la sociedad tan diferente con la que se han topado. Es decir finalmente los personajes no encajan dentro de un perfil militar, y no despiertan interes.

Tomándolo íntegramente como una comedia, tampoco podemos hablar maravillas, debido que muchas situaciones que pretenden ser cómicas, parecen algo forzadas, o peor aun, ridículas sin más. En su mayoría muchas de estas situaciones, incluyendo el final, resultan predecibles y si a ésto le sumamos una ejecución no muy brillante, el resultado que obtendremos no es nada alentador.

Con todo y la nota negativa a la que se hace merecedora, esta “North Korean Guys” quizás pueda resultar interesante para el espectador que siempre disfruta con las comedias aunque no sean de primer nivel.

LW&C: In Land of Demons (1973)

Paseo por el infierno
Por Fingolfin

5 hombres que se cubren los rostros con dibujos de demonios tienen una quinta parte del dinero y de la historia, prueban las habilidades de Itto Ogami antes de relatarle la parte que conocen. La misión parece sencilla, pero el hombre al que tiene que matar está relacionado directamente con los Yagyu, por lo que todo se complicará más. Y no solo eso, en su camino, una joven le encargará un asesinato de altura, un padre, una madre y un hijo…líderes del clan que le encomendó el asesinato inicial. El ex-Kaishakunin del Shogun tendrá que hacer uso de todas sus habilidades para salir airoso de esa complicada historia.

Kenji Misumi retomó la dirección por donde la había dejado Buichi Saito, para rodar la quinta entrega. Un argumento y guión que considero el mejor de la serie, que sin embargo a nivel visual no es tan espectacular como el de “Babycart to Hades”.
Como vemos, el director prueba una nueva formula, ¿Por qué mantener siempre a los Yagyu como elementos secundarios de su misión? Además de tratar de combinar durante el desarrollo el “elemento Yagyu” con el “elemento misión” como ya hizo Saito, lo que hace Kenji Misumi es fusionarlos. Es decir, la misión tendrá una relación directa con los Yagyu, ya que el primer miembro al que debe asesinar pertenece al clan.

Muy interesante y acertado considero el planteamiento de la película. El número cinco se convierte en una repetición que llama la atención al espectador. Recordaremos la mítica frase de Ogami: “Cobro 500 ryo por asesinato”. Tenemos cinco hombres, con cinco partes de la historia, y cinco partes del dinero. Si a todo eso añadimos que esta era la 5º película, y que Retsudo Yagyu estaba directamente relacionado con el trabajo, todo indicaba a que Misumi pensaba terminar la serie con este film. Sin embargo no es así.

Como siempre, hay poco que reprocharle al trabajo del director. Las músicas de la serie “Lone Wolf and Cub” han pasado a formar parte de esas melodías míticas que recordarás siempre para asociar a una saga de films (“James Bond”, “Misión Imposible”…). Las coreografías están tan logradas como las de las películas anteriores, solo variando de unas a otras la cantidad de sangre utilizada (difícil alcanzar en ese aspecto a la segunda entrega).

Otro aspecto digno de mención es la inclusión de Daigoro como personaje de desarrollo. Durante los inicios del film tiene unos veinte minutos para adjudicarse un importante protagonismo que habitualmente le corresponde a su padre. Como siempre Akihiro Tomikawa se comporta por encima de las posibilidades que ofrece su corta edad y hace exactamente lo que se espera de él.

Me ahorraré el comentario final, aquellos que hayan visto ya hasta la cuarta película no necesitarán que les recomiende la quinta para que la vean.

Sarangni (Blossom Again) (2005)

La apariencia no es sincera
Por Master of Hate

“No siempre las cosas son lo que parecen” creo que todos lo sabemos ¿No?, pues bien, yo tomaría esta frase y la aplicaría literalmente al contenido de “Blossom Again”, segunda pelicula de Cheng Ji Woo, quien ha decidido deslumbrarnos con este gran largometraje, que dejará a muchos con la miel en los labios. Quizás el espectador común, por lo general, pase de adoptar una postura crítica o malintencionada, pero es evidente que las perspectivas rotan en diferentes direcciones. Si vamos ha hablar de “Blossom Again” he pensado que puede ser un film de aquellos que se pueden tomar por ambos extremos (amar u odiar) y explicaré por qué.

Tenemos como protagonista a Kim Jeong-eun que interpreta a Cho In-young, una profesora que imparte clases de matemáticas en un instituto particular. Un día In-young recibe un nuevo alumno llamado Lee-suk (Lee Tae-seong) que desde el primer momento desata en ella un sentimiento que parece haber estado dormido durante mucho tiempo. Surge entonces, una atracción muy extraña que se origina de la nada, sin embargo, así comienza esta peculiar historia de amor. In-young se precipita, y sin demasiados preámbulos, entabla una misteriosa relación con Lee-seok. Esta relación obviamente trae consecuencias, pues sus respectivas edades son una brecha difícil de superar. El pasado de In-young es la única pista razonable, ya que al parecer ve en Lee-suk el retrato de su primer amor. Todo sería sencillo si la trama se quedara allí, pero la sorpresa llega cuando entran en escena “nuevos personajes” que serán más que un simple obstáculo para su mística relación. Me resulta doloroso no poder decir más pero, en este caso en especial, sería arruinarles esta excelente película.

