Hidden Fortress (1958)

Viaje a la inmortalidad
Por Fingolfin

Para reestablecer la dinastía Akizuki, la princesa Yuki (Misa Uehara) y una gran cantidad de oro debe llegar a Hayakawa pasando por todo tipo de peligros y puestos de control fronterizos. Para ello contará con el apoyo del valiente general Rokurota Makabe (Toshiro Mifune), y de dos curiosos personajes ansiosos por obtener riquezas.

En primer lugar comentar un detalle enormemente curioso e interesante. Según he leído en una entrevista a George Lucas, esta película le sirvió de inspiración para algunos aspectos de la famosísima “Star Wars”. Aparte de la idea de una princesa y su protección, está el factor de los dos robots, C3PO y R2D2. Ambos son un traslado de los personajes Matakishi y Tahei, en cuanto a la manera de mostrar la historia a través de ellos, y sobretodo la interacción de ambos, añadiendo toques de humor y apoyando la trama.

Dicho esto, otra cosa que me ha recordado enormemente ha sido a la ya comentada “They Who Step on the Tigger´s Tail”, que dirigió en 1945. En aquella ocasión eran unos forajidos los que tenían que pasar numerosas dificultades para llegar a su destino, a través de zonas de control y registros.
Si continuamos relacionando un poco el film, en el aspecto de los escenarios todo se desarrolla al aire libre, en bosques o entre las montañas, y con personajes habitualmente pobres y mugrientos.

Una cosa bastante novedosa, es que la nota de humor no viene de manos de Toshiro Mifune, que en esta ocasión tiene un papel serio que consiste precisamente en aportar experiencia y calma (algo raro en sus dorados 50´s). Las risas nos llegan gracias a los dos campesinos, Matakishi (Kamatari Fujiwara) y Tahei (Minoru Chiaki), unidos por su incontenible codicia son tan valientes como se pueda imaginar cuando se trata de conseguir oro, y tan cobardes y traidores cuando se trata de los demás.
Como siempre Takashi Shimura hace acto de presencia con escasos instantes de protagonismo.

Si bien tengo que decir que no me ha gustado tanto como mis favoritas “Throne of Blood” y “Rashomon”, no deja de ser una película excelente, digna del que considero el mejor director de la historia de Japón (y probablemente mas allá). Dependiendo del tipo de espectador que la valore puede convertirse en un film mucho mejor.

Calla (1999)

Cambiando el pasado
Por Master of Hate

“Calla” es la opera prima de Song Hae-sung, director de películas como “Failan” y “Rikidozan”. En su primera incursión como cineasta, Song deja ver el potencial y la astucia que tiene para desarrollar una historia con cierta complejidad. Pero, si bien su mejor película es sin duda “Failan”, me atrevo a colocar esta “Calla” en segundo lugar, por encima de “Rikidozan” ¿la razón? puede ser un asunto de preferencias, pero aunque “Calla” pueda tener puntos débiles, tiene también cierto atractivo que me hace darle otorgarle mérito suficiente.

Seon-Woo (Song Seung-heon) trabaja en una oficina (me atrevería a decir que tiene que ver con algo de animación) y parece llevar una vida bastante normal. Seon-Woo empieza a encontrar un ramo de flores en su escritorio cada mañana (el titulo de la película nos revela que flores son) y recibe llamadas misteriosas en las que sólo escucha melodías de piano. Muy pronto Seon-Woo descubre que hay una floristería cerca en la que trabajan 2 chicas; así que luego de las investigaciones pertinentes descubre quién es su admiradora, que curiosamente resulta ser una chica que ya había visto anteriormente y que de la cual había quedado muy impresionado por su belleza. Seon-Woo tiene que viajar fuera del país unos días, pero antes de marcharse, decide confesarle su amor por teléfono. Ambos pactan un encuentro, que finalmente se da bajo trágicas circunstancias. Seon-Woo regresa sólo para ver con sus propios ojos la muerte de su amada a manos de un traficante de drogas que la tiene como rehén. Tres años han pasado desde el trágico accidente, y por una razón inexplicable Seon-Woo es capaz de regresar en el tiempo y cambiar su curso.

Si les es posible pasar por algo detalles importantes como el hecho de que una persona pueda viajar al pasado e intentar cambiar el mismo, puede ser que deseen continuar leyendo. “Calla” tiene su mayor problema precisamente en este hecho, ya que no se justifica en ninguna instancia; pero dejándolo de lado el tema de los viajes en el tiempo (aunque habrán algunos que digan que fue un sueño), es posible disfrutar de una historia de amor con algunos giros interesantes, con el potencial de satisfacer y entretener a mucho público. Entre los aciertos del director esta el desvelar el verdadero rumbo del filme cuando este se ve ya muy predecible, evitando así que esto termine estropeando el argumento. Además, la generosa cantidad de flashbacks que vemos durante el filme, logra tener el peso necesario para guiar la historia y dar sentido a la trama. De todos modos se torna un poco evidente que esto es un recurso en el que el director se apoya constantemente (un buen salvavidas por cierto).

“Calla” esta lejos de ser una historia de amor creíble, pero si la vemos tomando en cuenta el espacio donde se maneja, es posible disfrutar sin demasiada dificultad. Admito que la historia me gustó, y por este motivo he pasado por alto algunos detalles que pueden opacar el filme; porque a pesar de todo, para ser un debut, lo considero bastante meritorio. Por otro lado, suelen haber películas que piden a gritos tener un final “feliz”, o al menos no tan triste; éste es uno de esos casos en donde agradezco que haya un final aceptable sin dejar caras largas.

Las actuaciones me dejan bastante satisfecho. Esta película representa el debut de Song Seung-heon a quien más adelante se puede ver en cintas como “Make it Big” o “He Was Cool”. Completan el reparto Kim Hee-seon ("Bichunmoo", "A Man Who Went To Mars"), y Kim Hyun-joo ("Star Runner").

“Calla” es una historia de amor que nos pide mucho, pero no se queda sin darnos nada a cambio, así que si tuviera que decidir, la recomendaría a los amantes de los dramas y romances, pero no sin advertirles que no sitúen sus expectativas por lo alto.

Sumario de Marzo

Durante el mes de Marzo se han publicado un total de 56 críticas que pueden ser consultadas desde la enciclopedia que hay a la derecha de sus pantallas, o simplemente buscando en el archivo. La distribución por paises se hace de acuerdo a la siguiente forma: 23 de Japón, 22 de Korea del Sur, 6 de China-Hong Kong, 3 de India, y 2 de Tailandia.

