Silk (2006)

Innovación ante todo
Por Squareta

Un equipo de científicos ha capturado el fantasma de un niño gracias a la Esponja de Menger, un invento capaz de absorber la energía de los fantasmas. El equipo decide contratar al agente especial Tung para que investigue sobre el niño y su pasado. Durante la investigación irán apareciendo secretos y problemas, llevando a los protagonistas a las situaciones más extrañas y terroríficas.

Silk se presenta como la mayor producción Taiwanesa hasta la fecha y su dirección está a cargo de Chao-Bin Su, el mismo director de “Better than sex” y guionista del corto “Going Home” de “Three”, entre otras cosas. En Silk se nos presenta una innovadora cinta de terror que se fundamenta en la ciencia, pero que además contiene una gran cantidad de géneros tan distintos como el romance, el drama, el sci-fi e inclusive la acción policial.

La captura del fantasma da el paso inicial para adentrarnos a esta historia que mantiene la intriga y que cada vez va enganchando más y más. De vez en cuando la propuesta principal se deja de lado para mostrarnos la vida del resto de los protagonistas, todos con sus propios dramas y con la muerte presente desde primera fila. En sus 108 minutos no hay ninguna escena que sobre y logra mantener la expectación, aun cuando resulta ser mucho mas larga que las típicas películas de terror (aunque ya va quedando claro que de típica no tiene mucho).

En la parte técnica no se dejó nada al azar y para ello se contrató a gente con basta experiencia en el tema, lo que se nota a primera vista, sobre todo en la luz, aunque los efectos especiales pudieron haber sido mejores. Dentro del reparto se encuentran actores provenientes de Taiwán, Japón, China y Canadá., todos ellos también con experiencia.

Hay que mencionar que lo que mas tiene Silk es suspenso y drama. El terror puro no es el más abundante pero se encuentra presente en todo su transcurso. Personalmente lo que más destacaría es que logra que creamos en el argumento aún cuando se ve demasiado fantasioso a primera vista.

Sólo me queda recomendarla a todos aquellos que creían haberlo visto todo dentro del cine de terror. Una buena apuesta proveniente de un país con un cine algo desconocido.

500 Críticas en FM-Team

Pues con la actualización de hoy hemos llegado a la cifra de 500 películas comentadas. Nada mal considerando el período de receso que tuvo el blog, debido al cambio de dirección que se había hecho. Después de consideraciones y cambios internos en el FM-Team, decidí volver a nuestro viejo formato, ya que es más agradable y tiene algunas ventajas con respecto al foro. Y ahora que el blog está 100% activo, me tomaré unos minutos para mencionarles las características del blog, algunas nuevas y otras reactivadas.

Primero, la enciclopedia del cine asiático que está al lado derecho corresponde a una lista, con sus correpondientes links, de todas las películas comentadas hasta la fecha, ordenadas alfabéticamente y actualizada semanalmente. El sumario en cambio, es una lista de recuento de los comentarios según su fecha de publicación, que se divide en secciones de 100 películas y que no tienen links de acceso.

El formato foro de la página es quizás nuestra forma más ordenada de almacenar los comentarios. Aquí se guardan según país y género y es el lugar ideal para quienes buscan comentarios más específicos. Además posee Retrospectivas de directores , de actores y un espacio Offtopic para que puedan dejar sus comentarios libremente. La dirección sigue siendo: http://fmtm.3.forumer.com/

Dentro de los enlaces del team también está la ficha de todos los miembros que han pasado por este blog, así como también la dirección para todo aquel que se quiera unir al equipo.

Y después de todo esto, no me queda más que agradecer por todas las visitas que nos han brindado (aún cuando el blog no se estaba actualizando), por todos los comentarios de quienes nos visitan diariamente y todos los nuevos usuarios que llegan buscando a este buen cine oriental. Finalmente, pero no menos importante, darle las gracias también a los colaboradores.

Radio Star (2006)

Relax
Por Master of Hate

Luego del gran revuelo que causó con la taquillera “The King And The Clown”, Lee Joon-ik regresa con un trabajo sumamente esperado por los amantes del Chungmuro. “Radio Star” se aleja del cine histórico que nos había mostrado en sus dos primeras cintas y hace uso de un argumento radicalmente distinto que gustará especialmente a aquellos seguidores del rock clásico. Este trabajo reúne a dos veteranos del cine coreano, se trata de Park Joong-hoon (“Les formidables, “Nowhere to Hide”) y Ahn Seong-gi (“Hanbando”, “Silmido) que ya han hecho dupla en cintas anteriores en donde han demostrado una gran química. Recordemos por ejemplo la clásica “Two Cops” o la visualmente impactante “Nowhere to Hide”. Verles nuevamente juntos es casi garantía de que la cinta estará llena de buenos momentos.

La historia nos lleva brevemente a finales de los 80s cuando Choi Gon (Park Joong-hoon) se convierte en un ídolo de la música rock con su tema “The rain and I.” Luego de alcanzar la cima, Gon se ve envuelto en una serie de problemas “típicos” de las grandes figuras del rock como son la adición a las drogas y los problemas con la ley. Esta vida acaba con su carrera y al final sólo puede cantar en pequeños bares con poco público. Su fiel representante Min-so, que además es el único que aún lo trata como a una estrella (Ahn Seong-gi) lo sigue a todas partes cubriendo sus disparates. Cuando Gon vuelve a caer el la cárcel, Min-so lo saca nuevamente, pero esta vez el precio a pagar es que ambos deben viajar a un remoto pueblo y hacerse cargo de una estación de radio que está prácticamente acabada.

El argumento es sencillo y directo, pero se hace sumamente entrañable y está lleno de buenos momentos moldeados al ritmo de la distorsión de las guitarras. “Radio Star” tiene cierto aire nostálgico que me resulto su principal atractivo, esconde mucho el sentir de los viejos roqueros y de esa época dorada que fueron los 80s. La trama apunta en primer lugar a la relación que existe entre representante y artista desde un punto de vista muy humano, tiene que ver más con aprender el valor de la amistad y con el compañerismo antes que la vida de una estrella del rock, aunque de esto también hay un poco. La otra parte de la cinta tiene que ver con gente sencilla que vive lejos de la gran Seúl, con sus historias tristes, con sus decepciones y sus ocurrencias.

La actuación de los protagonistas es inmensa, con un Park Joong-hoon impecable interpretando a una estrella apagada y frustrada del rock, y un Ahn Seong-gi que da vida a un representante que cae junto a su pupilo y se ha vuelto humilde servicial y altruista. El resto del reparto es muy sólido y cumplen con creses sus respectivos papeles.

“Radio Star” es un trabajo muy bien logrado que a pesar de su sencillez es capaz de conmover y dejar una grata impresión. Lee Joon-ik ha conseguido una película que brilla por sus propios meritos y, que por su estilo, no es posible compararla con sus anteriores trabajos. En todo caso, se confirma que estamos ante un gran director que puede hacer de la sencillez una gran virtud. No dudo en recomendar esta nostálgica “Radio Star” a todos en general, pero aquellos soñadores que aún viven en los 80s y creen en la amistad no deben perdérsela por nada.