La idea del director encaja, funciona, y convence. La historia pareciera no ser del todo coherente, y las explicaciones que recibimos en primera instancia a pesar de apoyarse en la lógica, dejan espacio a la duda, pues juegan mucho a favor de dar sentido a una historia que se vuelve cada vez más compleja. Es aquí, en donde el director pone la cuota de originalidad y se las ingenia para enderezar un argumento que parecía desdoblarse.

El clímax de la trama pareciera estar mucho antes del final, donde se da forma y dirección al contenido. Lo demás se presta más para el análisis de los personajes que tienen un perfil algo confuso. Se juega mucho a seguir el instinto y hacer caso a las emociones; simplemente dejarse llevar. Quizás ni siquiera la diferencia de edad resulta un obstáculo serio si es que analizamos las cosas que ocurren. Pero con todo, hemos presenciado una hermosa historia de amor, que juega con el tiempo, personajes, nombres y lugares. La amalgama de ideas que tenemos aquí, brillan por su originalidad y por el excelente guión que va tejiendo entre el pasado y el presente, y una eventual unificación.

Otra cosa que me gustaría recalcar, es que “Blossom Again” no abusa del melodrama innecesario, también tiene una moderada dosis de comedia, que encaja perfectamente. No puedo terminar sin destacar a Kim Jeong-eun, una de las actrices más hermosas de Corea, que nos brinda una excelente actuación.

El director se ha tomado la libertad de jugar un poco con el espectador y presentarnos una historia de romance que tiene características por demás interesantes. Una cinta llena de detalles, con un final muy lejos de lo perfecto y muy cercano a lo original. En resumen: imperdible.

St. Johns Wort (2001)

Todo por un Video Game
Por Conri

Una historia más de las tantas de terror que he visto, pero ésta sobresale un poco de entre las demás. Probablemente sea su trama la que es diferente en la manera que se desarrolla, resulta más fluida y en ningún momento deja de atraparte, y aunque en muchas de las escenas se tornan evidentes, el desenlace termina siendo totalmente inesperado.

Un grupo de jóvenes está envuelto en la creación de un video game de rol, el diseño se les complica cuando tienen que idear la casa macabra donde se va a desarrollar el juego, pero por suerte Nami (Megumi Okina) tiene una casa de ese estilo que se encuentra desabitada.
Ella viaja con su novio Kohei (Yoichiro Saito) a su antigua vivienda. Durante el trayecto, Nami le cuenta el porqué de su miedo de volver: sus sueños la asustan. Un cuarto oscuro con una escalera que va directamente hacia él, un cuadro y una niña pequeña la están esperando en la cima, pero siempre en ese preciso momento se despierta.

Ellos toman las muestras de la casa y en el momento que intentan retirarse, una inmensa lluvia empieza a caer, la tormenta es tal que un árbol se derrumba y su vehiculo queda totalmente destruido, su destino es pasar la noche en aquella casa. ¿Podrá Nami enfrentar su miedo y averiguar que es lo que se oculta en aquel cuarto?.

Dirigida por Shimoyama Ten y escrita por Shukei Nagasaka y Goro Nakajima, este film nos cuenta una pequeña historia en la que, a medida que pasa el tiempo, nos vamos dando cuenta que puede desencadenar un complejo y gran problema.

Si hay algo que se destaca de esta película es el excelente manejo de cámaras, planos muy jugados, originales y precisos que nos dan otra perspectiva y nos muestran que una película de terror al mismo tiempo de asustarnos puede ser bastante creativa.

The Beauty and The Beast (2005)

El amor es ciego
Por Master of Hate

Nueva y refrescante comedia romántica que nos llega desde Corea del Sur, con un estilo simple, sencillo, pero eficaz si de reír se trata. De la mano de otro nuevo director, Lee Gye-byeok, tenemos esta cinta titulada “The Beauty And The Beast” con un buen reparto en el cual destacan Ryu Seung-beom al que vimos en “Crying Fist” y “Arahan” entre otras. También tenemos a Shin Min-a muy conocida por su papel en “A Bittersweet Life” y en la popular comedia “Vulcano High”, y finalmente Kim Kang-woo de “The Aggressives”.

Ahora, con respecto al contenido, es más que evidente que el titulo mismo o la portada ya sugieren o “delata” lo que nos espera, y así es. Si lo pensamos bien, gran parte de las comedias románticas tienen como historia central al perdedor, pobre o supuestamente poco agraciado chico que se enamora de una hermosa, dulce y popular señorita. “The Beauty and the Beast” tiene básicamente la misma trama, solo que explota mucho mas el asunto de la belleza y de la apariencia.

Ryu Seung-beom interpreta a Ku Dong-geon un simpático, pero no muy apuesto muchacho, que por casualidad conoce a la tierna y guapa Jang Hae-ju (Shin Min-a) cuando esta sube en su auto por equivocación. Hae-ju es ciega, pero se da cuenta de los buenos sentimientos de Dong-geon, así que empiezan a conocerse; todo va a pedir de boca por lo que deciden empezar una bonita relación. Dong-geon, sin pensar bien lo que hace, decide describirse así mismo usando como referente a un viejo amigo de la secundaria que es sumamente atractivo. El problema surge cuando Hae-ju recibe la noticia de que pronto será operada y su ceguera será curada. Dong-geon se ve en un gran aprieto y piensa que Hae-ju le abandonará al comprobar que él no era el galán que afirmaba ser. En su búsqueda de una solución Dong-geon decide fingir un viaje a Hawai y buscar a un cirujano que le ayude a mejorar su apariencia. Sin embargo, la aparición de su viejo amigo, y modelo que uso para describirse, Tak Jun-ha (Kim Kang-woo) compromete más las cosas, ya que conoce a Hae-ju, y cae locamente enamorado de ella.

