Freak Movie Team. Cine oriental y asiático.

2001 Yonggary (1999)

2009-06-13T04:31:00.004+02:00

Esto ya lo he visto!
Por Vampire Cop

Un equipo de científicos que trabajaban en un sitio remoto encontraron enterrado el cuerpo de un enorme monstruo, perfectamente conservada incluso después de 200 millones de años. Tan pronto como la bestia es descubierto una nave espacial aparece de repente por encima de ellos y hace que el monstruo vuelva a la vida!.

Bueno que puedo decir de ésto, una película dirigida por un director algo alocado como lo es Hyung-rae Shim, el mismo de la película de dragones D-War, cinta que en su mayoría estaba actuada por norte americanos. Ésta obviamente lo es también y con moustros, que emula bastante a nada más y nada menos a godzilla, pero quiero decir algo antes de hundir a esta cinta.

Este particular personaje es director, actor, productor y hasta guionista jajajaj, yo no sabía nada de él hasta que vi D-war o Dragon war. Cuando la vi me dije a mi mismo: ¡¡que película tan mala dios!!! así que quise investigar más sobre este personaje, del cual desconocía su filmografía y cuando investigué con más profundidad supe de él que su época de oro fue en la década de los 80, donde trabajó como actor en películas que ya son un clásico de culto en Corea. Me refiero a cintas como Ulemae from Outer Space 1 y 2, Ulemae 5: New Machine, entre otras donde él no estaba dirigiendo, fue en los 90 cuando comenzó como director, con películas que verdaderamente no le fueron muy bien como "Young-gu and Princess Zzu-Zzu", "Young-gu and Count Dracula" entre otras donde conoció el fracaso, es que en Corea, bueno para mi no sé si lo que estoy diciendo sea verdad, pero ya en los años de antes como por ejemplo en los 80, el cine de Corea no era tan internacional como lo era Japón, China y Hong Kong, ya a mediados o finales de los noventa fue que el cine de Corea empezó a crecer hasta convertirse en una de las mejores cinematografias del mundo y digo esto porque el no ha sabido aprovecharse de ésto creo que va en decadencia, exceptuando las películas de clase b que dirigió como "Pawer king" de 1995 y "Dragon tuka" de 1996 en la que también actuó y que ambas fueron un rotundo fracaso. Luego dirigió "2001 Yonggary", cinta a la que le había invertido mucho dinero y que también resultó ser otro fracaso, siendo un golpe muy duro para él. Bueno así queda todo y ahora viene el hundimiento a este film.

La pobre "2001 Yonggary" no es nada más que una copia barata de la película de Godzilla y lo que no entiendo es que emula a la película americana. Se puede ver que si emula al remake, al que no le fue muy bien en la taquilla, y no al clásico japonés; digo esto por lo que pude observar, que fue un disparate en toda su plenitud, me pareció algo demasiado ridículo en verdad, ni siquiera las actuaciones fueron buenas fue más bien un asco con actores norteamericanos desconocidos de los que nadie conoce jejej, muchísimos errores que pude conseguir y cada vuelta argumental fue más estúpida que la otras, los efectos especiales a pesar de que invirtieron mucho en ellos se vieron demasiado pobres más bien parecieron de un videojuego, de los primeros que hicieron en 3D, imagínense ni siquiera me entretuvo en escenas en donde el monstruo aparecia, pues eran demasiado tontas como si fuese un film de niños como de 5 0 6 años, que creo que ni a ellos les gustarán, es que creo que es unas de las cintas más ridículas que he visto en mi vida me hizo reir de lo boba que era, la aguanté hasta el final para ver como terminaba este bodrio o mejor dicho este verdadero bodrio y de los malos que existen en la cinematografia .

Como les dige si D war no les gustó se debe admitir que por lo menos conseguía unos efectos extraordinarios y las batallas de los humanos contras los dragones entretienen. Ésta por su parte no consigue nada bueno, todo es malo, y como al igual que su D war tiene actores norteamericanos eran peores que los que salían en su última película. Bueno veanla como curiosidad para que se sorprenda de lo mala que es. Un fiasco. 0/10

Otoko-tachi no Yamato (2005)

2009-05-31T07:18:00.002+02:00

Recuerdos de una guerra
Por Vampire Cop

Makiko Uchida llega la un puerto del sur de Japón en busca de un bote que la lleve al sitio donde reposan los restos del acorazado Yamato en el 60 aniversatio de su hundimiento.

Todos los marinos rechazan llevarla a esas coordenadas hasta que Katsumi Kamio, un viejo lobo de mar, accede a llevarla sin sospechar quien es en realidad esa chica ni que va a encontrar despues de 60 años.

La película de gran presupuesto nos lleva a la guerra fría entre Japón y los Estados Unidos, está dirigido por "Junya Sato" y viene de la novela de Jun Henmi, una cinta perfecta en toda su perspectiva, muy buena escenografia de época, muy bien dirigida (con mucho cuidado) y originales efectos especiales que me encantaron pues le dio un toque diferente en la parte técnica. El film es un drama bélico muy reflexionista sobre esa política de Estados Unidos hacia el mundo porque el film nos cuenta la primera batalla de Japón con los Estados Unidos antes de la segunda guerra mundial donde los japoneses batallaron en un barco anti-aéreo, llamado Yamato que fue el acorazado más grande que jamás ha pisado el planeta 263 metros de largo (casi como 3 campos de futbol), 51 metros de altura (como un edificio de 18 plantas), y 72.800 toneladas, que se enfrentaron con aviones americanos.

Unas de las cosas que me mantuvo muy bien fue que el film muestra imágenes de la vida real y en blanco y negro haciendo un resumen para entender más la película, que por cierto tiene un argumento muy bueno de esas historias que te llegan y no te decepcionan nunca. La película está protagonizada por un gran actor como lo es Shido Nakamura, el mismo que trabajó con Jet li en "Fearless" y también en la grandiosa "Red Cliff". Otro actor que aparece en este film es Ken'ichi Matsuyama, el mismo de "L: Change the World", además de una cantidad de actores veteranos que será una sorpresa para ustedes cuando vean la película, que a mí me encantó sobre todo sus grandes batallas que dejan boca abierto a quien sea. Simplemente genial.

Bueno lo único que puedo hacer es recomendar esta peli que no se van a decepcionar. Buenas actuaciones, un gran guión, excelentes batallas de guerra, tremenda dirección, etc. Simplemente recomendable al 100%, véanla les gustará se los aseguro. Un 9/10

Death Bell (2008)

2009-04-06T18:25:00.001+02:00

Un slasher diferente
Por Squareta

“Death Bell” es una película coreana que fue estrenada el pasado 2008 bajo la dirección de Yoon Hong-seung.

Después de los exámenes finales, los que obtuvieron las mejores notas han sido seleccionados para representar a su colegio. Es por ello, que tendrán otra semana intensa de estudio. Sin embargo, el estudio se verá interrumpido por un extraño video que aparecerá en todos los monitores de las salas. En aquel video, una estudiante del colegio aparece atrapada en un tanque que lentamente se llena con agua al tiempo que una voz irreconocible les dice que para salvar su vida deberán responder correctamente la pregunta que se les ha hecho. Así comienza el examen que determinará la vida de todos los presentes.

“Death Bell” es una película con un muy buen ritmo que se centra la alta presión estudiantil. Sin hacernos esperar mucho nos lleva rápidamente a la acción y al suspenso, cosas que mantiene durante todo su transcurso, en el que veremos caer cada vez a más estudiantes. Y si bien no sea la gran película no pretenden hacernos creer que es así, por lo que no tratan de agregarle más escenas innecesarias ni darle demasiado drama a la historia, dando unos escasos, pero efectivos, minutos de duración.

Aunque de pronto la cosa se trate de la venganza, se agradece que no lleve la misma línea de las películas que abarcan ese tema, y por momentos tampoco parece la típica cinta oriental. El frenético ritmo y la utilización del recurso de “grandes cantidades de escenas por segundos” (no sé si tendrá un nombre más profesional) por momentos da la sensación que está viendo una muestra de cine occidental. Se podría decir que “Death Bell” es una mezcla de slasher americano con elementos fantasmales orientales.

Nada que criticar dentro del plano estético. Una muy acertada banda sonora y acertadas actuaciones, excepto cuando empiezan los llantos. Los efectos especiales son buenísimos y dan un buen susto si te encuentran desprevenido.

No se puede comentar mucho más de la película sin revelar algún detalle importante. Pero para finalizar, creo que es una buena opción para mantenerse tensos y disfrutar de una película de este género. Recomendada.

Body #19 (2007)

2009-03-26T17:42:00.001+01:00

Ruido en la morgue
Por Squareta

Película tailandesa estrenada el 2007 y dirigida por el novato Paween Purikitpanya. La sinopsis va más o menos así:

Chonlasit es un reservado joven que vive con su hermana. Repentinamente, comienza a tener terribles pesadillas sobre el asesinato de una mujer. La cosa se agravará cuando las pesadillas pasen a alucinaciones que cada vez parecerán más reales. Un día le ocurre un pequeño accidente y se va a curar al hospital en el que estudia su hermana. En ese lugar el médico le hace unas extrañas preguntas que harán preocupar aún más al joven. Sus alucinaciones son cada vez más recurrentes y Chonlasit ha llegado a la conclusión de que debe investigar sobre la extraña mujer que se le aparece para poder apartársela de su mente. El problema, es que al parecer nadie sabe de ella.

