La dura verdad de ser niños
Por Kino no Youko
Los niños, en general, y puntualmente en Asia casi siempre son un tema persistente. Abusos, maltratos, sueños, futuro, discriminación, etc. son muchos de los conceptos que directores deben comunicar y lo hacen incorporando “la infancia” para registrarlos en sus obras. Este caso, de alguna forma no es la excepción.
Pese a la profundidad y sutileza en que están manejados muchos aspectos en la película de la mano de su director In-ho Yun, las temáticas en general pierden fuerza al intentar contar un drama. Es que al parecer, este tipo de películas deben ir de la mano con la naturalidad. Así, un ejemplo muy distinto y como antecedente es la película “Nobody Knows”(Dare mo Shiranai-2001), quien explota un argumento sumamente dramático pero con la naturalidad suficiente para evocar sentimientos y reacciones emotivas al que la ve. Sin embargo, “Ahobsal insaeng”, como es conocida en Corea, posee atributos a mi juicio muy destacables y bien logrados que no le restan mérito.
Su argumento y montaje es interesante. Es decir, gracias a estas herramientas del cine, es posible vivir dos historias, dos puntos de vista sutilmente encajados dentro de un mismo film. El mundo adulto y el mundo de los niños son contados de una manera muy inteligente, siendo la transición de estos dos universos, la presencia de adultos o la presencia de niños en las escenas.
Se debe observar y elogiar este recurso debido a que, al estar inteligentemente dispuesto en la trama, no significa en ningún momento un obstáculo a la hora de contar la historia. Más específicamente lo que el director hizo en cierta forma es dividir la conducta de los niños. Con astucia, estableció parámetros de conductas “adultas” cuando los niños se encontraban solos en las escenas y por otro lado explotó hábitos propios de niños cuando éstos estaban en presencia de un adulto.
Este detalle, pero no por ello menos importante, es señalado en muchas cirscuntancias: al momento de consolar a los amigos -como lo hace Yo-Min con Woo-rim-, el asumir los regaños de la madre, incluso al momento de vivir el amor y los afectos -que se dan en muchas situaciones, tanto niños como adultos-. Los niños, de alguna forma, son adultos en su mundo, son los que deciden y velan por sus cariños emociones y defectos; y en muchas ocasiones con el paso del film, actúan mejor y más sanamente que los mismos adultos. Pese a esto, se comportan con ímpetu y determinación que está lejos del mundo adulto actual -al menos en el film- y están más cerca de los más jóvenes lo que brinda credibilidad a las actuaciones infantiles.
Dentro de esas conductas, casi inmaduras en el mundo adulto, podremos observar: los castigos en el sistema educativo coreano, la falta de resolución y ambigüedad en los afectos, el poco compromiso por la familia y el mundo de la obligación laboral… Todos, absolutamente todos temas afrontados por los niños de una forma mucho más madura, asertiva y sana desde un punto de vista psicológico.
Las lecciones valóricas son muchas. La tolerancia y dignificación del débil, la socialización y liderazgo en un grupo, la discriminación y violencia intrafamiliar, responsabilidad y obligaciones sociales, el valor de la amistad, y por sobre todo, el valor de la verdad. Todos tópicos importantes en la narración de este drama.
La historia se sitúa en un colegio humilde, presumiblemente distante de las grandes ciudades, donde Yo-Min es un niño de origen pobre con una madre minusválida producto de un accidente. Pese a ello, el joven es líder de la banda de estudiantes y es muy respetado por todos. El nudo de la película se propone en el momento en que llega Jang Woo-rim, una linda niña que viajó desde los Estados Unidos a la escuela, siendo envidiada y querida por sus compañeros por este motivo. A lo largo de la película Yo-Min gastará esfuerzos en dos objetivos muy importantes: Conquistar los afectos de la niña y a su vez ahorrar dinero para la compra de algo muy valioso para él.
No quise terminar sin antes hacer una sinopsis de la historia, que aunque simple y común en la forma de tratar los temas, en este caso tiene mucho de social. Basta recordar el contexto de su filmación, donde el 2002 en plenas elecciones presidenciales, Corea curiosamente tenía temas en la agenda como discriminación, abuso laboral, y educativo, legislación respecto a problemas familiares; muchos de estos temas impulsados por la misma amnistía internacional.
Si duda una película recomendada para los seguidores de dramas coreanos. Enmarcándose ya casi en su propio estilo, Corea siempre sorprende en el relato, el tema o actuaciones en este género. Así, en “Ahobsal insaeng” hay una mezcla de estos factores; que -aunque quizá sin la fuerza necesaria- se manifiestan y conforman una historia muy interesante e inteligentemente contada que cumple a cabalidad su objetivo.
When I Turned Nine (2004)
My Captain Mr. Underground (2006)
El tesoro
Por Master of Hate
“Mr Underground” se presenta con toda la apariencia de una jocosa comedia con la aparición estelar de Jeong Jae-yeong (“Welcome to Dongmakgol”. “Someone Special”). Song Chang-soo se estrena como director con esta interesante película, que es de esas que están por encima del bien y del mal ya que a mi parecer no se puede hablar de éxito o fracaso con ciertas películas.
Hong Man-taek (Jeong Jae-yeong) Es un ladrón de tumbas muy particular debido a su personalidad y la marginación que sufre. Man-taek roba una valiosa estatua de buda que es considerada un tesoro nacional. La estatua es escondida en un lugar seguro, pero cuando él regresa, se de cuenta de que alguien se la ha llevado. Los culpables son una niña huérfana y un niño enfermo que no tiene padre. Man-taek los engaña haciéndoles creer que es un agente especial del gobierno. Pronto, los tres comparten tiempo y viven unas cuantas aventuras que cambiarán sus vidas.
“My Captain Underground” no es la típica comedia, incluso dudo que lo más acertado sea clasificarla en esa categoría pues tiene mucho más de melodrama. La cinta tiene cierto aire extraño, por momentos se hace bastante placentera, especialmente la corta pero llamativa interacción entre Man-taek y los niños. Pero por otra parte, cuando salimos de la línea sentimental y de la visión particular que tienen los niños sobre lo que ocurre, hay muy poco que comentar.
La trama prácticamente no se expande; es decir, hablamos de un trabajo que no tiene (o al menos no parece tener) mucho interés en desarrollar la historia hasta un punto aceptable. Con una trama relativamente corta sencilla y algo predecible, las cosas por momentos se ven bastante opacas y no tienen prácticamente nada que ofrecer (lo de los niños huérfanos, marginados o desatendidos tampoco es nada nuevo)
Aparentemente se ha intentado suplir estas falencias, creando personajes no tan ordinarios, aunque es necesario decir que tampoco este aspecto llega a ser nada del otro mundo, pero haciendo un balance general, podemos encontrar que el desarrollo de la trama es mucho menor al de los personajes. Por otro lado se echa mano del típico melodrama, y a pesar de encajar de modo apropiado, en ciertas instancias parece un poco innecesario.
Otros aspectos que habría que resaltar son la excelente música que tiene el film y las buenas actuaciones, particularmente de Jeong Jae-yeong que después de la desastrosa “So Cute” regresa en un papel algo más digno.
El balance final, entrega como resultado un melodrama de buen nivel que se ve muy descompensado por un desarrollo ínfimo de la trama. Haya sido o no ésa la intención del director, se nota mucho la falta de una historia más completa; y además tenemos una que otra escena que no ha quedado del todo bien debido a su irrelevancia. Es frustrante hasta cierto punto, se trata de una película de emociones encontradas, y que sospecho no es lo que muchos esperamos.
Por cierto, ver si vamos subiendo el nivel porque esto es un poco desesperante.