Las risas están allí, garantizadas, sin trampa ni cartón. Tenemos momentos de mucha comicidad, situaciones de lo mas hilarantes, Ryu Seung-beom se lleva gran parte del merito, por una interpretación sensacional, en la que deja ver que le da igual hacer de delincuente arrepentido o de un loco enamorado, puede con lo que le pongan en frente. La música es bastante agradable con excelentes cortes.

Sabemos que queremos de una comedia, y esta lo tiene, así que en pocas palabras véanla que les encantará.

They who Step on the Tigger´s Tail (1945)

El musical de Kurosawa
Por Fingolfin

Probablemente nunca encuentre otra forma de invertir mejor 58 minutos de mi tiempo en cine. No por que sea una maravilla de película, ni por que tenga un argumento excepcional, sino por que Akira Kurosawa nos ofrece un “relato” con una ejecución perfecta.

Si hiciéramos una sinopsis, ésta seria muy corta. Tan corta como decir que 6 hombres y un fugitivo disfrazados de monjes deben pasar la barrera y punto de control que les separa del norte, donde pedirán ayuda. No se puede hacer mas, las letras mismas de la presentación ya se alargan tanto que no dejan prácticamente espacio a la historia. Yo lo definiría como un cuento, un cuento corto rodado en 1945, y por ni mas ni menos que Akira Kurosawa. Algo distinto de ver, incluso en relación con sus otros films.

El detalle más espectacular, y más digno de elogio, es la música. Un acompañamiento musical por Tadashi Hattori, que 50 años después no creo que ninguna película del género la iguale (ni siquiera “The Seven Samurai”). No solo es música en cuanto a melodía, las canciones respaldan mi calificación de “cuento”, ya que son coros que narran lo que está sucediendo en escena.

Kenichi Enomoto representa un papel humilde y entrañable. En tan poco tiempo no se puede hacer una película que no contenga elementos cómicos, y para evitar eso tenemos a éste porteador. Pese a que es cobarde, tiene mucha fuerza de voluntad y sinceridad, y pese a ser humilde y pobre, es feliz como ningún otro.
Takashi Shimura (Kataoka) es la única figura reconocible del film, que empezó aquí su larga y exitosa relación con el maestro Kurosawa, que tan buenos resultados nos ha dado.

¿Tienen 60 minutos libres y 400 megas en su disco duro? no pierdan la oportunidad, pero tampoco esperen lo que no es. Solo les garantizo un rato entretenido que quedará en la memoria.

Die Bad (2000)

Venganza en 4 partes
Por Master of Hate

“Die Bad” es la Opera prima de Ryu Seung-wan conocido por películas como “Arahan” y “Crying Fist”. “Die Bad” dista mucho de estas últimas, es mas, en ningún momento hallaremos rasgos de un film con intenciones comerciales, pues se nota el bajo presupuesto y varios detalles poco pulidos. El esquema usado por Ryu divide al film en 4 partes con un hilo conductor que mantiene todas las historias dentro de un concepto similar y homogéneo.

“Die Dad” empieza con el segmento titulado “Rumble” que se enfoca en el conflicto provocado por un grupo de estudiantes de 2 especialidades. El saldo de este enfrentamiento es trágico, finalizando en un asesinato no intencional que pone tras las rejas a Sung-bin (Park Sung-bin), victima de las circunstancias y de la necedad de su amigo Suk-Hwan (papel interpretado por el director) quien fue en parte el causante del fatal hecho.

El segundo segmento sigue la suerte de Sung-bin al salir de prisión, luego de pagar su condena. Bajo el titulo de “Nightmare”, vemos la lucha del ex-convicto por reincorporarse a la sociedad, mientras los recuerdos del asesinato le acosan. Suk-Hwan le da la espalda, y un oficial de la policía le tiene en la mira, sin embargo, luego de salvar la vida del presidente Kim (entiéndase que se trata de un mafioso), tiene la opción de a entrar directamente a formar parte del grupo.

El tercer corte es “Modern Man” que tiene un aire a documental, con entrevistas al presidente Kim y a Suk-hwan ahora convertido en policía. Cada uno habla sin máscaras con respecto a su trabajo y al papel que tienen dentro de la sociedad, estas declaraciones se intercala con una tenaz lucha que ocurre entre ellos.

El cierre viene con “Die Dad”, el segmento mas largo, que presenta a Sung-bin como el nuevo cabecilla de la mafia, y a Yoo Sang-hwan hermano de Suk-hwan (también son hermanos en la vida real) que quiere dejar la escuela para ser uno de los hombres de Sung-bin. Este por su parte, ve su oportunidad para cobrar venganza reclutando a Yoo Sang-hwan.

Es difícil valorar esta cinta bajo los conceptos más usuales del cine de entretenimiento. Si bien es cierto “Die bad” básicamente es una película que gira entorno a mafias y venganzas, tiene un poco de humor escondido, sobretodo en los diálogos, que casi son una sátira, denuncia y critica de muchas cosas que ocurren en la sociedad. Hay varios detalles, que pueden pasar desapercibidos, por ejemplo, en el primer segmento tenemos al dueño del edificio que da su opinión sobre la juventud y la decadencia de la misma, además insta a tomar medidas con respecto a este problema. Esos comentarios se intercalan con los hechos que se suscitan en “Rumble” como una confirmación de lo que se trata de denunciar. Algo similar ocurre en “Modern Man”. Por su parte el segmento “Die Bad” (rodado en blanco y negro) es algo más profundo y entretenido, al menos así fue para mí. “Nightmare” confronta a la familia y deja ver la desintegración que sufre su núcleo por culpa del padre.