Lo primero que se me viene a la cabeza después de verla es que como película del género pasa sin pena ni gloria. Repetidísima hasta más no poder, no logré encontrarle nada distinto que me haga sentir que vale la pena hacer una cinta “nueva” usando los mismos temas de siempre. Y no es exageración, sólo vean cómo va, parte con la historia de una mujer muerta que busca venganza y a medio metraje da un giro de 360 grados, igual que gran parte de los films tai que he visto. Avanzando con un ritmo pausado, continúa así durante casi toda su duración hasta desembocar en una lluvia de flash backs que pretenden atar todos los cabos sueltos en 5 minutos.

Dentro de los aspectos técnicos, mencionar que visualmente tampoco sale victoriosa. Se nota que no hubo mucho retoque. Tomen por ejemplo el fondo del vidrio mientras maneja la gente y los efectos especiales que acompañan cada escena fuerte. Lamentablemente trataron de mostrar más de lo que les daba el presupuesto y eso les jugó en contra. El fantasma vengativo es otro ejemplo de ello, aunque creo que nunca sabré si su resultado fue a propósito o si fue lo mejor que se pudo hacer. El sonido, por otra parte, tampoco resulta muy elaborado pero a diferencia del caso anterior, esto es a mi gusto un punto a favor. Con música relativamente baja, evoca un acertado aspecto de soledad, que sumado a las lluviosas noches provocan un terrorífico ambiente. Las actuaciones por parte de Arak Amornsupasiri y de Kritteera Inpornwijit son aceptables y permiten darle a la película toda la credibilidad que había perdido con los efectos.

Haciendo un recuento final ésta película se deja ver. Quizás tomé una actitud negativa ante ella al ver la cantidad de clichés presentes pero a los que se inician en el cine de terror oriental les puede hasta agradar. Pero si están en ese caso les recomiendo encarecidamente que no usen a “Body #19” como referente de este tipo de cine, porque películas mejores a ésta las hay, y muchas.

Tokyo Gore Police (2008)

2009-03-16T03:39:00.001+01:00

Para los amantes del rojo
Por Squareta

“Tokyo Gore Police” es la respuesta para todos los que buscaban una dosis de ultragore. Protagonizada por Eihi Shiina, la amante de la acupuntura extrema en “Audition” y dirigida por Yoshihiro Nishimura, experto en maquillaje y en efectos especiales (con una lista que incluye a “The Machine Girl” y “Suicide Club”), la película promete una entretenida velada llena de sangre y mutilaciones.

La policía de Tokio ha sido privatizada y se enfrenta ante la amenaza de los ingenieros, asesinos en serie que salen de lo común por una característica: convierten cualquier herida de su cuerpo en un arma mortal. Dentro de la policía, sólo Ruka puede detenerlos. Con el recuerdo siempre presente del asesinato de su padre, Ruka vive para eliminar a los delincuentes y asesinos, cueste lo que cueste.

La cinta está basada en “Anatomia Extinction”, la cual el mismísimo Yoshihiro hizo en 1995. Para esta nueva versión, el director se aprovecha del mayor conocimiento y presupuesto para hacer todo un homenaje al género. Sus primeros 8 minutos dejan bastante claro que significa el título. Y lo que le sigue a esos minutos no será menor, un verdadero baño sangre, mutilación y fluidos de todo tipo que salpicarán constantemente sobre nuestra pantalla. Con un bizarro argumento, la historia sigue su curso deteniéndose de vez en cuando para anunciar productos que dejan ver lo loca que está la sociedad, como por ejemplo, un corta venas con diseño para teenagers y una “ejecución remota”, que es una especie de Nintendo Wii y en la que toda la familia se divierte matando gente.

Dentro del apartado visual lo primero que se debe mencionar es lo malo que son los efectos especiales…pero intencionalmente malos. Vamos, que a veces se nota demasiado que los cuerpos son maniquíes. Por otro lado, la película juega con la iluminación, oscura a veces y colorida otras, dando la correcta impresión del futuro desolador. Y fuera de lo visual, destacar la banda sonora con letras de lo más acertadas y los personajes demasiado locos, sobretodo los villanos con armas de todos los tipos y en todos los lugares (así es, imagínense cuál es el lugar preferido). Por último, mencionar las breves apariciones de grandes del cine de terror como Takashi Shimizu y Sion Sono.

Así que ya saben estimados, si son amantes de los excesos y de la sangre sin sentido, “Tokyo Gore Police” te entretendrá muchísimo. Caso contrario, ni siquiera piensen en echarle un vistazo.

Cruel Restaurant (2008)

2009-03-09T00:24:00.001+01:00

Ten miedo hasta de comer
Por Squareta

En una playa comienzan a aparecer trozos de cuerpos humanos y por el lugar cada vez desaparece más gente. Los policías a cargo de la investigación no dudan en sospechar que el restaurant que está en las cercanías algo tiene que ver con las desapariciones, pues dicho lugar es famoso por sus deliciosos dumplings y la dueña del local oculta sus ingredientes bajo siete llaves.

Kôji Kawano, el mismo director de “The Girls Rebel Force of Competitive Swimmers” nos vuelve a traer otra cinta bizarra y aunque la historia es totalmente diferente, repite los elementos que lo hicieron conocido.

La historia tiene algunos elementos similares a “The untold Story”, como serían los protagonistas (los policías versus el dueño del restaurant), las muertes bajo un cuchillo cocinero y las escenas de sexo, pero “Cruel Restaurant” toma en consideración mucho más esta última cosa. Además, posee una cantidad mayor de escenas absurdas, las que impiden poder tomar en serio algo de lo que se está viendo.

Y tal como lo hizo con su anterior film, Kawano vuelve a tomar como protagonista a una famosa del cine erótico japonés, la famosa por esos lugares Mihiro quien interpreta a Lin, dueña del restaurant Tougen. Otros personajes que complementan la película son una periodista en busca de un buen artículo, una mujer en busca de venganza, un chef loco por descubrir la receta de los dumpligs y el maestro que le enseñó todos los secretos a Lin.

En resumen, “Cruel Restaurant” no es más que una mezcla sin sentido de gore, sexo y escenas innecesarias que a pesar de lo locas que son, no son novedosas dentro del mundo oriental. Totalmente prescindible.

Hansel & Gretel (2007)

2008-11-02T16:43:00.000+01:00

Siguiendo las migas en el bosque
Por Squareta

Dentro de lo último del cine coreano se destaca una novedosa película basada levemente en el clásico cuento de hadas “Hansel y Gretel”. Llama la atención el hecho de que basándose en una historia fantasiosa para niños, está película no está pensada para ellos, al contrario, es una película oscura y por ratos tenebrosa.

“Hansel y Gretel” está dirigida por Pil-Sung Yim, director también de “Antarctic Journal” y tiene como protagonista a Eun-soo, un muchacho que tras un accidente se pierde en un denso bosque. Ahí se encuentra con una agradable niña que lo invita a descansar a su casa, una vivienda escondida en medio de dicho bosque. Al llegar a la casa de la niña se encuentra con una familia que se ve demasiado feliz y un panorama casi bizarro: un hogar muy colorido, con personas que visten ropas de lo más extrañas y que se alimentan sólo de dulces. Aún así, nuestro protagonista no se preocupa y pasa la noche en el lugar. Esperando al día siguiente conseguir un teléfono para avisarle a su novia dónde está, se encuentra con la sorpresa de que su estancia se alargará un poco más de lo que tenía planeado.

Lo primero que salta a la vista es el cuidado aspecto visual, muy de cuento de hadas, y que ayuda enormemente a darle ese aspecto fantasioso a la película. Las luces, las sombras, el bosque, la casa y su desván son algunas muestras del hermoso panorama ante el que nos encontramos. Pero lo mejor es el hecho de que, con lo hermosas que pueden llegar a ser algunas escenas, estas se pueden transformar fácilmente y causar el efecto contrario, haciendo que una casa casi de ensueño se pueda convertir en una pesadilla. Puede que por la trama la cinta pueda parecer infantil, pero les aviso que esto no es así. Detrás de todas esas luces existe un mensaje muy interesante, que se presentan bajo el drama de la historia y que esconde una especie de moraleja final para las personas.

Lamentablemente, no todo puede ser bueno y aún con todo su brillo la película presenta algunas situaciones que la opacan. Como puntos en contra se puede mencionar, en primer lugar, lo densa que se va volviendo poco a poco la trama y lo mucho que se trata de alargar la historia, alcanzando casi las 2 horas de duración. Otra cosa que se debe nombrar es que aunque la ambientación presentada por momentos es tenebrosa, las situaciones nunca llegan a causar mucho miedo. Sumándole a lo anterior el hecho de que a mitad de metraje la historia se vuelve casi puro drama, con alguno que otro elemento sobrenatural, el resultado es una cinta que no logra asustar a nadie.

De esta forma, “Hansel y Gretel” se destaca por ser una película novedosa y en ese aspecto, puede ser una buena opción para quienes busquen nuevo cine, pero si buscaban pasar un momento de miedo, ésta no resulta la mejor elección dentro del cine de horror.

L: Change the World (2008)

2008-10-27T02:10:00.001+01:00

Terceras partes...
Por Vampire Cop

En algún lugar de Tailandia, un virus creado por manos humanas hace que la gente de una pequeña villa muera a causa de una horrible enfermedad en la piel (de hecho, se les derrite la piel). El virus rápidamente se convierte en el arma que todos quieren obtener en el mercado negro…pero hay un problema, el virus muta y el antídoto ya no funciona. La villa es destruida pero un pequeño niño escapa. Contagiado, logra huir a Tokio de una banda de Eco-Terroristas que quieren salvar al mundo usando el virus para acabar con la humanidad. En Tokio, L se promete a sí mismo usar los días que le quedan de vida para proteger a este niño.