Noroi (2005)

Documental
Por Conri

Desde algún rincón de Japón nos llega este film…o mejor dicho es una cinta que llega a las manos de una productora sin saber como. Supuestamente este “documental” basado en hechos reales nos cuenta una historia bastante extraña y medio incomprensible. Para que no se desilusionen, el principio es bastante creíble pero se torna un fracaso a medida que corre el tiempo. Dejamos de ver un documental para pasar a ver una película filmada con una cámara de mano al mejor estilo Blair Witch.

Con anuncios como “Los nombres de personas y organizaciones que aparecen en esta película han sido parcialmente modificados” da comienzo este documental. El mismo nos cuenta la historia de Masafumi Kobayaashi, un tipo que llevaba años investigando casos paranormales, que ha escrito varios libros sobre el tema y es muy respetado en Japón. Empezó a usar el método de capturar todo con cámaras digitales y así obtener mejor información sobre los sucesos sobrenaturales. Este documental es casi un crudo de su ultimo video documental llamado “La Maldición”. Luego de esto nada se supo sobre la desaparición de Kobayaashi.

“La Maldición” (Noroi) nos muestra a un Kobayaashi inverso en un caso realmente serio. Todo comienza cuando conoce a Kana, una chica con poderes sobrenaturales que vive con su madre y su padre que son los que la contienen. Pero un día Kana desaparece y Kobayaashi hará lo imposible por encontrarla.
La niña no desaparece así por que si. Tras su desaparición se encuentra el poder de invocar a dioses que creían muertos pero que la gente de aquellas tierras seguía conservando en sus rituales. Poco a poco Kobayaashi va a ir penetrando en el mismísimo mundo de lo paranormal y pasara de ser un simple capturador de imágenes a protagonista de esas historias, y su cámara será el único testigo hasta el día de su desaparición.

Como habrán leído anteriormente se trata de un documental, pero lamentablemente las actuaciones apagan todo el misterio del guión. Al principio del film podemos observar un documental bien armado, pero luego la edición aniquila todo lo que venían haciendo bien al principio. A veces los protagonistas toman prioridad al filmar que al salvar sus vidas y eso lo hace poco real.

La verdad es que sentía que iba a poder sacar provecho de este film, pero no es lo que me esperaba. La trama esta muy bien planteada; creo que tiene muchos detalles muy bien cuidados pero hay otros tantos que son muy bruscos y escenas de las que vemos en los típicos videos de discovery donde pasan fantasmas y luego te acercan las cámaras para que los veas bien (solo que aquí los ves demasiado bien) y luego hacen ese mismo primer plano que no tiene ningún sentido y lo hace parecer demasiado irreal.

Si hablo del sonido, al intentar hacerlo al mejor estilo documental no editado, casi no tiene música, pero al final si…¡¿Diríamos que está editado o no?!...Esos pequeños detalles son los que hacen a este documental a veces bizarresco, a veces interesante y a veces aburrido. Unos 10 minutos de película se podrán aprovechar.

Diary (2006)

Miedo interno
Por Sinsangre

La sensación que provoca el miedo en las personas podría resumirse como ese sentimiento de angustia que nos provoca un peligro, sea real o imaginario. Incluso es ese conocimiento erróneo que uno tiene y que le impulsa a pensar en negativo, a creer que pasará lo que precisamente no queremos que ocurra.

Bajo estas premisas, Oxide Pang (en ésta película deja a su hermano en las tareas de producción), nos ofrece una auténtica película de miedo, en todas sus facetas. Pero, para no llevar a engaño, no nos encontramos con una historia convencional de fantasmas o apariciones misteriosas, que las hay. Aquí el miedo se siente sin necesidad de que éste se muestre en pantalla. El miedo al rechazo, al abandono y el sufrimiento que eso conlleva a la persona que lo padece. El miedo a lo desconocido, por otra parte, a la inseguridad que te ocasiona el perder el control de lo que ocurre a tu alrededor. Un miedo universal y más efectivo que el que originan los abundantes yureis que abundan en la cinematografía asiática y que cada uno de nosotros ha experimentado en más de una ocasión.

Winnie siente como su novio la ha abandonado. Ya no responde a sus llamadas y no paree que se quiera comunicar con ella. En un intento de rehacer su vida, tropieza con Ray, un joven con un extraordinario parecido con su antigua pareja. Tras tomar un café juntos, Ray entiende el calvario por el que ha pasado la desconcertada Winnie y accede a verla para ayudarla a superarlo. Bajo estas premisas se nos presenta una película de un gran poderío visual que, sin embargo adolece de un problema que la impide convertirse en magnífica. He intentado ser muy cauto a la hora de resumir el argumento de la historia, pero basta tan solo unos instantes de su visionado para que uno comience a anticiparse a lo que está a punto de pasar ante sus ojos. El director va al grano y eso le resta esa pizca de tensión que podría haber convertido la visión de un conjunto perfectamente enlazado y entretenido en una nueva muestra de por qué el cine de terror asiático es la base sobre la que los amantes del género sentimos cierta predilección.

Sin embargo, pese a su desarrollo previsible y engañoso, tan habitual en el cine de terror contemporáneo que aprovecha ideas eficaces para adaptarlas a nuevas vueltas de tuerca sobre lo mismos temas, la película funciona y consigue mantener el interés con facilidad y con un progresivo sentimiento de fascinación que invita a hablar bien de esta obra.

En su haber tiene dos puntos de gran importancia por los cuales ya merece la pena su visionado. Por un lado, la imaginería visual que imprimen los hermanos Pang a cada una de sus obras, auténticos creadores de atmósferas desasogantes (esa cocina fuera de plano) e incómodas , que ponen las bases para creerte en todo momento lo que ellos te ofrezcan. A pesar de ese comienzo lento y falto de interés, con la presentación cansina del padecimiento de la joven despechada, el espectador reconoce fácilmente que el aire está viciado sin saber en realidad el motivo de esa sensación (las marionetas que pueblan la pantalla ayudan) y es consciente de que hay algo más escrito en ese diario que deseas leer cuanto antes para abandonar el desasosiego reinante.

Por otro lado, nos encontramos con una sorpresiva Charlene Choi, auténtico motor de la película y pilar básico para que la historia no haya claudicado a las primeras de cambio. Su interpretación va ganando enteros a lo largo de la trama, siendo capaz de eclipsar a sus compañeros de reparto en todo momento, lo cual no era difícil porque sus papeles son muy secundarios e incluso catatónicos. Son los pequeños detalles, sus gestos y esa mirada perdida la que hacen convincente un difícil y arriesgado papel que en manos inexpertas podría haberse convertido en una bomba de relojería.

Para desgracia del espectador, el guión da demasiadas pistas sobre lo que sucede en pantalla y se vuelve previsible desde el inicio (¿era necesario la justificación médica con esa seria voz en off?), intentando razonar de manera gratuita el derroche de fantasía y pesadilla que pasará por nuestros ojos y por los de la protagonista. Da la sensación que quería lavarse las manos y advertir al espectador de que lo que vemos tiene toda su razón de ser y se olvida de que, en una película como ésta de suspense, lo interesante sería mantener esa intriga que te obligue a sufrir, y ponerte en el lugar de quien sufre, lo que acontece en la historia.