Kick The Moon (2001)
De grande quiero ser…
Por Master of Hate
Kim Sang-Jin es uno de los buenos directores que se mantiene dentro del género de la comedia. Llega a ser fácil reconocer su estilo y preferencias a la hora de rodar sus películas y “Kick The Moon” no es la excepción. Quizás no hablemos de una de las figuras más emblemáticas del panorama cinematográfico surcoreano, pero ciertamente se trata de un director que sabe entretener, tiene buena relación con la taquilla y que ha tenido constancia ofreciendo cintas más que aceptables luego de la tremenda “Attack at the Gas Station”
Park Young-jun (Lee Sung-jae, “Holiday”) fue en su juventud un muchacho aplicado y responsable que parecía tener un gran futuro, en tanto que Choi Ki-woong
(Cho Seung-won, “Jail Breakers”) era todo lo opuesto. El tiempo ha pasado y para sorpresa de todos el bueno de Young-jun ha terminado convertido en un importante miembro de la mafia organizada y el problemático Ki-woong ha terminado como un maestro de secundaria. Luego de mucho tiempo se vuelven a ver, pero su reencuentro no es nada amistoso ya que de por medio hay una hermosa mujer que ambos desean conquistar.
Para no hacer larga la historia digamos que “Kick The Moon” es puro humor del que Kim Sang-Jin sabe imprimir en sus trabajos. De este modo tenemos unos personajes bastante curiosos y dispuestos ha hacer lo que sea por conseguir lo que quieren. Una historia relativamente sencilla que quizás carezca de mayor ambición que la de entretener y divertir por un par de horas. Como siempre, no faltan las batallas campales y las grandes trifulcas que siempre crean caos y descontrol.
La película resulta bastante simpática, con una mezcla de romance, gángsteres y humor “Kick The Moon” es una digna sucesora de “Attack at The Gas Station” que muchos consideran lo mejor que ha hecho este director.
No será necesario hacer ninguna aclaración a quienes estén familiarizados con los trabajos de Kim Sang-Jin, no obstante, quienes no lo están quedan advertidos que no se trata de otra cosa más que de una película sencilla, graciosa y divertida, que quizás no tenga algo en particular que la haga única o especial. De todos modos, si comedias surcoreanas es lo que buscan, está debería ser una buena alternativa.
Hi! Dharma 2 (2004)
Dream City
Por Master of Hate
Como su nombre lo indica, se trata de la secuela de la exitosa “Hi! Drama” cinta cuyo mayores aciertos se intentan emular nuevamente sin demasiado éxito. En primer lugar seria importante puntualizar que esta secuela ha estado a cargo de Yook Sang-Hyo quien no es el mismo de la primera parte.
En “Hi! Drama” Los papeles se voltean, ahora tenemos a un grupo de monjes que acude a la gran ciudad en su intento por salvar un templo que esta a punto de ser demolido. La única esperanza que tienen para evitar el desastre es conseguir una poderosa suma de dinero para pagar la de deuda que tiene el lugar. A pesar de “teóricamente” haber conseguido el dinero, en su camino se cruza un grupo de gángsteres (aunque no quieran verse como tales) quienes son los que llevan a cabo el trabajo sucio para la compañía que intenta demoler el templo para edificar un fabuloso complejo residencial. La lucha entre las dos partes por adueñarse del lugar será intensa y sin tregua.
La trama es más o menos lo que se puede esperar de la secuela, la historia se invierte, y el resultado es prácticamente es el mismo; lo malo es que para ver una versión alternativa de la primera parte es mejor quedarse quieto.
Para mi sinceramente “Hi! Dharma” no merece una secuela, pero tampoco las han merecido algunas otras cintas, y creo que ya ni siquiera es necesario dar nombres de sagas dentro de lo que es el género de comedias de gángsteres. Dejando de lado el hecho de los merecimientos, empiezo a creer que eso de “segundas partes nunca fueron buenas” es una verdad como un templo y que pase lo que pase no va a cambiar.
Con respecto a la cinta, tenemos unas cuantas escenas simpáticas, lamentablemente se pueden contar con una mano. La mayoría de la película intenta emular a su primera parte retratando el contraste y similitudes de ambos bandos, lo malo es que ahora este enfoque no resulta del todo acertado, y además es algo que ya se exploto demasiado anteriormente.
Siendo honestos “Hi! Dharma 2 está bastante lejos de ser una película entretenida, tampoco es pésima, pero el querer llevarse una tajada de la taquilla con secuelas de cintas exitosas a veces no es la mejor formula para hacer una película.
Café Lumiere (2003)
Buscando nuestro Café
Por Kino no Youko
Me reconozco inepto. Es para mí matemáticamente imposible comentar “Café Lumière”. Es un film que posee un contexto vastísimo, imposible de recrear en un par de párrafos, sin embargo, es un desafío poder entregar mi opinión de esta obra cinematográfica.
Cualquiera que investigue un poco del origen de esta película descubrirá que corresponde a una suerte de homenaje a uno de los grandes del cine asiático, me refiero a Yazujiro Ozu. Concretamente, el film tiene mucho de “Tokyo no yado”, conocida como “Historias de Tokio” -entre otras obras de este director-; donde la métrica fílmica, el sustrato de planos, escenas y encuadres posee el toque del gran maestro. Por si cabe alguna duda del homenaje que el taiwanés, Hsiao-hsien Hou hace a Ozu, la película fue estrenada en el centenario de la muerte del maestro, siendo Ozu por muchos comparable a Kurosawa, pero situándose en el límite del cambio de siglo.
El homenaje no sólo se enmarca en lo estilístico, sino también es su línea argumental. Temas como la incomunicación en la familia, los vínculos matrimoniales hoy en día, el compromiso, la responsabilidad social, etc. son temas recurrentes en Ozu. Y de alguna forma, Hsiao-hsien los hace presente en “Café Lumière”.
El tren parece ser una vez más como en otros films, un tema de interés, una señal que nos guía la mirada en la película. Pero esta vez “el tren” no es visto como una línea temporal -como por ejemplo puede interpretarse en “Peppermint Candy”- sino que esta vez esa mole de fierros y ruido es lo que nos azota en una realidad desnaturalizada, deshumanizada y fríamente individual. Probablemente los trenes en sí mismos sean los lazos afectivos. Lazos que cada vez más cuesta entablar, no sólo con desconocidos, sino también con nuestros propios seres queridos; tal y como se ve en la película.
Siendo breve, la trama muestra la vida de Yoko (Hitoto Yo), una joven que por bastante tiempo estudió y trabajó en Taiwán y desea ser escritora. Tras minutos de cinta, les confiesa a sus padres que será madre, y que no quiere casarse. Poco a poco surgen las verdaderas motivaciones de la chica, quien está en una ferviente búsqueda, hurgando en el pasado, con el fin de dar con la vida de músico compositor taiwanés que vivió en Japón décadas atrás. Otro de los protagonistas es Hajime (Asano Tadanobu), quien es su mejor amigo. Pese a trabajar en una modesta librería, su verdadera pasión-que comparte con Yoko- son los trenes. Juntos ocupan su tiempo libre en grabar los sonidos de las cadenas y el ambiente de cambio de estación ferroviaria que se encuentran a lo largo de Tokio.
Es importante notar que el único punto de unión en la película -tanto en relaciones familiares como en amistad o afectivas- son debido al vínculo directo o indirecto de los trenes. Esto, por sí mismo, reafirma su significado de símbolo que genera lazos comunicando personas en el film.
En suma y bajo estos aspectos, “Café Lumière” comienza a despegarse del deslavado homenaje que mucho del cine mundial nos tiene acostumbrados: re-estrenos de películas sin ningún aporte constitutivo. Esto, afortunadamente no ocurre aquí.
El film se eleva del estricto homenaje, entendiendo que una copia de códigos, trama, forma y visión de hacer cine, es una ofensa contra un gran director. Hsiao-hsien además de reconocer el legado de Ozu, a su vez propone.
Hsiao-hsien no busca recrear a un Ozu en el film. No busca cámaras fijas, encuadres estrictos; en definitiva, no busca pureza… busca una historia, busca algo que contar.
Ozu, es para muchos un hacedor de cine, no un director. Cual artesano torna realidad. Simple, minimalista, sin adornos ni adjetivos. Su esencia; la pureza.
Hsiao-hsien, busca un mensaje. Busca una señal con la cual guiar. Busca tan afanosamente que es probable que con nosotros también él busque en el film. Cámaras, planos conjunto, y pocos, muy pocos primeros planos son algunas de sus herramientas en la representación de no tener nada concreto, nada seguro ni sólido ya que es ese precisamente su objetivo.