Bueno lo que diré de este film de Hideo Nakata es simple, los primeros minutos fueron geniales incluso mostraron algunas cosas que no se vieron en las dos primeras entregas, dando una pequeña explicación para que uno entendiera más la cinta de Hideo y a dónde nos llevó . Otra de las cosas positivas de esta tercera parte son sus efectos, aunque fuero iguales que las otras dos, sé que hay algunos que no les gustó esos efectos que les pusieron a las películas de Death Note, que si fueron pobres, que si no lo eran...en fin, a mi me parecieron buenos y geniales y lo digo porque en estas películas que hacen de action live, como vienen de dibujos animados (que yo no veo, ojo), ellos hacen este tipo de efectos especiales para darle un toque caricaturesco al film y lo hacen genial, como por ejemplo la peli de Meteoro que a muchos no les gustó por que se veian falsos, pero esas son simplemente innovaciones .

Como dije, sus efectos me parecieron geniales pero no todo es positivo en esta cinta de el gran director Hideo Nakata pues su argumento es algo pobre, le faltó fuerza e inteligencia al guión, muy seco, sin pretenciones de hacer un clásico o bueno creo que esta debajo de esto, fue algo simple desde mi punto de vista, se vió claramente que en esta película quisieron sacarle provecho a las dos primeras, invirtieron mucho dinero en el mudo y creían que se volvería a repetir, pero chocaron con un muro sólido porque no fue así.

Le faltó intriga además, uno veia el trailer y quedaba sorprendido, pero fue algo como más dramático, más melancólico, será que eran los últimos dias de este gran detective que le cambiaron un poco la actitud a este personaje misterioso, antisocial. Aquí fue más humano, más tierno, ni siquiera utilizó la inteligencia como nos tenía acostunbrado, resolviendo los casos de una manera genial, acá no era el mismo de la primera película y de la segunda parte, que seguian muy bien al manga. Eso sí, la actuación de Ken'ichi Matsuyama demuestra así de simple que es el mejor actor para este papel, ningún otro lo podría hacer tan bien como este gran actor .

Otro de los puntos débiles de esta pobre cinta son algunos de sus personajes, nada más se colocaba interesante cuando aparecía L, lo demás fue algo como decir OLVIDO, para nada interesante, exceptuando uno que otro, como la joven actriz Mayuko Fukuda, su personaje fue maki, algo normal, hizo lo suyo pero le faltó fuerza. Otro personaje era el detective de la FBI Kiyotaka Nanbara, eso sí fue algo malo, muy mal, a la persona que hizo el casting y lo eligió mis disculpas pero era muy malo y para qué hablar de la presencia de otros actores cuyos personajes fueron débiles de actitud, les faltó algo interesante. Los villanos no hicieron nada que te asustara o te emocionara, fue algo como un esteriotipo para un público más joven, sin emociones ni interés, como casi todo el film que como dije careció de argumento, los últimos días pasaron demasiado rápido, como si no tuvieran ideas para hacer algo bueno e interesante en este film, me aburrió mucho con esos diálogos torpes y escenas tontas que sólo me hizo dar cabezasos en la pared.

Creo que Hideo Nakata no hizo su mejor película como se esperaba después de otras obras maestras como "El Aro" o como su comedia "Last Scene". Hizo su dirección algo regular pero no tan mal, pues en los minutos finales del film hizo que llorara hasta el más fanático de este gran personaje. Que quede claro que si eres fan del cine te parecerá mas o menos como a mí, pero si eres fans del manga lo odiarás por completo y matarás a los guionistas Tsugumi Ôba ,Takeshi Obata. La verdad es que yo lo haría jeje bueno y como en la primeras cintas al final de los créditos su banda sonora algo de anglo como Lenny Kravitz!!.

A este film le doy un 4 por sus efectos y sus primeros minutos que fueron excelentes, pero la verdad no es una gran película y para mi nada recomendable.

Forbidden Floor (2006)

2008-09-17T03:33:00.001+02:00

Misterios...
Por Squareta

“Forbidden Floor” o “Hidden Floor” es una película que había visto hace bastante tiempo y que había pasado en mí sin pena ni gloria. Hoy día decidí darle una segunda oportunidad, esta vez con menos expectativas que antes.

Dirigida por Il-soon Kwon y estrenada el pasado 2006, es una película coreana que forma parte del “4 Horror Tales”. Esta película narra la vida de Min-young, quien se muda junto a su hija Joo-hee a un nuevo departamento en un quinto piso. Ella se preocupa cuando su vecino de abajo, Han Chang-soo, le dice que no puede tolerar el ruido de su vivienda, aun cuando las dos mujeres viven tranquilamente. Además, está inquieta por los extraños comportamientos de otros residentes. La cosa se empeora cuando su hija comienza a presentar extraños síntomas, tanto físicos como mentales. Estos hechos, junto a los otros mencionados previamente, alertarán a Min-young de que algo raro está sucediendo en su departamento y que debe encontrar la verdad para solucionar las cosas.

Un poco más de cine oriental de fantasmas buscando venganzas. La verdad es que esta trama comienza a aburrir un poco y deja de causar el miedo que antaño lo hacía. La película no maneja muy bien el suspenso y está llena de escenas típicas, porque los departamentos también son clásicos lugares para fantasmas. La pequeña también no deja de ser un elemento clásico y aunque las actuaciones tanto de ella como de su madre no están mal, tampoco logran introducirnos en el terror.

La ambientación, el resto de los personajes, el sonido y los efectos están también por el promedio. Se podría decir que alcanzó un aprobado por lo justo. Posee un ritmo algo lento y un clímax conmovedor pero demasiado predecible. Tal como lo pensé anteriormente y lo vuelvo a pensar después de un segundo visionado, una película para ver, sin ninguna expectativa, para pasar un par de horas frente a la televisión pero que pasará por ustedes sin pena no gloria.

The Detective (2007)

2008-08-02T17:55:00.001+02:00

El final siempre tiene sentido
Por Squareta

Oxide Pang vuelve en solitario para presentarnos una de sus últimas producciones: “C+ jing taam” o “The Detective” si prefieren su nombre internacional. Es una película hongkonesa, pero filmada íntegramente en Tailandia y que nos muestra que el suspenso tiene larga vida de mano del oriente.

Tam es un investigador privado que vive de esa profesión al no poder ingresar a la policía por su mala visión. Un día en su oficina se aparece un extraño hombre que lo contrata para que encuentre a una chica llamada Sum, que lo tiene muy asustado ya que según él quiere matarlo. Tam no confía mucho en él, pero al no tener otro trabajo y necesitar el dinero, terminará aceptando la propuesta.

Es así como comienza una investigación, aparentemente inofensiva, hasta que se encuentra con un sospechoso suicidio que está relacionado de algún modo con la chica. A pesar del riesgo, se irá entrometiendo cada vez más, intentando encontrar a él o los culpables antes de que ocurra otra muerte.

Interesante película que mezcla el suspenso policial con algunas dosis de horror y en donde casi todos sus puntos altos se deben gracias a la soberbia actuación de Aaron Kwok. Dentro de la parte positiva se resalta su buen guión, con todos sus cabos atados, su buenísima ambientación en las calles de Tailandia, un buen manejo de cámara y un buen uso de los colores, que le dan un elegante estilo visual a pesar de lo sucio que se quiere recrear.

Pero no todo puede ser bueno, hay un par de cosas que a mi parecer no fueron correctas. Hay demasiadas conexiones, cada vez van apareciendo más y más personajes haciendo que la historia se vaya enredando en exceso (pues el suspenso también de podía dar perfectamente con menos personajes) y la vuelta de tuerca final, aunque esperada, me pareció innecesaria. No es bueno solucionar todo lo inexplicable de esa forma.

Como comentario final, “The Detective” es una película recomendada por todo el suspenso que presenta y por la capacidad de lograr un ritmo interesante en toda su duración.

The Machine Girl (2008)

2008-07-10T05:46:00.000+02:00

Diseñada para matar
Por Squareta

Otra de las joyas del cine B nipón es la llamada “The Machine Girl”. Está dirigida por Noboru Iguchi y fue estrenada el presente año, llegando a nosotros como una de las películas más locas de los últimos tiempos.

“The Machine Girl” nos cuenta la historia de Ami, una estudiante fanática del basket que vive sola con su hermano tras el suicidio de sus padres. Ami hace lo posible para darle lo mejor a su hermano, pero ella desconoce que él está siendo acosado por una pandilla de chicos, cuyo jefe es hijo de un yakuza. Finalmente, estos chicos matan a su hermano y a un amigo de él, pero por faltas de pruebas el caso se cerró como suicidio. Ami buscó ayuda para encontrar la verdad, pero cuando se le cerraron todas las puertas, se da cuenta que sólo la venganza con sangre la dejará vivir en paz.

La cinta gira en torno a la venganza y toma cómicamente escenas clásicas de dicho cine: el primer fracaso, con terribles consecuencias, el posterior entrenamiento y la batalla final entre las fuerzas del bien y el mal. Además, contiene todos los ingredientes para pasar un buen rato. Con esto me refiero a una gran variedad de personajes: colegialas, yakuzas, ninjas e incluso una pandilla de padres, muchísimos desmembramientos, decapitaciones y montones de litros de sangre que salen de los cuerpos a toda presión…todo esto en acciones muy ridículas y acompañado de pésimos efectos especiales que le dan aun más gracia a la película.

La verdad es que a mí me ha gustado bastante. Sin contar con un buen argumento, logra entretener mucho gracias a sus dosis de gore, su extrema locura y algunas escenas dramáticas que contrapesan el vacío argumental. Si buscan cine entretenido y de pocas neuronas, “Kataude mashin gâru" es su película.