Bangkok Dangerous (2000) 1/3/2006
Diary of June (2005) 1/3/2006
Legend of the Eight Samurai (1983) 2/3/2006
Whispering Corridors (1998) 2/3/2006
Samurai Reincarnation (1981) 3/3/2006
Godzilla Final Wars (2004) 3/3/2006
Days of Being Wild (1991) 7/3/2006
The Art of Seduction (2005) 7/3/2006
Dora-Heita (2000) 8/3/2006
Whispering Corridors 2: Memento Mori (1999) 8/3/2006
Time and Tide (2000) 9/3/2006
Mr. Gam's Victory (2004) 9/3/2006
Kuroneko (1968) 10/3/2006
Futago (2005) 10/3/2006
Bet on my Disco (2002) 11/3/2006
Rashomon (1950) 11/3/2006
Hunter in the Dark (1979) 12/3/2006
Electric Dragon 80000 volts (2000) 12/3/2006
Whispering Corridors 3: Wishing Stairs (2003) 13/3/2006
Oasis (2002) 13/3/2006
Dhoom (2004) 14/3/2006
Fearless (2006) 14/3/2006
Indian Summer (2001) 15/3/2006
Whispering Corridors 4: The Voice (2005) 15/3/2006
Distance (2001) 16/3/2006
The Loyal 47 Ronin (1941) 16/3/2006
Love Bakery (1999) 17/3/2006
Shinobi (2005) 17/3/2006
Adrenaline Drive (1999) 18/3/2006
Miyamoto Musashi (1954) 18/3/2006
Samurai Wolf (1966) 19/3/2006
Salaam Namaste (2005) 19/3/2006
One Fine Spring Day (2001) 20/3/2006
Phone (2002) 20/3/2006
Kiru (1962) 21/3/2006
Art of Fighting (2006) 21/3/2006
Breaking News (2004) 22/3/2006
Champion (2002) 22/3/2006
Miyamoto Musashi: Duel at Ichijoji Temple (1955) 23/3/2006
Rain (2005) 23/3/2006
An actor´s Revenge (1963) 24/3/2006
My Wife is a Gangster (2001) 24/3/2006
High School Girl Get Married (2004) 25/3/2006
Red Lion (1969) 25/3/2006
Abe Ichizoku (1995) 26/3/2006
April Snow (2005) 26/3/2006
Lover (2005) 27/3/2006
Throw Down (2004) 27/3/2006
Osaka Castle Story (1961) 28/3/2006
Saving My Hubby (2002) 28/3/2006
Waikiki Brothers (2001) 29/3/2006
One Missed Call (2003) 29/3/2006
Crazy First Love (2003) 30/3/2006
The Three Treasures (1959) 30/3/2006
Brutal River (2005) 31/3/2006
Miyamoto Musashi: Ganryu Island Duel (1956) 31/3/2006

Musashi Miyamoto: Ganryu Island Duel (1956)

Kojiro Sasaki
Por Fingolfin

El momento ha llegado, el duelo de Kojiro Sasaki con Miyamoto Musashi no puede retrasarse mas, su fecha queda fijada dentro de un año en una pequeña isla. Mientras tanto Musashi continúa con su viaje, en el que se verá inmiscuido en una historia de bandidos y forajidos. Nuevamente tendrá que poner a prueba sus sentimientos con Otsu y Akemi que parecen tener la habilidad de encontrarle siempre.

Tercera y última parte de la trilogía “Miyamoto Musashi”, dirigida por Hiroshi Inagaki y protagonizada por Toshiro Mifune. Resulta ser la mas completa de las 3, ya que hace una mezcla de las dos anteriores, que vendría a traducirse en historia-acción, consiguiendo un equilibrio perfecto que la convierte en mi favorita.

Las coreografías continúan una evolución de acuerdo con la madurez del protagonista, pudiendo apreciar un enorme cambio entre su primer combate en Iga, hasta el último contra Sasaki. Este desarrollo moral dificulta la aceptación de combates y desafíos, pero siempre tendrá lugar alguna situación límite que le obligue a desenvainar.

Las actuaciones de Mariko Okada y Kaoru Yachigusa como Akemi y Otsu, tienen en este film su mejor momento, con mucho tiempo de pantalla para ellas solas, y papeles realmente importantes para la trama. Su enfrentamiento por el amor de Musashi no tarda en llegar, y el resultado es inesperado. Aun así la vencedora será consciente que siempre estará por detrás de la espada del samurai.
A la compañía de aventuras de Musashi, además del joven Jotaro, se une Kumagoro, que en alguna ocasión aportará un rato de entretenimiento para desahogar un poco la película.

El film no ha querido pasar por alto las otras habilidades del legendario samurai, como eran la pintura, el tallaje, la poesía…etc, pero como está enfocada a un aspecto mas de acción, solo dedica algunos minutos a la elaboración de figuras de madera, una pequeña muestra de sus otras habilidades.

Finalmente me gustaría resaltar el estupendo guiño a la leyenda, según la que Musashi talló con un remo una gran espada de madera para su ultimo enfrentamiento, con la cual podría hacer mejor frente a “perchero”, la larga espada de su rival.

Las tres películas tienen un nivel bastante parejo, y si me permiten mi opinión, el orden de calidad sería 3º,1º, y 2º. Aunque como ya digo las diferencias son escasas. Enormemente recomendada por su carácter histórico y biográfico.

Brutal River (2005)

Un caimán maldito
Por Conri

Esta vez nos llega una película tailandesa inspirada en “cocodrilo” por lo que pude apreciar, esta nos cuenta una historia donde se mezcla violencia, traición, ambición y sobre todo, como no puede faltar una gota de amor.

Una aldea se ve alborotada después de varios acontecimientos en los cuales se encuentran cadáveres de personas en el canal de Bang Mud. Todos están muy asombrados y a la expectativa de lo que sea que esta provocando estas muertes aparezca ante ellos.

Dos Hermanos serán los encargados de cargarse este problema a los hombros e intentar descubrir que es lo que esta sucediendo, pero el problema no tardará en presentarse ante sus ojos, un caimán gigantesco amenaza con devorarse a cada persona que se le cruce en su camino. Sus esfuerzos de cazarlo serán en vano hasta que todo el pueblo ponga manos a la obra e intente cazar al cazador.

Película realizada con un corto presupuesto, nos muestra a una bestia voraz con instituto totalmente destructivo que por lo que parece hace bastante tiempo que no come y ese es su objetivo, “Comer”. Las actuaciones no son muy buenas, en todo caso faltaría un poco más de expresión en varias escenas donde la crisis crece de un momento a otro y parece que los actores no se dieron cuenta de ese detalle.