En definitiva, una correcta película de suspense que, aprovechando el poder interpretativo de su protagonista, es capaz de mantener el interés y la mirada durante toda la trama a pesar del engañoso guión y la torpeza del director en querer justificar lo innecesario.

Zatoichi meets Yojimbo [20] (1970)

La guerra del oro
Por Fingolfin

No puedo negar que desde que cogí por banda la primera película de la saga, he estado esperando el momento de llegar a esta. Presentada también con el título de “Zatoichi vs Yojimbo” me recordaba en cierta forma a los films modernos estilo “Alien vs Predator” o “Freddy vs Jason”; heroes o protagonistas de conocidas películas que se enfrentaban en una sola. Es un estilo muy utilizado también en los comics de marvel y otras editoras americanas que siempre terminan mezclando los personajes de sus obras.

Es curioso que si en esta ocasión era Toshiro Mifune el que se ponía como personaje secundario de Shintaro Katsu, en “Incident at Blood Pass” (dirijida por Hiroshi Inagaki ese mismo año) se produjera la situación contraria. Aparte de estas dos ocasiones nunca los he visto juntos, y tampoco estoy muy seguro de que lo hayan vuelto a hacer.

Pues bien, después de esta introducción lo primero a mencionar es que el Yojimbo que aquí tenemos, no guarda la similitud exacta con el que Kurosawa creó en 1961. En la lista de características compartidas tendríamos su habilidad con la espada, su sexto sentido para sacar dinero de todas partes, y un cierto carácter despreocupado. En contra, podemos ver una actitud salvaje y desmedida (al estilo Mifune años 50), llevando la interpretación hasta el límite del realismo pero sin sobrepasarse. El Yojimbo de esta película, más que un ronin inteligente es un maleante, y posteriormente su identidad se modificará aún más a partir de un momento que comentaré después.

Sinopsis: Zatoichi, cansado de matar, decide volver a su pueblo favorito después de recordar lo hermoso que era estar allí. A su regreso todo ha cambiado, el que antes fuera el jefe del lugar ahora es un viejo fabricante de budas de piedra, y el pueblo se encuentra bajo el control de un comerciante. Su hijo menor trabaja haciendo monedas para el Shogunato y según los rumores le envía cantidades de oro periódicamente. Tras la búsqueda de ese oro está Yojimbo, el hijo mayor del comerciante, y posteriormente también Zatoichi.

Antes de comenzar con la valoración, quería decir que ya hace 5 meses de la primera vez que la vi. Si hubiera escrito la crítica en aquel momento probablemente sería mucho mas pesimista de lo que va a ser esta, ya que mis expectativas de la combinación Okamoto-Mifune-Katsu eran enormemente altas. Después de verla de nuevo tendré que admitirle mérito en bastantes aspectos.

El argumento se presenta interesante durante la primera hora del film, con una fluidez apabullante y unos personajes con perfiles para todos los gustos. Se combina muy bien el sentido del humor de Yojimbo con algunas pataletas de Zatoichi, que me recordaron enormemente a las que tuvo en “Zatoichi and the Doomed Man” cuando Hyakutaro le suplantó el nombre.

Las falencias llegan justo con la aparición de Kuzuryu, interpretado por Shin Kishida (que anteriormente ya había estado al servicio de Kihachi Okamoto en “Kill!” y “Red Lion”), que pese a ser un personaje bastante interesante, hubiera quedado bien fuera del film. Y es que una de las características fundamentales de la saga es la media de duracion de 85 minutos, que la convierten en un atractivo para entretenimiento rápido. “Zatoichi meets Yojimbo” dura 116 minutos, y es una pena que pudiendo haber recortado a este personaje se tuviera que alargar tanto. A raíz de su aparición, como se suele decir, “se desvela el pastel”. Se descubren las verdades y las intenciones de todos, y comienza un largo desenlace.

La acción queda muy lejos de aquellas maravillas bajo la nieve con las que Okamoto nos deleitaba allá por mediados de los 60 en blanco y negro, y aquí abusa demasiado de los planos cortos. Resalta el detalle de que la espada de Zatoichi sea mas larga de lo acostumbrado y con una vaina bastante fea (nada más comenzar el film se le rompe la suya por tercera vez en la serie).

La película no deja de ser una muy buena elección dentro de la filmografía de Zatoichi, pero quizás se aprecie mejor en el segundo visionado que en el primero. No deja de ser recomendable disfrutar de Katsu y Mifune en un mismo fotograma.

Heart is… (2006)

…Tierno
Por Master of Hate

“Hearty Paws” llega en un momento bastante oportuno ya que, por encima de lo que pueda aportar como una película para verla en familia, nos ofrece algo que no abunda en la cinematografía surcoreana. Con un protagonista canino y dos niños (uno de ellos es Yoo Seung-ho, conocido por su notable actuación en “The Way Home”) el novel director Oh Dal-gyoon crea una historia sencilla, directa y sin demasiadas sorpresas pero altamente efectiva, y sumamente conmovedora.

La trama da inicio cuando Chan, un muchacho de once años roba un adorable cachorro para regalárselo a su pequeña hermana Soi (Kim Hyeong-ki). Juntos, los hermanos esperan con ansiedad el regreso de su madre que hace tiempo los abandonó; mientras tanto, dependen parcialmente de su tía que también se ve obligada a abandonarlos. Pero es un trágico accidente el que cambia la vida de los niños y pone a prueba la devoción de “Maumy” un perro que se convierte en el verdadero protagonista de esta historia.

Visto desde un punto de vista más global, “Heart…is” no es nada que revolucione la manera de hacer cine, pero para Corea representa un paso interesante, inteligente y necesario. Cierto es que hace poco tuvimos a “Sugar Lump” como otro film que rompió algunos moldes y también constituyo un buen inicio para explorar otros terrenos. En este último caso, es probable que el balance no haya sido todo lo bueno que muchos deseábamos. Algunos de los problemas que comparten ambas historias es que tienden a ser previsibles, blandas y con algunos clichés; así mismo, recurren habitualmente al el poder de las imágenes que les vale para arrancar muchas y grandes lágrimas.

Hablando de lo bueno, hay muchas cosas dignas de resaltar, como el proceso de rodaje que seguramente tuvo sus particularidades por lo especial del caso. El resultado es de una calidad notable por lo que se hace imposible desmerecer el trabajo que ha habido de por medio. De este modo estamos ante un filme que, a pesar de contar con un reparto en el que abundan rostros jóvenes y una hermosa ejemplar de labrador, consigue sacar adelante, a fuerza de buenas actuaciones, una historia sencilla que termina siendo el producto favorito de los amantes del melodrama.

La película cuenta con una música muy apropiada y, a pesar de no haberse hecho sentir con demasiada fuerza en las taquillas, deja un buen sabor de boca que hace pensar en lo bien que tienen aprendida la lección muchos cineastas surcoreanos, pues cuando de hacer melodramas intensos se trata, muchos aplican la formula correctamente, y logran salir airosos. En fin, un trabajo que está por encima del bien o del mal y que recomiendo encarecidamente a todos.