The Girls Rebel Force Of Competitive Swimmers (2007)

2008-07-05T23:22:00.000+02:00

Larga vida a la serie B
Por Squareta

Primer día de mis vacaciones. Después de mucho sin ver una película, pensé que lo mejor sería comenzar con las películas más basuras que tengo en mi casa. Y creo que no me he equivocado, “The Girls Rebel Force Of Competitive Swimmers” encaja perfecto con esa descripción.

La película comienza con la llegada de nuestra protagonista (Aki) a una nueva escuela femenina. En esta escuela hay un equipo de natación que se prepara para una próxima competencia. Además, se dice que en la escuela hay un virus y es por eso que todos deben vacunarse. Pero las inyecciones provocaron una extraña reacción en las alumnas y profesores y en un abrir y cerrar de ojos todos se han transformado en zombies. Bueno, no todos sino no tendría gracia. Las chicas que practican natación no se infectaron y ahora tendrán que luchar contra la plaga de no muertos que sólo quieren comerse a las chicas.

Esta locura no podría ser de otro lugar que no fuera Japón. Dirigida por Kôji Kawano y protagonizada por estrellas del AV, o sea, el cine para adultos nipón, la película destaca por su alto contenido gore, sus zombies y sus escenas subidísimas de tono. Acá podemos ver cosas demasiados frikis, casi toda las partes del cuerpo volando y llenas de sangre, una profesora que anda con una motosierra por la escuela como si nada, un profesor atacando con reglas y escuadras, etc. El origen de nuestra protagonista es de lo más estúpido y para qué hablar de la escena final. Todo esto acompañado de tonadas rockeras, pésimos efectos especiales y escenas innecesariamente eróticas y lésbicas, buscando el ángulo perfecto para ver la ropa interior de las protagonistas.

Después de verla no puedo dejar de pensar en la estupidez en que he perdido mi tiempo. Quizás, si fuera hombre la habría disfrutado más, pero por lo menos el gore vale la pena. “Joshikyôei hanrangun” es sólo para pasar el rato y no apta para ver con sus padres.

Attack on the Pin-Up Boys (2007)

2008-06-07T22:47:00.000+02:00

Todos los populares en peligro
Por Squareta

Un muchacho del instituto Garam High es irresistible para todas las chicas y la principal atracción del lugar. Él, acostumbrado ante tanta fama, deambula por la noche y saluda amablemente a quien se le acerca. Pero esta vez quien se le acerca no le regalará un peluche sino que algo un poco menos bonito: una bolsa llena de excremento lanzada directo en su cara. Los dos meses siguientes pasó algo similar en dos institutos diferentes y los afectados fueron los dos chicos populares de dichos institutos.

Nuestro protagonista, Kibum, tiene una página en el que comenta estos casos, conocidos como “los ataques a los chicos pin-up”. Él se da cuenta de las coincidencias y asegura que el chico triunfador del instituto “Neul Paran High” es el siguiente. En este instituto hay tres chicos que destacan del resto de los hombres y por lo tanto son las posibles víctimas: el presidente de la escuela, el presidente del club de baile y el capitán del equipo de Judo. Se comienzan a tomar medidas para prevenir el ataque, pero cuando los que fueron atacados previamente se empiecen a hacer famosos, la situación cambiará y todos estarán dispuestos a lo que sea con tal de ensuciarse por fama.

Esta novedosa película coreana de comedia y misterio se conoce también con los nombres “Flower Boys' Series of Terror Events” o simplemente “Flower Boys”. Está dirigida por Lee Kwon y en ella se pueden apreciar divertidas situaciones de la mano de los chicos de Superjunior, excluyendo a Cho Kyuhyun.

Queda más que recomendada para todos los que quieran pasar un buen rato pero nada más, ya que es una película bastante light pero entretenida al fin y al cabo. Destacable los efectos visuales caricaturescos que presenta y lo absurdo de algunos personajes, como el oso panda, la profesora que coquetea con su alumno o el presidente con poderes mentales. Una película muy absurda que en el fondo, bien al fondo, además de hacernos reír nos da un mensaje de cómo vivir tu vida sin pensar tanto en los complejos que se tiene.

Sukiyaki Western Django (2007)

2008-05-12T03:30:00.002+02:00

Western nipón
Por Squareta

Película de Takashi Miike que viene a ser una especie de remake frikeado de “Django”, el famoso spaghetti western que Sergio Corbucci daba a luz por la década de los sesenta.

Para esta versión, Miike adapta algo de la historia de las Guerras Genpei entre los clanes Minamoto y Taira que lucharon en Japón. Cientos de años después de la batalla de Dannoura, los clanes Genji (Minamoto) y Heike (Taira) se encuentran en un oculto pueblo de montaña en donde, cuenta la leyenda, hay un tesoro enterrado. Y mientras los violentos clanes están en busca del tesoro, los pocos ciudadanos que están quedando en el pueblo deciden abandonarlo impotentemente. La situación se hará aún más insostenible cuando un solitario y hábil pistolero llegue al pueblo, provocando que ambos clanes se disputen sus servicios.

A primera vista y hablando generalmente, es una entretenida cinta, cargada de acción, de un humor absurdo y una excelente estética. Partiendo con un gran prólogo, se va narrando la esencia de la historia y al mismo tiempo se van conociendo a los personajes (que los hay desde los muy hábiles con las armas hasta a los bipolares), para ir avanzando de a poco hasta la gran cúspide de la misma: la inevitable pelea entre los clanes. En cuanto este momento llega, se deja volar toda la imaginación y la sangre, provocando escenas llenas de locura y gracia.

La caracterización de los personajes me pareció muy buena y llegan a causar mucha risa por algunos momentos. Y recalco “algunos” pues, dado que sus diálogos no eran de lo más elaborados, otros simplemente parecían estúpidos. Los actores estaban también muy bien elegidos pero lamentablemente, pesa el hecho de que les hagan hablar inglés, ya que esa extraña pronunciación anglo-nipona molesta un poco (aunque se puede olvidar fácilmente). Esta mezcla entre oriente y occidente no se queda sólo en el idioma, sino en toda la cinta en general, pues básicamente la película trata de cowboys asiáticos. Aunque el elemento occidental más notorio es ver al mismísimo Quentin Tarantino en la actuación. Está bien, a más de algún fanático o autodenominado alternativo le puede parecer increíble la mezcla de dos famosillos alternativos del cine, pero a mí me pareció innecesaria su inclusión. Peor aún fue el hecho que su actuación funcionó muy bien como elemento de marketing, ya que fueron muchos los que llegaron al cine a ver lo nuevo de “Tarantino”, cosa que por supuesto no es necesaria, pues la película tiene meritos de sobra como para brillar por ella misma. Esos híbridos no me parecieron acertados, aunque sí que disfruté viendo la mezcla de vaqueros y samuráis, peleando con pistolas y katanas.

Los puntos verdaderamente sorprendentes de la película son, sin embargo, la lograda fotografía, los excelentes decorados y el uso de un colorido tan vivaz que le otorgan un excepcional logro y justificativo de cualquier premio para este extraño western nipón.

En resumidas cuentas, la película no es del todo perfecta, tiene una duración superior a lo que puede sostener su trama, pero a la hora de la acción y de lo no convencional la película es buena y recomendable para todos los amantes del western, del cine de Miike y de las rarezas en general.

Going by the Book (2007)

2008-04-19T06:33:00.002+02:00

Siguiendo las reglas
Por Squareta

Ha llegado un nuevo jefe a la estación de policías de Sam-po. Él tiene que enfrentar el problema de los múltiples asaltos a los bancos de la ciudad y para solucionarlo tiene la brillante idea que hacer un simulacro de robo, en donde actuarán todos los policías, haciendo de público, agentes encubiertos y delincuentes. Do-man es el policía seleccionado por el jefe para que sea el delincuente y él, un correcto hombre, acatará la orden de su superior y tratará de cumplir con su papel lo mejor posible.

Entretenida cinta del novato director coreano Ra Hee-Chan, que en realidad es un remake de la película japonesa “Asobi no jikan wa owaranai” del año 1991 y que nos muestra una comedia policial que se desarrolla en un banco.

El personaje principal es Do-man, el cual es protagonizado por Jae-yeong Jeong (“Righteous Ties”, “Wedding Campaign”). Do-man es un policía de tránsito que antes había sido un detective, pero que fue destituido de ese cargo por meterse con el gobernador del pueblo. Aunque en un principio se opuso a encarnar al ladrón, no le queda otra que obedecer a su jefe y por lo mismo tratará de representar fielmente su papel. Para ello se prepara psicológicamente y se pone a leer material de criminología y a investigar mucho. Su adiestramiento también incluye ver muchas películas famosas.
Cuando llega el día del simulacro todos los policías toman sus posiciones. Do-man, para no ser la excepción, se dirige entonces hacia un banco dispuesto a asaltarlo. Por todas las ganas que tenía Do-man de hacer bien su papel y además, por la incompetencia del resto de los policías, lo que se suponía que iba a ser un ejercicio corto terminó convirtiéndose en una larga espera, con todas las consecuencias que ello lleva. Mientras Do-man asalta el interior del banco, en las afueras está su jefe y todos los periodistas ansiosos de saber cómo acabará la situación.

Aunque en un principio me pareció que los protagonistas no eran graciosos, pronto descarté esa percepción ya que su transcurso está muy bien hecho, tomando cada vez más ritmo gracias a sus buenas dosis de humor y a sus muchas más escenas absurdas.
Me parecieron acertadas las escenas “imaginativas” y el uso de elementos ficticios para que pareciera un asalto de verdad, pero lo que le da el mejor toque son los protagonistas, que a pesar de lo ridícula que eran las acciones se lo tomaban muy en serio.