Como conclusión podemos decir que tenemos entre manos un largometraje ingenioso con una estética y conceptos interesantes, no obstante, no está concebido para un sector de público muy amplio. “Die Bad” viene a ser algo más cercano al cine de autor; una cinta de bajo presupuesto que proporciona una trama interesante, una buena cantidad de acción, y actuaciones de buen nivel, todo esto en un formato poco convencional y ambiguo, que seguramente será el deleite de los amantes de este tipo de películas.

LW&C: In Peril (1972)

Tatuada para matar
Por Fingolfin

La última película de “Lone Wolf and Cub” de las que fueron rodadas en 1972. Buichi Saito asumió su dirección guardando las reglas y las características con las que Kenji Misumi había creado las anteriores. A nivel de calidad no se nota la diferencia entre ambos directores, por lo que podemos decir que el resultado del trabajo de Saito es bastante bueno.

Itto Ogami recibe un nuevo cometido. Debe asesinar a Oyuki, una mujer de la que no sabe nada, y que tendrá que buscar informándose donde pueda. Oyuki lleva tatuados en su cuerpo terroríficos dibujos, cuya finalidad son distraer y confundir a sus adversarios para poder eliminarles. Además de ella, Ogami se encontrará con un viejo enemigo del pasado, y con nuevos y enrevesados planes de Retsudo Yagyu.

Buichi Saito rompe con la tónica tan mecánica de las tres primeras películas, y en lugar de separar el enfrentamiento con los Yagyu, de su misión, trata de combinar ambos elementos para dotar el film de mayor continuidad. Sin embargo este efecto solo es conseguido a medias y al final de la película. La misión es encargada desde el primer momento, y el camino será mucho mas largo que de costumbre, y plagado de peligrosos enemigos.
Por primera vez vemos a Ogami en un combate muy igualado, que se salda con victoria solo por que recurre a una táctica que podríamos catalogar como “tramposa”. Yagyu Gunbei es ese adversario, el único que consiguió derrotar al lobo solitario, y al que se daba por muerto desde hacía muchos años. A juzgar por el final de la película, hemos de suponer que no será la última vez que aparezca, lo cual es una gran expectativa de espectáculo.

Al final tendremos el enfrentamiento de nuestro protagonista con otro ejército similar al de “Babycart to Hades”, aunque ahora se atribuirá a los Ura-Yagyu, y el plato fuerte vendrá después. Buichi Saito se atreve con el primer enfrentamiento entre Itto Ogami y Retsudo Yagyu, muy condicionado por el cansancio y las heridas de Ogami, y con un resultado discutible.

Comenzarán a imaginarme como una especie de perturbado, pero el elemento de los pechos es algo que prácticamente me será imposible desligar de estas películas. Y es que en la cuarta entrega vuelve a estar presente de manera continua y repetitiva, mediante los tatuajes, o mediante violaciones. No dejo de imaginarme lo que hubiera podido disfrutar un espectador español en 1972 con estos films, cuando en nuestro país se consideraba erótico ver una pierna o una espalda femenina.

La primera de las dos películas de la saga que no dirigió Kenji Misumi se salda con un balance muy positivo, y a mi gusto la situaría solo por detrás de “Babycart to Hades”, y “Babycart in Land of Demons”.

The Eye 2 (2004)

Buena historia, mal resultado
Por Squareta

Es la secuela de "The Eye", la exitosa película de horror oriental, aunque la relación entre ellas solo se reduce a las apariciones fantasmales. Joey es una joven que está cruzando una crisis amorosa. Pronto descubrirá que está embarazada, algo que no la hace muy feliz y por último comenzará a ver situaciones no muy agradables. Definitivamente no está pasando por su mejor momento.

Primero que nada hay que agradecer que "The eye 2" no es una copia de la primera y aunque siguiendo con una mujer como protagonista, la historia es totalmente distinta. Esta vez la joven está sentimentalmente inestable y tiene más responsabilidades. El argumento, si bien no es el mejor que he visto, resulta interesante y varias veces sorprendente.
Sin pensarlo demasiado los fantasmas aparecen desde el comienzo, dejándonos sin descanso. A mitad de camino el film se queda algo estancado pero por suerte al final logra revivir, dando como resultado unas escenas bastante fantásticas.

Sin embargo, el toque Hollywoodense que le han puesto a esta película, (incluyendo algunas frases en inglés) no me pareció muy agradable. Pero ese no es el motivo por el que desmerezco la película, sino el que por esa razón, las escenas de miedo son llevadas por medio de sustos fáciles y sin mucha razón de ser. No se por qué los hermanos Pang creyeron que unos fantasmas creados digitalmente podrían reemplazar exitosamente a un ambiente tenso. Toda una lástima.

La interpretación por parte de Shu Qi, nos logra convencer de lo desesperanzada que se encuentra Joey. El manejo de las cámaras sigue siendo excelente pero la banda sonora es otro punto en contra, la música demasiado presente y con un ritmo muy rápido le quitaba todo lo tenebroso que podría tener el ambiente.

En conclusión The Eye 2 es un film bastante regular, pero aun así se deja ver. Lamentablemente está condenada a estar a la sombra de su predecesora, lo que hace mirarla con un ojo más crítico. Tiene algunas escenas efectivas, pero sigue siendo una película para mirar en una tarde de ocio y que después de verla se nos olvidará muy luego.