Re-Cycle (2006)

Un mundo reciclado
Por Squareta

Esta producción marca el regreso de los hermanos Pang y nos lleva a un mundo de fantasía y de horror. La historia se centra en una escritora que ha logrado éxito con una trilogía de libros románticos. La presión de estar en la cima la obliga a publicar una nueva obra lo antes posible. En una conferencia de prensa da un avance de su libro: se llamará Re-cycle y tratará sobre lo sobrenatural. Al tiempo que avanza con su novela extraños hechos le comienzan a suceder, los que la llevan a un extraño mundo en donde todo lo desechado de su libro comienza a hacerse realidad.

El film parte muy típico. La primera media hora nos puede hacer creer que es otra película más del montón. Pero la llegada de la protagonista al nuevo mundo, trae un aire novedoso a la trama. Pronto se le verá tratando de escapar de aquel lugar, pasando por los distintos escenarios, cada vez más aterradores y estéticamente deslumbrantes, esquivando enemigos y encontrándose con personas que la ayudarán en su odisea. En el rol protagónico tenemos a Angelica Lee, quien ya nos había mostrado una estupenda actuación en “The Eye”. Obviamente, los flash-backs, los sonidos estridentes y ese estilo de videoclip típicos de la estética Pang también se hacen presentes aquí.

Re-cycle obtiene sus puntos más altos gracias a sus notables efectos especiales. No es por nada que una de las razones del largo tiempo que ha llevado concluir la película es que en un principio los Pang no quedaron conformes con los efectos por lo que consiguieron más dinero para mejorarlos. El resultado se ve fácilmente y nadie puede negar que los paisajes quedaron muy bien logrados.

Pero lamentablemente el film también tiene su punto débil y este es la trama misma. Más que en el contenido, es en la narración en donde falla. Todo va transcurriendo sin pausa, sin un motor principal y sin darle mayor explicación a los siniestros personajes, a cómo llegó al mundo, etc. En definitiva, son muchos los cabos que no se logran atar.

Así, la cinta se queda en terreno medio. La idea es indiscutiblemente buena pero no se supo manejar bien. Es una pena que se prefiera crear unos buenos efectos a armar bien la historia. Aún así, no deja de ser un interesante y original panorama dentro del género.

Umrao Jaan (2006)

Marcada por el destino
Por Casandra

Basada en la novela de 1905 de Mirza Muhammad Hadi Ruswa, “Umrao Jaan” cuenta la historia de la joven Amiran (Aishwarya Rai), víctima de un secuestro que la aleja de su familia. Este hecho marcará para siempre la vida de Amiran, quien convertida en cortesana cambiará su nombre por el de Umrao Jaan.

La historia fue filmada en 1981 por Muzaffar Alí, con Rekha en el rol principal. J. P. Dutta propone una “Umrao Jaan” diferente, de gran preciosismo visual. Por otro lado, este melodrama histórico evidencia una muy lograda reconstrucción de época. Las escenas que aluden a la conquista del país poseen dramatismo y crudeza.

Como sucede en la mayoría de los melodramas, su protagonista es una mujer. El centro del conflicto de Amiran/Umrao Jaan es su imposibilidad de alcanzar la felicidad. Amiran/Umrao Jaan es víctima del destino. Su historia es un melodrama porque plantea el conflicto de la identidad perdida así como también, por la aparición del amor imposible. Desde el planteo inicial de su historia de amor con Nawab Sultan (Abhishek Bachchan) el fracaso es predecible, tanto sea por sus orígenes que los separan o bien por los hechos que los rodean.

El único medio que le permite alcanzar la redención a la protagonista es el arte. Umrao Jaan, en sus últimos años deviene poeta y es admirada por sus obras. Su pasado familiar y sus años de cortesana, son narrados poéticamente por ella a un escritor que la admira. Lo amargo de su historia no es el desencanto frente al amor contrariado sino su expulsión de la sociedad. El arte la redime, pero lo cierto es que vive encerrada sin mantener contacto con un mundo exterior que prefirió expulsarla y olvidarla.

La puesta en escena que construye J. P. Dutta alterna entre la suntuosidad del vestuario y maquillaje de las cortesanas y los hombres de poder y el decoro de la gente del pueblo. La música de Anu Malik y Javed Akhtar no se destaca más que en las presentaciones de Umrao Jaan frente a sus clientes, y si lo hace es por la interpretación de Aishwarya Rai. La actriz se luce acertando en cada matiz que brinda a su personaje, pasando de interpretar una adolescente llena de esperanzas hasta su aparente resignación y sabiduría en el descenlace. Todo eso, acompañado de su mundialmente reconocida belleza.

Poco más se puede decir de esta versión del clásico “Umrao Jaan”. El director J. P. Dutta consiguió una película correcta, con una buena puesta en escena y modestas actuaciones, que no ofrece sorpresas y con un ritmo bastante lento. Indudablemente, la historia de Mirza Muhammad Hadi Ruswa merecía más. Con tanto buen melodrama dando vuelta, sería preferible dejar “Umrao Jaan” a los fanáticos de Aishwarya Rai.

Memories of Matsuko (2006)

El nuevo clásico
Por KeNJi-KuN

A medio camino entre la comedia, el musical y el drama; el director y escritor Tetsuya Nakashima (Shimotsuma Monogatari, Beautiful Sunday, Natsu Jikan No Otonachi) adapta a la gran pantalla la exitosa novela de mismo nombre de puño y letra de Muneki Yamada: "Kiraware Matsuko no isshô"

130 minutos repletos de excesos a todo color recorren sin aparente orden la agitada existencia de Matsuko Kawajiri con una solvencia que trasciende al mejor esquema escrito. Con comicidad, música y mucha frescura el espectador ávido de buen cine no puede más que dejarse llevar por una historia impredecible cuyos límites no podrá anticipar hasta ser testigo del desenlace. El imponente y vertiginoso inicio del film es su mejor carta de presentación. Diferentes lineas argumentales dotadas de múltiples personajes merodean en el universo repleto de imagen y sonido creado por Tetsuya Nakashima para la ocasión.

Imponente puesta en escena y cuidado por el detalle para ilustrar una historia tierna y dramática con los suficientes grados de comicidad como para hacer desconfiar en un primer momento de su rumbo, intenciones y, por que no, calidad. A estos efectos, los intérpretes están a la altura. Miki Nakatani aprovecha su protagonismo para regalar una notable interpretación, acompañada de unos secundarios de lujo como Yusuke Iseya, Eita, Teruyuki Kagawa, Mikako Ichikawa y Asuka Kurosawa con cameos de Kou Shibasaki y Anna Tsuchiya entre otros, y las apariciones estelares de figuras de la música japonesa contemporanea como AI, Bonnie Pink y Kaela Kimura.

