Miyamoto Musashi: Duel at Ichijoji Temple (1955)

Aprendizaje
Por Fingolfin

Tras emprender su camino como samurai y renunciar al amor de Otsu, Musashi recorre el país en busca de contrincantes para poner a prueba sus habilidades. Su actitud continúa siendo demasiado impetuosa, y no encuentra problemas a la hora de matar.
La escuela Yoshioka es el obstáculo mas grande que se presenta ante él, y su enfrentamiento con el instructor se hace cada vez mas difícil ante los ataques de sus discípulos.

Hiroshi Inagaki dirige la segunda parte de “Miyamoto Musashi”, al año siguiente de la primera. Nos brinda ahora un completo dossier de personajes, mucho mas numeroso que en su predecesora, y en el que se intenta mantener a todos en primer plano, no dejándolos caer en el descuido y el olvido.

Además de hacer frente a los constantes enfrentamientos con los estudiantes de la escuela Yoshioka, Musashi encontrará su mayor preocupación en la abstinencia. El camino que ha elegido de una forma tan exigente le obliga a no tocar a las mujeres, y a no probar la bebida, dos cosas que para muchos son imprescindibles en la vida de un samurai. La resistencia de nuestro héroe se mantiene firme y solo tiene un momento de debilidad en todo el film, hasta retomar su camino de nuevo.

Es importante ahora mencionar la actitud que tienen los maestros importantes ante el hecho de que sean desafiados por lo que para ellos no es mas que un salvaje de pueblo. Es algo que posteriormente se repite en la película moderna “Fighter in the Wind” (que por cierto guarda una relación bastante importante con la historia de Musashi).

Las coreografías están bastante bien trabajadas, mucho realismo y pocas o ninguna fantasmada. Tenemos un equilibrio mas o menos estable entre los duelos individuales y los combates de grupo, y solo añadir que es aquí donde aparece ese famoso fotograma de Mifune-Musashi con la cinta amarilla en la frente, y dos espadas arriba y abajo (que podemos ver en el cartel).

Nuevamente escenarios y fotografía están al nivel de lo esperado, y solo puedo criticar la excesiva oscuridad, que como tantas otras veces nos hace perdernos muchos detalles tanto de combate como de situación.
La música es exactamente igual que la primera parte, y espero que también lo sea en la tercera, por que es algo increíblemente fantástico.

Ademas de Toshiro Mifune, cuyo tiempo en pantalla ahora queda un poco limitado en comparación con el omnipresente Takezo, destaco ahora el trabajo de Akihiko Hirata como Seijuro Yoshioka (“47 Ronin”, “Samurai Assassin”), Kaoru Yachigusa (“Samurai Assassin”) como Otsu, y Mariko Okada (“The Fall of Ako Castle”) como Akemi, además por supuesto de la entrega de los otros muchos actores secundarios que aparecen en escena.

Aunque consciente de que objetivamente la calidad es inferior a la de la primera entrega, tengo que decir que me ha gustado bastante más, estoy seguro que no seré el único al que haya dado esa impresión.

Champion (2002)

Matar o morir
Por Master of Hate

Uno de los directores que inyecto una gran dosis de vitalidad a la actual explosión del cine surcoreano es el realizador Kwak Kyung-Taek, que hace algunos años rompía record en taquillas con su conocidísima “Friend”. Pues bien, su siguiente trabajo jamás igualaría el éxito de “Friend” pero esta comparación, no es un buen referente, ya que “Champion” es una cinta sumamente interesante que no debería pasar desapercibida.

No soy muy fanático del boxeo, pero siempre estas películas resultan muy acertadas bajo la estética de nuevos directores, y así quedó demostrado con “Crying Fist”. “Champion” no solo es la historia de un boxeador, más que eso, es la historia de Kim Duk Koo que por el año 82 hacia noticia al enfrentar a Ray Mancini en lo que fue la disputa del título de campeón mundial en la categoría de los pesos ligeros. Quienes conozcan toda historia sobre el incidente, sabrán el final del mismo y sobre cuanto influyo en cambiar las reglas en el deporte de los guantes.

“Champion” resulta un drama muy bien logrado, con una dosis justa de peleas en el cuadrilátero. Contrariamente a lo que pueda parecer, no se hace demasiado caso a llevar las peleas a un primer plano; lo que se resulta un elemento significativo es el análisis de Kim Duk Koo como ser humano y como deportista. El relampagueante ascenso de Kim como boxeador se ve acompañado por un evidente cambio de actitud y eso es un punto extra a la hora de valorar el film.

Las actuaciones son una vez más (como siempre) un pilar fundamental que complemente esta gran cinta. Yu seong Yu, repite la gran actuación que tuvo en “Friend” y otras películas, aunque su talento no es novedad. Quien si puede sorprender a más de uno, por su gran carisma y entrega es Chae Min-seo, que debutó en la pantalla grande precisamente en esta película.

En Corea del Sur se ha convertido en una tendencia importante llevar a la pantalla la vida de figuras representativas del deporte, se me ocurren; por ejemplo “Mr Gam’s Victory” y “Rikidozan” o la misma “Marathon” que fuera un éxito el año pasado. Seguramente hay muchas más, pero en el caso que nos concierne ahora, “Champion” debería ser tomada en cuenta por lo ya mencionado anteriormente: Sus actuaciones, y sobre la mirada de Kim como persona tanto como deportista. También resulta acertada la ambientación, pues veremos una Corea del Sur muy distinta a la de ahora, una Corea con muchos problemas sociales, con falta de oportunidades, y sin el poderío económico con el que cuenta hoy.

La conclusión no puede ser más simple: “Champion” es un excelente drama, digno de uno o más visionados que no dejara indiferente al público más exigente.