Para todos los que quieran pasar una tarde entretenida con una película ligera pero efectiva, no puedo hacer otra cosa que no sea recomendar “Going By the Book” pues tiene buenos protagonistas y una buena historia.

Someone Behind You (2007)

2008-04-06T17:53:00.002+02:00

Acechada por la muerte
Por Squareta

El director Oh Ki-hwan nos trae esta película de horror también conocida como “There are two People” y que está basada en el manga del dibujante Kang Gyung-ok. Acá vemos a una chica de instituto que es acechada por la muerte. Sin entender realmente lo que está sucediendo, busca por todos los medios librarse de las diversas muertes que ocurren a su alrededor y que le han quitado la vida a familiares y compañeros.

La actriz Yoon Jin-seo (Sympathy for Lady Vengeance, Old Boy) incursiona por primera vez en el género del terror, aunque a veces funcione más como thriller con buenas dosis de asesinatos. Ella es una estudiante muy envidiada pues además de ser buena alumna es la mejor en esgrima. De pronto, se ve envuelta en una especie de maldición, pero bien puede ser un truco de sus enemigos para que se vaya del lugar. A pesar de que cuenta con el apoyo de su novio y de su familia, la situación se volverá insostenible así que decide salir a buscar respuestas o algo más de información sobre su especie de maldición. Lamentablemente, descubrirá un pasado que no la dejará continuar con su presente.

El resto del elenco lo conforman Lee Ki-woo (Sad Movie, A Love to Kill), que hace el papel del novio y Park Ki-woong (Art of Fighting) un enigmático compañero de nuestra protagonista que parece saber lo que está ocurriendo.

En unos precisos 80 minutos se nos muestra una buena historia, algo simple, que mantiene buen ritmo y que posee momentos de miedo. Las escenas de terror son muy efectivas y se destacan por muertes explícitas y muchas dosis de sangre. Engancha fácilmente y gracias a que sus protagonistas están bien definidos se hace ligera en un principio y no hay que pensar en el trasfondo. Visualmente correcta, al igual que musicalmente, es un entretenido producto para pasar una buena tarde. El único “pero” es que le faltó ajustar el final, ya que hacen un vuelco que termina por arruinar un poco las cosas. Pero si consideramos los otros 70 minutos, yo la recomendaría.

Gong Tau (2007)

2008-03-30T00:56:00.001+01:00

Una magia de gore
Por Squareta

En una activa noche para el policía Rockman, uno de sus compañeros es brutalmente asesinado y en su casa su esposa e hijo han sufridos extraños ataques, los que dejaron a su hijo muerto y a su esposa con dolorosos síntomas. Su colega Sum le sugiere que los extraños hechos pudieron haber sido provocados por “Gong Tau”, un tipo de magia negra oriental. Así, mientras busca al culpable del policía muerto, Rockman también tratará de encontrar a los culpables del daño a su familia. Es por eso que junto a su compañero va a hablar con un entendido en magia negra, el cual les dice que sólo hay dos posibilidades de que funcione el “Gong Tau”: por dinero o por amor. Esto pondrá en un gran problema a Rockman ya que tiene dos sospechosos, ambos imposibles de atrapar. Él tendrá que dar como sea con la solución y lograr romper el hechizo que está sobre él y su familia, antes de que sea demasiado tarde.

Después de “Mob Story”, el prolífico director hongkonés Herman Yau vuelve a tocar uno de sus géneros preferidos, los policiales. Pero si viene de la mano de este director lo más probable es que “Gong Tau” no sea un policial común y corriente. A la ya conocida parte de buscar a los delincuentes, Yau siempre le agrega unas buenas dosis de violencia, las que esta vez sin ser la excepción incluyen muchas escenas explícitas, gore y muertos a montones, animales destripados y autopsias completas.

“Gong Tau: An Oriental Black Magic” es una vuelta al Cat III hongkonés y es digna de mostrar escenas tan brutales como las de “Untold Story”, pero en esta ocasión hay muchos más recursos visuales, logrando mayor realidad y unas escenas de brujería muy bien logradas. Además (y quizás porque la brujería permite mayor imaginación) la historia tiene más coherencia y los protagonistas no parecen estar todos locos…por lo menos esta vez los policías, aunque igual de violentos que en las películas anteriores de Yau, parecen actuar con más sentido.

En los roles protagónicos está Mark Cheng como el oficial Rockman, Maggie Siu como su esposa, Suet Lam como el oficial Sum y Tak-bun Wong como Lam Chiu.

Por todo lo mencionado anteriormente, recomendaría “Gong Tau” no a los amantes de las típicas cintas orientales, sino a los fanáticos de esos clásicos enfermizos que nos llegan del oriente y a toda esa gente a la que no le incomoda ver sangre desmedida en sus pantallas. Para los que sólo busquen un thriller policial, mejor vean algo más “sano”, pero los que se divirtieron con “Ebola Syndrome” o con “The Untold Story” no se decepcionarán con ésta.

Anatomy Class (2007)

2008-03-24T16:56:00.001+01:00

Los muertos también quieren venganza
Por Squareta

También conocida como “The Cut”, es otra de las películas de terror coreanas estrenadas el ya pasado 2007. Dirigida por Son Tae-Woong, la historia transcurre principalmente en la morgue, lo que nos hace prever muchos momentos de miedo al lado de tantos cuerpos muertos.

Seis estudiantes de una universidad son parte de un grupo de trabajo en la clase de anatomía. A ellos les tocará por primera vez abrir un cadáver y tanto la emoción como los nervios los dominan. El gran día para ellos ha llegado y el cuerpo que les han asignado es el de una misteriosa mujer. No pasará mucho tiempo antes de que empiecen a sufrir alucinaciones y a ver fantasmas. Pronto comenzarán a morir algunos compañeros y los demás tendrán que desvelar el misterio sino quieren seguir el mismo destino. ¿Será el cadáver el culpable de todo?

Otra película de fantasmas rencorosos. Pero esta vez, los fantasmas son más tangibles y ahora son cuerpos muertos los que buscan venganza. Eso sí, no se confundan, no es una película de zombies ni nada por el estilo. Los protagonistas son jóvenes estudiantes y aunque estudien medicina no se ven muy inteligentes y por esa misma falta de sentido común, caen en espeluznantes situaciones.
Como la mayoría de sus pares, en esta película también predomina el drama, el que se hace presente gracias a los típicos viajes al pasado que nos ayudan a entender mejor el presente.

Las escenas de terror están muy bien logradas, el tenebroso lugar se mezcla con los oscuros tonos creando una atmósfera de miedo. Los cuerpos están muy bien logrados, dándole más realismo a las situaciones. El elenco está compuesto por Han Ji-Min, On Joo-Wan, Oh Tae-Kyeong y Jo Min-Gi.

En resumen, le doy un aprobado a esta película, pues aunque no destaque en originalidad y sea una más del género, nos entrega interesantes momentos que causan más sustos que las últimas que he visto en este tiempo.

Buppha Rahtree (2003)

2008-03-17T02:23:00.001+01:00

¿Cómo deshacerse de un fantasma?
Por Squareta

Yuthlert Sippapak es el encargado de dirigir esta película tailandesa, la cual también es conocida como “Rahtree: Flower of the Night”.

Ake es un estudiante de familia adinerada que con mucho entusiasmo trata de conquistar a Buppah, una muchacha inteligente y solitaria. Tras muchos intentos fallidos logra su propósito, pero lamentablemente para Buppah, todo era parte de una apuesta. Ake desaparece de la vida de Buppah y la deja sola por el resto de sus días. Mucho tiempo después sólo quedará el fantasma de la muchacha, dispuesto a seguir viviendo en la habitación 609. Policías y chamanes harán todo lo que tengan a su alcance para tratar de retirar el cuerpo, provocando situaciones de lo más terroríficas y divertidas a la vez.

Rahtree es una entretenida película que comienza con una historia aparentemente de miedo, pero que termina sorprendiendo a todos con una comedia eficaz, llena de situaciones absurdas y personajes ridículos. Sus primeros minutos nos muestran una situación típica en las historias de cine, con el tipo chico adinerado que tiene a todas las mujeres a sus pies pero que termina enamorándose de la muchacha menos popular. De a poco se va desvirtuando esta perspectiva y sin darnos cuenta terminamos con los extraños personajes, que comienzan a aparecer en cuando llega la policía al lugar. Tenemos a los curiosos habitantes del edificio del hotel, a los trabajadores del negocio, a los chamanes del sector y finalmente (pero no menos importante) al fantasma, que se nota a lo lejos lo falso que es, pero eso no importa, al contrario, le da más gracia a esta comedia.

Las escenas de terror (volviendo a aclarar que es un terror comedia y que por lo tanto no asusta) terminan volviéndose un tanto repetitivas, pues como el fantasma se queda en la habitación, la acción sólo ocurre en las cercanías de los departamentos. Sin embargo, hay una escena que se merece una mención especial y es la escena de la parodia del exorcista, cuando llegan sacerdotes cristianos (¿de la nada?) a intentar sacar el espíritu. Una escena que fue del gusto del director, que se declara fanático de la mencionada película.

En los roles protagónicos están Laila Boonyasak como Buppah y Krit Sripoomseth como Ake. La película también cuenta con una segunda parte, “Buppah Rahtree Phase 2: Rahtree Returns”, que fue estrenada el 2005 y que tiene que ver con unos ladrones que terminan en la habitación 609.