Así mismo creo que la película entretiene y al no ser tan larga su duración (86m.) no deja que perdamos el interés, aunque así mismo también seguramente lo que más queremos ver es al caimán devorándose personas, pero parece que la gente de efectos especiales no nos quiso dar el gusto.

The Three Treasures (1959)

Leyenda e historia
Por Fingolfin

El titulo original es “Nipón Tanjo”, y de entre sus equivalentes internacionales he elegido “The Three Treasures” ya que, demasiado sutilmente, es el único de todos que no hace referencia solo a la parte de leyenda de la película. Dirigida por Hiroshi Inagaki, el film tendrá en dosis bastante equilibradas: aventura, fantasía, acción y amor.

Estamos en Japón, siglo IV. Yamato Takeru (Toshiro Mifune) es el segundo hijo del emperador, y por lo tanto segundo en la sucesión. Un día tiene un incidente con su hermano en el que todo el mundo piensa que le ha matado, para así convertirse en rey cuando muera su padre. Desde ese momento se le encomiendan difíciles campañas militares, buscando su muerte a modo de condena indirecta.

Lo que acabo de resumir es la historia principal, pero en todo momento, y sobretodo en la primera parte se ve acompañada de la leyenda sobre la creación del mundo y de Japón, con su propia versión de Adan y Eva. Esta se usa para explicar el presente, y de paso da un toque fantástico y hermoso al film. En conjunto, mas o menos se explica el nacimiento del shintoismo (“religión” por así decirlo, de la que no voy a hablar mas por que tampoco se demasiado).

Como siempre el aspecto más criticable para los menos conformistas serán los efectos especiales. Recuerdo que es 1959, dentro de lo que cabe tengo que decir que están bastante logrados (en comparación con otros de la época…). Pensándolo un poco, la magia de las leyendas está en no descubrirlo todo. Si creáramos los monstruos con última tecnología y los exhibiéramos para conseguir espectacularidad, lo que haríamos seria matar la leyenda: quitarle todo el mito.

Puede parecer que la acción es un elemento muy importante, pero solo se utiliza en su justa medida, que solo se desborda en la llegada final a Yamato. Como parte de la filosofía del film, se demuestra la superioridad del dialogo al combate, lo que quizás sea uno de los motivos en no poner demasiado entusiasmo en las escenas de violencia.

La banda sonora es una de las cosas mas destacables de “Nipón Tanjo”. Es bastante completa y no solo esta compuesta de piezas musicales y melodías, sino que los propios personajes en sus actos de celebración ponen coros y canciones tradicionales que personalmente aprecio siempre.

Es una película con actuaciones muy correctas por parte de todos los actores (especialmente Toshiro Mifune), que deja al espectador la posibilidad de llevar a cabo su propio análisis, mas o menos profundo, y cuya única preocupación será ver a Mifune con lazos en el pelo a modo de patillas.

Crazy First Love (2003)

Cuando las cosas salen mal
Por Master of Hate

Grandes actores no hacen una gran película, también hace falta la persona idónea que sepa como explotar el talento de esos grandes actores. Oh Jong-rok parece no haber tenido el tino suficiente para cumplir con esta meta. “Crazy First Love” es la primera y, hasta la fecha, única película que tiene en su haber y quizás aquí mismo hallen la respuesta de por qué.

Tae-il Son (Cha Tae-hyun) desde su más tierna infancia ha soñado con poder hacer realidad su amor por Il-mae Ju (Son Ye-jin). Todo intento de conseguirlo parece nulo ante Young-dal Ju (Yun Dong-geun), su maestro y padre de Il-mae, que no aprueba este amor básicamente porque Tae-il no hace caso a sus estudios a pesar de tener un coeficiente intelectual enorme. Por este motivo, Young-dal decide ponerle una serie de tareas que demuestren el potencial del enamorado, pero a la vez debe cuidar que Il-mae se mantenga pura y virginal hasta el día que su relación sea aprobada. El momento llega, y se cumplen todos los requisitos, pero Il-mae parece ya no estar deseosa de que su padre apruebe el romance, y se decide por otro hombre. Así empieza una nueva lucha, esta vez por reconquistar el amor perdido.

La idea no ha sido mala, pero hay que ser honestos y decir que Oh Jong-rok presenta fallos garrafales a la hora de desarrollar su historia y definir los personajes. El problema principal está en lo arbitrario que parece el orden de algunas escenas; principalmente en los primeros minutos donde una breve introducción da paso a una cinta que parece empezar en su ecuador. De allí en más, surge un gran problema con lo difícil que se hace conectar una escena con otra. En una comedia que sigue un orden cronológico, este tipo de problemas parece inusual, si embargo aquí está, y constituye un gran “pero” a la hora de disfrutar de lo que puede ofrece “Crazy First Love”

Hay algunas chispas de comedia, pero son poquísimas y hacen pensar en lo mal que se pueden hacer las cosas y desperdiciar el gran talento de los actores. Algo más que a mi juicio resulta poco astuto, es dar el gran giro dramático, puesto que llegado el momento, no hay bases para conseguir ningún impacto. Las actuaciones no ayudan en nada, especialmente Cha Tae-hyun (quizás más conocido como el chico de “My Sassy Girl”) que resulta escandaloso, molesto y poco agradable; en tanto que Son Ye-jin no trasciende más que por su belleza. Sin embargo, les libero de culpa ya que ambos han demostrado que bajo la dirección correcta son capaces de mucho más.

Seria cruel de mi parte recomendar esta película, pero sí quieren ver como de vez en cuando también aparecen algunas ovejas negras en la cinematografía coreana, pueden verla por unos minutos.

One Missed Call (2003)

La peor llamada recibida
Por Squareta

El teléfono de Yoko suena con una extraña melodía. Revisa su teléfono y se da cuenta de que ha recibido una llamada de ella misma, realizada un par de días después. Cuando llega aquel día, Yoko muere en extrañas circunstancias. Su amiga Yumi, escucha el rumor sobre la posible relación de la muerte de Yoko con una leyenda sobre unas llamadas que presagian la muerte. ¿Podrá Yumi saber que ocurrió realmente sin terminar involucrada?.

Película japonesa dirigida por un Takashi Miike que no lo parece. Con un horror en su estado más puro, casi ni se ve el típico drama que se acostumbra a ver en este tipo de films. Tampoco se ve el suspenso, por el contrario, se podría decir que el terror está enfocado de un modo mucho más occidentalizado.