Breaking News (2004)

Luces, cámara…
Por KeNJi-KuN

Hong Kong, 2004. Una unidad móvil de televisión deja en evidencia al cuerpo de policía al registrar las imágenes de una vergonzosa actuación de los agentes en una escaramuza con la banda de ladrones liderada por Yuen. Para recuperar la credibilidad perdida, la policía realiza un despliegue de efectivos sin precedentes: al cargo, la comandante Rebecca Fong se marca el doble objetivo de capturar a los criminales, parapetados en un laberíntico edificio del centro, y de ofrecer un espectáculo sin precedentes ante 6 millones de espectadores. Lo que Fong ignora es que en el mismo edificio se esconde una banda de asesinos que carga también contra sus hombres: la operación se complica. Para colmo, entre las varias unidades policiales desplegadas surge un inevitable conflicto de intereses y la prensa, ávida de noticias, se impacienta... El show ha de continuar por encima de todo.

El cantonés Johnnie To (“Election” entre otras) es el encargado de dirigir este thriller de acción con trasfondo de crítica hacia los medios de comunicación más cercano a la línea de su productora ‘Milkyway’ que algunas de sus mas recientes producciones. “Breaking News” se muestra sólida en todo momento, To nos regala un alarde técnico de dirección. Su manejo de los tiempos y el pulso narrativo es envidiable, y que decir de sus juegos de cámara y el desarrollo de la acción. El conjunto queda entretenido, hábil y dinámico, sin abusar de pretensiones, y supone a la par que un buen film, un espectáculo en su justa medida y metraje. Destacar su banda sonora, que con una discreción encantadora, supone un inmejorable acompañamiento cuando toma escena, apuntando anecdóticamente algunos pasajes de aires árabes en su composición.

Como a la dirección, nada se puede reprochar a las interpretaciones del film, destacables en su totalidad. Protagonizan la cinta Nick Cheung, Kelly Chen, Richie Ren, Lam Suet, y Hui Siu-Hung entre otros. Su montaje y fotografía están a la propia altura del conjunto.

No podía quedar sin comentar el majestuoso plano secuencia de 10 minutos (aproximadamente la capacidad de una bobina de 35 mm) con el que se inicia “Breaking News”. Si Johnnie To no existiera, habría que inventarlo.

Art of Fighting (2006)

Todo tiene un límite
Por Master of Hate

Byung-Tae (Lee Hyun-kyoon) es un chico muy sencillo y pacifico que va a una escuela técnica, sin embargo, su carácter no le favorece en mucho ya que un grupo de malandrines que va a la misma escuela, le hacen la vida imposible. Paliza tras paliza Byung-Tae llega al límite y decide buscar alguien que le instruya en el arte del combate. Sus primeros intentos no dan resultado y solo empeoran la situación, pero un misterioso hombre llamado Man-su (Baek Yun-shik) se cruza en su camino. Al parecer Man-su es el único capaz de enseñarle algo valioso a Byung-Tae y quizás no sea sólo a usar los puños.

“Art of Fighting” es la carta de presentación de Shin Han-sol que no impresiona, pero sí deja un buen sabor de boca por lo que deja plasmado en esta cinta. Qué el titulo no nos engañe, “Art of Fighting” tienen escenas de acción pero no demasiadas. El complemento aquí ha sido la comedia, y resulta una sabia decisión porque se ha conseguido un buen balance con una historia sencilla y accesible. Ahora, esta claro que los que esperan acción a raudales o la película del año deben controlar su entusiasmo, porque lo que hay aquí no da para nada de eso.

Para bien o para mal, se ha prescindido del drama casi en su totalidad. Por otro lado, cabe señalar que no hay un desarrollo importante por parte de los personajes secundarios. A excepción del dúo protagónico, poco o nada de sabe del resto; sus intenciones y motivos quedan relegados a un segundo plano. La relación maestro-alumno tampoco es lo que la típica y aquí tiene mucho que ver la personalidad del mentor que no es el modelo de sabiduría convencional.

Personalmente lo que más me gusto, y que usualmente forma parte de muchas cintas coreanas, es el realismo con el que se muestran los personajes. Byung-Tae aprende a pelear y aprende de la vida; sin embargo contrario a lo que pueda parecer, sigue siendo el mismo. En ningún momento se vuelve una maquina de matar, ni es capaz de hacer papilla a sus rivales de la noche a la mañana. Todo se hace a la medida de las posibilidades lo cual es mucho más creíble.

La música elegida ha sido muy variada, pero destacan algunas melodías en plan blues, que me llamaron la atención; y sobretodo la melodía de los créditos finales (ya verán porque)

Tenía cierta curiosidad en esta cinta sobretodo por ver la actuación de Byung-Tae después de su silencioso papel el 3-Iron. Finalmente, he de decir me ha convencido y ahora que le he podido ver en un papel radicalmente distinto corroboro que es capaz de seguir siendo protagonista bajo la tutela de otro director.

“Art of Fighting” sigue siendo un filme interesante, mantienen un buen nivel y se hace fácil recomendarlo, sin embargo no es el bombazo del año, ni la película que definitiva de este 2006.

Kiru (1962)

Hijo del destino
Por Fingolfin

Takakura Shingo es un joven samurai que adquiere experiencia y entrenamiento en su afán por viajar. A su regreso consigue ganarse los favores del señor del clan, impresionado por su particular postura de combate. Este favoritismo detonará los rumores sobre su adopción, y finalmente su vida tendrá que cambiar.

En 70 minutos Kenji Misumi construye una historia de calidad bastante relativa. Desde su mismo comienzo es apreciable que no va a conducir a ninguna parte, y sea cual sea el final, toda la trama parece fruto de la casualidad.

Las coreografías de grupo como siempre con este director trata a los rivales como monigotes, siendo cada uno de ellos derribado por un solo golpe (habitualmente cruzado). Las tomas de combate son laterales, sin cambios de cámara, y de un tirón, lo que es de agradecer, ya que la posición de los samuráis y sus movimientos están perfectamente trabajados.
En este film Raizo Ichikawa (Takakura Shingo) utiliza una postura bastante peculiar, y al igual que en “Satan´s Sword” le otorga una enorme ventaja. Los momentos previos al combate están bañados del particular uso de la tensión de Kenji Misumi, con continuos cambios de cámara a primeros planos, y a tomas lejanas.