Café Lumière, al igual que la vida de Yoko, es una constante interrogante. No reivindica, ni toma partido, sino que sólo busca. Escudriña un punto de unión -así como lo hacen los trenes- pero esta vez, un punto que sea un puente entre generaciones, afectos, experiencias… en suma, que una personas.
¡Queda tanto por hablar!… Cuando la vean cuenten y relacionen cuántos primeros planos hace, noten que muchas veces la cámara parece ser un niño ocultándose y saliendo a hurgar el mundo… Noten que no es casualidad que Yoko esté embarazada y que los trenes confluyan en agua; lo cierto es que así como el tren, ese niño de igual manera esta rodeado de líquido… Vean el dibujo del Notebook, vigilen los sueños que Yoko cuenta…
Presten atención a la hora 4:05 minutos… Hay muchas cosas que contar y decir; pero sería muy poco apropiado que cuente lo que los ojos deben observar… Al momento de ver el film, todo estará en nuestra contra; escenas largas, planos desgastantes, y al último: Esperanza. Finalmente debemos buscar ese café, tranquilo, y casi mítico. El “Café Lumière”, que nunca llega, pero siempre juega como niño ante nuestros ojos.
Este film corresponde a una película de festivales, para muchos un tormento aburrido sin razón de ver. Pero les aseguro que para los que siguen el cine de verdad, es un tema obligado a conversarlo alguna vez, en algún lugar.
Jail Breakers (2002)
El gran escape
Por Master of Hate
Uno de los directores que ha tenido un éxito constante en las taquillas coreanas es Kim Sang-jin, quien tiene un estilo bastante particular cuando de hacer comedias se trata. Su trabajo más conocido probablemente sea “Attack at the Gas Station”, sin duda una cinta brillante. “Jail Breakers” tiene ese “toque” particular que Sang-jin sabe dar a sus películas, y aunque no sea la mejor de su filmografía, es suficiente para satisfacer a los amantes de las comedias.
En esta ocasión tenemos a un par de reclusos (papeles interpretados por Sol Kyung-gu, “Oasis” y Cha Seung-won, “Kick The Moon”) que desesperadamente intentas escapar de prisión. Cada uno tiene distintas razones para hacerlo, sin embargo, una vez que lo consiguen (de manera muy clásica por cierto) se enteran de una terrible noticia que les obliga a intentar regresar tras las rejas sin que nadie se entere de lo que hicieron.
“Jail Breakers” es puro cine de Kim Sang-jin, es decir, tenemos batallas campales, persecuciones, situaciones absurdas y protagonistas que están lejos de ser tipos normales. Tenemos una excelente película para pasar el rato, puro entretenimiento que se aleja de las comedias románticas y tanto cliché.
El único problema que presenta “Jail Breakers” es cierta inconsistencia que por momentos hace sentir que la historia se extiende un poco más de lo necesario. Por otro lado también está el hecho de para algunos la historia puede ser un tanto vacía y simple, de todos modos, no creo que se le pueda pedir mucho a una comedia, y menos aún, si se conoce el estilo de este director.
Disparatada, hilarante, y caótica, así es “Jail Breakers” que al llevar la firma de Kim Sang-jin, se convierte en una película muy recomendada. Quienes estén familiarizados con este director, quedarán conformes con esta película, y quienes aún no hayan visto nada de él, probablemente ésta sea una buena forma de empezar a desgranar su filmografía.
Now and Forever (2006)
Al final siempre…
Por Master of Hate
Últimamente parece que hacer comedias románticas apoyadas siempre en la misma idea es una tendencia muy marcada, cosa que no resulta algo precisamente agradable. Es obvio que las llevan haciendo desde hace ya bastante, pero el fallo está en que su desarrollo se esta tornando tan paralelo que parece como si se estuviera recurriendo siempre a la misma fórmula y no hay intención de salir un poco de ese esquema. El problema surge cuando la película no te recuerda a “aquélla” de hace unos meses, sino a ésa de hace 2 semanas.
“Now and Forever” (Love Tree) es una cinta que tiene demasiados puntos en común con películas del tipo “A Millonaire’s First Love” o “My Girl and I” y éstas a su vez tienen antecesoras como “Last Present” o “Scent of Love”. De este modo “Now and Forever” primer trabajo de Kim Seong-jung puede ser para muchos una historia anodina que no trae absolutamente nada nuevo, y que ya se ha hecho ya 40 veces. Lo peor de todo es que por más que este trabajo no este del todo mal, el panorama se ha saturado tanto que decantarse por ver esta película no es algo muy recomendable, a menos que la única exigencia sea una historia simple y con buenas actuaciones.
Esta saturación se refleja en las taquillas, en donde parte considerable del público (sobretodo adulto) ha preferido un género distinto, acudiendo a ver trabajos como “The King and The Clown” y “Forbidden Quest.” mientras que las cintas al estilo “Now and Forever” apuntan mucho a un determinado sector, aún así, muchas como ésta pasan desapercibidas. Kim Tae-gyoon (“A Millonaire’s First Love”) es quizás uno de los directores más reconocidos por enfocarse mucho en un sector muy específico (el público joven) y también ha demostrado que se puede alcanzar un respetable éxito comercial usando las formulas que he mencionado anteriormente. Otro motivo por el cual siguen apareciendo muchas de estas películas es porque tienen como meta el mercado extranjero, véase el ejemplo de “Almost Love” que antes de salir ya se había vendido a Japón. Al parecer algo similar ocurre con “Now and Forever” ya que tener como protagonista a Choi Ji-Woo (quien es increíblemente famosa en Japón) parece no ser casualidad.
La trama es más o menos así: Lee Min-su (Jo Han-seon) es un mujeriego empedernido y descarado que un día conoce a Han Hye-won (Choi Ji-Woo), una dulce y tierna joven que cautiva su corazón. Poco a poco Min-su aprende con ella lo que es el amor de verdad e intenta conquistarla, pero cuando parece haberlo conseguido algo terrible atenta contra su felicidad.
La primera parte de la película (como ya es costumbre) juega mucho con la comedia y el romance. Tenemos básicamente lo mismo de siempre: situaciones cómicas, risas, romance, y diversión; todo esto muy bien hecho a fin de que sintamos aprecio por los protagonistas. La segunda mitad, nos sumerge en la tragedia y todo lo que era felicidad y risas, termina en penurias, pesar y, desde luego, lágrimas.
No tengo absolutamente nada en contra de estas tramas ( tampoco tendría derecho a ello) pero creo que es bastante obvio que si no se es un seguidor muy entregado a este tipo de historias, es posible que haya más de una decepción; por otro lado, quienes disfrutan de ellas, lógicamente quedarán en cierta medida contentos con ésta.
Un par de cosas que hay que reconocer es que tanto Jo Han-seon (Romance on their Own) como Choi Ji-Woo (“First Kiss”, “Nowhere to Hide”) llevan a cabo buenas interpretaciones, además la fotografía destaca bastante, sobretodo por los jugares elegidos para el rodaje, además de numerosas escenas bajo la lluvia, cosa que no sorprende si se toma en consideración que el director ha trabajado con Lee Myeong-se (Nowhere to Hide) así que en cuanto a lo visual, las ideas deberían sobrarle.
“Now and Forever” es lo que es: un largometraje que ya se ha hecho varias veces con otros rostros y en otros escenarios. Lo más probable es que ésta no sea una buena elección para la mayoría.
Buffalo Boy (2004)
Entre las 2 Estaciones
Por Kino no Youko
Tuve la suerte -o mala fortuna, no estoy seguro- de comentar la película con un grupo de gente, que por cierto, no comparte mi afición por el cine oriental. Y la pregunta -casi retórica- más recurrente, es: Y esas películas, ¿qué tienen que ver con nosotros? El sentimiento se agudizó aún más al confesarles que se trataba curiosamente de una película Vietnamita, siendo uno de los países menos conocidos y fértiles en materia fílmica.