Sword of the Beast (1965)

El camino de la bestia
Por Fingolfin

Segunda película de Hideo Gosha, y otro buen punto a su favor. Justo después de la dirección de “Three Outlaw Samurai”, llega de nuevo a la pantalla con una película de mayor calidad, y más original. Contamos especialmente con la aparición de Mikijiro Hira en el papel de Gennosuke, donde se mantiene realmente espectacular.

Gennosuke es un rônin perseguido por asesinar a un importante ministro, bajo las órdenes de su clan. Sin embargo es abandonado por su propio señor a su suerte, y se convierte en una bestia que lucha por sobrevivir. En su camino se encontrará con una pareja que recoge oro del río, y que se encuentran en la misma situación en que él estuvo para con su clan. Pero esta vez tratará de corregir en ellos, el error que cometió.

El film de Gosha comienza ya con acción desde el principio. Pero si bien los combates son en grupo, en la segunda parte las coreografías estarán al servicio sobretodo de los duelos (muy buenos y realistas por cierto). El uso de las cámaras es por lo general bastante aceptable, pero los primeros planos realmente no me gustan nada. Los escenarios están situados al aire libre, sobretodo bosques o maizales, donde tienen lugar los combates mas espectaculares y mejor hechos.

Mikijiro Hira expresa perfectamente la desesperación de aquel que es perseguido, pero se pone de manifiesto un importante contraste con respecto a su actitud cuando se encuentra fuera del alcance de sus persecutores. Se muestra como un hombre tranquilo, precavido, y capaz de mantener la calma en las situaciones mas arriesgadas.

Personalmente considero “Sword of the Beast” como una de las mejores películas de Hideo Gosha, si no la mejor (argumentalmente hablando). Muy recomendable, y verdaderamente alucinante el combate en los maizales.

Mago (2002)

Un poco de enseñanza
Por Conri

En el momento que me puse a ver esta película no sabía con qué me iba a encontrar. Me parecía muy raro su póster y pensé que su contenido no dejaría un mensaje realmente bueno o admirable, pero la verdad, me he confundido. Esta simple película, (tal vez no tan simple para entenderla en algunos aspectos) nos muestra, lo que fue, será y es nuestra tierra, la evolución, el progreso y la misma destrucción humana.

Un hombre busca encontrar esa mujer de sus sueños, su creadora, la creadora de lo divino y de lo hermoso, sus sueños reflejan un mundo perfecto con mujeres desnudas que se aparecen ante él en todo momento marcándole sus errores y mostrándole otro mundo. Estas mujeres son los espíritus buenos, los espíritus encargados de mantener a la tierra en un estado natural armonioso, pero el humano es el encargado de quebrar ese equilibrio e imponerse antes los espíritus.

Este film es una especie de musical, ya que nos enteramos todo el tiempo de su trama y su historia mediante canciones, que así mismo con sus ritmos y estilos nos indican la gravedad o armonía que se vive en aquel lugar. Se ve reflejada la realidad de la misma manera que nosotros la vemos, pero con un significado diferente, el significado de que el hombre es feliz eliminando a los suyos.

Hyeon-il Kang dirigió esta película escrita por Kyung-ki Jang que aunque parezca poco prometedora deja una enseñanza, la verdad recordable para ver algo diferente y con un mensaje no tan claro a libre interpretación, pero entendible para todas las personas que vivimos en esta tierra.

SW: The Final Chapter (1961)

Su destino fue vivir solo, y morir solo
Por Fingolfin

Una vez mas el enfrentamiento entre Hyoma y Ryunosuke no tiene final. Cuando están apunto de cruzar sus espadas, Ryunosuke se precipita por el borde de un pequeño barranco y queda lejos del alcance del joven samurai. Hyoma de nuevo tratará de encontrarle a toda costa, pese a que su deseo de venganza se debilita.

Podríamos quejarnos de que Kenji Misumi repite desarrollo en la segunda y la tercera parte de “Satan´s Sword”. Sin embargo es una cuestión solo apreciable desde el punto de vista de aquel que lee la sinopsis. En lo que respecta a la película, cada una de ellas se ve respaldada por elementos secundarios que la diferencian completamente de las otras.
Precisamente es el hecho de repetición argumental centrada en la persecución de Hyoma buscando venganza, lo que hace que se debilite ese deseo. Él mismo comienza a tomárselo como una costumbre, llegando a olvidar incluso por qué lo hace. Su lucha interna solo se decidirá al llegar el final del film.

En cuanto a su enemigo mortal, Ryunosuke, le vemos en un papel de ciego. Imposible es entonces evitar las comparaciones con Zatoichi. Es muy interesante observar cada detalle de las coreografías y los movimientos de nuestro protagonista, ya que son todos precedentes de la creación del mítico personaje ciego (si recordamos Misumi lo llevó a la pantalla al año siguiente en “The Tale of Zatoichi”).

En esta última película nos damos cuenta definitivamente de la rareza de la actitud de Ryunosuke. Capaz de salvar a una mujer en dos ocasiones, y de matar por placer. Capaz de amar a su hijo por encima de todas las cosas, y de matar a su propia esposa. Con ese historial no es nada raro la perturbación que sufre en ocasiones, en las que se aparecen las imágenes de aquellos a los que mató, y se introduce de lleno en la locura.

El final es muy bueno, y a la altura de los dos anteriores. Realmente impresionante, y buena culminación para la gran trilogía de Kenji Misumi.