Los escenarios son muy simétricos, y me permito destacar el castillo del final del film, un autentico laberinto manejado con cámara desde el aire. La banda sonora se resume en esa estridente e infernal melodía de incertidumbre que caracteriza al director.

Con sus 70 minutos de duración contrasta el tiempo que abarca el film. Si mal no recuerdo la primera vez que Shingo aparece en pantalla ocurre 9 años antes de la última. Cada una de las tres etapas temporales viene distinguida por el peinado de Raizo Ichikawa. Primero con la cabeza rasurada, luego con su look habitual, y finalmente con un toque más elegante.

La historia me ha parecido simple y floja, pero su duración y el entretenimiento probablemente harán que merezca la pena volver a verla cada cierto tiempo.

One Fine Spring Day (2001)

El sonido del adiós
Por Master of Hate

Sang-woo (Yu Ji-tae) trabaja como técnico de sonido para doblajes de televisión. Junto a su padre, su tía y su abuela, Sang-woo pasa los días calmado y distraído en las afueras de la ciudad, aunque siempre pendiente de esta última debido al sufrimiento que le causa la perdida de su esposo, cosa que no es un hecho reciente. Más adelante Sang-woo se entera de que su abuelo tuvo otra mujer, pero a pesar de esto, la abuela aún le demuestra un cariño inquebrantable. Sang-woo consigue un pequeño trabajo adicional y conoce a Eun-su (Lee Yeong-ae). Esto marca el inicio de una relación amorosa súbita que cambiará la vida de ambos.

Segunda película de Hur Jin-ho, director de nada más y nada menos que “Christmas in August.” Un precedente así, es imposible de obviar y que por el contrario, puede ser muy útil para valorar el estilo de este gran realizador. “One fine Spring Day” ciertamente comparte multitud de matices con su predecesora, pero a su manera. Toda la sensibilidad y el culto a lo simple, características del cine de Hur, esta aquí. En esta ocasión incluso podríamos hablar de un cierto efecto “deja vu” ya que la trama se presta mucho a que nos sintamos identificados con ella.

La historia se desarrolla en un intervalo de unos pocos meses. El transcurso del mismo es tan espontáneo y natural que en ningún momento las cosas parecieran ocurrir con premeditación. La relación que nace entre los protagonistas es entrañable, pero se hace evidente que los intereses y las espiraciones de ambos son distintos, por lo que la balanza pierde su equilibrio. Obviamente el trabajo de Yu Ji-tae (Natural City, Oldboy) y Lee Yeong-ae (JSA, Sympathy for Lady Vengeance) es escencial en todo momento.

La mayoría de las escenas gozan de una simpleza y elegancia únicas, que se complementa con la gran cantidad de detalles que se ponen a disposición del espectador. Otra característica a tomar en cuenta es que los diálogos no abundan; en su lugar se prefieren las expresiones corporales, simbolismos, el silencio y muchas otras alternativas. Las tomas son generalmente largas, con poco movimiento de cámara y mucha pasividad. Si estas armas se sabe usar correctamente, resulta todo un deleite ver pasar cada fotograma y descifrar su silencio. Hur es alguien que sabe su oficio muy bien y se vale de esos elementos para llenar de magia cada escena. La música ha sido cuidadosamente seleccionada para intercalarse con los sonidos de la naturaleza que, como no podía ser de otra manera, tienen un rol privilegiado desde el primer instante.

“One fine Spring Day” es de esas cintas que consiguen mucho con poco; y que no se me malinterprete por esto. Lo que quiero decir es que historias de romance, de amor, de dolor y todo lo que ocurre en una pareja, abundan y hasta sobran; pero es la manera llevarlo a cabo la que determina su trascendencia. En este caso no hablamos de un largometraje cualquiera, hablamos de uno que fácilmente podrá perdurar en nuestros corazones por mucho tiempo.

Phone (2002)

No contestes tu teléfono
Por Squareta

Ji-Won es una periodista que acaba de publicar un artículo sobre pedófilos. Al parecer alguien no quedó muy contento con su artículo y se lo demuestra con llamadas intimidantes. Para prevenir cualquier intento de venganza, Ji-Won decide cambiarse de casa y de número de teléfono. Pronto, las llamadas amenazantes preocuparán menos que los extraños sucesos que comenzarán a ocurrir a su alrededor.

Byeong-ki Ahn se aprovecha del boom del cine de horror oriental post-Sadako para traernos su segunda película, y de paso lograr un gran éxito en taquilla. Con un comienzo bastante superficial se nos muestra la historia de la típica joven acosada por un psicópata, pero mientras transcurre la cinta poco a poco se va a ir desligando de esta historia para ofrecernos otra, una mucho mejor por cierto, y no sin antes pasar por unos buenos momentos de drama con bastantes dosis de horror.

Sin salvarse de los vacíos argumentales y de las escenas predecibles, Phone logra su cometido, asustar e impactar en algunas escenas, algo que sin duda no se habría logrado de no ser por el protagonismo de una pequeña niña, Yeong-ju, interpretada por Seo-woo Eun y que con su estupenda actuación sacó más de un susto.

De este modo, esta película se cataloga como una de esas que logra conseguir mucho con muy poco. Es innegable que de original no tiene casi nada, limitándose sólo a agregarle un teléfono a una historia ya conocida. Pero a pesar de esta gran crítica, su resultado general es positivo.

Para los recién iniciados al cine de horror oriental les parecerá una buena película, que logra mantener el suspenso y sacar más de un susto. A los fanáticos de este tipo de cine les va a parecer una copia de otras tantas y que sirve sólo para pasar una tarde entretenida. Personalmente pienso que Phone es recomendable dentro del género.

Salaam Namaste (2005)

Él dice, ella dice
Por Casandra

Con “Salaam Namaste”, el director Siddharth Raj Anand nos trae una comedia romántica que entrega lo mejor del género y lo mejor de Bollywood. La acción se desarrolla en Melbourne, y narra la historia del romance entre Ambar, estudiante de medicina y conductora de un programa de radio y Nick un arquitecto y chef. El malentendido entre ambos, y el enamoramiento posterior se da en la primera media hora del film, dejando más tiempo al desarrollo de la relación.