Durante sus casi dos horas de duración se harán presentes las maldiciones, las muertes (que resaltan en lo singulares), ese sentimiento de no entender bien por qué están pasando las cosas y un terror que cada vez va cobrando más intensidad. Todo esto acompañado de unas débiles pinceladas de críticas a los medios de comunicación sensacionalistas y al abuso infantil.

Las actuación principal está a cargo de la actriz Kou Shibasaki, quien lleva a su haber una gran cantidad de películas, entre ellas “Battle Royale”, “Tokyo Raiders” y “Crying Out Love, in the Center of the World”. Junto con los demás actores nos brindan personajes convincentes que logran darle más puntos a la historia.

Innegable que el final parece haber sido sacado a última hora y que casi la mitad de la película se ve bastante convencional. Pero se salva con un par de escenas que provocan muy mala espina, destacando por sobre todo la escena del hospital, la que entre silencios y pasillos oscuros me hizo pasar un muy mal rato y que finalmente logró subirle mi valoración a este film.

En resumen, entretiene y logra asustarte. ¿Que parece que todo ya se había visto? En realidad sí, pero un poco más de sustos no le viene mal a nadie. Película correcta sin mayores pretensiones.

Waikiki Brothers (2001)

No music = no life
Por Master of hate

La vida de los músicos tiene fama de ser muy dura, sobretodo para aquellos que han dedicado tanto tiempo a esta noble pasión, pero que a la larga no han recibido mucho a cambio. Esto es precisamente lo que marca la historia que hallamos en ‘Waikiki Brothers” un grupo de músicos que luego de muchos años de tocar, se hallan en un momento muy difícil, pues cada vez se les hace más difícil vivir decentemente de la música. Desilusionados y con pocos ánimos de seguir, el grupo se va desmantelando y cada miembro va tomando su propio rumbo. Este desencanto parece marcar el final de los “Waikiki Brothers” pero quizás aún les quede una última esperanza.

No recuerdo haber visto una historia similar a esta. Por lo general, las historias de músicos, cantantes, y bandas siempre terminan apuntando para el otro lado, es decir, el grupo empieza siempre con problemas y dificultades, hasta que luego de una tenaz lucha consiguen la fama y la gloria que tanto anhelaban. Yim Soonrye nos demuestra que todo no es color de rosa en la vida de los músicos.

La historia tiene mucha lógica, y ataca precisamente las cosas que representan una barrera constante en la vida de un grupo. La pasión por la música, si bien alimenta el alma y el espíritu, no alimenta el estomago y es por eso que la cinta es muy honesta. De esta manera vemos los problemas monetarios que atraviesan los protagonistas, que viven miserablemente por la carencia de dinero.

Los personajes esta inteligentemente construidos ya que a pesar de que son un grupo a quienes el interés por la música ha mantenido unidos, hay notables diferencias en sus personalidades; llegando en algunos casos al extremo. Quizás esto cree la duda de ¿Cómo siendo tan distintos han estado tanto tiempo juntos? Esto quizás se justifica, ya que en momentos de crisis es cuando los problemas se multiplican y los trapos sucios salen a la luz, y es precisamente el mal momento que atraviesa el grupo, lo que alimenta todos estos conflictos.

El problema de “Waikiki Brothers” (si es que se puede hablar de uno) es que la historia resulta especialmente negativa sin un clímax identificable, por lo mismo, no es precisamente algo que entusiasme. Los personajes parecen ya condenados al fracaso y parecen tenerlo muy asumido. Lo que sí resulta interesante es el reflejo de un mundo cambiante, y las nuevas tendencias, que son básicamente el motivo por el cual lo tradicional caduca rápidamente. La búsqueda de la modernidad y la asimilación de un concepto más cosmopolita sugieren también la desintegración y el abandono de las raíces y lo más representativo de una cultura.

Entre el reparto hay nombres bastante familiares como Lee Eol (Samaria), Hwang Jeong-min (You Are My Sunshine), Park Won-sang (Hello Brother) y Ryu Seung-beom (Arahan) entre otros.

“Waikiki Brothers” es un largometraje que tiene un trasfondo muy amplio. Detrás del fracaso musical de un grupo, está también el cambio vertiginoso de una sociedad que se adapta a las tendencias y que reniega del pasado. Una cinta inteligente y muy útil para analizar estas perspectivas.

Saving My Hubby (2002)

La vida de casados
Por Master of Hate

Una de las comedias que puede ser una gran alternativa dentro del género, tanto por su trama como por su enfoque es ésta "Saving My Hubby". Un argumento simple, pero bastante original, da lugar a una aventura de lo más jovial con todo tipo de situaciones. La vida en pareja y a las dificultades que le sobrevienen, son parte de lo que nos ofrece Hyeon Nam-seob en su debut como realizador.

Jeong Geum-sun (Bae Du-na) y Han Ju-tae (Kim Tae-woo) acaban de convertirse en padres lo cual, se supone, es un motivo de alegría. La joven pareja, aún inexperta, parece no tener mucho control de la situación. El día no empieza nada bien para ambos, en especial para Jun-tae. Pero los verdaderos problemas vienen con los padres de Jun-tae, que deciden hacerle una visita repentina. La casa es todo un desastre y hay que prepararlo todo para su llegada; quedan pocas horas y parece que Geum-sun podrá manejar el asunto, hasta que un detalle lo estropea todo: Jun-tae ha desaparecido. ¿Existirá salida para nuestra adorable pareja?

Me complace decir que estamos ante una comedia de excelente manufacturación, que nos sumerge en los problemas cotidianos de una pareja joven e inexperta; todo esto desde un punto de vista jocoso y divertido. La cinta está llena de persecuciones, peleas y mil aventuras. Pero así como hay excelentes momentos de comicidad encapsulados en esta película, podremos ver de todo en las calles de Seúl, desde burdeles hasta gente desamparada en las calles. Me inclino a creer que todo eso no esta allí de adorno y que se intenta decir algo con muchas de esas escenas.

No escapa a la vista la actuación de Bae Du-na, que es simplemente genial en su rol de madre improvisada. Su papel dice muchas cosas y es que ejemplifica la típica actitud de las jóvenes que terminan siendo madres sin ninguna planificación. Su personaje ha visto truncada una carrera deportiva por esa falta de previsión. Sin embargo, termina aceptando su responsabilidad.

Entre gángsteres, secuestradores, bandidos y fanáticos, Geum-sun tiene que abrirse paso por las calles en busca de su desaparecido esposo. Esta divertida aventura no debe escapar de sus pupilas, así que considérenlo una recomendación personal.