Pisces (2000)

¿Locura o amor?
Por Master of Hate

Nunca dejan de sorprenderme las formulas usadas por los cineastas coreanos, que muchas veces corren riesgos peligrosos con el afán de otorgar algo nuevo al espectador. En esta ocasión se trata de “Pisces” el primer trabajo de Kim Hyung-tae. Grata sorpresa la que me he llevado, ya que el giro que da la película para salir de su propia trampa es, si no sobresaliente, por lo menos válido e ingenioso.

Ahora quisiera comentar qué me ha hecho darle una nota importante a este largometraje. Casi hasta la mitad de la película estuve algo dubitativo, y me sentí presa de la desesperación, porque no quedaba la menor duda de que un cuento romántico concebido de manera tan artificial, lleno de coincidencias y casualidades no resultaría nada atractivo. Habiendo perdido todas mis esperanzas, simplemente me resignaba a ver una historia de amor, desabrida, y digna de una escarapela de Hollywood. Sin embargo, para bien de todos, la historia se descarrila dando lugar a un giro que le permite resarcirse bastante bien, hasta el punto de resultar (a quienes lo quieran ver así) detractora de si misma (o de muchas otras que apelan a ese estilo).

Aeryun (Lee Mi-yeon) es la dueña de una tienda de videos llamada “Sad Movie” (curioso nombre), ella es una chica sencilla, alegre, hermosa y comprensiva. Busca el amor verdadero pacientemente, en su espera conoce a Dong-suk (Choi Woo-jae), un compositor y cantante que desea fervorosamente poder grabar su primer álbum. Ambos comparten muchas cosas en común y parecen entenderse a la perfección. Su encuentro parece obra del destino, pues posterior a su primera charla surge la química (un poco extraña) que hace prever su inminente enamoramiento. El amor incondicional, la bondad y la devoción de Aeryun parecieran ser suficientes como para conquistar el amor de Dong-suk, pero las cosas no van como deberían, al menos si tomamos en cuenta que tan rápido que parecían compaginar. Dong-suk no tiene planes de dejar a su novia, y pronto se harta de la insistencia de Aeryun, dejándola de lado, y borrando todo lazo que mantuvo con ella. Lo que viene, es lo que saca al film de su aparente sencillez y calma, desembocando en un final de gran impacto.

El 50% de la película es bastante tranquilo, no hay mayor emoción y quizás abusa un poco de la paciencia del espectador, que a esas alturas debe estar ya resignado a la potencial mediocridad del argumento. Pero ¡Oh sorpresa! la historia de amor no sigue ese ritmo tan soporoso y da lugar a algo que no se venía venir. No estoy diciendo que todo se torne en una película de acción o que se vuelva una comedia, sigue siendo una historia de amor, pero con una filosofía distinta, que sobrepasa los extremos. La trama se reconstruye siguiendo otra perspectiva y termina siendo más interesante, más hermosa y con un mejor resultado a la hora de expresar las emociones.

Definiría “Pisces” como un relato de amor típico y atípico, por lo que representan la división que marca su punto de inflexión. No es la fabula de almas solitarias en busca de amor, sin embargo, resulta una cinta acertada, con un guión algo engañoso, que antes de hacernos llegar a sus mejores momentos nos hace pasar por un lapso no muy alentador, a pesar de todo vale la pena y seria un gran acierto darle una oportunidad.

Samurai Spy (1965)

Espionaje
Por Fingolfin

Del director de “Owl´s Castle” y “The Assassination”, nos llega otra de ninjas. Con este film, he tenido la oportunidad de ver a Masahiro Shinoda con dos diferentes técnicas para mostrar el estilo ninja. Más de 30 años de distancia entre “Samurai Spy” y “Owl´s Castle” ofrecen dos perspectivas distintas de uno de los temas mas complicados de mover en la pantalla.

A principios del siglo XVII Japón está lleno de espías de todos los bandos. Por un lado están los de Toyotomi, principal opositor al gobierno Tokugawa, que busca el momento de tomar el poder. En el otro extremo están los propios Tokugawa, desmantelando las operaciones de los rebeldes. Y finalmente, en medio de los dos, pero más próximos a los Toyotomi, tenemos al clan Sanada, una red de espías que se limita a pasar información a su señor.
Sasuke es uno de estos espías, involuntariamente se ve envuelto en un importante conflicto que gira entorno a un traidor del clan Tokugawa, Tatewaki. Numerosos asesinatos e innumerables traidores complicarán todo hasta el final.

Como casi siempre que el clan Sanada o el propio Yukimura (señor del clan) aparecen en el argumento, estamos hablando de historias de ninjas. Este género es el más complicado de representar si no se quiere decepcionar a ningún espectador. Y es que cuando estos habitantes de las sombras entran en la pantalla, con ellos vienen saltos imposibles, movimientos espectaculares por los tejados, y todo tipo de acrobacias que pueden quedar muy bien, o muy mal. En “Samurai Spy” el director no abusa de estos elementos (principalmente por que con los efectos especiales de 1965 no hay resultados muy fiables), pero los pocos que aparecen son buenos, o muy buenos.

Los combates son muy abundantes y dejan resultados discutibles. En los que aparecen armas típicas de los ninjas, como cuchillos cortos, dardos, cuerdas, estrellas ninja…etc, el sabor de boca que deja es agradable. Una ejecución prácticamente perfecta que casi no deja lugar a críticas negativas. En cuanto a las katanas ya no hay tanto bueno que mencionar. En ocasiones es aceptable, y en otras personalmente veo las coreografías bastante flojas. También es cierto que los enfrentamientos a espada tal y como estamos acostumbrados son muy escasos, y en las ocasiones que aparecen, se ven adornados por espectaculares maneras de usar la katana.