La estructura adopta el modelo clásico de la comedia romántica, con equívocos, romance, chistes, personajes simpáticos y queribles. Las canciones juegan un papel fundamental en la narración, exteriorizando los sentimientos de los protagonistas y resumiendo a modo de sumario las acciones que no se muestran.

A nivel de la puesta en escena, el manejo de cámaras imprime a la imagen un ritmo vertiginoso, claramente emparentado con la estética del videoclip musical.

El guión está centrado en los conflictos entre la pareja protagónica después del enamoramiento, y en cómo intentan superar las diferencias que los separan. Hay incluso cierta crítica a los inmigrantes indios en Australia, con un personaje disfrazado como Cocodrilo Dundee que lleva la parodia al punto máximo. Mientras Nick vive como un australiano más, Ambar ocupa un lugar de tensión entre la tradición india y su constante transgresión, abandonando su país, negándose al matrimonio repetidas veces, trabajando y conviviendo con un hombre sin casarse. Pero a no preocuparse mucho por esto, como toda comedia romántica, en el desenlace, se reestablece el orden.

Saif Ali Khan (Nick) y Preity Zinta (Ambar) son jóvenes, lindos, tienen muy buena química en pantalla y un excelente timing para la comedia. La rapidez del diálogo en las discusiones así como los pasos de comedia a partir de las acciones físicas, recuerdan a la screwball comedy norteamericana de los años treinta.

En suma, “Salaam Namaste” es una comedia romántica fresca y divertida, con buenas actuaciones y una puesta en escena ajustada a las necesidades del guión. Una buena oportunidad para acercarse al cine de Bollywood.

Samurai Wolf (1966)

Nº1 en servicio de mensajeria
Por Fingolfin

“Samurai Wolf” y su continuación al año siguiente, fueron las últimas películas de Gosha antes de adoptar ese estilo narrativo característico que llevó a sus siguientes films a duraciones por encima de las dos horas.

74 minutos de cine no dan para mucho, así que como es lógico el argumento hace gala de una sencillez apabullante. Dos grupos de mensajeros compiten por el trabajo y la supervivencia. Uno de ellos está dirigido por Ochiha, una mujer ciega llegada al liderazgo por herencia; el otro lo dirige Kumikiri, que con sus asesinos a sueldo hace la vida imposible a sus rivales. En medio de este problema aparece la figura de Kiba Okaminosuke (Isao Natsuyagi), cuya unión a Ochiha detonará la batalla.

Las únicas complicaciones que surgen conforme avanza, son las relativas al último y mas importante de los encargos. Llegados a ese momento, un montón de mercenarios, yakuzas y asesinos van eligiendo cual va a ser su postura con respecto al oro, y se agruparan conforme a su decisión.

La acción al principio se nos presenta a cámara lenta, bastante lograda, pero poco atractiva la ausencia de sonido. Posteriormente la oscuridad será un problema para el espectador, y una bendición para el director, ya que esconde con ella algunas tomas bastante malas.

Creo oportuno prescindir de comentar las actuaciones de los personajes, ya que a grandes rasgos se puede decir que aquí no actúa nadie, solo se lucha y se explica por que se lucha. Quizás las mujeres sean las únicas que tienen algo mas cercano a una interpretación, pero tampoco demasiado destacada.

En resumen, si estas buscando algo sencillo y entretenido sin grandes exigencias, puedes encontrar en “Samurai Wolf” un rato de ocio. Para el resto no es mas que una película del montón.

Miyamoto Musashi (1954)

De animal a samurai
Por Fingolfin

Takezo es un joven del pueblo de Miyamoto que ansía convertirse en un samurai y ganarse la fama como guerrero. Su actitud es reprobada por todos los que conviven con él, y prácticamente es un forajido. El sacerdote Takuan será quien guíe sus pasos para transformarlo en el mayor samurai que Japón ha conocido jamás: Miyamoto Musashi.

Si Musashi es la leyenda mas grande de Japón, Toshiro Mifune lo es en el cine (al menos para mi), y en esta ocasión he tenido la oportunidad de ver a ambos en una sola persona; todo un espectáculo. Me gustaría resaltar la barrera que separa su papel como Musashi y su papel como Takezo, ya que tienen mucho que ver con diferentes etapas del actor. Cuando hace de Takezo podemos ver algunos de los rasgos mas importantes de Kikuchiyo en “The Seven Samurai”, un muchacho joven, y cuya ambición y fuerza superan con mucho su madurez. En cambio su transformación en Musashi cambia el personaje por completo, acercándonos mucho mas a otras actuaciones como Yojimbo o Sanjuro que rebosan de experiencia.

La adaptación de la historia real (o al menos de los registros reales) está forzada hasta el punto de que Takezo es poco más que un animal. No tiene miedo de nada, y como llega a ser definido durante el film, “es demasiado fuerte”. Para compensar toda su brutalidad aparece la figura de Takuan, que con métodos bastante duros, y en ocasiones crueles, le hará el favor mas grande de su vida.

En este primer film de la trilogía la acción viene provocada por la violencia de Takezo, que se enfrenta a todo aquel que le planta cara, primero con espadas de madera, y mas tarde con armas reales. Durante casi toda su aventura inicial estará a su lado Matahashi (Rentaro Mikuni), al que le falta todo lo que tiene su amigo, y cuyo papel va degenerando conforme avanza la serie.

En el aspecto técnico, ningún error importante que mencionar. La fotografía está reforzada por bellos paisajes de bosques cuando nuestro protagonista tiene que esconderse, y los escenarios bastante logrados.
La música seria sin duda lo que mas me ha gustado de todo, y es que solo en los créditos iniciales ya provoca escalofríos una pieza que difícilmente olvidaré nunca.

Estupenda primera parte de la trilogía, que marca los inicios de Miyamoto Musashi, y deja la historia justo a punto de comenzar la leyenda. Un film biográfico excelente dirigido por el genial Hiroshi Inagaki.