Osaka Castle Story (1961)

Tokugawa VS Toyotomi
Por Fingolfin

Conocida también como “Daredevil in the Castle” y por su titulo original “Osaka jo Monogatari”, esta película es otra producción del fenomenal director Hiroshi Inagaki que había dirigido dos años antes “Nipón Tanjo”.

Mohei es un samurai vagabundo que llega a Osaka en busca de empleo. A su llegada se encuentra con un ambiente turbulento, ocasionado por la tensión entre los Tokugawa y los Toyotomi. Sin quererlo así, se ve inmiscuido en medio del embrollo, en una posición neutral que trata de evitar el enfrentamiento. Cuando el objetivo se estima imposible, se unirá a las filas de Osaka para el enfrentamiento, condicionado por su amor a Ai.

Toshiro Mifune protagoniza este film con una actitud bastante humorística al principio; detalles graciosos son por ejemplo la manera que tiene de mostrar que todo le cabrea, destruyendo comercios y peleando con todo el mundo. Además de Takashi Shimura (que no se pierde un film), tenemos la correcta actuación de Akihiko Hirata como Hayato Susukida.
Ahora llegamos a la parte que mas me interesaba comentar, que son las actrices femeninas. Nos encontramos ante todo un homenaje a las mujeres que en ocasiones solo consideramos “adornan” los films. Según se aprecia en el bonito cartel de izquierda a derecha son: Yoshiko Kuga (“Tales of the Taira Clan”) hace de la ciega Kobue de una forma prácticamente perfecta; Kioko Kagawa (“Nipón Tanjo”) es Ai, cuya relación con Mohei la convierte posiblemente en la mas importante de todas; Yuriko Hoshi (“Kill!”) da vida a la dama Osen, con bastante poco tiempo de escena y de la que prácticamente solo queda el nombre; y dejo para el final a mi favorita, Isuzu Yamada (“Shogun Samurai”, “Yojimbo”), que una vez me maravilló en “Throne of Blood” y que con su presencia en el papel de Yodo ya hace mas que muchos otros.

Personalmente me gustan mucho las películas de este estilo, muchos extras formando enormes ejércitos, muchos clanes, alianzas, y batalla final, todo ello adornado con buenos escenarios y velocidad en las tomas. Aunque el enfrentamiento llega en forma de narración tenemos alguna escena con protagonismo de Mohei.

Siempre intento valorar las películas de acuerdo al grado en el que cumplen su objetivo, y si bien tengo que decir que no será una de mis favoritas ni de las mejores, está bastante trabajada y entretenida. Merecedora de recomendación y posiblemente segundo visionado.

Throw Down (2004)

Sanshiro Sugata
Por KeNJi-KuN

Sze-To regenta un pub-karaoke en horas bajas. Antaño fue un afamado luchador de Judo hasta que decidió retirarse. Lleno de deudas ahoga sus penas en el alcohol. Un buen día conocerá a dos personajes, Tony, un joven saxofonista que va retando a la gente para demostrar su valía y cuyo ídolo es el mismo Sze-To; y Mona, una joven cuya única obsesión es triunfar en el mundo del espectáculo. Entre los tres se formará un curioso triangulo cuya unión casi simbiótica les servirá para salir de sus encierros emocionales.

Antepenúltima incursión cinematográfica de Johnnie To hasta la fecha, “Throw Down” es, seguramente, la película que más se desmarca de todas sus producciones. Una historia intimista no exenta de acción, pero si relegándola a un brillante segundo plano, en pos de una historia de claro mensaje moralizante que a la vez se convierte en un homenaje al maestro Akira Kurosawa, con claras reminiscencias a su cine, más concretamente a su obra “Sanshiro Sugata” (‘Judo Saga’).

Tal pretensión sale finalmente airosa, gracias a las cualidades de un film que, sin ser una obra maestra, se deja disfrutar como pocos por el amante al buen cine. El “estilo To” pese a las diferencias con su cine más habitual, está presente en todo el metraje, dejándonos algunas escenas repletas de buen hacer. Si en algo ‘falla’ To, es en resultar espectacular aún cuando presumo que en esta ocasión buscaba evitar dicho adjetivo. Cabe destacar una fotografía que hace especial hincapié en los claroscuros, así como una selectiva banda sonora, en la que hallaremos desde referencias jazzisticas hasta el más tradicional de los cantos japoneses.

Las actuaciones en general rayan a gran altura, esta vez los elegidos por To para los papeles principales han sido Louis Koo, Aaron Kwok, Cherrie Ying, Tony Leung Ka-Fai, Eddie Cheng y Lo Hoi Pang. Destacar el personaje de Jing, que pese a su escaso protagonismo, con su voz y su ‘carta de presentación’ regala algunos de los mejores momentos del film. Terminar con el telón de fondo, y gran personaje secundario, el Judo. Seremos testigos de alguna que otra llave espectacular, y en general, de buenos y bien filmados combates y coreografías.

“Throw Down” es una película que solo debería decepcionar a quienes buscasen en ella un film de acción, cine sin altibajos que se deja saborear sin dificultades, sabia y gustosamente ejecutado y dirigido. Una obra necesaria en una filmografía de un realizador como Johnnie To.

Lover (2005)

Miedo a olvidar
Por Master of Hate

“Lover” se viste de comedia romántica desde el principio, pero pronto deja caer el velo que la cubre y muestra su verdadero rostro. “Lover” cumple los requisitos de un buen melodrama, aunque esto no quiere decir que venga a revolucionar el género ni mucho menos; lo que sí deja en claro el director Kim Tae-eun es que no ha querido irse por lo convencional. Kim opta por el erotismo como característica más llamativa, conjuntamente con un tema que no pasa de moda y que por el contrario representa una especie de sello de los tiempos modernos.

Una atractiva mujer (Seong Hyeon-ah) ésta a punto de contraer nupcias luego de siete largos años con su novio. Un día conoce a un apuesto galán (Cho Dong-hyuk), que sin ningún reparo coquetea con ella. Extrañamente, coinciden en varios lugares y finalmente ella acepta hablar con él. A tan solo horas de conocerse, los improvisados amantes deciden ceder ante la pasión y viven momentos de increíble lujuria. Todo comienza como un juego para ambos; saben que no tiene futuro, y es por esa razón que intentan no poner sus sentimientos de por medio, el problema es que hay cosas que sencillamente son inevitables.