Con estas apariciones es deuda reseñar la banda sonora, donde partituras clásicas, hip-hop, j-pop, R&B navegan en el mismo barco. El otro gran elemento a destacar es la fotografia, de la que tuvimos un anticipo en la anterior película del realizador, colores vivos, contrastes, efectos de iluminación y filtros que en combinación con diferentes tecnicas de filmación y el montaje hacen de Memories of Matsuko toda una experiencia visual. Una de las mejores películas de 2006 (personalmente la que más he disfrutado).

Red Shadow (1961)

La espada del tesoro
Por Fingolfin

“Red Shadow” es otro de los grandes clásicos del cine samurai dirigido por Shigehiro Ozawa y rodada justo después de su otra célebre obra “Festival of Swordsmen”. En esta ocasión también hay un torneo de por medio, pero las luchas son menos relevantes y nuestro protagonista no toma parte en ellas.

Una mujer ninja instruye a su hijo bastardo en el arte del ninjutsu, convirtiéndole en un excelente luchador. Llegado el momento, el Shogun Iemitsu convoca una serie de enfrentamientos entre los mejores guerreros del país, recibiendo cada uno de los vencedores una de las 10 grandes espadas que pertenecieron al mítico Ieyasu. La misión del joven (llamado así mismo “La Sombra”) será descubrir cual de esas hojas porta el grabado que les descubrirá el lugar donde se guarda el dinero de la familia Toyotomi, escondido antes de su caída.

La iba a considerar película “de ninjas”, pero la verdad es que, pese a la presencia de personajes como Hanzo Hattori y “La Sombra”, la mayoría de características encajan más con el chambara clásico. Por lo tanto elimino el temor a esos efectos especiales, en ocasiones tan poco cuidados, que rodean el género.

Los combates del torneo consiguen el realismo a través del respeto entre los contendientes. Ninguno se abalanza sobre el otro como un simple actor que hace su trabajo, sino que se estudian durante bastante tiempo y buscan la mejor forma de atacar. En el resto de coreografías (monopolizadas por “La Sombra”) toma una mayor importancia el aspecto ninja, haciendo aparición algunos saltos y movimientos rápidos espectaculares.

La incertidumbre sobre el padre de nuestro protagonista, la procedencia real de su madre y las relaciones entre las familias terminan convirtiendo la parte final en el desenlace de un auténtico culebrón, olvidando por completo la presentación que se había hecho de la película y tirando un poco por tierra todo lo que había pasado antes.
No era la forma en la que esperaba que acabara, pero al menos el punto y final me pareció de buena factura, con un coro musical al que cambiando la letra un poco te podía hacer recordar el principio y el final de “Throne of Blood”.

90 minutos de chambara clásico en estado puro. La mejor cura para el aburrimiento y para pasar un buen rato, sobretodo los que nos deleitamos en estas películas.

Gangster High (2006)

Al menos hay amistad
Por Master of Hate

Cuando hablamos del cine de gángsteres en la cinematografía coreana, nos estamos refiriéndonos a un gran islote que se ha ido formando poco a poco y que actualmente es uno de los géneros que más se explota. Los intentos de sacarle provecho van desde descabelladas comedias hasta melodramas intensos y llenos de acción. Sin embargo, no todo lo que brilla es oro y en muchos casos las cintas que son producto de este favoritismo por el género no tienen el nivel que a muchos nos gustaría. Dejando de lado algunas joyas y un puñado de buenos exponentes, tenemos un mostrador con varios títulos que, por diferentes motivos, nos hacen pensar “si tan sólo la hubieran hecho de esta manera” o cosas parecidas. “Gangster High” en cambio me ha hecho pensar “Si tan sólo no la hubieran hecho” En todo caso, veamos lo que nos trae el director Park Ki-hyeong.

El argumento tiene sus raíces en títulos muy importantes y reconocibles como “Friend” y la casi olvidada “Beat.” Se trata de una historia que toma lugar en una secundaria en la que una inesperada riña termina uniendo a los implicados que posteriormente deciden crear un club de fútbol. El grupo, conformado por seis integrantes, se vuelve, sin si quiera proponérselo, algo más que un simple club. Pronto surgen problemas con bandas rivales de otra escuela lo cual requiere acción inmediata y directa. Sin embargo “Los Tigres” que es como finalmente deciden autodenominarse, se enfrascan en una mortal lucha con un peligroso tipo que busca venganza.

El filme tiene algunas virtudes que vale la pena destacar. En primer lugar, es posible que en algunos momentos, especialmente cuando se trata de moldear los lasos de amistad, llegue a acercarse a la mencionada “Friend”, así mismo, hay buenas dosis de acción y un aceptable desarrollo de los personajes. Sin embargo, no es posible decir nada más sobre de la película que suene halagador. La historia pareciera estancarse y no brinda muchas oportunidades para que todo fluya y evolucione de modo más llamativo. La impresión final que se queda es la de un largometraje que, a causa de tantos altibajos, va a pasar sin pena ni gloria.

La selección musical no es algo que tampoco llegue a destacar; y en cuanto a las actuaciones, hay unos cuantos rostros medianamente familiares, y en cuando a calidad, no hay mucho que decir, salvo que cumplen con la premisa de la película pero que de ninguna forma son un factor determinante que haga pensar que la película daba para más. Las escenas de acción están bien puestas, y la violencia no precisamente poca, pero el problema es que en Corea desde hace un buen tiempo se vienen haciendo cosas mucho más arriesgadas e interesantes. Lo que aquí vemos no es nada nuevo o innovador, no está mal, pero no creo que haya muchos que se queden sin aliento.

Una película recomendable para los adictos compulsivos a las cintas de gángsteres, historias de amistad en los años de secundaria, y para quienes no son nada exigentes con este tipo de cine (asumo alguno habrá). Yo por mi parte, prefiero olvidarla en este instante.

Gemini (1999)

Amores Eternos
Por Conri

Me imagino que varias veces les ha sucedido lo de empezar a ver una película con una idea y terminar con una totalmente distinta. Al principio le encuentras un sin sabor porque no era lo que esperabas, pero minuto a minuto te vas metiendo en la historia y sintiendo que lo que estás viendo es mucho mejor a lo que te imaginabas; una trama que te atrapa, de las que te dan a entender algo escondiendo secundariamente un argumento muy bueno que terminara dando desenlace al film. Bueno pues esta no es nada más y nada menos que una muestra de lo que acabo de contarles.

“Gemini” detrás de el aspecto de su portada se esconde una excelente historia de amor, abandono, tortura, desprecio hacia la vida…Es difícil obtener la perfección, pero cuando la encuentras detrás de ella puede venir el infierno.

Es la historia de un doctor llamado Yukio, el mejor de su pueblo e hijo de dos padres médicos muy reconocidos también. Su esposa, Rin, es una mujer un tanto extraña que tras un accidente donde quedo atrapada en un incendio sufre pérdida de memoria y lo único que recuerda es desde aquel día de la tragedia en adelante. Una epidemia invadía aquellas zonas de Japón, por lo que eran muy cuidadosos, pero un día el padre de Yukio aparece muerto por culpa de esa enfermedad.