Adrenalina Drive (1999)

El Botín
Por Master of Hate

Tras un inusitado accidente, el cuartel general de un grupo de yakuzas queda reducido a cenizas. Una maleta llena de millones de yenes llega a manos de Satoru y Shizuko Los propietarios del botín han muerto y no hay testigos que tengan conocimiento de ese dinero. Las patéticas vidas de los protagonistas dan un giro de 180 grados, ya que de la noche a la mañana han pasado a ser multimillonarios. Sin embargo, uno de los yakuza que originalmente poseían el dinero, es rescatado y finalmente sobrevive. Los nuevos millonarios intentan escapar tan pronto como se enteran de la noticia, pero ya tiene a un grupo de maleantes (la mayoría no muy inteligentes) siguiendo sus pasos. ¿Podrán escapar con el dinero?

El nombre Shinobu Yaguchi quizás les sea muy familiar a muchos. Se trata del mismo director de la conocida cinta “Waterboys” y la más reciente “Swing Girls”. “Adrenalina Drive” es también una comedia en la cual se nota mucho su estilo, que entre otras cosas se caracteriza por hace uso de historias bastante simples. No obstante, consigue crear películas muy atractivas, con personajes un tanto particulares. Finalmente cumple y quizás hasta supera muchas de las expectativas del respetable.

Es interesante tomar en cuenta, que pese a carecer de un argumento original, la película es muy efectiva y sumamente entretenida. Las situaciones son muy ingeniosas, y la manera en la que se desarrollan los hechos cuenta con un toque natural. Hay muchos y buenos detalles y particularmente destacan las actuaciones que son muy acertadas. Hay un poco de romance, que nunca viene mal.

Deja un poco confundido el hecho de que la película se llame “Adrenaline Drive”, debido a que no hay mucha adrenalina que digamos y tampoco es que los autos o carreras sean un elemento primario. Se puede hablar de que existe un acercamiento a la vida diaria de 2 personas, que viven un poco sometidos a sus trabajos sin mucho espacio para otras cosas. La cultura siempre es un factor importante y aquí también tiene su función.

Una excelente comedia japonesa, sencilla, accesible y sobretodo entretenida; llena de situaciones jocosas, sin duda ideal para reír cualquier día de la semana.

Shinobi (2005)

Iga y Koga
Por KeNJi-KuN

Basada en la novela de Futuro Yamada en la cual se basó el manga “Basilisk” para crear una historia ficticia a partir de personajes historicos, llega el último film del realizador videoclipero responsable, entre otras, de "Otogiriso", Ten Shimoyama.

Dos clanes ninja, Kôga e Iga, enfrentados durante más de 400 años por un odio exarcebado. Una historia de amor entre dos jóvenes, Gennosuke de Kôga y Oboro de Iga, que reeditan una pasión ancestral. Una estúpida y caprichosa batalla por la sucesión del shogunato entre dos hermanos, Kunichiyo y Takechiyo. La paz y armonía impuesta por Hattori Hanzo a punto de estallar por los aires.

El cuidado por lo visual no supondrá ninguna sorpresa para los conocedores de la trayectoria del realizador. "Shinobi" se abre con un inicio realmente apasionante, donde se saturan los sentidos por la conjunción entre banda sonora, imágenes, y efectos especiales y de sonido. Tras sus primeros 20 minutos el ritmo empequeñece, aunque nunca alcanza un nivel mínimamente preocupante. Si bien en su parte media se concentran sus escenas, momentos y diálogos menos afortunados, que no supondrán un pesado lastre a su balance final.

Técnicamente la película ha sido muy cuidada, destacando la banda sonora, algunos fx y la fotografía. Ten Shimoyama muestra habilidad a la hora de mover y colocar la cámara regalando algunos hermosos planos y secuencias.

Argumentalmente no resulta fresca ni original. Shimoyama, o no sabe, o intenta no ahondar apenas en la relación entre los protagonistas, si bien esto se agradece en este caso al otorgar rapidez y ligereza al conjunto, restándole pretenciosidad. Las escenas de acción son bastante buenas y lo suficientemente atractivas para cualquiera, conjugando los fx y la coreografía en un acertado equilibrio. "Shinobi" no será recordada por sus interpretaciones, encabezadas por Jô Odagiri y Yukie Nakama, siendo unos de los puntos mas flojos, si bien alcanzan la corrección.

Visto como un mero entretenimiento, "Shinobi" llega a ser un film notable, siendo pese a las diferencias comparable con "Azumi", aunque si me apuran, me quedo con aquella de Kitamura.

Love Bakery (1999)

El dulce sabor de la pasión
Por Master of Hate

Para Noh-myoung hacer pan no es cosa de cualquiera, es una labor digna de artistas y que puede ser apreciada por muy pocos, de todos modos, es feliz con su esposa, Jung-hee Han, su pequeña hija y su panadería. Un día La esposa de Noh-myoung empieza a mostrarse muy pensativa, lo que despierta las sospechas del abnegado esposo, la razón es incierta, lo que si parece evidente es que la aparición de un curioso novelista llamado Park Mu-seok parece solucionar el problema, pero ¿Qué es lo que pasa en verdad? ¿Se trata de un caso de infidelidad? son las preguntas que surgen inmediatamente, no obstante es algo muy difícil de determinar, sobretodo porque Noh-myoung parece exagerar en sus sospechas. La situación se agrava cuando la esposa de Mu-seok hace su aparición, ya que su llegada puede ser un nuevo problema para Noh-myoung en vez de una salida.

Varias veces cambie mi opinión sobre “Love Bakery” es un poco difícil de asimilar, pues resulta un poco extraña; flota sobre ideas un tanto estrafalarias, y es evidente que tiene mucho más de comedia que de drama. El romance por su parte, se hace presente en forma muy poco habitual. Dentro de los varios géneros que maneja “Love Bakery” se rescata su valor como comedia romántica original, lo demás viene como un añadido que por momentos puede llegar un tanto innecesario, pero por otra parte, se nota que la película en ningún momento trata de ser seria y se descarrila en el momento en el que parece tornarse un drama de verdad. Pero ya que las cosas son así, se hace necesario no buscarle el lado serio o incluso lógico, mas bien hay que prepararse para una cinta con muchas situaciones hilarantes, chistes ingenuos (la mayoría funcionan) y otros no tanto.