La película, ambientada cercano a 1930, tiene mucho de relato cultural-histórico, describiendo muy bien la situación y antecedentes del siglo XIX. Contextualiza de forma notable la trasmisión de las dinastías de Vietnam para dar paso a la colonización Francesa del territorio. Posteriormente fue el turno de Japón, pasando de una mano a otra, cometiéndose una escalada de abusos con un pueblo pobre y simple, obligados a una vida dura y muchas veces corta. Finalmente, el poeta revolucionario Ho Chi Minh pondría fin a los días oscuros de Vietnam proclamando su tierra, la República Democrática de Vietnam.
Aún conociendo el yugo y herencia de Vietnam, es imposible no compadecerse lo suficiente ante esta historia llevada al cine. Su argumento, así como su titulo, es simple. Familias de granjeros del arroz, tienen sus propias batallas, en ellas no se vierte sangre, pero si, muchas lágrimas. La naturaleza y religión hacen una amalgama perfecta. Y todo se resume en dos conceptos: Estación seca, y estación lluviosa.
Kim es un joven de familia pobre quien vive con sus padres en el delta del río Mekong en Ca Mau. A temprana edad debe hacerse cargo del sustento familiar al estar su padre ya viejo y no en las mejores condiciones de salud. Así, este joven debe asumir la responsabilidad de todo hombre. Mantener su único bien familiar para así comer en un futuro. En plena estación húmeda, sin forraje para las bestias, donde el horizonte cada mañana se hace de lluvia; Kim debe conducir a sus dos búfalos hacia terrenos altos, no inundados, para con ellos, poder cultivar arroz en la próxima estación seca.
La película destaca por su lírica en la imagen. Propone cómo es posible contar una historia dramática con escenas bellas. Muestra la responsabilidad y la independencia, el paso a la adultez y las opciones de valor. Temas como la guerra, violaciones; así como también, el amor, el deber y la amistad penden de tenues nubes y caen livianas, como la lluvia, en la pantalla. Su poesía es elogiada en muchas premiaciones, ganando más de 5 premios importantes a nivel internacional, en Europa, Asia y América, haciendo de Minh Nguyen-Vo, uno de los directores conocidos internacionalmente de su país.
Hay muchos temas importantes; no quiero olvidarlos. Comentarios, frases que nos gatillan preguntas. La ofrenda a los antepasados, con la visión religiosa moderna presenta la latente mezcla de creencias en su pueblo. Secuencias de imágenes que sólo muestra una fe y entrega hacia un sólo “estar”; estar con la naturaleza, estar con el mundo hasta que llegue la hora de estar sin él.
¡La música! La flauta y las melodías son las que potencian el paisaje. Un camino que sólo hay que caminarlo acompañado. La tarea de arrear búfalos es solitaria, aunque se esté lleno de gente.
A veces vivimos en estaciones lluviosas… Y también nos parece ver la muerte de lo bello, lo útil… lo bueno. ¿Sepultaremos a nuestros padres cuando se hayan ido? ¿Rezaremos en cada templo cada vez que nos encontremos uno en nuestro camino? ¿Marcharemos con los búfalos, haciendo que incluso los monjes, que se olvidaron del mundo, salgan de los cerros a verlos marchar en manada? ¿Dónde quedará la vida si dejan de existir las dos estaciones?
La muerte es un tema importante. Así como lo dice el propio Kim, “el agua es negra, porque hay cosas muertas en ella. Hay árboles, hierba, hombres… y también búfalos”
Todos son temas de la película, pero a su vez, también son mis temas, y la verdad… nuestros temas. Si los verdaderos bienes del hoy -los reales, no los inventados- son nuestros “búfalos”, se torna un gran desafío asumir tal responsabilidad. Sin embargo, muchas veces tristemente nos acomodamos entre las dos estaciones con preguntas convenientes como: ¿Qué tiene que ver con nosotros?
Long Dream (2000)
El miedo a la realidad
Por Kino no Youko
“Soñé que era una mariposa, volando y volando
en el cielo; entonces desperté. Ahora me pregunto:
¿Soy un hombre que sueña ser mariposa, o soy
una mariposa que sueña ser hombre? “
- Chuang Tsu / Chuang Tse
Pese a muchas deficiencias, “Nagai yume”, como es conocido el telefilme pensado para TV en Japón, increpa de manera muy pura la raíz del miedo en nuestro hombre de hoy:
El miedo a perderse en una realidad ajena a la propia vida, ensimismarse en su existencia a tal punto de desligarse de ella, de la sociedad, del mundo y finalmente de él mismo.
Es sumamente curioso que mientras investigaba información sobre esta historia, haya dado con algo fundamental que servirá como antecedente importante en la lectura de la película. Lo siguiente aparentemente no tiene que ver con la trama, o descripción de la historia en sí, sino más bien es un anexo importante a considerar, sobre todo una vez concluida la película.
La Paroxetina, es un fármaco de ocupado en psiquiatría para el tratamiento de una de las enfermedades más conocidas, pero no por ello menos comunes del día de hoy. El medicamento combate de manera satisfactoria la denominada “Fobia Social o Trastorno de Ansiedad Social”. Siendo ésta una enfermedad que provoca el experimentar incertidumbre, ansiedad e inseguridad al conocer a personas nuevas debido a un gran grado de ansiedad provocado por estas situaciones.
La fobia social, tiene tratamiento muchas veces de por vida. Pero sin este tratamiento, quien la padece, lleva una vida insufrible. El mundo es un completo extraño y lleno de trampas que mermaría la autoestima, calidad de vida, etc. tendiendo, quien la padece, al aislamiento y evasión de la realidad.
Lo curioso de todo esto es que uno de los efectos secundarios de la Paroxetina, según lo que muchos pacientes han informado, es justamente la sensación de que en el sueño las cosas y situaciones que se viven gozan de mayores detalles, mayor nitidez en la retención de datos y experiencias, lo que en definitiva les da la sensación de que sus sueños parecen durar más de lo que realmente duran.
Son muchas las coincidencias. Si consideramos que, la trama del film trata de un neurólogo y su asistente quienes trabajan en una clínica de terapia y tratamiento de pacientes en Tokyo, muchos de ellos ligados a la psiquiatría.
La historia muestra la vida de dos de los internos, siendo el primero una joven a quien le detectaron un tumor cerebral benigno, sin embargo, está internada debido a sus serios cambios de ánimo. Su condición la tiene convencida que la mayor parte de las noches es visitada por el espíritu de la Muerte quien se presenta en la forma de un ser horrendo, con garras y rostro desfigurado. Lo interesante es que no se trata de la Muerte, sino de otro paciente que está bajo los cuidados de ambos médicos en la clínica y la visita. Él se encuentra internado por estar aquejado de una rara enfermedad que no le permite distinguir los sueños de la realidad y atestigua que sus sueños duran, días, meses e incluso años…
Es una historia interesante. Pese a la precariedad técnica y el bajísimo presupuesto con que contó en su rodaje, “Long Dream” es una historia de verdad muy buena. Lo onírico y psicodelia se juntan formando un relato que atrapa y seduce. Una idea que quizá alguien, algún director con visión tome y desarrolle quedando esta pieza como su antecedente.
A cargo en la dirección Higuchinsky, al igual que en “Uzumaki”, se presenta una historia rara, psicótica y representando de manera muy digna el horror hacia la locura y la perdida del juicio. Cerca de una hora para una historia de culto entre los seguidores del terror asiático.
My Wife’s Murder (2005)
A mitad de camino
Por Casandra
Remake de “Madhyanam Hatya” (película filmada en Telugu), “My Wife’s Murder” dirigida por Jijy Philip adelanta desde el título el hecho central de la trama. El matrimonio de Ravi y Sheela atraviesa una dura crisis por los celos desmedidos de ella y la dificultad de ambos para comunicarse. La tensión los conduce a un desenlace fatal.
El film acierta con el planteo preciso del conflicto entre Ravi y su esposa. Luego del accidente, la historia centra su desarrollo en la reacción de Ravi y en sus acciones para esconder el crimen. El guión se apoya entonces en una narración que pone en primer plano el impacto psicológico en Ravi, adoptando un tono más introspectivo.