Al poco tiempo fallece la madre de un ataque cardiaco, producto una aparición extraña de una persona en su casa. Este último caso ya levanta sospechas debido a que nadie entendía que era lo que realmente había sucedido. Cosas extrañas estaban pasando en aquella enorme casa. Sombras que rodeaban las ventanas y silencios que provocaban ruidos mentales. Yukio, realmente perturbado, intenta seguir con su vida normal, pero un día todo cambia… Al salir a regar las flores escucha un ruido y pensando que se trata de su esposa, la llama, pero nadie salía de los arbustos ni se sentía el más mínimo ruido. Al darse vuelta siente en un empujón detrás de él, se torna en una pelea con una persona a la cual no puede identificar y termina cayendo en un aljibe, quedando prisionero de algo que desconoce y no sabe que quiere de él… ¡¿Quién será esta persona extraña?! ¡¿Tendrá alguna relación con sus pacientes?! ¡¿Podrá Yukio escapar de aquel infierno en el cual ingresa sin saber por qué?!

¿Si les dijera que he formulado pocas preguntas me creerían? Bueno, sepan que detrás de esta trama se oculta mucho más de lo que ven. Es una película realmente bien armada con una muy buena estética. De mitad en adelante verán cosas que les extrañarán, y llegaran a descubrir a fondo las historias de todos los personajes. Ese es el complemento principal del film, el detalle que la hace: “La Película”.

Se la recomiendo a todos y creo que la podría llegar a disfrutar cualquier espectador. Aunque puede que al principio les parezca un poco lenta, luego toma un rumbo que no dejara que se despeguen de la pantalla y querrán saber el porqué de cada pregunta que les generan los personajes a medida que trascurre el metraje.

Death Note 2: The Last Name (2006)

Con justicia drástica
Por Squareta

Segunda película basada en el popular manga Death note, aunque rigurosamente se debería ver a Death Note como una sola película dividida en dos partes. Esta secuela, al igual que su predecesora, se estrenó el 2006 y está dirigida por Shusuke Kaneko.

Light Yagami continúa con su afán de limpiar al mundo de asesinos a través del Death Note. Pero en esta ocasión se descubre que no solo existe un libro, sino que en realidad hay muchos más. Aparecen así nuevas libretas, con las mismas características pero con otros portadores. Uno de ellos es una chica que resulta ser la fan número uno de Light y que quiere imitar su labor, aunque de forma más drástica y apresurada. Con la incorporación de nuevos libros y de sus respectivos dueños, las muertes aumentarán y los policías se verán mas desconcertados que antes. Obviamente L, el detective misterioso y principal enemigo de Light, entiende la situación y ayudará a la policía a localizar a los asesinos.

The Last Name se ve mucho más interesante que la primera Death Note, ya que contiene lo mismo pero en mayor cantidad: más sorpresas, más traiciones, más personajes e interesantes momentos. Como resultado se obtiene una película más entretenida y con mejor ritmo (y eso que a la primera parte no le faltaba ninguno de estos factores). Sus más de dos horas de duración no se hacen pesadas en ningún momento, por el contrario, casi toda su duración uno se la pasa pensando cual de los dos protagonistas ganará, al tiempo que se van conociendo más detalles. En esta cinta tampoco faltan sus dosis de romance, aunque de un modo poco convencional. La aparición de nuevos libros provoca que aparezcan más shinigamis, todos con su propia personalidad y estilo. Pero sin duda la parte más emocionante está en que Light y L por fin conocen, y ahora la lucha mental será desde muy cerca.

Sin embargo, en el aspecto técnico no hubo mejora alguna y se le podría atacar a lo mismo que se le atacó a su predecesora, es decir, malos efectos y actuaciones promedio, otorgándonos una producción de menor calidad a la que estamos acostumbrados con las cintas de este país.

En resumen, argumentalmente es superior a su primera parte y recomendada tanto para los fans del manga como para todo el que busque una entretenida película sin una gran producción de fondo. Para finalizar, mencionar que encontré en la red una cinta titulada como “L” que se espera para el 2008 y que estará dirigida por el mismísimo Hideo Nakata. Al parecer la historia no ha terminado aún.

Death Note (2006)

Si tu pudieras…¿lo harias?
Por Squareta

Light Yagami es un inteligente muchacho que se encuentra muy decepcionado con el actual sistema judicial japonés. Un día se encuentra un misterioso libro que tiene escrito en su portada “death note”. Inmediatamente se le aparece un shinigami que le explica sobre dicho libro: el death note tiene el increíble poder de matar a cualquier persona que tenga su nombre escrito en él. Con tal poder en sus manos, Light decide usarlo para crear un mundo mejor, eliminando a todos los criminales del mundo. Muy pronto la gente no parará de hablar de Light, aunque nadie sepa quien es él realmente. Asesino para algunos y héroe para otros, se creará aliados y a la vez grandes enemigos, entre ellos “L”, una persona tan inteligente como Light que se le seguirá la huella desde muy cerca. Ambos comenzarán una lucha en el que solo uno sobrevivirá.

Estrenada el 2006 bajo la dirección de Shusuke Kaneko, Death Note es una cinta de muy buen ritmo, que une en un solo mundo a la fantasía y a la realidad. Seguramente mas de alguno habrá sentido que la justicia no es tan eficaz, y también ya han visto varias veces a “héroes” que hacen justicia con sus propias manos pero nunca de una manera tan simple como escribiendo el nombre en un cuaderno. El hecho de que al protagonista le sea tan fácil matar provoca el efecto de que sea casi invencible, algo a lo que sin duda Light le sacará provecho. No hay duda que el argumento es de lo más llamativo, aunque el crédito de la idea se lo merecen Takeshi Obata y Tsugumi Ōba, creadores del manga del mismo nombre, el cual goza de una gran fama mundial.

Pero la película tiene más características positivas aparte del argumento, entre ellas los personajes, todos bien característicos y que no dejan indiferente a nadie. También mantente el ritmo, llenándonos de sorpresas y de suspenso. Pero si hablamos de la producción el panorama cambia un poco. Se descuidaron bastante del aspecto técnico, los efectos especiales son muy pobres, así como la fotografía. Las actuaciones tampoco son muy sorprendentes y algunas situaciones son demasiado fantásticas.

En resumen, la película cumple eficazmente con entretenerlos sin mayores pretensiones. Recomendada para todos los que quieran pasar un entretenido rato, pero véanla con tiempo, ya que si ven ésta obligatoriamente deberán ver la segunda parte, porque la historia no termina aquí. Y los que se leyeron el manga no crean que no se llevarán algunas sorpresas, ya que se agregaron y eliminaron algunos personajes.

Parineeta (2005)

Triángulo perfecto
Por Casandra

"Parineeta" es el auspicioso debut de Pradeep Sarkar como director. El film está basado en la novela del mismo título de Sarat Chandra Chattopadhyay de 1914. "Parineeta" cuenta con tres versiones previas de 1942, 1953 y 1969 dirigidas por Pashupati Chatterjee, Bimal Roy y Ajoy Kar respectivamente. La versión de 2005 mantiene la voz del narrador (rol jugado por Amitabh Bachchan) como residuo de su origen literario.