Las actuaciones son bastante buenas, aunque más que buenas, supongo que es mejor decir que obedecen a la manera en la que se plantea la película. La música es bastante agradable y en general, tomando en cuenta que la película no es fácil de clasificar, es razonable pensar que se trata de una cinta llamativa, ¡pero ojo! las expectativas no deberán ir dirigidas hacia una película que tiene mucho que ofrecer, sobretodo en cuando al guión, que se maneja en su propio concepto: “el arte de hacer pan”

Si son capaces de tolerar las crónicas de un hombre obsesionado con hacer pan, con reconquistar a su esposa, y con filosofías algo ingenuas es posible que hallen las cosas buenas de esta cinta. De principio a fin veremos infinidad de dulces, así que es recomendable ver esta película siempre y cuando se ha llenado el estomago con algo sustancioso, por lo demás no hay mucho que decir, quizás solo que la película no requiere otra cosa que sea mucha imaginación y ganas de ver algo simple, sencillo y diferente.

The Loyal 47 Ronin (1941)

Cumplieron con su voluntad
Por Fingolfin

Recordarán que en los inicios del blog publiqué el comentario de “47 Ronin (1994)”. Me gustaría pedir disculpas por algunos errores que cometí, ya que en aquel momento no había visto ninguna de sus predecesoras. Mi principal fallo fue considerarla un “remake”, y es que la manera de abordar la historia, se parece a la que hoy me ocupa lo mismo que “Blancanieves” a “Battle Royal”. El otro problema es el hecho de que olvidé mencionar todas las películas que tratan este mismo suceso, y en cuyos títulos no utilizan el nombre “47 Ronin”. A continuación procedo con la crítica.

Lord Asano ataca al maestro de ceremonias del Shogun: Kira, tras ser insultado repetidamente. Por ese acto es condenado a hacer seppuku, mientras que su enemigo queda libre de todo cargo. El clan y la casa de Asano son abolidos, y sus vasallos quedan al servicio del chambelán Oishi. Durante mucho tiempo de incertidumbre y sufrimiento, los hombres del clan tendrán que saber diferenciar entre vengar a su señor, y matar a Kira, aunque ambas cosas puedan parecer la misma.

La única película que había visto de Kenji Mizoguchi era “Tales of the Taira Clan”, que me dejó un sabor de boca magnifico. Desde ese momento he estado buscando la ocasión para poder ver “The Loyal 47 Ronin” (Genroku chushingura), y es que no es fácil encontrar 4 horas totalmente libres.

El film se divide en dos partes de 111 minutos cada. La primera parte lleva desde el ataque a Kira por parte de Asano, hasta que el chambelán Oishi decide el destino de los vasallos. La segunda parte contiene desde ese momento hasta el final de la historia.
El hecho de que esté dividida en partes no es en mi opinión una invitación a verla de forma separada, ya que sería perder el hilo de los acontecimientos y tener que volver después a la historia.
Durante su larguísima duración no hay lugar para el aburrimiento. Las escenas son enormemente lentas, pero no atrancadas en conversaciones o sucesos inútiles. El espectador llega a meterse en la historia de tal forma que le da lo mismo pasarse el día frente a la pantalla si fuera necesario.

No hay la mas mínima muestra de acción, y su principal diferencia con “47 Ronin (1994)” es que el asalto a la residencia de Kira no aparece en escena, sino que está representado por una carta que recibe Lady Asano.

Banda sonora, decorado y vestuario, al igual que en “Tales of the Taira Clan”, solo puedo decir que es magnifico, y si en algún momento he echado de menos el color, ha sido para poder apreciar mejor los detalles interiores de los castillos que aparecen.

Conclusión, me ha gustado bastante, no plantea problemas con la extensión, y antes de aventurarme a contextualizaciones inútiles, quedo a la espera de ver lo que tiene que mostrarme Hiroshi Inagaki en la de 1962.

Distance (2001)

Como la vida misma
Por KeNJi-KuN

Una profesora (Yui Natsukawa), un salariman (Susumu Terajima), un trabajador por su cuenta (Yusuke Iseya) y un estudiante (Arata) se reúnen el mismo día de cada año cerca de un lago en las montañas con motivo del suicidio de sus familiares (incluido su líder espiritual), miembros de un culto apocalíptico, hace justo 3 años después de haber envenenado el agua de una ciudad japonesa matando a 128 personas. En el camino de vuelta descubren el todoterreno en el que viajaban ha sido robado. Atrapados e incomunicados en mitad del bosque deciden pasar la noche, junto con un ex-miembro del culto (Tadanobu Asano) que se une al grupo, en la cabaña donde sus familiares convivieron antes del suicidio. Este pequeño inconveniente les dará la oportunidad de tratar descubrir más sobre lo que realmente sucedió con sus familiares y de paso conocer mejor a los demás miembros del culto.

Tercera incursión de Hirokazu Kore-eda trás la cámara, "Distance" es la obra anterior a su aclamada "Nobody Knows", con la que comparte formas. Ambos films evidencian el pasado documentalista del realizador nipón. Encontramos ausencia total tanto de banda sonora como de luz artificial, lo que acrecienta aún más la sensación de realismo, que ya es total de por sí con las imágenes que desprende. Largas tomas y planos con diálogos y actuaciones que casi parecen improvisadas, sin duda la esencia del cine de Kore-eda.

La cinta se muestra interesante y sólida, no carente de ciertos altibajos y pecando de un metraje excesivo, y es que el director por momentos coquetea con el snobismo. No deja por esto de ser una interesante propuesta y un buen film.

A nivel técnico Kore-eda se muestra rotundo y demuestra un gran pulso tanto en la dirección como trás la cámara dejándonos algunos grandes momentos y escenas llenas de sutilidad. Las actuaciones, como apuntaba, resultan naturales a tenor de la improvisación (que no es tal) que se transmite, por esto no dejan de resultar algo sosas, especialmente la de Tadanobu Asano. Destaca entre ellas la de Susumu Terajima.