A partir de la investigación, el director Jijy Philip intenta crear suspenso sin alcanzarlo plenamente. Philip no consigue dotar a la historia de espesor, logrando un desarrollo y una final previsible.
Los personajes secundarios, como Reena (la compañera de trabajo de Ravi), su novio y el policía, están bien caracterizados por Nandana Sen, Rajesh Tandon y Boman Irani. Reena, buena y compasiva, es la antítesis de la exasperante Sheela, interpretada por Suchitra Krishnamurthy. Anil Kapoor, como Ravi, ofrece una excelente actuación componiendo al atribulado protagonista. Incluso desde el vestuario, Ravi denota el estado de ansiedad y miedo en el que vive.
La música de Amar Mohile no agrega mucho a la puesta en escena, de hecho, tiñe de artificialidad un relato que se apoya en una estética de tipo realista.
“My Wife’s Murder” combina buenas actuaciones y climas logrados con un desarrollo algo errático y un final previsible. El resultado es un film que en algunos momentos atrapa al espectador, mientras que en otros hace que pierda el interés. Aún así, es un interesante producto de Bollywood.
Mr. Butterfly (2003)
Vivir con estilo
Por Master of Hate
“Mr. Butterfly” o “Nabi” es un melodrama que difícilmente podríamos calificar como original, pero aún así se hace difícil ignorar los melodramas coreanos porque siempre tienen algo para ofrecer. Esta vez el encargado es Kim Hyeon-seong, que en su primera película hace un despliegue interesante de ideas, que si bien no son frescas, sí ofrecen una dosis decente de entretenimiento y de lo que muchos quieren ver.
Min-jae (Kim Min-jong), arto de una vida aburrida y sin lujos, decide dejar su tranquilo pueblo y buscar fortuna en Seúl. Sin embargo Hye-mi (Kim Jeong-eun), su dulce, ingenua y linda novia, no está de acuerdo y se opone tenazmente. La promesa de Min-jae de volver dentro de un año la convence y, aún dubitativa, acepta la decisión. Min-jae espera convertirse en un hombre con poder y dinero en Seúl para disfrutar de la vida de lujo que siempre soñó, pero en su búsqueda, se olvida de la promesa que le hizo a Hye-mi. Luego de 5 años se vuelven a encontrar, y parece que nada volverá a ser como antes.
Una historia de abandono y reencuentro, de rechazo y arrepentimiento, es lo que encontramos en esta interesante película que tiene un sabor particular. “Nabi” de principio a fin es una cinta que puede dejar cierta sensación de frustración, debido a que tiene cosas muy buenas, pero que no esta libre de altibajos. Entre las cosas buenas de “Nabi” está el hecho de que visualmente es muy correcta, tiene la dosis de melodrama/acción que dan forma a la historia de amor. Las actuaciones son buenas, y la música también tiene sus buenos momentos. Pero por otro lado, cae en la trampa de una historia extremadamente previsible, así mismo está llena de clichés, cosa que muchos detestan.
La historia va mucho más allá del reencuentro, en realidad es allí donde comienza la trama. No obstante, a pesar de avanzar notablemente, se hace un tanto pesada por lo obvio que resulta su desarrollo. Ahora, esto puede ser un problema, dependiendo de qué es lo que se busca en un melodrama. “Mr. Butterfly” no hace ningún intento de brindar sorpresas, una historia compleja, o personajes mas desarrollados. Se apega mucho más a la estética de amor incondicional y se apoya precisamente en la química que es capaz de crear los protagonistas.
Un motivo para que la cinta no caiga en la mediocridad es la actuación de Kim Jeong-eun (“Fun Movie” “Marrying the Mafia”) que tiene una destacada interpretación de su personaje. Se hace interesante verla en una cinta más seria, luego de aparecer en numerosas comedias románticas. Kim Jeong-eun es un actor que no conozco y que en esta cinta cumple con su papel, pero no es necesariamente algo memorable.
“Mr. Butterfly” es un melodrama que brinda lo que tiene que brindar, así que quines quieran ver algo más que escenas de amor, acción, abrazos y lágrimas, no deberán prestarle atención.
Forbidden Quest (2006)
Buscando inspiración
Por Master of Hate
Siguiendo el éxito de “The King and the Clown”, “Forbidden Quest” es otro interesante film que toma lugar durante la dinastia Chosun. Resulta interesante ver que comparte ciertas características con el filme antes mencionado. Se trata de una historia que mezcla humor, drama, y un argumento un tanto picaresco y muy distintivo. Interesante opera prima del Kim Dae-woo, que se estrena con el pie derecho.
Yoon-seo (Han Suk-kyu) es un famoso escritor de la época que casualmente se topa con un libro muy particular mientras realiza la investigación de una pintura falsificada. Este misterioso documento resulta ser una novela erótica o "indecente" como dicen ellos, cuyo contenido escandaliza pero fascina a Yoon-seo. Este, decide probarse a sí mismo como escritor y decide incursionar en este tipo de novelas. A pesar de ver que es capaz de hacerlo, necesita la inspiración y ayuda de alguien para poder llevar sus historias a otro nivel. La elegida para ayudarle es nada menos que la mujer del Rey.
No cabe duda que “Forbidden Quest” es película muy interesante que quienes vieron “The King and the Clown” o “Untold Scandal” van a disfrutar, de hecho, el director de esta película fue el guionista de “Untold Scandal”. La cinta contiene mucho humor, pero no es directo, grosero o vulgar, más bien es ligero, moderado, pero constante durante la primera mitad. Se hace mucho hincapié en la condición moral de los nobles y del mundo que ellos no conocen.
La primera parte de la cinta cuenta con humor, sátira y una trama muy llamativa; hay ciertos diálogos que son simplemente geniales. La segunda mitad, decae un poco, al incluir algo más de drama, y posteriormente otro giro abrupto hace las cosas demasiado trágicas para mi gusto. No es que no esté mal cambiar la dirección de la historia, pero si resulta un tanto exagerado el giro que se la da con respeto a lo que plantea la película en su primera parte.
Las actuaciones son bastante buenas, destacan obviamente Han Suk-kyu (“Green Fish”, “Double Agent”), Kim Min-jung (“Flying Boys”) y Lee Beom-su (Mr Gam’s Victory”, “Short Time”). Como suele ocurrir en estos casos, el vestuario ha sido muy cuidado, al igual que la ambientación y la fotografía y la música.
“Forbidden Quest” es una película que sin ser ninguna maravilla, aporta mucho por su originalidad, humor y visión particular sobre la época. No se convierte en un visionado obligatorio, pero si debería tener especial consideración para aquellos que quieran ver un humor diferente y una buena trama ambientada siglos atras.
The King and the Clown (2005)
Fiesta en el palacio
Por Maste of Hate
"The King and the Clown" ha marcado nuevas cifras de recaudación en las taquillas.
Quizás no resulte sorpresa que siga habiendo películas que establecen nuevos records cada año; lo que si puede resultar curioso, es el tipo de cinta que lo ha conseguido en esta ocasión. A diferencia de películas como Taegukgi", "Silmido" o "Welcome to Dongmakgol"; "The King and the Clown" se aleja de los conflictos bélicos y recurre al pasado histórico para construir su trama. De este modo tenemos algo sustancialmente distinto con unos ingredientes interesantes que hacen del visionado de esta película algo especial.
Dentro de lo que es el contexto histórico, la historia se sitúa a finales del siglo XV y principios del VXI. Aquí vemos a un grupo de artistas callejeros, una especie de “juglares” que se ganan la vida entreteniendo a la gente. Entre ellos hay un joven cuyos rasgos físicos, y personalidad son extremadamente femeninos por lo que es víctima de la lujuria de hombres de poder. Envista de esta situación, Jang-sang (Kam Woo-seong) decide llevarse a su "amigo" Gong-gil (Lee Jun-gi) para que no sea explotado. Su nuevo destino es Seúl en donde planean montar un gran espectáculo que termina siendo una sátira de lo que ocurre en el palacio real, y cuyo principal espectador será el mismo rey.