La historia es narrada con gran maestría por Pradeep Sarkar. Lalita es una huérfana que vive con sus tíos y se enamora de Shekhar, su vecino y amigo de la infancia. La unión parece imposible por la diferencia de clases y por el engaño que construye el padre de Shekhar. Aparece entonces Girish, y enamorado de Lalita, intenta conquistarla. En este triángulo se apoya la acción.

La película es muy bella visualmente. El guión de Vidhu Vinod Chopra traslada la historia que la novela situaba a principios del siglo XX en Calcuta, a mediados de los años sesenta en la misma ciudad. Las elecciones en la iluminación y escenografía evidencian la mano firme del director que logró amalgamar las diferentes materias expresivas que intervienen en el film.

Los personajes de la historia no obedecen a las habituales divisiones maniqueas entre buenos y malos de muchos films de Bollywood, sino que son complejos y poseen rasgos de construcción psicológica. Lalita (Vidya Balan) debe enfrentar la disyuntiva de seguir su corazón o casarse con un hombre al que no ama por el bien de su familia. Shekhar (Saif Ali Khan) es un joven de fuerte carácter pero a quien le cuesta imponerse frente a su padre. Girish (Sanjay Dutt) es el enamorado con más experiencia en la vida y dispuesto a todo para conseguir a Lalita.

En los melodramas de Bollywood de los últimos años, el rubro de las actuaciones masculinas suele quedar en segundo plano frente a las interpretaciones femeninas. Gracias a la labor de Saif Ali Khan y de Sanjay Dutt y a la pericia de la dirección de actores, esta película ofrece grandes actuaciones en ambas performances. Saif A. Khan y Sanjay Dutt dejan de lado la actuación exteriorizada para construir sus personajes desde el interior. Por ello, sus interpretaciones se apoyan en los gestos y las miradas, pero trabajadas sutilmente. El trabajo de Saif Ali Khan mejora con cada nuevo film.

Sin embargo, quien sorprende es la actriz Vidya Balan, en uno de sus primeros trabajos. Vidya Balan demuestra una solidez y naturalidad poco habituales, al tiempo que su presencia cautiva a la cámara.

Sin lugar a dudas, “Parineeta” es una excelente película (y una de las mejores de 2005). Las actuaciones, la bella fotografía, la precisión del guión, y la música se conjugan para lograr una obra destacable.

Visitor Q (2001)

Armonía familiar
Por Fingolfin

Imaginad por un momento que tenéis que hacer una película sobre una familia prototipo: padre, madre, hijo, hija. Ahora dejad volar la imaginación y transformad esa familia en la mayor aberración de convivencia social y dignidad moral. Seguramente el resultado obtenido ni se acercará a esta obra maestra del afamado Takashi Miike.

La sinopsis podemos reducirla a la descripción de esos 4 personajes. El padre es un periodista atareado con su reportaje “La juventud de hoy”, que para conseguir un buen video es capaz de tener relaciones sexuales con su hija y grabar como abusan de su hijo los compañeros de clase.
La madre es coja (algo en lo que ha tenido mucho que ver su hijo) y al igual que Fujiko (hija) es prostituta, solo que ella lo hace para comprar drogas y la otra para sobrevivir después de marcharse de casa. El hijo reduce su papel a recibir humillaciones de sus amigos y a pegar a su madre con su exquisita colección de fustas.

Atendiendo a las críticas que se han hecho de esta película podríamos distinguir entre 3 grupos distintos de espectadores. En primer lugar estarían los puristas, que la consideran una barbaridad que censurarían de principio a fin si de ellos dependiera. Luego estarían aquellos que simplemente buscan cosas impactantes y han encontrado una mina en este film. Finalmente los que más la han valorado, cinematográficamente hablando, son los que miran a través de las imágenes y mas allá, reconociendo una importante crítica social bañada de un humor negro al más puro estilo de Camilo José Cela (que también tenía su familia feliz en los Pascual Duarte).

Desde el principio se nos deja claro de qué va la cosa. Jamás ninguna película tuvo un fotograma capaz de hacer abandonar una sala de cine entera o de apagar la televisión de una casa. Ese fotograma es la primera imagen de “Visitor Q” y dice literalmente: “¿Alguna vez lo has hecho con tu padre?”. La técnica se repite en dos ocasiones más con un resultado no menos impactante.

Este film es susceptible de mitificación por parte de todos aquellos que no la han visto y se dedican a buscar información para comentar con los amigos lo que es capaz de hacer un director por llamar la atención (mi caso). Encontraran frases del estilo “ordeñan a la madre”, “el padre practica necrofilia”…etc, que no son más que descripciones poco fieles de lo que está pasando en escena. No es un drama o una película seria donde todo eso puede tener un desarrollo brutal, sino que es una comedia negra, acompañada de música extremadamente cursi, que continuamente saca las más sinceras carcajadas del espectador.

Llevo 5 párrafos y…¿dónde está el visitor Q? El visitor Q es el elemento que rompe la “armonía” familiar e interactúa con los personajes llevándolos más aún al límite y finalmente arrebatando lo humano de casi todos ellos (especialmente del padre). Su inclusión en la familia es de lo más curioso, e incito a sus detractores a considerarla algo humorístico y no algo forzado.

Cualquier otra cosa que les diga no va a servir para ilustrar en absoluto lo que tenemos en este film. Es difícil describir el ambiente alegre, activo y tremendamente real que rodea “Visitor Q”. No conviene olvidar que la mitad de las escenas son de cámara digital, que apenas tiene créditos iniciales y que el formato es PAL. Consejo: veanla.

Bar Legend (Ddukbang) (2006)

Lejos de ser leyenda
Por Master of Hate

Como ya todos deben saber, el cine de gángsteres, que muchas veces involucra historias de secundaria, pandillas y el tema de la amistad es uno de los géneros más representativos de la cinematografía surcoreana. Para hacer corta esta introducción y no volver a hablar de las influencias de “Friend” y “Beat” diré que “Bar Legend” es un trabajo que representa muchos de los aspectos más características de este cine, pero fusionados de manera un tanto ineficaz.

El argumento gira entorno a tres jóvenes: Seong-hyun, Gyeong-roh y Jeong-gwon, que en sus años de secundaria, formaron en su zona una pandilla legendaria que todo el mundo conocía y temía. Luego de terminar sus estudios los amigos se separan y empiezan a vivir vidas relativamente normales. Seong-hyun, quien en su tiempo fue un gran luchador, y Jeong-gwon, el gracioso del grupo, tienen trabajos modestos y han perdido el respeto de los demás. Mientras tanto, un grupo de mafiosos se toma el sector e intenta realizar lucrativos negocios a costa de la gente. Todo esto cambia cuando Gyeong-roh, ex líder del grupo, regresa al barrio y se topa con sus viejos amigos. Los tres vuelven a revivir el temido “No Touch” clan y se convierten en un obstáculo para los gángsteres.