Así, es una entretenida película para pasar la tarde, de esas livianas de contenido que te alegran el día.

Tetsuo (1989)

2008-03-10T02:49:00.001+01:00

Locura de un mundo metálico
Por Squareta

En 1989 Shinja Tsukamoto logró captar la atención de todo el mundo con una de las películas más extrañas que he visto en mi vida. Se trataba de “Tetsuo, the Iron Man”, delirante film de corta duración que nos mostraba cómo algo sin sentido lograba sacar tanta fama y aplausos, consiguiendo incluso una segunda parte en 1992.

El protagonista es un extraño hombre conocido como “el fetichista de metales” (protagonizado por el mismo Tsukamoto), que tiene la insana costumbre de incrustarse objetos metálicos en su cuerpo. Luego de hacer su extraño vicio se da cuenta que su “operación” salió mal y sale corriendo aterrorizado, sin fijarse que por el camino iba un automóvil a toda velocidad. A partir de ese momento, otro hombre empezará a sufrir extraños síntomas en su propio cuerpo. Singulares protuberancias metálicas surgen de su cara y extremidades. Una transformación que traerá consigo buenas dosis de violencia y metal.

Si no se puede seguir hablando sobre la historia es sólo porque no hay palabras para describir lo que sigue. Una incoherencia en la que desaparecen los diálogos, escasean los protagonistas y que con un frenético ritmo y una estética videoclipera logra agobiar a los espectadores.

Innegable es la confusión que causará…y es que el guión en general deja bastante que desear. Muchas escenas gore y un poco de sexo industrial no se le podría llamar como algo argumental, pero eso es casi todo lo que sigue. Cuesta identificar qué son o qué hacen los protagonistas y menos lo que está pasando, situación que se arregla un poco después de media hora en que nos explican la historia con un flashback.

Lo mejor es su tratamiento visual. Filmado íntegramente en blanco y negro y con cámara en mano, logró evadir mucho dinero en efectos especiales gracias a las preciadas técnicas del stop-motion, muy efectivas. Los sonidos industriales son otro elemento destacable y logra adentrarnos aún más en el mundo metálico.

No me imagino que habrán pensado en el 89, pues han pasado casi 20 años (con toda las historias e innovación que ello implica) y aún sigue siendo una película innovadora, shockeante y que te quedará en la cabeza por mucho tiempo. Honestamente no la considero una obra de arte como muchos, pues la película no tiene ni pies ni cabeza, pero no deja de ser una frikada sensacional. Creo que sería un producto mucho mejor si tuviera más sentido, pero parece que a nadie le importa mucho eso. Desde ya se les advierte del contenido de la película, pues aunque sepan que van a ver una película sumamente desquiciada igual se llevarán una sorpresa. Para nada recomendable si es que buscan una película agradable, pero absolutamente recomendable para quienes creían haberlo visto todo.

In Love With The Dead (2007)

2008-03-02T16:31:00.001+01:00

Un nuevo vistazo al amor
Por Squareta

Película producida en Hong Kong por los hermanos Pang, pero bajo la exclusiva dirección de Danny. Un extraño referente al amor, con una ya conocida mezcla de drama y romance, pero sin dejar el lado oscuro de lo sobrenatural.

Se podría decir que Ming y Wai son una pareja perfecta y que tienen todo para ser felices. Sin embargo, por esos malos golpes del destino le han detectado un cáncer pancreático a Wai. Juntos tratarán de sobrellevar la nueva carga y mientras Wai tratará de hacer todo lo que siempre quiso, Ming hará lo posible para estar más tiempo con su pareja.

Parece la típica película dramática y lo más probable es que todos se pregunten dónde está el horror en la historia. La respuesta es fácil: en el comienzo simplemente no está. Vemos a una pareja que era feliz pero que trata de seguir siéndolo, sacando todas las fuerzas para sostenerse a medida que los síntomas de la chica comienzan a hacerse presentes. Y para colocar aún más problemas a la situación, una vieja amiga llegará para confundir los sentimientos de Ming.

Hasta ahora, es un efectivo drama que va mostrando todos los detalles, haciéndola más clara pero a la vez más predecible. Pero con el drama no deja de ser la “típica” película. Lo que la hace distinta al promedio es, efectivamente, la especie de thriller-terror que comienza a aparecer a mitad de película y que pretende quedarse hasta el fin de ésta. Ahora comienza el suspenso, uno deja de pensar que todo es tan lógico y empieza a confundirse un poco…y a sorprenderse de gran manera. Gracias a esto se puede ver a “In Love With The Dead” (o “Chung oi”) como un producto destacable, ya que mantiene expectante y a la vez tiene unas buenas actuaciones y una correcta banda sonora.

A la hora de dar el veredicto final yo la recomendaría. Una cinta que puede llegar a conmover por momentos y a traumar en otros, pero en ninguno dejar indiferente.

Mad Detective (2007)

2008-02-25T03:09:00.002+01:00

Listo a resolver cualquier caso
Por Squareta

El reconocido director Johnny To (el mismo que dirigió otros éxitos como “Exiled” y “Election”) nos trae este policial hongkonés, acompañado en la dirección por Ka-Fai Wai.

El detective Bun es conocido por utilizar métodos poco convencionales para resolver los casos. Se jacta de poder ver las personalidades internas de las personas y de darse cuenta de las señales que le envía Dios. Han pasado muchos años y el detective se ha retirado. Un buen día, llega el policía Ho a su puerta. Él considera a Bun su ejemplo a seguir y le pide ayuda para resolver el misterioso caso de un detective desaparecido hace 18 meses.

Nos encontramos ante una cinta muy original dentro de su género, con un comienzo que deja la vara bastante alta para los minutos restantes y aún así, no logra decaer ya que su principal tema, el psicológico, consigue mantener un buen ritmo durante todo su transcurso.

Bun posee el don de ver la personalidad interna de la gente y a pesar de que ya está retirado continúa utilizando su don para hacer de ésta una mejor sociedad. Cuando se une a Ho en la búsqueda del policía volverá a utilizar su métodos para descubrir los misterios y se interiorizará con las víctimas y victimarios. Gracias a su don podrá descubrir fácilmente quien le engaña y quién le dice la verdad, o peor aún, quien le está tendiendo una trampa.

Una de las razones sobre por qué la cinta se hace entretenida se debe a sus protagonistas, destacando principalmente la labor de Lau Ching Wan, quien llena de carisma y de energía a su personaje Bun. El resto del elenco lo conforman casi en su totalidad actores con los que ya había trabajado antes Johnny Too.

De esta manera, “Mad Detective” o “Sun taam” es una entretenida cinta tanto en contenido como en personajes y logra ser otra cinta más del dúo To - Ka-Fai que hay que ver.

Muoi (2007)

2008-02-17T19:08:00.001+01:00

El retrato de la maldad
Por Squareta

El director Tae-kyeong Kim nos trae esta película que sigue la misma línea que su anterior producción, “Dead Friend”. Acá vemos a una escritora coreana que luego de varios años sin publicar algo nuevo, decide viajar a Vietnam para investigar la leyenda que existe desde el siglo pasado sobre una muchacha que luego de muchos problemas en su vida decide buscar venganza en su muerte. En Vietnam la está esperando una vieja amiga que será la encargada de contarle todos los secretos sobre aquella leyenda.

En esta coproducción coreana-vietnamita las “típicas maldiciones fantasmales” esta vez se toman en un nuevo elemento: los retratos, logrando gracias a esto, presentarnos un concepto más novedoso que el resto de los argumentos del género. Otro punto a favor de la cinta es que las dosis de drama vienen en menor cantidad y mantiene más la línea del terror. Eso sí, aunque las escenas de miedo siempre están presentes, nunca te harán saltar de miedo.

Gracias a la mezcla de los grandes presupuestos coreanos con los hermosos paisajes de Vietnam, “Muoi” se destaca por su enorme atractivo visual. La estética, sobretodo en las muestras del “pasado” están muy bien logradas. Los sonidos tampoco están mal y se complementan efectivamente con las escenas de miedo.

En los papeles protagónicos está An Jo y Ye-ryeon Cha. Ambas previamente habían participado en la saga de “Whispering Corridors”, en “Wishing Stairs” y “The Voice” respectivamente.

La película resulta entretenida, con una historia que no se hace larga ni aburrida. Con un trasfondo ligero pero que te mantiene expectante.

Taiyô no Uta (2006)

2008-02-09T19:52:00.003+01:00

GoodBye Days
Por Dinner Table

Bueno, para empezar, acá tenemos otra película hecha gracias al éxito de una serie televisiva (algo así como con “Crying out for love…”). Lo que puede ser visto con malos ojos. Pero en fin, no se como sucede, pero el producto, por mas predecible que sea, funciona.

Si reviso la trama sonaría a una película que recuerdo, una graciosa sin-intenciones-de-serlo protagonizada por Mandy Moore. Esto haría que “Taiyo no Uta” suene como una peliculita romántica más, y aparte, para ser más cercanos a Mandy Moore, esta protagonizada por una estrella pop. Su personaje no puede salir por el día, ya que si la toca el sol…. Se muere (si, solo le faltaría querer tomar sangre para ser un vampiro). Ella sale a tocar la guitarra por las noches a la estación de trenes, cosa que solo pasa en Japón. Acá donde vivo si sale una chica así a tocar en una estación de trenes en medio de la noche pierde todo (y eso incluye a su deseo mas preciado). Toda esa ridiculez se termina cuando ella canta por primera vez, y yo, como espectador, quedo totalmente sumergido en la voz del personaje y logro meterme en la historia. Por supuesto, luego aparece el príncipe, que hace windsurf y vive de día, que no es muy lindo que digamos, no se la merece, yo en cambio si. La verdad que ella se podría haber conseguido algo mejor, como yo.