La primera pregunta que puede surgir es: “¿Qué tiene de especial esta película?”. En realidad han sido una serie de factores los que han disfrutado su popularidad. No es sólo el hecho de que sea una película basada en la historia de las dinastías en Corea, ya se han hecho varias películas en esa línea, siendo un ejemplo destacado “Untold Scandal”. Sin embargo hay que hacer una diferencia entre este tipo de filmes, pues tenemos las que son de cierto modo “más” ficción como “Bichunmoo” o “The Duelist” y las que representan más el lado histórico como “Chihwaseon” o la mencionada “Untold Scandal” de esta manera “The King and the Clown” caen más dentro de esta última categoría.
Otro de los elementos que causaron cierta curiosidad es el tema de la “homosexualidad” que en realidad no se termina encarando de manera directa; y aunque haya cosas muy reveladoras, hay otras que no se aclaran del todo. Hay muchas anécdotas que se podrían rescatar sobre este asunto, sobretodo con respecto a Lee Jun-gi, sin embargo terminaría sabiendo un poco a “prensa rosa”.
Algo que si se puede destacar como determinante para el éxito de la cinta es que en realidad sea más una sátira que cualquier otra cosa. La crítica al poder de los gobernantes es algo que ha resultado de especial interés para muchos y allí esta otro de los tirones que llevo al público llenar las salas.
Visto fuera de Corea, quizá sea un poco sorpresivo el hecho de está película haya llegado tan lejos, y es que tanta resonancia parece un poco exagerada para la calidad de la película. En realidad es comprensible, pues personalmente considero que es un trabajo muy interesante, pero no me ha impactado, ni considero que se trate de ninguna obra maestra.
La mayoría de apartados se merecen un razonable aprobado, y si tuviera algo que destacar seria el vestuario y las coreografías. Todo ese folclore, bailes y danzas son especialmente llamativos. Sobre el argumento, prefiero no comentar nada en concreto y dejar que cada quien lo descubra por su cuenta.
Se dijo en su momento que la película carece de nombres importantes en el reparto. Puede ser que no haya un actor extremadamente cotizado, pero Kam Woo-seong (“Spider Forest”, “R-Point”) y sobretodo Jeong Jin-yeong (“Wild Card”, “Green Fish”) que es bastante conocido, son figuras importantes en el panorama local, sobre todo este último que ha aparecido en numerosas producciones.
En un país en donde el cine es un tema de moda y motivo de orgullo para sus habitantes, se hace un poco difícil predecir que película alcanzará el nivel de impacto de esta cinta que se comercializara fuera con el nombre de “The Royal Jester”. De momento lo que queda es disfrutar de esta simpática película sin tratar de buscar equivalencias entre su popularidad y su calidad.
Together (2002)
Entre el éxito y la felicidad
Por Kino no Youko
¿Dónde está el alma del violín? Lo cierto es que el “alma” de un violín es una pieza que compone su estructura. Corresponde a una pequeña barrita cilíndrica de madera, entre tabla armónica y tabla. Curiosamente el alma en un violín cumple dos funciones: Trasmitir de mejor forma los sonidos en la caja de resonancia y ser soporte estructural para la gran tensión que sufre.
Haciendo un paralelo con la película, Xiaochun, joven violinista, es el alma de ésta. Presta soporte a la estructura dramática y a su vez trasmite sonidos, que en este caso son el eje emotivo de la historia.
El argumento del film consta en cómo el joven violinista provinciano Xiaochun (Yun Tang), de tan sólo 13 años, viaja con su padre, Liu (Peiqi Liu), hasta Beijing para buscar oportunidades en materia de interpretación musical, siendo el joven un prodigio en el violín. Debido a la línea dramática, los protagonistas deberán enfrentar una serie de decisiones éticas las cuales finalmente se reducirán en emitir un juicio de valor y decidir en base a ese análisis.
El punto gravitante del film podría resumirse en el mismo dilema que tuvo en su tiempo el mítico Aquiles quien recuerda la historia, que antes de marchar a la guerra, Tetis, su madre, le confiesa que según el oráculo, es posible que tenga 2 destinos:
Si Aquiles se quedaba tendría una larga vida, placentera y tranquila. Sin embargo, si se marchaba e iba a la guerra, sería muerto rápidamente, pero el tiempo llenaría de gloria su nombre y finalmente sería inmortal. Aquiles al escuchar esto, decidió elegir la gloria, y partió a la guerra.
¿Qué es más importante, el éxito o la felicidad? Así mismo como las funciones del alma de un violín, felicidad o éxito son los dos caminos que tiene Xiaochun en su interior. Y como Aquiles debe decidir por un camino. Uno es etéreo y el otro concreto y medible, uno es interpretable y el otro establecido. Uno es personal y el otro es social. Esa es la medular pregunta que nos propone Chen Kaige, premiando realizador de "Adiós a mi Concubina", ("Ba wang bie ji", 1993). Con "El Violinista" propone una decisión ética y por lo demás muy actual sobre como debemos conducirnos en la vida.
Temas importantes como familia, los afectos, determinación y entrega son las cuerdas de este afinado violín que a ratos suena tocando fibras profundas en el espectador. La relación padre e hijo, el bien común versus el bien personal, etc. son tópicos que giran en cada instante. Ambientada en el mundo moderno, sin duda trata sobre temas sin tiempo, como en el mito de Aquiles en la Iliada, pero a su vez decisiones muy actuales.
Siempre es un agrado ver películas que invitan a reflexionar sobre como hemos hecho las cosas, tanto personalmente, así como sociedad, y éste film corresponde a uno de esos.
Un pincel de crítica social actual, dignificando oficios actuales mal mirados y discriminados como la labor de los campesinos, prostitutas etc. La vieja y la nueva China se ven reflejadas. La frivolidad del mundo de lo material con el sustento del alma que representa en sí la música.
El film ganador de la Concha de Plata con Peiqi Liu como el Mejor Actor y ganando Kaige el premio de Mejor Director en el Festival de San Sebastián en el 2002, tres Gallos de Oro, considerándose este premio en China como los Oscares de Estados Unidos, en las categorías de Mejor Director (Kaige), Mejor Edición (Zhou Ying) y Mejor Actor de Reparto (Wang Zhiwen). Además del galardón al film como Mejor Película Internacional en el Festival de Florida en el 2003 son entre otros los premios que le han otorgado en los diversos festivales y premiaciones a las cuales se ha presentado. Otro film imperdible que está a la altura de su ya mítica obra, “Adiós a mi concubina.”
The Scent Of Love (2003)
Deja vu
Por Master of Hate
“The Scent of Love” o “Scent of Chrysanthemums” título como también se le conoce a esta cinta, es otro interesante melodrama que sin duda resulta apetecible por los seguidores más acérrimos del género. Para el resto, la película puede no ser del todo complaciente y terminar siendo una historia bastante floja y hasta aburrida.
Choi Jeong-rae (Song Seon-mi) llega a Corea después de vivir mucho tiempo en los Estados Unidos. A su llegada, se enrola en la universidad, allí conoce a Min Hie-jae (Jang Jin-Young) de quien se enamora perdidamente. Lamentablemente, ese amor no es correspondido y Min Hie-jae termina casándose con otra persona. Aunque el destino parece haberlos separado un trágico accidente deja a Min Hie-jae sola y con grandes traumas psicológicos que no parece ser capaz de superar. Han pasado varios años, pero Choi Jeong-rae aún no ha la ha olvidado y quizás él sea el único capaz de devolverle las ganas de vivir.
Estamos ante una película bastante típica y predecible, una historia de amor muy bonita, simple, que no tiene sorpresas. Probablemente, hayan una cantidad enorme de cintas similares para comparar, en realidad no tendría caso hacerlo. “ The Scent of Love” no hace gala de ningún elemento memorable. La historia en sí no se molesta en brindar algo distinto a lo que se puede esperar. Esto no es un problema, a menos que uno lo mire como tal, es decir, todo depende de lo que uno busque.