“Lover” me ha recordado un poco a la conocida cinta de Ha-Yu “Marriage is a Crazy thing” (con las escenas de sexo incluidas). Aquí las cosas se plantean tomando en cuenta tres elementos claves dentro de la pareja: amor, sexo, y dinero. Sin alcanzar el nivel de la película antes mencionada, “Lover” es aún capaz de analizar la importancia que tiene cada uno de estos dentro de la relación. Cada uno es libre de pensar como quiera, pero no es ningún disparate decir que la estabilidad económica es generalmente la base fundamental para una relación. Así es como vemos las cosas en “Lover”, en donde el dinero es sinónimo de compromiso, el sexo una aventura, y el amor es como una barco a la deriva.

Es posible pensar que, hasta cierto punto, el filme carece de profundidad suficiente, pero, por lo menos a mi parecer, existe un importante análisis y hasta crítica sobre lo que en realidad constituye una relación de pareja hoy en día. Esto lo corrobora el final, que no corresponde al de un filme conformista. Resulta sensato decir que la cinta cumple con su cometido al menos dentro del terreno que se limita a explorar.

Finalmente “Lover” termina siendo un largometraje consistente que deja muy clara su idea central: la felicidad es temporal. Si bien esto es de conocimiento general, no siempre veremos directores que estén dispuestos a llevar ese mensaje. Pero así como resulta fácil hablar de los aciertos de “Lover” se pueden hablar de algunas falencias que al menos en este caso sugiero dejar pasar.

Para finalizar, las notables actuaciones de Seong Hyeon-ah (Woman Is the Future of Man) y Cho Dong-hyuk terminan haciendo de “Lover” una película sencilla, directa y entretenida que no se complica innecesariamente en su intención de entretener y llevar un mensaje, algo obvio, pero mensaje al fin y al cabo.

April Snow (2005)

Consecuencias
Por Master of hate

Entre los realizadores surcoreanos más admirados y respetados, el nombre de Hur Jin-ho puede considerarse todo un referente. “Christmas in August” y “One Fine Spring Day” son obras memorables que ya quisieran muchos tener en su haber. De todas formas, el presente nos trae ésta “April Snow” que representa el tercer trabajo de Hur y la oportunidad de consagrarse definitivamente. Muy a mi pesar, tengo que comunicar que no hay consagración, tampoco aplausos ni ovaciones; tan solo un aprobado con voz leve sin más. He tenido que guardar los juegos artificiales que tanto habría querido usar tras el final de los 105 minutos de metraje de “April Snow”.

Me comentó un amigo, que por culpa de un sólo hombre la tasa de divorcio aumentó en Japón, y que a parte de eso, la demanda de vuelos a Corea creció debido a la cantidad de mujeres japonesas que querían viajar a Corea para ver a este hombre. No me va la prensa rosa, pero su seriedad me hizo buscar algo de información sobre Bae Yong-jun. Efectivamente, este hombre parece ser todo un fenómeno en tierras niponas, sobretodo en un sector muy bien definido. El verle como protagonista en el tercer filme de Hur me llenó de dudas. ¿Acaso veremos un cine más comercial? ¿Un producto pensado para exportar?

La trama inmediatamente trajo a mi mente el film “In The Mood For Love” de Wong Kar-wai. En realidad, no es que sea un calco, pero llega a parecerse bastante. Un accidente de coche deja en coma a sus dos tripulantes; un hombre y una mujer que parece ser pareja. ¡Oh! sorpresa, ambos eran simplemente amantes y quienes acuden al hospital tras ser notificados del accidente son sus respectivos marido y mujer. Tanto In-su (Bae Yong-jun) como Seo-young (Son Ye-jin) se dan cuenta de esto, aunque esta última parece no querer reconocerlo. Sin embargo al acudir constantemente al hospital, los esposos traicionados se encuentran una y otra vez, dando lugar a una relación cada vez más cercana.

Muy bien, resulta obvio que la historia en si ya representa un obstáculo por sortear. Mas allá de que se parezca a la mencionada película de Kar-wai o a cualquier otra con la que se le quiera comparar, “April Snow” no falla por la falta de creatividad en la trama, falla porque no dice nada nuevo, porque no brinda más que lo que se puede esperar de ella, porque no arriesga. El sello de Hur sigue allí, no resulta tan reconocible, pero es fácil ver que él y nadie más que él, esta detrás de todo esto. Sin embargo, todo intento por recrear sus obras pasadas se ve truncado y no alcanza el nivel de sus predecesoras. Pero ¿Es necesaria tal comparación?

Puedo decir con seguridad que In-su no es técnico de iluminación porque iba mejor con el personaje, o porque se le ocurrió a cualquiera durante los descansos. Las profesiones de los personajes, lo mismos títulos de las películas crean un nexo entre ellas, y eso sin contar con el modo de rodar que tiene Hur, que se repite constantemente. El problema principal radica en el contenido. “April Snow” es la primera película de Hur que, a mi juicio, le sobran algunas escenas y otras carecen de suficiente profundidad.

No tengo absolutamente nada en contra de Bae Yong-jun, es más, considero que su desempeño ha sido muy decente, pero no consigo dejar de lado la idea de que no dio la talla para el papel que le fue encomendado. Pero por otro lado, para propósitos comerciales, su aparición representa un gran imán. No hay nada que achacarle a Son Ye-jin, cuya trayectoria se hace más grande y su estrella brilla cada vez más, pero sin los aditivos que echa en falta esta cinta, no hay nada que destacar.

Como conclusión, y aunque suene duro de mi parte, es posible decir que Hur ha intentado copiarse así mismo intentando crear una historia profunda y emotiva; no falla rotundamente, pero queda muy lejos de lo que se podría esperar de él. Los seguidores de la carrera de Hur probablemente querrán ver esta cinta y no veo por qué no, el resto debería pensarlo dos veces.

Abe Ichizoku (1995)

Fidelidad eterna
Por Fingolfin

“The Abe Clan” es el titulo internacional del telefilm dirigido por Kinji Fukasaku en 1995, y que sin grandes pretensiones consigue mostrarnos una estupenda historia, basada en la novela de Ogai Mori. Existe un precedente de 1938 con el mismo titulo, y elaborada por Hisatora Kumagai, de la que no puedo decir mas, ya que no la he visto.

Abe Yaichiemon es un samurai con un alto estatus social (1100 koku) que se ganó los favores de su señor Hosokawa en anteriores batallas. Ahora su señor ha muerto, 18 de sus vasallos han cometido seppuku, y los rumores sobre la cobardía y lealtad de Yaichiemon le persiguen a sus espadas. Es por eso que finalmente se suicida aun desobedeciendo una orden directa de su nuevo señor, lo que colocará al clan Abe en una situación muy complicada.