"Distance" entre otras cosas deja en falta un montaje más ligero, recortado y dinámico. Esto junto a su extenso metraje y el ritmo lento y pausado puede ser un handicap, acentuado por la ausencia de banda sonora, para enfrentarse a ella. Sin embargo, frente al severo aburrimiento que supondrá para algunos, otros disfrutarán de un cine adulto con los suficientes elementos y calidad como para estar hablando de una película notable que se ve superada por la más reciente obra del director.

Whispering Corridors 4: The Voice (2005)

Atrapada entre dos mundos
Por Squareta

Young Eon, una chica fascinada por el canto, se queda un día después de clases para practicar, sin sospechar que eso será lo último que hará en vida. Ha fallecido en el colegio y desde ese momento su espíritu no podrá abandonar el lugar. Pronto descubre que solamente su mejor amiga, Sun Min, es capaz de oír su voz. Juntas buscarán información que permita revelar el misterio de la muerte de Young Eon.

"The Voice" es la cuarta entrega de Whispering Corridors y está dirigida por Choi Ik-hwan, el que fuera asistente del director de la primera de la serie y hasta ahora sin experiencia en la dirección.

Volviendo un poco al espíritu de la primera entrega, The Voice nos ofrece una historia que logra mantener el suspenso. Además, es un poco más tenebrosa porque en esta ocasión se nos muestran los hechos desde el punto de vista de un fantasma y nos pone en su situación. Las muertes son más violentas, aunque sigue predominando el drama por sobre el horror. Otro elemento que se repite y que ya es característico de Whispering Corridors es el tema lésbico, aunque esta vez aparece en otro nivel.

Me ha gustado mucho el alto nivel técnico de la cinta, el que deleita tanto a nuestros ojos como a nuestros oídos. Tiene una fotografía excelente y una iluminación muy agradable. Como ejemplo tomo al aspecto del instituto de noche.

Las actuaciones están bien, los mínimos gestos de las protagonistas nos logran acercar a sus sentimientos y las chicas nos inspiran el misterio necesario. Otro punto destacable del film es que aunque gira entorno a un fantasma no utilizaron los típicos elementos visuales del horror oriental.

En buenas cuentas, “The Voice” quizás no logre la trascendencia de las dos primeras, pero tiene un resultado muy bueno en relación al cine de terror actual. Recomendada.
Y con esta película se concluye, por el momento, la saga de Whispering Corridors, la cual ha conseguido llamar la atención de muchos mezclando eficazmente drama y terror.

Indian Summer (2001)

¿Culpable o no?
Por Master of Hate

Seo Jun-ha (Park Shin-yang) es un joven abogado que realiza sus labores con normalidad hasta que un día se le asigna un caso muy delicado. Lee Shin-young (Lee Mi-yeon) es acusada de asesinar a su marido de manera premeditada y cruel. Lo extraño del caso es que ella se niega a dar ninguna declaración e incluso se niega a contar con los servicios del abogado encargado de su caso. La situación trasciende las cortes ya que Jun-ha no actúa muy profesionalmente y deja que las pasiones y sus intereses personales intervengan en el desarrollo de su defensa, la misma que se torna muy desafiante puesto que el fiscal ha pedido la pena de muerte para la acusada.

Para ser hasta la fecha la única película de No Hyo-jeong, “Indian Summer” tiene puntos destacados y en general no se le puede achacar falencias notables o desaciertos de ningún tipo. Logra de principio a fin mantener un interés significativo que gira alrededor de la relación entre los protagonistas, y del misterio sobre el asesinato. No es la primera película que presenta este tipo de tramas; de hecho se perfila bastante predecible e muchos aspectos desde sus primeros minutos, pero se aleja de este criterio a medida que la historia se desenvuelve.

El factor determinante que saca adelante la cinta es su consistencia y las buenas actuaciones que explotan el potencial de un guión, si no excelentemente conseguido, por lo menos aceptable. Park Shin-yang es muy convincente en su papel, y tiene una gran capacidad para mostrarse como un hombre sumamente sensible y frágil, pero a la vez con gran coraje y buenos sentimientos. Lee Mi-yeon hace lo propio y extrañamente su personaje tiene cierta similitud con el que interpretara en su siguiente película “Pisces”, una mujer encantadora, pero con un destino ya escrito.

Sin hacerse acreedora a calificaciones sobresalientes, “Indian Summer” consigue llamar fuertemente la atención y se convierte en un drama intenso que no deberíamos dejar pasar.

Fearless (2006)

El estandarte de China
Por Fingolfin

Después de pasearse por Estados Unidos y reunir una buena pila de “basura”, de la que solo se salvan sus combates, Jet Li vuelve a China, como hizo Jackie Chan, a demostrar que aun tiene buen cine para dejarnos. Dirigida por Ronny Yu, comenzamos este 2006 con “Fearless”, una película a la que llevo haciendo seguimiento desde hace 2 o 3 meses, y al fin he tenido la oportunidad de verla.

Relata la historia del maestro de artes marciales Huo Yuan Jia (1869-1910), el fundador de la “Jin Wu Sports Federation”. Es un hombre que hace honor al título del film, ya que no tiene miedo de nada, incluso hasta el punto de que su actitud resulta temeraria, luchando sin pensar en ningún momento las consecuencias. Un día uno de sus discípulos aparece dolorosamente derrotado por otro maestro. Sin esperar a enterarse de los motivos, Huo Yian desafía a éste a un combate, en el que le quita la vida a su rival. La venganza de su familia marcará un nuevo rumbo a la historia de nuestro protagonista.

Si para hablar de “Tom Yum Goong”, “Ong Bak”, “Born to Fight”…etc, tengo que cebarme a ensalzar sus combates y disimular el argumento por debajo, en este caso no será necesario. “Fearless” combina una historia que considero bastante buena, con combates enormemente espectaculares.