En cuanto al argumento es de los que mas me han gustado. Durante media película todo parece estar muy “claro” (entrecomillas por que la trama no es sencilla en ningún momento). Sin embargo “Samurai Spy” se transforma en una excelente película de intriga. Los giros arguméntales son constantes, los amigos se transforman en enemigos, y los asesinos en inocentes.

La valoración final es: Buena. Verdaderamente recomendable, y muy agradable de ver. Sus 100 minutos de metraje parecen durar la mitad. No es aburrida en ningún momento.

Chungking Express (1994)

Seres perdidos en busca de amor
Por Casandra

¿Quién, después de ver esta película, no recordará las decenas de latas de ananá en conserva? “Chungking Express” es una de esas películas que puede ser vista muchas veces, y aún cuando ya conozcamos el desenlace, se la disfruta como la primera vez. Esto ocurre porque ofrece una reflexión sobre temas como el amor y el tiempo. La relación entre estos temas es el eje central que permite unir las dos historias que narra el film. Por un lado, la del policía 233 (Takeshi Kaneshiro) que ansía comenzar una nueva historia de amor; por otro, la del policía 633 (Tony Leung), abandonado por su mujer y acechado por su recuerdo, hasta que la aparición de una camarera de un local de comida rápida, le cambia la vida.

Filmada en gran parte en exteriores durante la noche, las historias se construyen por medio de la profusión de elipsis, del uso de la cámara en mano y de la utilización del smudge. Este último procedimiento fue desarrollado por el director de fotografía del film, Christopher Doyle, para incorporar el movimiento y crear un efecto de luz que permite dejar de lado la nitidez habitual de la imagen cinematográfica. Al mismo tiempo, coincide con el sentimiento de incertidumbre que predomina en los personajes, haciendo que todo lo que veamos, se vuelva incierto, poco claro. La velocidad que este procedimiento imprime en la imagen, permite a su vez el tratamiento del tiempo desde el aspecto plástico. La fugacidad del encuentro casual entre 233 y una traficante de drogas (Brigitte Lin) en la secuencia inicial, adelanta la idea que Wong Kar – Wai sostiene en sus films sobre la naturaleza arbitraria del amor.

La música de Frankie Chan y Roel A. Garcia acompaña la narración, y canciones como “California Dreaming”, de The Mamas & the Papas, caracterizan a algunos personajes, especialmente al interpretado por Faye Wong.

Los cuatro actores que encarnan los personajes principales ofrecen excelentes trabajos, aunque se destacan Tony Leung Chiu – Wai como el deprimido y apático 633, y Faye Wong, que desde la casi invariabilidad del gesto facial logra comicidad y produce deleite.En “Chungking Express” todo encaja perfectamente, gracias a la concepción integral de narración y puesta en escena que ya es sello personal de Wong Kar – Wai. Es un film imperdible, divertido e interesante como pocos.

Goyokin (1969)

Llevados por los dioses
Por Fingolfin

Los barcos del Shogun pasan cargados de oros por la costa de Sabai. Tres años atrás, treinta pescadores con sus mujeres y familias desaparecieron en ese mismo lugar después de haber encontrado el oro de un barco hundido. Nunca se supo que pasó con ellos, así que se solía decir que fueron “llevados por los dioses”. Magobei es un samurai que sabe muy bien lo que sucedió aquel día, por lo que los responsables tratarán de deshacerse de él.

Interesante película de Hideo Gosha, y sin duda una de las dos o tres mejores de toda su filmografia. Quizás para valorarla bien haya que dejarla reposar un poco, ya que mientras la ves puede parecer simplemente buena o entretenida. Sin embargo cuando después de dos días aun recuerdas algunas escenas o momentos, te das cuenta de que estás ante un gran film.

El argumento se nos plantea en un principio como una especie de “Triangulo de las Bermudas”, entre la Isla de Sado, y la península de Noto. Conforme avanza, prácticamente ese tema se convierte en algo irrelevante, y la única muestra de cosa “extraña”, puede ser el aterrador carácter que se atribuye a los cuervos.
La historia es un camino que acerca irremediablemente a dos personas que fueron compañeros en el pasado. Estas personas son Rokugo Tatewaki (Tetsuro Tamba), y Magobei Wakizaka (Tatsuya Nakadai).

En el aspecto de las coreografías, pocos directores me gustan tanto como Gosha, por que aunque no sean nada del otro mundo, son enormemente trabajadas, buscando en todo momento que el espectador no pierda detalle. Gran velocidad, buenos movimientos de cámara, buen sonido, y la sangre en su dosis exacta. Otra cosa que valoro mucho es la manera de hacer los combates nocturnos. Gosha sacrifica el realismo de la noche oscura, para iluminarnos levemente los personajes, de ese modo contemplamos los combates como si fuera de día. Es posible que haya gente que no le gusten esos métodos, pero personalmente siempre he odiado seguir sombras en la oscuridad.

Lo que menos me gusta es la presencia de Shino. Y mi motivo es que probablemente las únicas escenas que se alargan demasiado son las que la tienen como protagonista. Entiendo que era importante su papel en la película para aportar un toque de amor, o romance, pero considero que podía haber sido totalmente sustituible.

Finalmente destacar la idea del director, de usar la música que los pescadores tocan con mascaras y tambores para los últimos diez minutos del film. En ese tiempo podremos ver el mejor momento de la película, escénica, y musicalmente hablando. Gran film, altamente recomendable.