La relación entre los protagonistas, se desarrolla de modo lógico y más o menos llega a ser convincente, aunque el problema radica en la extremada lentitud que algunas escenas, que no tienen mucha trascendencia. Las actuaciones en esta ocasión parecen haber estado un poco por debajo de lo esperado con excepción de Song Seon-mi (“Liar”, “Mokpo the Harbor”) que ayuda en gran medida a que la historia no pierda demasiado. Uno de los mayores problemas que presenta el film es que llega a dar la impresión de que hay partes innecesarias que no sólo no aportan mucho, sino que disminuyen el interés en el argumento y por ende salen sobrando. Quienes no disfrutan demasiado de las historias lentas, probablemente terminarán algo irritados.
Una película que vale más por su mensaje que por sus elementos cinematográficos. Una visión triste pero a la vez positiva del amor en tiempos difíciles. No se trata de un debut especialmente bueno de Jeong-wook como director, sin embargo la película, como dije al principio, bien puede ser más que suficiente, para quien no busca más que un melodrama bonito, bien hecho pero sin sorpresas.
Quill (2004)
El mejor amigo del hombre
Por Master of Hate
“Quill” es una de esas películas que son para ver dos veces o por lo menos de las que no se olvidan fácilmente. El director Yoichi Sai, de ascendencia coreana, ha realizado numerosas cintas de las cuales fácilmente destaca “Blood and Bones” por tener a Takeshi Gitano como protagonista.
“Quill” funciona quizás un tanto más como documental que como drama, aunque puede encajar bien en cualquiera de los dos. Probablemente no haya mucho que comentar sobre la trama, ya que básicamente seguimos la vida de un cachorro de labrador desde su nacimiento y vemos como va creciendo hasta convertirse en un perro guía. Lo interesante es ver como es el camino que tiene que atravesar, el tipo de entrenamiento al que tiene que someterse, su entorno, y el tipo de gente que aparece en su vida.
Como dije anteriormente, todo tiene un aire a documental, lo cual a veces desvía ligeramente la atención del argumento puesto que en realidad no es nada realmente complejo. Todo se limita al análisis de la vida de Quill y la de Mitsuru Watanabe (Kaoru Kobayashi) una persona no vidente que requiere de Quill para poder seguir su vida.
Cabe recalcar que la estética del film dista bastante de las películas en donde la adorable mascota se roba el show con sus hermosos trucos o sus constantes travesuras. Aquí se ve todo esto pero con mucha moderación, por lo mismo tiene su gracia, pero se mantiene sobria sin exagerar en ningún momento. Esto se refleja en el producto final que no intenta desesperadamente arrancar las lágrimas del espectador, ni siquiera intenta con demasiada insistencia hacer que simpaticemos con el can, ya que, al menos en mi opinión, es algo que fluye de modo espontáneo, gracias a la honestidad del director en su intención de hacer las cosas más creibles.
Nos encontramos ante una entrañable película japonesa que no dudo en recomendar, sobretodo a los amantes de las mascotas. Una buena elección para ver en familia y disfrutar de este gran trabajo.
Typhoon (2005)
Mucho ruido y pocas nueces (parte 2)
Por Master of Hate
Kwak Kyung-Taek es uno de los directores a quienes más respeto, y no es sólo por el hecho de que en su momento estableció un record taquillero con su película “Friend”. Sus dos producciones posteriores son sin duda excelentes piezas cinematográficas. En el caso de “Champion” tenemos un trabajo al mismo nivel que “Friend”, aunque haya quedado un poco entre las penumbras; y luego con “Mutt Boy” bajaría un poco el listón, pero no obstante sigue siendo otro largometraje excelente. Con “Typhoon” las cosas han cambiado drásticamente; se trata de un filme con el mayor presupuesto en la historia del cine coreano, (aproximadamente $15 millones de dólares) y la oportunidad de marcar otro record taquillero. Como es de conocimiento general, “Typhoon” no tuvo el impacto que se esperaba y salió por la puerta de atrás.
Grupos de piratas siembran el terror en los mares; su último ataque ha sido en contra de una embarcación Norteamericana de donde se substraen un peligroso cargamento. Sin (Jang Dong-Kun), de origen norcoreano, y líder de estos piratas, tiene un solo propósito y es destruir Corea del Sur. Los servicios de inteligencia de Japón y Estados Unidos pronto empiezan su investigación. En tanto que el servicio secreto de Corea del Sur se ve en la necesidad de resolver el conflicto antes de que intervengan las agencias extranjeras. Gang Se-jong (Lee Jung-Jae) es el escogido para llevar a cabo la investigación. La cacería se pone en marcha y está en manos de Se-jong evitar una catástrofe.
La trama es, por decirlo de algún modo, “más que familiar” y es que el conflicto entre las dos Coreas ha dado para hacer una cantidad inmensa de películas. Se ha intentado repetir la formula sin mucho éxito. Lo primero que sería conveniente dejar en claro es que “Typhoon” es una buena película, pero la brecha entre una “buena película” y una “muy buena” o “excelente película” es bastante grande.
Visualmente, la cinta tiene momentos muy bien logrados, no me cabe ni la mejor duda de que el presupuesto se gastó sabiamente y se le sacó el mayor provecho posible. Tenemos de todo: persecuciones en auto, escenarios como Rusia y Tailandia, paisajes fantásticos, aviones, helicópteros, barcos, explosiones GC’s; en otras palabras una cinta cuya estética más o menos se puede comparar a cualquier superproducción de “Hollywood”
La trama no es que sea realmente atractiva, más allá de todo, se hace familiar y hasta predecible. Sin, desde el principio se muestra como un villano sin sensibilidad, y como el antagonista, pero no pasa mucho para que salgan a relucir sus verdaderos motivos sobre el por qué de su odio hacia Corea del Sur. De este modo se contrarresta en cierta medida su imagen malévola, además tenemos un largo y detallado flashback que lo aclara todo aún más.
En cuanto a Se-jong no hay mucho que decir, se le ha dado un trato un tanto frío, y lo único que se llega a saber de él hasta casi los tramos finales, es que es un tipo sensible, cosa que es normal esperar en el personaje. Su papel en esta cinta, recuerdo un poco al que tuviera en “Last Witness”. Finalmente tenemos a Choi Myeong-ju (Mi-yeon Lee) cuya presencia es la que más aporta a la trama, dándole un toque melodramático y consiguiendo por fin elevar el nivel.
Ahora, ¿Cuál ha sido el problema? En realidad “Typhoon” no tiene nada de malo, pero por otro lado tampoco tiene nada de extraordinario. El hecho de que los efectos especiales sean de primera, no ayuda en mucho, pues se quiera o no, todo eso está ya muy visto en Hollywood y si no se sabe complementar, no pasa de ser buena pirotecnia. Los escenarios internacionales, se ven muy interesantes, de hecho parece que se rodó más, fuera que dentro de Corea. Pero así mismo, no pasa de ser un bonito añadido que necesita un complemento.
La cinta se niega a comprometer la personalidad o los valores de sus personajes de acuerdo a su procedencia. De este modo tenemos gente, tanto del sur como del norte, que son culpables e inocente. Cosa que se ha visto por ejemplo en “JSA” es decir no hay detractores, sino un problema ocasionado por las circunstancias. El problema es que a diferencia de la mencionada película. En “Typhoon” los personajes no son desarrollados lo suficiente y llega un momento en el que parecen tenerse un gran respeto y admiración sin mucho en que basarse.
Por otra parte es innegable negar el hecho de que haya cierto aire patriótico en la película, especialmente en los tramos finales en los que el heroísmo y orgullo de servir a un país parecen publicidad. Puede verse como algo innecesario y sin trascendencia, sin embargo allí se ha dejado para bien o para mal.
Sin duda la parte más interesante de la cinta está sobre la mitad de la misma, y es que para mí, el final no consigue entusiasmar, y es el colmo del “cliché” (tenia que decirlo). Lamentablemente todo termina sabiendo a poco.
En conclusión, estamos en presencia de la película más cara que ha dirigido Kwak Kyung-Taek, pero la que más fácil se puede olvidar.