Lo primero y realmente curioso es que haya sido un telefilm, y es que con películas de esta clase la televisión ganaría mucho. Pese a todo contamos con rostros bastante conocidos en el genero: Koichi Sato (Serizawa Kamo, “Shinsengumi NHK” y Hajime Saito, “Mibu Gishi Den”), Hiroyuki Sanada (Seibei Iguchi, “The Twlight Samurai”), Misado Watanabe (Okiwa, “Samurai Spy”), y Tetta Sugimoto (Tokugawa, “Samurai Resurrection”).

El uso habitual de la cámara lenta en momentos dramáticos obliga en ocasiones a los personajes a sobreactuar claramente, y quizás sea esa la única crítica que puedo hacer a sus actuaciones.

“Abe Ichizoku” pone de manifiesto muchos valores de la sociedad samurai que contrastan fuertemente con los de hoy en día. La fidelidad a su señor, representada en los 19 suicidios tras su muerte, que mas tarde obliga a los hombres a luchar contra sus amigos. La fidelidad y obediencia al cabeza de familia, al que le prestan total entrega y cuya función es importantísima para mantener la estabilidad familiar.

Otro tema que ya ha aparecido en muchas otras películas es el de la decadencia de los pequeños clanes y los samuráis sin señor en tiempos de paz, su reinserción es prácticamente imposible y quedan relegados de por vida.

Como nota final, elogiar el rodaje y el empeño puesto por Fukasaku para hacer de “Abe Ichizoku” mucho más que un simple telefilm.

Red Lion (1969)

3 dias para cambiar el mundo
Por Fingolfin

Kihachi Okamoto dirige esta interesante película cuyo titulo original es “Akage”. Nos representa de una forma desenfadada e incluso humorística en ocasiones, el cambio de era en Japón, y la marcha del ejercito imperial hacia Edo.

La tropa de Sekiho recibe el encargo de avanzar en vanguardia de las fuerzas del emperador, poniendo a los ciudadanos a favor de la restauración, y evitando de esa forma el enfrentamiento con los soldados. Gonzo es uno de los miembros de la tropa, y se le concede el favor de regresar a su pueblo portando la melena del león rojo, símbolo del comandante de Sekiho. Una vez allí, llevara a cabo su restauración particular.

Sinceramente me ha parecido magnifica la forma en la que se ha llevado el film, con un Toshiro Mifune en el papel de Gonzo que aporta ese toque de humor que antes mencionaba. El resto de actores del cartel se comportan también de una forma muy acertada, y he podido apreciar una de las cosas que mas me gustan en las películas del gran Akira Kurosawa, y es la entrega de los extras. Cada personaje da todo lo que tiene por pequeño e insignificante que sea su papel, y eso es muy importante para conseguir un gran film.

Bajo el grito de “está bien, está bien, no importa”, la población de Japón ve en la restauración el cumplimiento de todos sus deseos: la igualdad, la felicidad, y el cambio. Las personas mejor posicionadas ven en este movimiento la caída de sus privilegios, e intentan desesperadamente la supervivencia del Shogunato. Sin embargo como casi siempre sucede, la teoría queda muy lejos de la práctica.

La acción es un elemento secundario que respalda al film como se merece, y nada enturbiada por la presencia de escopetas y pistolas. Así mismo la banda sonora consta de muy pocas piezas, pero muy hermosas (especialmente la melodía principal).
Resumiendo ahora un poco la referencia al vestuario, la fotografía y los escenarios, le doy un aprobado bastante amplio.

Una gran película que muestra a través del humor cómo una vez más las teorías mas hermosas se convierten en las acciones mas repulsivas. Otro gran éxito de Kihachi Okamoto.

High School Girl Get Married (2004)

¿El matrimonio o la muerte?
Por Master of Hate

Basado en una vieja leyenda, “High School Girl Get Married” cuenta la historia de Pyung Gang (Lim Eun-kyeong) una jovencita, que de acuerdo a una adivina, debe casarse antes de cumplir los dieciséis o de lo contrario solo le espera la muerte. A poco tiempo de cumplir la edad indicada Pyung sufre ciertos percances que hacen que la premonición se tome cada vez más en serio. Para su alivio, On-dal Park (Eun Ji-won) es un estudiante recién ingresado, se convierte en su salvación. Pero ¿Podrá la chica mala de la secundaria ganarse el corazón de este joven tan ingenuo?

“High School Girl Get Married” hace uso casi desmesurado de chistes gráficos, y aunque resulten muy directos y predecibles, algunos ciertamente causan gracia. Para ejemplificar el asunto, podría referirme a algunas escena que tienen un toque muy a lo “anime”. La trama es de lo más simple y está muy distante de ofrecer algo más que secuencias de humor y picardía. Comparándola argumentalmente con “He Was Cool”, se me ocurre que no son tan distintas, pero en éste caso, la historia no pretende ser seria, ni tan sólo un instante; va de lleno a las bromas. De todos modos, a estas diferencias no les puede atribuir un valor demasiado alto, ya que si no es el tipo de humor que se espera, no habrá manera de seguirla y pasaría a ser su punto más endeble.

La abundancia de este tipo de comedias juveniles es notable, sin embargo muchas se valen íntegramente del componente cómico para salir airosas. En caso en particular no se me ocurre aprobarla o desaprobarla, sino más bien hablar de lo que puede ofrecer y a quien le puede interesar.

Las actuaciones no han estado mal, pero quizás habría que destacar a Park No-shik ("Memories of Murder") que considero, es quien más aporta en risas. Lim Eun-kyeong ("Resurrection of the Little Match Girl") tiene también un buen desempeño, sobretodo a la hora de repartir palizas. Lamentablemente, la carencia de un mejor guión deja las cosas a medio camino.

No quedé impresionado por ésta que es la opera prima de Oh Duk-hwan, y tampoco me atrevo a recomendarla, debido a la cantidad de cintas similares que cuentan con un mejor balance, y que sí resultan ideales cuando de ver comedias se trata. De todos modos ustedes tienen la última palabra.