Who are you? (2002)

Status: Online
Por Master of Hate

En esta época donde el Internet nos da acceso a un mundo de posibilidades, no puede pasar desapercibida una historia de amor cibernético, cosa que estuvo y aún parece estar tan de moda. Si bien no es la típica historia que podríamos esperar, tampoco se aleja mucho de lo que un cuento del amor virtual nos puede ofrecer. El director Ho Choi presenta una bonita historia, dirigida principalmente a quienes estén familiarizados con el tema, ya que quizás para quienes no lo estén, puede resultar algo bastante descabellado, y hasta incomprensible.

Cho Seung-woo (“Marathon”) interpreta a Hyung-tae, un programador de juegos de ordenador, que viene trabajando con su grupo en la creación de una especie de mundo virtual en el que la gente puede conocer otras personas y coexistir en él (hoy en día hay mil cosas parecidas). Durante las fases de prueba Hyung-tae ("Marathon"), bajo el nick de Mello, conoce a In-ju, una dulce y solitaria joven, interpretada por Lee Na-yeong ("Someone Special") que tiene ciertos problemas personales que le dificultan su contacto con los demás. Al principio Na-yeong sólo conoce a In-ju por su nick cibernético Byoree, pero cuando descubre quien es en realidad (cosa que no es nada difícil, puesto trabajan en el mismo edificio), Na-yeong decide ocultar su verdadera identidad, ya que su relación funciona mejor con In-ju en el mundo virtual, que en persona.

“Who are you?” no es una comedia, aunque tiene un par de escenas graciosas, pero apunta mas hacia el romance y el drama. Y quiero aclarar esto, porque con la fama que ha tenido “Densha Otoko” no seria raro que la gente se imagine que esta cinta se encamina en una dirección similar, pues resulta muy sobria y difiere bastante. Ahora, el problema está en ¿Como establecer ese romance a base de un contacto mayormente virtual? En la práctica resulta mucho más difícil que en la teoría, por lo que se hace necesario que los personajes se conozcan con anterioridad, cosa que se ha hecho, y ablanda el camino para que la relación eche raíces. Finalmente, en mayor o menor medida, la historia resulta agradable, aunque a muchos el final les sabrá a poco.

No hay quejas del lado de las actuaciones, pues tanto Cho Seung-woo como Lee Na-yeong cumplen a cabalidad con sus personajes. No obstante, Ho Choi ha trabajado a optado por dejar un poco de lado esa chispa (siempre útil) entre los protagonistas, quizás para dar algo más de realismo a la historia, o quizás simplemente porque la trama no da lugar a un acercamiento tan profundo.

Finalmente es de destacar la gran banda sonora, especialmente el tema que tenemos en los créditos finales, que resulta altamente adictivo. Como conclusión puedo decir que “Who Are You?” es una película agradable, pero limitada a un determinado sector.

LW&C: Babycart to Hades (1972)

Camino del infierno
Por Fingolfin

Tercera parte, y para mi la mejor de toda la saga de “Lone Wolf and Cub”. Kenji Misumi continúa evitando caer en la rutina con nuevos personajes, nuevas situaciones, y muchas sorpresas dignas de mención. El trabajo de Itto Ogami en esta ocasión podría plantear problemas morales a cualquier otro, pero una vez mas demuestra su parsimonia y tranquilidad, haciendo exactamente lo que se espera de el.

Tatewaki Miura, primer consejero del Clan-Kakegawa, encarga a Ogami que elimine a Gemba Sawatari, un hombre que provocó la perdida de su clan y de 400 samuráis mediante su traición. Poco después, el mismo Gemba solicita sus servicios buscando la muerte de Lord Itakura, con lo que se encuentra con un importante dilema. ¿Debe matar a Gemba y cumplir con lo que se le ha ordenado? ¿O por el contrario debe matar a Itakura y servirse de ello como venganza al Shogun? Lo que puede parecer una difícil elección, no es más que un mero tramite para Ogami, como podremos ver.

Misumi cambia el esquema de juego en “Babycart to Hades”. Los Yagyu esta vez se mantienen al margen de la historia, haciendo acto de presencia solo al final, para recordar al espectador que siguen estando ahí, y que no se rendirán jamás. Entonces, ¿que ocupa los 40 minutos de entretenimiento que siempre ofrece el director antes de que Ogami reciba su misión? Pues bien, volvemos un poco a la tónica de “Sword of Vengeance”, y nos vemos envueltos en una breve historia de violaciones y prostitutas, que provocarán su enfrentamiento con los Bohachimon, un grupo de luchadores dirigidos por una mujer, que se ocupan de mantener el orden durante las noches.

En el terreno de la acción, disfrutamos de mejores coreografías que sus dos predecesoras, pero introducimos nuevos elementos interesantes. Las armas de fuego tienen una entrada muy activa durante la historia. Sus dos rivales en teoría más poderosos son expertos tiradores, por lo que Ogami debe servirse de Daigoro para tenderles emboscadas. Además de eso podremos ver una batalla final en la que un hombre, un niño, y un carricoche, se enfrentarán a arqueros, fusileros, hombres a caballo, y todo un ejército de rônin, que se interponen entre el lobo y su presa.

Excelente película en todos los sentidos, y que personalmente considero la mejor de las seis, discrepando de aquellos que le atribuían ese placer a la segunda entrega. Muy buena continuación, y muchas y acertadas innovaciones.