Green Chair (2005)
Amor sin edades
Por Master of Hate
Aunque resulte muy poco objetivo, me veo en la necesidad de afirmar que “Green Chair” es uno de mis filmes favoritos del 2005. Ciertamente la cinta me tomó por sorpresa, aunque al final la experiencia ha sido muy grata. Luego de ver “301, 302” no esperaba tanto de Park Cheol-su, sin embargo, con satisfacción me he topado con un film que explora una relación poco común, desde una perspectiva única y surrealista.
Jung Suh, la estrella de “The Isle” interpreta a Kim Mun-hee, una esposa que a raíz de una furtiva relación con Seo-hyun (Shim Ji-ho) es condenada a prisión debido a que éste es un menor. Al salir de la cárcel, Seo-hyun la está esperando y se ve dispuesto a seguir con ella pase lo que pase. A pocos días de cumplir la mayoría de edad, (que en Corea es de 20) Seo-hyun y Jung Suh de 32 años, viven momentos de pasión, lujuria y sexo desenfrenado. Pero ¿Qué tan lejos podrá llegar su amor?
El seguimiento de la relación que presenta “Green Chair” tiene un tratamiento especial, porque mezcla todo tipo de situaciones. No se decanta por seguir una línea completamente dramática, en lugar de ello, va de la comedia al drama, y viceversa, todo esto, siempre basado en el amor que se profesan los protagonistas y en los potenciales problemas que surgen poco a poco.
Inteligentemente, el director no hace hincapié en dramatizar el hecho, en retratar las dificultades de un amor supuestamente prohibido, en vez de eso, opta por mostrar situaciones ficticias, que resultan ser sólo especulaciones de alguno de los personajes. También, prefiere mostrar varios momentos cómicos, y son precisamente este tipo de momentos los que sirven como factor determinante para el desarrollo de la relación. Resulta magistral la manera de saltar tan acertadamente de un momento dramático a uno gracioso y que todo resulte tan convincente.
Llegamos así a una escena en el que todo se torna en una tertulia, con todos los personajes opinando e intercambiando sus impresiones de la relación, del sexo, de la felicidad. Resulta increíble que se incluya está escena donde más que parecer una película parece un documental. Al final, la relación no sólo resulta satisfactoria en su evolución, sino que se hace entrañable y difícil de romper.
Si bien la el sexo, la comedia, y el romance son el terreno que más se explora en “Green Chair” un segundo visionado puede proporcionar muchas ideas con respecto a detalles ocultos dentro del film.
“Green Chair” no aporta nada realmente nuevo, pero su historia, la manera de narrar y sobretodo el elemento erótico, la convierten en una cinta imperdible.
Two Cops (1993)
Corrupción VS Honestidad
Por Master of Hate
El detective Cho (Ahn Sung-kee) y su compañero, son atrapados in fraganti luego de recibir un dinero que no les corresponde. Como resultado de este bochornoso acontecimiento, el detective Cho es castigado, aunque la peor serte se la lleva su compañero que termina despedido. Pronto, el novato detective Kang (Park Joong-Hoon) llega para incorporarse como pareja del detective Cho. Desde el primer instante se ve ansioso por hacer cumplir la ley y respetar las reglas. El recién llegado se niega a cometer ningún acto deshonroso y ve con muy malos ojos las continuas faltas que el detective Cho realiza día a día. Ninguno quiere cambiar su manera de pensar, por lo que siempre se hallan discutiendo. Dos policías colisionan y luchan por el control ¿Quién será el vencedor?
“Two Cops” es una cinta sumamente importante por varias razones. En primer lugar, es uno de los largometrajes que sirven como punto de referencia para ver el desarrollo de las cintas policíacas a principios de los 90’s. Actualmente el género es bastante explotado y se han llegado ha hacer trabajos muy importantes. “Two Cops” está influenciado por al cine de Hong Kong (incluso se hace una breve mención de éste) y a final de cuenta no deja ser una película muy cercano a la típica “buddy movie”
El responsable de está no es otro que Kan Woo-Suk, renombrado director cuyos trabajos ocuparían más adelante lugares de privilegio en las taquillas surcoreanas, algunos de los “hits” que llevan su firma son “Silmido” y las dos entregas de “Public Enemy” entre otros. En “Two Cops” su talento se puede apreciar en cierta medida, aunque obviamente teniendo en cuenta las limitaciones que debió tener.
La trama en sí, es entretenida y graciosa, aunque no en exceso, de todos modos es fácil suponer que en su momento fue una cinta fresca y atractiva, al punto que le siguieron dos secuelas.
El dúo protagónico lo conforma el conocido Ahn Sung-kee (“Musa”, “Silmido”) y Park Joong-Hoon (“Nowhere to Hide”, “A Masterpiece in my Life”) y como curiosidad se ve a un jovencísimo Kim Su-ro (“Vampire Cop Ricky”, “Dance With The Wind”) en lo que parece ser su primera aparición (muy pequeña, dicho sea de paso) en la pantalla grande
La producción es bastante correcta y es más o menos lo que se puede esperar de un trabajo hecho a principios de los 90’s. Destacan sin duda la banda sonora y el ligero, pero constante humor que nos brinda la historia.
“Two Cops” no se ha de ver con ánimos de encontrar algo novedoso u original, más bien se trata de una película agradable, sencilla, pero bien ejecutada, que deja ver en que estado se encontraba el desarrollo de la industria cinematográfica surcoreana a principios de la década pasada.
Sumario de Mayo
Hi! Dharma! (2001) 01/05/2006
The Tale of Zatoichi [1] (1962) 01/05/2006
Last Present (2001) 02/05/2006
999-9999 (2002) 02/05/2006
Short Time (2005) 03/05/2006
Chinmoku aka Silence (1971) 03/05/2006
A True Romance (2004) 04/05/2006
The Tale of Zatoichi Continues [2] (1962) 04/05/2006
New Tale of Zatoichi [3] (1963) 05/05/2006
Dance With The Wind (2004) 05/05/2006
Oh! My God (2006) 06/05/2006
Enter the Dragon (1973) 06/05/2006
Oh! Brothers (2003) 07/05/2006
Zatoichi, The Fugitive [4] (1963) 07/05/2006
Stacy (2001) 08/05/2006
Fist of Fury (1972) 08/05/2006
A Masterpiece in my Life (2000) 09/05/2006
Zatoichi on the Road [5] (1963) 09/05/2006
Zatoichi and the Chest of Gold [6] (1964) 10/05/2006
Ssunday Seoul (2006) 10/05/2006
When Romance Meets Destiny (2006) 11/05/2006
Pulgasari (1985) 11/05/2006
Zatoichi´s Flashing Sword [7] (1964) 12/05/2006
The Tiger Blade (2005) 12/05/2006
No Comment (2002) 13/05/2006
Peppermint Candy (2000) 13/05/2006
Fight, Zatoichi, Fight [8] (1964) 14/05/2006
Almost Love (2006) 14/05/2006
Junk (1999) 15/05/2006
Future Cops (1993) 16/05/2006
Steal It If You Can (2002) 17/05/2006
In the Mood For Love (2000) 17/05/2006
The Haunted Latern (1997) 18/05/2006
The Adventures of Zatoichi [9] (1964) 18/05/2006
My Beautiful Days (2002) 19/05/2006
Fighter in the Wind (2004) 19/05/2006
Robot Taekwon V 90 (1990) 20/05/2006
Liar (2004) 20/05/2006
Bola del Dragon - Empieza la magia (1990) 21/05/2006
Two Guys (2004) 21/05/2006
Killer Pussy (2004) 22/05/2006
My Boyfriend is Type-B (2005) 22/05/2006
Mc Dull, The Alumni (2006) 23/05/2006
The Foul King (2000) 23/05/2006
Ghost Soup (1992) 24/05/2006
Wild Card (2003) 24/05/2006
Down to Hell(1994) 25/05/2006
Wanee wa Junah (2001) 26/05/2006
Battlefield Baseball (2003) 27/05/2006
Vital (2004) 28/05/2006
Necromancer (2005) 29/05/2006
Kamikaze Girls (2004) 30/05/2006
The Customer is Always Right (2006) 31/05/2006
Master of Hate(234)
Fingolfin(165)
Casandra(28)
Conri(36)
Dinner Table(1)
Vampire Cop(3)