My Wife is a Gangster (2001)

¡Qué afortunado!
Por Master of hate

Otra de las comedias que tuvo una gran aceptación no sólo dentro sino fuera del mercado surcoreano es "My wife is a gangster" del realizador Cho Jin-gyu. El notable éxito que le sobrevino a esta película daría el visto bueno para continuar con dos secuelas más (y quien sabe si después haya más). Esto, indudablemente, reafirma el gran éxito de las comedias que aún son un producto “marca de la casa”

Shin Eun-Kyung interpreta a Cha Eun-jin, más conocida como Mantis, toda una leyenda en bajo mundo, y además segunda al mando de un grupo organizado de la magia. El encuentro con su “hermana” tras años de separación, cambia su futuro ya que a ella le quedan poco tiempo de vida; su última voluntad es que Cha consiga un esposo. La noticia toma por sorpresa a Cha, quien no puede negarse a esta petición por más descabellada que le parezca. Cumplir este deseo resultara todo un reto, pero mientras esto ocurre, un grupo rival planea apoderarse de la zona. Problemas y más problemas es lo que se vienen.

La trama es interesante pero sobretodo cómica, debido al tipo de persona que es Cha; su masculinidad y estatus hacen difícil asociarla con los modelos habituales de la mujer. Esto a su vez, deja ver el desconcierto que causa el estatus de Cha en un modelo de sociedad que tiene asignados roles muy marcados tanto para el hombre como para la mujer. Por el otro lado Kang Su-il (Park Sang-Myeon) se presenta como un marido muy típico en su accionar. Cumple su papel dentro de las expectativas de la sociedad. Esta desatinada mezcla, fruto de la desesperación, está lejos de tener ninguna química, pero precisamente esto es lo que más llama la atención.

Se podría decir que el plato fuerte en esta cinta es la comedia, no hay nada que decir con respecto a ello; sin embargo no se han escatimado esfuerzos en crear secuencias de acción vertiginosas y de gran manufacturación. En resumidas cuentas tenemos el menú completo; comedia, y acción, secundadas por la gran actuación de Shin Eun-Kyung, cuyo personaje es tan agresivo como simpático, y Park Sang-Myeon ("Liberame") que parece nacido para hacer reír.

"My Wife is a Gangster" no es el epitome de la comedia coreana, pero si se le puede considerar una de las cintas del género mas representativas que se han hecho en este país. Hay muchos detalles sobretodo dentro del contexto social, que aportan en riqueza al filme. Una comedia bien balanceada siempre es gratificante, y en este caso tenemos un buen ejemplo de ello.

Demás esta recomendarla, ya que para muchos, esta fue puerta de entrada hacia la cinematografía coreana, así que se trata de un visionado obligatorio.

An Actor´s Revenge (1963)

Ni hombre ni mujer; actor
Por Fingolfin

Yukinojo es un actor de teatro que busca vengar la muerte y agonía de sus padres, para ello tendrá que eliminar a los que provocaron su desgracia. Sus dotes de actor y su habilidad con la espada adquirida en la juventud, le permitirán acercarse a las personas mas influyentes y doblegarlas a su voluntad.

Esta es la joya de Kon Ichikawa, titulada “Yukinojo Henge” y que basada en la novela de Otokichi Mikami, tiene como precedente la que dirigió Teinosuke Kinugasa en 1935 con el mismo titulo.
Una vez mas me han fallado las expectativas, y lo han hecho para bien, porque no esperaba encontrar un nivel tan alto en el film.

Lo primero que llama la atención es la forma de venganza. Nuestro protagonista no busca la muerte de sus enemigos como habitualmente sucede; busca su destrucción. Quiere que sufran, que lo pasen mal antes de morir, que agonicen. Y no vayamos a pensar en torturas físicas ni ninguna otra barbaridad, su venganza va mas enfocada al terreno psicológico, favorecida por su calidad como actor.

El director consigue mostrarnos lo que he considerado oportuno llamar “una obra de teatro”. Los escenarios son como los decorados que aparecen detrás de un escenario, y el juego de luces es realmente espectacular. Estas se centran en los actores para enfatizar sus interpretaciones, y se mueven con total maestría para controlar la atención del espectador y no distraerlo.

Esta vez tengo que alabar a Kazuo Hasegawa, (que ya participó en la versión de 1935 con otro papel). No se limita a deleitarnos con la actuación de Yukinojo, sino que además encarna a otro de los protagonistas del film: Yamitaro. La verdad es que no me di cuenta de que eran el mismo actor hasta que en la propia película se menciona el parecido de los dos personajes, a partir de ese momento parece algo evidente, e incluso me pregunto como lo he pasado por alto (supongo que el maquillaje y la voz tuvieron algo que ver). Matricula de honor para Hasegawa.

Muchas veces nos dejamos llevar por la fama y la leyenda de algunas películas clásicas a la hora de definir su calidad, pero las que realmente marcan a una persona son las que no se espera. Esas películas de las que jamás has oído hablar y de las que no aguardas mas que un rato de entretenimiento, pero que te dejan ensimismado de principio a fin. Excelente, y altamente recomendable.

Rain (2005)

Podría ser peor… o tal vez no
Por Casandra

Después de ver este film, pensé que tal vez los saltos y modificaciones en la historia obedecían a un intento por fragmentar el relato a fin de lograr un distanciamiento del espectador. O que quizás debía leer simbólicamente los video clips musicales insertados en el film... o que podría funcionar como parodia al género... hasta que decidí enfrentar los hechos: “Rain” es una película mediocre.

Difícilmente pueda reconstruirse el argumento. El planteo inicial presenta a Sandhya, una escritora ciega que recibe en su casa a un periodista para realizar una entrevista. De ahí en más, el argumento sufre cambios y vueltas de tuerca que abren subtramas sin una lógica clara.

Pero no sólo falla la concepción de la historia sino que los diálogos adolecen de poca verosimilitud. No aclaran sino que confunden más al espectador. No es que el guión sea confuso, sino que resulta totalmente incoherente.

Los cambios importantes de la trama están señalados con números musicales, canciones cantadas por los protagonistas (interpretadas en realidad por cantantes profesionales, no por Himanshu Malik y Meghna Naidu). La concepción de estos cuadros no agrega intensidad ni tampoco información. La música se limita a subrayar y anticipar los momentos de mayor tensión. El problema no es que funcione como música incidental sino que lo hace con una grandilocuencia que convierte en ridículos momentos que debían tener gran fuerza dramática.

La puesta en escena de Amol Shetge no ofrece ningún aspecto destacable. Algo similar ocurre con las actuaciones. Las interpretaciones de Himanshu Malik y Meghna Naidu no hacen más que reforzar la mediocridad general del film.

Si junto con los premios a las mejores de 2005, el Freak Movie Team premiara a los peores, “Rain” sería sin duda una firme candidata en varios rubros.