En primer lugar tenemos una serie de enfrentamientos en un tatami, contra representantes de varias naciones occidentales, cada uno de ellos empleando un arma distinta. Luego hay mas duelos, reflejando la evolución de Huo Yuan y su éxito en todos los desafíos en China. Tras la larga pausa ocasionada por su cambio de actitud, a su regreso tendrá lugar el combate estrella, que sin embargo creo que no es el mejor, contra un gigantesco americano. Y para terminar será un Japonés el que nos deje el enfrentamiento final.
Atención sobre todo a las cámaras lentas y los juegos de pies, que ha sido de lo que mas me ha gustado. Aparte claro, que ver a Jet Li con peinado shaolin era algo que no hacía desde “Once Upon a Time in China VI” en 1997.

Argumentalmente la historia muestra una imagen negativa de la temeridad y la violencia, metiendo continuamente estilos de pensamiento pacíficos y de respeto, sobretodo a través del mejor amigo de Huo Yuan. Como siempre en la época representada, el director consigue sacar cierto odio del espectador ante la invasión de cultura occidental que sufre China, y que de alguna manera, nos hace vivir los combates como algo mas personal.

Por ultimo quiero decir que es una lastima que fueran cortadas las escenas en las que aparecía Michelle Yeoh, pero tampoco tengo mucha mas información sobre eso. En definitiva, ha sido todo un placer disfrutar de mi primera película del 2006, y espero que durante todo el año se mantenga un alto nivel que de seguro irá en aumento.

Dhoom (2004)

Dhoom Machale
Por KeNJi-KuN

“Dhoom” cuenta las peripecias de una banda atracadora de bancos que usan las carreras ilegales entre motociclistas para tapar sus robos. Ante las sospechas, la policía decide investigar, designando al teniente Jai Dixit para que atrape a esta banda liderada por Kabir, para ello contara con la ayuda de otro corredor de motos, Ali.

El director Sanjay Gadhvi dirige esta típica película comercial de motos, carreras, mujeres guapas y estética videoclipera. Esto último cobra dimensiones insospechadas al hablar del cine Hindú, ya que esta cinematografía nos acostumbra a gozar de bandas sonoras omnipresentes aparte de numerosas escenas musicales en casi la totalidad de sus producciones. Decir que las dos horas de duración de este film hacen que sea considerado una pelicula de corta duración según los estandartes de este cine cuya media por film es de 150 minutos.

Esto unido al carácter comercial y al protagonismo de la acción junto a las escenas musicales hacen que “Dhoom” sea ante todo sinónimo de puro entretenimiento. Además de esto el film se muestra ágil contando con un trabajado montaje muy estilista y dinámico, que fue premiado por la academia del país. Sobra decir que sus creadores no han intentado ofrecer una historia demasiado innovadora ni elaborada, hablamos de una película de consumo fácil, cuyo mayor aliciente es dejando a un lado su aspecto visual, su propia procedencia.

Protagonizan la cinta Abhishek Bachchan, Esha Deol, John Abraham, Rimi Sen y Uday Chopra, sin resultar destacables. Los números musicales en esta ocasión parecen auténticos videoclips, destacando la espectacular banda sonora y las pegadizas canciones que la acompañan. En cuanto a las escenas de acción son notables, más teniendo en cuenta la procedencia de la cinta. Las peleas cuerpo a cuerpo suponen el aspecto a pulir por parte de esta cinematografía en general.

“Dhoom” es un film para tomar como un simple entretenimiento, muy efectivo por cierto. La película ideal para quienes pretendan empezar a adentrarse, una vez superado los prejuicios iniciales por las escenas musicales, en el cine que nos viene de la India. Un cine en constante evolución.

Oasis (2002)

Ya no hay sombras
Por Master of Hate

Hablar de Lee Chang-dong es hablar de uno de los directores que han llegado a esa cúspide reservada solo para los más grandes. La calidad de las películas de este novelista/director son superiores y todas representan una pagina memorable en la historia del cine coreano. “Oasis” es para muchos su mejor largometraje, y quienes piensan esto, tiene razones de sobra para hacerlo. “Oasis” quieran o no, es en parte una historia de amor, pero ¿Qué tipo de amor?. Lee se aliena de cualquier referencia reconocible al momento de contar su historia, y es por eso que prescinde de cualquier elemento romántico y melodramático innecesario. Es resultado salta a la vista ya que “Oasis” es una historia de transcurre con una naturalidad apabullante que destroza el género del romance y sus estereotipos.

La historia sigue los pasos de Jong-du Hong (Sol Kyung-gu) en el momento en el que este es liberado de la cárcel. Hong ha tenido que pagar una condena para cubrir a su hermano quien, en un accidente de transito, provocó la muerte de un hombre. Hong tiene ciertas limitaciones mentales que son un tanto difíciles de explicar pues se comprenden mucho mejor al conocer su personaje mediante el visionado del film. Hong visita a la casa del hombre que murió en el accidente y conoce a la hija de este, Han Gong-ju (Moon So-ri). Ella sufre de parálisis cerebral y vive en condiciones realmente deplorables. Ambos representan una carga que sus correspondientes familias no están muy dispuestas a sobrellevar. Hong empieza a frecuentar a Han y quizás esto cambie sus destinos.

Se me hace sumamente complicado abordar esta historia desde mi punto de vista, sin embargo, puedo asegurar algunas cosas. “Oasis” es una de las mejores películas que se han hecho en la historia del cine coreano. Lee, como es habitual, explota el corazón egoísta y corrupto de la sociedad y deja en evidencia la carencia de valores de la misma. Esta cinta desafía cualquier modelo de amor “común” y llega a impactar de manera única y avasalladora, superando todo lo vista hasta la fecha.

Moon So-ri realiza en esta cinta una actuación digna de los más altos honores, y es que faltan las palabras para describir el poder que tiene su interpretación. Sol Kyung-gu no se queda atrás y realiza un trabajo increíblemente destacado.

Con sendas actuaciones, un guión impresionante y la mano de Lee Chang-dong, “Oasis” se consolida como todo un referente del cine coreano. Un drama humano representado de manera brillante, una verdadera joya de un director cuyo talento es indiscutible.