El director Cho Beom-gu parece haber tenido bastante claro por donde quiso llevar la historia, y es que hay un nivel bastante aceptable en los primeros tramos de la película, en los cuales hay golpes, peleas, risas, etc. Sin embargo, poco a poco la cinta pierde fuerza, y el nivel, en lugar de elevarse, termina decayendo. Los elementos claves, es decir, el drama, la acción, la venganza, están presentes, pero la historia en sí se vuelve un tanto indiferente, y no fluye de modo espontáneo. Los flashbacks, un tanto fuera de lugar, tratan de sacar la idea adelante, pero hay partes que se ven demasiado fragmentada y los personajes demasiado superficiales.

Lo que si ha sido un gran acierto es el poderoso estilo visual que usa el director para dar vida a algunas escenas, no es que se trate de innovación precisamente, sino del uso adecuado de cámaras lentas, cambios a blanco y negro, y buena fotografía. En cuanto a las actuaciones, destaca la presencia de Yu Jin-Tae en el papel del despiadado antagonista. Obviamente, verlo en semejante rol aún puede ponerle los pelos de punta a muchos, claro que cuando volvemos a pensar en el nivel de la película tampoco es para tanto.

Finalmente, lo que tenemos es una cinta más, que no pasa de ser un respetable intento de emular obras de verdad imprescindibles para los amantes del cine de acción. “Three Fellas” (título internacional) puede ser una buena alternativa para quienes estamos esperando la próxima gran cinta dentro de este género, ya que ésta se queda corta en su intención de trascender, aunque sirve de entremés.

A Dirty Carnival (2006)

Memorable continuación
Por Master of Hate

Luego de un par de años, Ha-Yu regresa con lo que constituye la segunda parte de la trilogía de la violencia en las calles. “A Dirty Carnaval”, al igual que su predecesor “Once Upon a Time in High Chool” consigue generar un retrato muy realista de la juventud y la corrupción a la que se expone constantemente. Haciendo uso de una gran habilidad narrativa, este talentoso director nuevamente centra su atención en un muchacho y nos guía a través de su camino lleno de espinas.

Byung-du (Jo In-seong) se encuentra en un momento muy difícil ya que su pequeña hermana, y su madre, que además está enferma, están a punto de ser desalojados de su vivienda. Byung-du se gana la vida realizando trabajos bastante oscuros para un grupo de mafiosos; a pesar de esto, es evidente que no tiene esperanzas de salir adelante o de escalar algún peldaño en la organización. Sin embargo, surge la oportunidad de salvar al jefe máximo de una situación muy incomoda que le causa grandes dificultades. Pese al riesgo, esta parece ser la única oportunidad que tiene Byung-du para conseguir la protección del jefe, así que se ofrece para llevar a cabo el peligroso trabajo. A la vez que esto ocurre, un viejo amigo de Byung-du aparece con la intención de hacer una película sobre el mundo de la mafia y toma como inspiración la vida de Byung-du.

La violencia pasa de los salones de clase a las calles, y es aquí donde Ha-Yu vuelve a construir esta nueva una historia que obviamente tiene mucho que ver con “Once Upon a Time in High School.” La cinta es directa y tiene un balance muy equilibrado entre drama, acción y suspenso, y un poco de romance. La larga lista de producciones “serias” que giran en torno al tema de mafias y demás, hace que encontrar originalidad o efectividad en este género sea difícil, no obstante, existen directores con el talento suficiente para hacerlo. Ha-Yu, no inventa nada nuevo, pero sabe dotar a sus trabajos de mucho realismo, que combinados con una efectiva narración dan forma en este caso a una película impactante.

Lo más interesante del film es la recurrencia de temas. Una vez más existe ese interés por dibujar la fuerza de los lazos de amistad que a la larga terminan siendo mucho más endebles de que parecían. A estas alturas es fácil darse cuenta que terrenos explora y explota el directo. Se trata de un proceso de cambios de personalidad importantes que se da en varios personajes, una especia de filosofía muy práctica que se aplica muy bien a nuestros días y que dice: “voy a donde me lleve la corriente”. El toque de romance que tiene la cinta es así mismo bastante agridulce y aunque el concepto se pueda ver algo gastado, basta para el propósito del cineasta.

La acción sigue esa tendencia realista, pero no por eso deja de ser de altísima calidad; existen escenas bien logradas, prolongadas, y muy intensas. La otra parte del argumento que empieza pareciendo algo bastante secundario, tiene que ver con el rodaje de una cinta, dentro de la misma película, inspirada básicamente en al mundo en el que esta sumergido Byung-du. Se trata, a mi modo de ver, de una manera inteligente que tiene el director de plantearnos que mucho de lo que posiblemente se ve en el cine no es más que ficción, y en particular el cine de gángsteres. Es ciertamente un interesante juego que da mucho que pensar sobre el tema, y es que ¿entonces es su cinta un retrato más fiel de cómo es en verdad este mundo? Posiblemente sí.

“A Dirty Carnival” recuerda tanto a la primera parte de la trilogía por la recurrencia de tema y el proceso que trasforma a sus personajes, que hace creer que su próximo trabajo seguirá los mismos pasos. De todos modos, hay que dejar en claro que no se trata de un refrito de ideas, sino un modo de explorar la violencia a través del tiempo, lugares, personajes y situaciones. En resumen, una excelente película con buenas actuaciones y excelente música. Un visionado obligatorio para los amantes del cine de calidad.

Cinderella (2006)

Para ser bella hay que ver estrellas…y fantasmas
Por Squareta

Hyunsu es una joven apasionada por el arte y que tiene una excelente relación con su madre, una prestigiosa cirujana plástica. Muchas de las compañeras y amigas de Hyunsu, preocupadas por arreglar su rostro, acuden a su madre y se someten a cirugías. Las operaciones las hacen más bellas, pero bajo un terrible costo.

Estrenada el 2006 y dirigida por el coreano Man-dae Bong esta película da una nueva razón para no someterse a cirugías. ¿Pensaban que había peligros solo dentro del quirófano? Pues se equivocan, los peligros recién comienzan ahí.

Cinderella tiene un prometedor comienzo, con una trama intrigante y varias escenas terroríficas que mantienen el suspenso. Casi a mitad de la cinta una nueva historia transforma a esta película de terror en una película dramática. La introducción de la nueva historia encaja bien en el argumento. La historia, aunque ya sin sustos, se mantiene interesante y pone énfasis en varios temas importantes, como el sacrificio que es capaz de hacer una madre, la alarmante importancia que le dan los adolescentes al físico y el terror que pueden enfrentar algunas personas que no pueden aceptar su nuevo rostro. Las escenas de terror continúan hasta el final, pero cada vez aparecen con menos fuerza y son menos efectivas. Los sustos no son lo fuerte de esta obra.

Los efectos están excelentes y con el sonido logran una atmósfera terrorífica. La ambientación esta bien lograda. Las actrices también lo hacen bastante bien pese a que la mayoría actuaba por primera vez.

Lo malo es la falsa propaganda que se le hizo. El que los sustos no sean lo fuerte de esta obra es un fallo grande, puesto que esta cinta se clasifica como de terror. Esto puede causar la decepción de muchos que esperaban algo distinto.

De esta forma, Cinderella se puede disfrutar si no se mira el hecho de que no asusta. Pero si lo que buscas es asustarte, mejor busca otra.