Lo que parecía una historia adolescente más, una historia predecible, una película que solo sirve para levantarte a alguna chica; termina siendo a una muestra de auténtica ternura. Admito, quede un poco disconforme con el final, me hubiese gustado que termina en la secuencia previa al desenlace, pero el director creo que no pudo dejar de lado su tentación de incluir girasoles en la película para crear una metáfora barata. Y aparte la escribió la misma persona que adaptó “Heavenly Forest”, lo que en si ya les da una pauta de esto.

La banda de sonido va por cuenta propia, la película cuenta con 3 canciones cantadas por Yui que te retumban a lo largo de día. Cuando termina de ejecutar sus canciones uno piensa “una más Yui, y no jodemos más”. Y no importa que sea la misma. El score, la música de fondo, tiene de esos violines emotivos que cuando aparecen en las escenas adecuadas crean atmósferas memorables.

¿Por qué no bajarse la serie entonces? Buena pregunta, creo que lo haré. Capaz me sorprenda aun más que la película. Lo que si, apenas terminé de verla, de cabeza a bajarme la banda sonora.

Sick Nurses (2007)

2008-02-03T20:50:00.004+01:00

Horror en un fantasioso hospital
Por Squareta

Tossapol Siriwiwat y Peerapun Lhaoyon son los directores encargados de traernos este film tailandés.

Un doctor tiene en sus manos el cadáver de alguien muy conocido. Aquel distinguido hombre es también un traficante de cuerpos y realizará la transacción en 7 días más. Pero todos saben que en 7 días los espíritus regresan para buscar lo que amaron, así que tanto él como todas las enfermeras presentes en el hospital pronto se verán cazados por el espíritu que ha vuelto para cobrar venganza de la forma más cruel.

El reloj inicial nos dará la pauta del transcurso del tiempo. Veremos muchas veces la misma hora, pero desde el punto de vista de cada una de las siete enfermeras involucradas. Con tan poco para contar no nos sorprende que a los treinta minutos ya se vio todo en materia de historia (si es que se puede decir que en algún momento tuvo “historia”) y a la vez se hace casi inevitable que los minutos restantes no sean más que una sobredosis de gore sin mucho sentido. Ahora, la mencionada dosis de gore es también una forma de darle unos pequeños toques de humor a la cinta, ya que en más de alguna ocasión darán más risa que miedo las brutales muertes.

La película contiene elementos clásicos del terror, como por ejemplo las largas cabelleras oscuras, pero también sale un poco de los esquemas al ser muy fantasiosa, tanto por los coloridos pasillos del hospital, como por los ajustados uniformes de las enfermeras a las que nunca se les ve trabajando.

Sólo casi al final de la película podremos entender un poco más por qué está sucediendo todo esto y tener un poco más de historia, lo que le suma un par de puntos a la cinta por la gigante sorpresa que nos presenta.

Haciendo un recuento general la película deja mucho que desear, tiene un guión casi nulo y pobres actuaciones. Y aunque tenga momentos que causan gracia por lo general se puede vivir sin tener que verla.

The Thirteen Assassins (1963)

2008-01-28T02:55:00.001+01:00

Historia de un viaje
Por Fingolfin

La historia de “Juusan-nin no shikaku” (título original) se ambienta en 1844, primer año de la era koka. El personaje central es el hermano del Shogun: Narutsugu Matsudaira, quien con su actitud vandálica y arrogante no hace más que ganarse el odio de la mayoría de los clanes. Sin embargo su posición social hace que sus acciones queden encubiertas e incluso que el Shogun decida definitivamente nombrarle Consejero Mayor, con una importante participación en la política de la nación.

Entre las subtramas de la película se plantea el dilema de la lealtad: ¿a tu señor o a tu país? Planear el asesinato de un familiar directo del Shogun es alta traición, pero no hacerlo es dejar caer en desgracia una nación entera. Esa es la división principal que se crea entre las bandas que protagonizan la acción. Por un lado están los seguidores de Narutsugu, del clan Akashi, que deciden poner su apoyo y fidelidad del lado del que consideran su señor. Por el otro están los 12 asesinos (el otro no se incluye), que deciden hacer lo mejor para el futuro.

“The Thirteen Assassins” contiene escenas muy lentas y un desarrollo muy pausado hasta prácticamente el desenlace. No quiero decir con esto que plantee problemas de aburrimiento ni que dé la impresión de atrancarse, sino que simplemente se recrea en profundizar la personalidad de los personajes y en situarnos lo mejor posible en el contexto histórico. Este último factor es el determinante de la gran cantidad de narraciones con las que cuenta la película, alcanzando su punto máximo durante el viaje de Narutsugu, que dura alrededor de un mes y tenemos una descripción casi diaria.

Me ha recordado mucho a 2 míticas obras del cine samurai. La primera es “47 Ronin” (cualquiera de ellas), no en el aspecto de venganza sino en el de un ataque perfectamente planeado con frialdad. Los 13 samuráis están decididos a sacrificar sus vidas por la causa, poniéndolas a disposición del inspector Shinzaemon (de la misma forma que se hacía con Oishi en la otra). Hay una frase en el guión que dice “el guerrero es predecible. Cuando lucha a muerte; vive. Cuando lucha para vivir; muere”. La entrega ciega por su misión se deja ver en la batalla final, siendo el principal punto de ventaja de estos guerreros.

La otra película a la que me recordó es a la legendaria “Seven Samurai”. El asalto definitivo tiene lugar en un pueblo. Shinzaemon se transforma en el mítico Kambei para diseñar estrategias capaces de manipular a sus enemigos de una forma sorprendentemente cuidadosa. Cuando al fin los tiene donde quiere, transforma el lugar en una trampa mortal, con un decorado fantásticamente cuidado y muchas formas originales de atrapar y conseguir la ventaja contra los luchadores de Narutsugu. Lo que no tenían los bandidos de “Seven Samurai” era un lider como Hanbei, que compensa en gran medida la inteligencia de nuestro protagonista.

La acción está bastante cuidada, aunque prácticamente inexistente hasta los últimos 30-40 minutos, donde es continua. Se consigue un buen realismo en el hecho de que 13 personas controlen a 52, aunque puede llegar a decepcionar que en un principio se haga bastante uso de flechas y lanzas para evitar el cuerpo a cuerpo. El único problema que le encontré a las coreografías es la excesiva repetición del mismo movimiento: el adversario corre con la espada levantada en posición vertical y cuando llega a la altura de uno de nuestros 13 samuráis recibe un corte horizontal en la cintura (en ocasiones incluso demasiado lento).

La película ronda los 120 minutos y lo cierto es que me ha gustado bastante. Es de un visionado muy recomendable en el que podremos disfrutar de narración, estrategia, acción y una historia con mucha fuerza.

Exodus (2007)

2008-01-19T22:46:00.001+01:00

Un exterminio de lo convencional
Por Squareta

“Exodus” es un drama con aires de comedia, estrenado el 2007 y que viene dirigido por el hongkonés Ho-Cheung Pang, el mismo director de “Isabella”, “Men Suddenly in Black” y “You shoot, I shoot”, entre otros.

Tsim es un policía que toma una declaración a un hombre que fue arrestado por entrar a un baño de mujeres y utilizar una cámara de vídeo en el lugar. Cuando Tsim le pregunta por qué hizo eso, el hombre le responde que fue porque está investigando una posible conspiración por parte de un grupo de mujeres que quieren eliminar a todos los hombres del planeta. El policía se toma tal absurda respuesta como una broma y un intento desesperado por librarse de la situación, pero cuando al día siguiente el hombre actúe de forma diferente y desaparezcan todas las pruebas del caso Tsim se cuestionará qué tan verídica fue aquella declaración y comenzará a investigar la vida de aquel hombre y de otras posibles sospechosas que se irán colocando en el camino.

Es innegable lo atractiva que se ve la historia leyendo su sinopsis. Además, los primeros minutos de la cinta son tan extraños que hacen aumentar aún más las expectativas. La película es original, tiene graciosos momentos, es entendible y pudo ser buena. Y si digo pudo es porque el resultado final es mucho menos de lo que prometía. Conforme avanza va volviéndose lenta, cansina y lo peor de todo, predecible. Cito lo mucho que se demora en avanzar algo muy lógico, mientras que el flash-back que resultaba de lo más divertido duró unos pocos segundos.
Pero si nos ponemos a juzgar el lado técnico sólo hay cosas positivas que decir. Con una fotografía preciosa y unos buenos actores, se ve que el resultado sólo decayó por lo que mencioné previamente.

Se me hace muy difícil dar un veredicto final. Es cierto que daba para cosas mucho más interesantes pero también es cierto que disfruté viéndola, más que nada por lo absurdo de su historia. Así que tratando de decidir si me ha parecido buena o mala, he pensado que lo mejor es darle una oportunidad, para ver algo novedoso y disfrutar la fotografía. Y aunque a mitad de película ya se descubra cuál será el final, recomiendo que esperen por él y hagan el mayor de sus esfuerzos por no adormecerse con lo lento que es su ritmo.

Torawakamaru, The Koga Ninja (1957)

2008-01-14T02:59:00.001+01:00

El ninja de Toyotomi
Por Fingolfin

He aquí otra muestra del atracón de cine ninja que me estoy dando en las últimas semanas. La primera conclusión que se puede hacer de este tipo de películas es que son bastante monotemáticas, con efectos especiales muy pobres y bastante enfocadas exclusivamente al entretenimiento gratuito.

Hideyoshi Toyotomi está planeando la construcción de una fortaleza en el exterior del Castillo de Osaka, para cuya protección ha seleccionado a Torawakamaru de los Koga, uno de los más hábiles ninja del pais. En el otro extremo y siguiendo las órdenes de Ieyasu Tokugawa, los ninjas de Iga, Ichikawa Goemon y Sandayu Momochi, tratarán de robar los planos sea como sea para entorpecer así los planes de Toyotomi.

El esquema está bastante claro, siempre Iga contra Koga y cada vez viviendo el enfrentamiento desde uno de los dos puntos de vista. Cuando nos toca ser de Koga el bueno es Hideyoshi Toyotomi y Tokugawa es el que intenta arrebatarle su poder con estratagemas ruines. Cuando sucede lo contrario, Tokugawa solo busca el poder para conseguir la paz y poner fin al mal gobierno de Hideyoshi. Puramente monotemático. Esta vez vamos de parte de los Koga y nuestro protagonista es Torawakamaru.

Los efectos especiales (principal elemento de toda película ninja) son tan simples como efectivos. La mayor parte de las técnicas consisten en luchadores que saltan y desaparecen o trucos visuales, para lo cual se lleva a cabo un simple desvanecimiento del personaje. También se usa ese efecto para la transición de muchas escenas, por lo que puede llegar a ser realmente repetitivo. No son nada del otro mundo, estamos en 1957, pero son al menos aceptables. La tónica se estropea con unos vuelos por las nubes en los que el 98% del público soltará una carcajada, y con unas transformaciones en animales (mediante disfraces o imitaciones de cartón) llegada la parte final.

Las coreografías no son demasiado abundantes pero las que aparecen se llevan a cabo con una estética bastante vistosa y mucha velocidad, haciendo parecer que en lugar de espadas de verdad fueran de plástico o algún material mucho mas ligero. Obviamente dado el carácter general del film no hay nada de cortes, golpes o sangre, sino que todo se lleva de la forma mas limpia posible.

No es una película tan infantil como pueda parecer ni tampoco cómica, simplemente tiene ese tono desenfadado del que han gozado grandes títulos del género como la “Tange Sazen” de 1935. El nivel de “Torawakamaru, the Koga Ninja” es bastante parejo con el de “Iga no Kagemaru” en todos los aspectos. Fue una lástima que aquella música inicial de superproducción se quedara solo en un espejismo.

Return (2007)

2008-01-11T04:51:00.001+01:00

Aquellos traumas inolvidables
Por Squareta

Un niño de sólo 9 años está siendo operado. Extrañamente, ocurre un imprevisto y la anestesia no le hace efecto. Así, consciente e incapaz de moverse se desgarra del dolor mientras los doctores le cortan su cuerpo. Su enfermedad ha sido curada, pero aquel trauma lo dejará marcado por el resto de su vida. 25 años después de aquel incidente, todos los que participaron en esa operación están muriendo misteriosamente. Un médico hijo de un participante en esa operación comienza a recibir llamadas amenazantes, las que sólo serán el inicio de una enredada trampa que tendrá a muchos sospechosos, pero pocas ideas del por qué están ocurriendo éstos hechos.

Estupenda película que logra mezclar de manera acertada diversos géneros como el thriller, el drama y el horror, con una trama que se mueve en el mundo de la medicina y que toca un tema tan aterrador como es la “conciencia durante la anestesia”. Dirigida por Lee Gyu-Man, es otro interesante estreno coreano.

El personaje principal es Jae-u Ryu, un afanado doctor que hace lo imposible para curar a sus pacientes. A medida que él empieza a investigar sobre él o los culpables de lo que está sucediendo comienza a moverse una historia paralela en tiempo pasado, la que nos muestra la vida del niño después de su traumática operación, dándonos una idea en qué condición mental se encuentra 25 años después.

Podemos ver a la venganza como el motor de la cinta, pero eso no impide que la misma se mueva por otros elementos inconexos a simple vista, como puede ser la hipnosis o los dramas familiares. Estas cosas no están al azar y se ve preocupación por dejar todo bien atado. Y la preocupación también se puede ver en los excelentes juegos de cámara, en los bonitos colores (sobretodo en los flash-backs) y en el destacado reparto con actores como Kim Myung-Min, Yu Jun-Sang, Kim Tae-Woo y Kim Yu-Mi. Esto nos da una parte técnica impecable, como ya nos tienen acostumbrados los coreanos.

Asi que si estás buscando mantenerte intrigado te recomiendo que le eches un vistazo a “Return”. Con un desarrollo eficiente y variados giros de trama logrará su objetivo. Un acierto dentro del género.

Samurai Vendetta (1959)

2008-01-06T01:33:00.001+01:00

Círculo fatal
Por Fingolfin

La película de hoy es todo un clásico dirigido por Kazuo Mori que comienza a crear expectativas por sus protagonistas, Raizo Ichikawa y Shintaro Katsu, dos de los actores con más renombre en Japón y que junto con Tomisaburo Wakayama (hermano de Katsu) componen mi selecto grupo de esgrimistas favoritos.

Un enfrentamiento entre Yasubei Nakayama y los hermanos Murakami, representantes de distintas escuelas de lucha, acaba con la victoria aplastante del primero ante la mirada pasiva de Tange Tenzen, número uno de la escuela derrotada. El reproche de sus compañeros termina con su expulsión, sufriendo Nakayama las mismas consecuencias dentro de su clan y quedando degradado a ronin. La fama adquirida con su gran victoria hace que constantemente reciba ofertas de matrimonio y solicitudes de empleo de los señores más importantes. Todo quedará en un segundo plano desde el momento en que conoce a Chiharu y queda fuertemente enamorado de ella.

El título internacional, si bien no es muy atractivo, al menos representa de forma perfecta la temática de la película. Una vez más tenemos un espectacular muestrario de acciones que derivan del estricto código samurai, especialmente injustas en lo referente al sexo femenino. Evocando “Gonza the Spearman”, una mujer se ve en la difícil decisión de suicidarse o ser asesinada por su marido después de que unos hombres la violaran; algo que en la mente occidental del siglo XXI nos pone en el dilema de reírnos o llorar.

Si el Bushido juega en todo momento con el honor como estandarte, resulta contradictoria la facilidad con la que continuamente hay muertes, traiciones y disturbios. Lo cierto es que un sentido tan alto del orgullo desemboca en que cada ofensa se contrarresta con venganza, creando así un círculo vicioso sin fin que lo único que trae son más y más víctimas.

Hablando de venganza todos pensamos en los 47 ronin, que no solo tienen dedicadas innumerables películas sino que además aparecen como moldeadores de la trama en otras tantas. En un principio la historia de Asano y Kira se oye de fondo sin demasiada importancia hasta que los personajes van quedando atrapados durante el desarrollo y terminan participando directamente en los hechos.

El film está plagado de combates y acción bien coreografiados pero muy poco realistas. Las espadas actúan como las de kendo, limitándose a golpear a los adversarios pero sin transmitir la sensación de cortar. Esa es la razón por la que resulta tan irreal la sangre de las heridas, que aparece ya completamente esparcida unas décimas después de recibir el contacto. En los últimos momentos de película Raizo Ichikawa tiene la parte “fantasma” del film, con un combate bastante “raro” en el que podremos ver algunos de los movimientos que posteriormente utilizó en “The Betrayal”.

“Hakuoki” (título original) es otro clásico del cine chambara, protagonizado por dos de los más grandes. De visión obligada para todos los amantes.

The Echo (2004)

2008-01-03T03:56:00.001+01:00

Ecos en la vida
Por Squareta

Yam Laranas nos trae desde filipinas esta película, de nombre original Sigaw y que fue estrenada el 2004.

Marvin es un muchacho que se acaba de independizar. Se fue de la casa de su madre hacia un departamento y tiene planes de vivir con su novia. En el mismo piso vive una familia compuesta por el esposo Bert, que es policía y muy celoso, su esposa Anna y su hija Lara. Esta familia pelea constantemente y la mujer todos los días golpea las puertas pidiendo ayuda.

“The Echo” es una película de horror que muchas veces se entremezcla con el drama. Por un lado tenemos al chico que con todo su sacrificio se ha mudado a un departamento y que a pesar de los molestos ruidos de la familia vecina no quiere irse del lugar y por otro lado tenemos la triste historia de la familia, cuya esposa e hija son maltratadas por Bert. Sin mostrar nada tan explícito, se siente la violencia y puede conmover en más de alguna ocasión. Las escenas de terror son acompañadas de fuertes ruidos que pueden asustar si te encuentran desprevenido y sin venir en demasía las encontré muy acertadas, aunque un par puedan parecer copias de otros clásicos del horror oriental. Con todo esto se puede decir que los momentos de horror en general son correctos.

El elenco está compuesto en tu totalidad por actores consagrados en el cine de su país, entre los principales tenemos a Richard Gutierrez en el papel de Marvin, Angel Locsin es Pinky, Jomari Yllana es Bert e Iza Calzado es Anna.

En resumen, “The Echo” es una nueva opción para ver, que sin ser una genialidad en su género logra mantener la expectación, ya que aunque se pueda prever lo que viene no se sabe exactamente cómo sucederá pero más que nada, la recomiendo pues resulta interesante visionar películas de un país cuyo cine es muy desconocido.

Romance (2006)

2007-12-29T06:17:00.001+01:00

Bello y artificial
Por Master of Hate

Lastimosamente hay cintas que pese a estar casi listas, por alguna nimiedad, no han sido publicadas. Este es el caso de “Romance” cuya reseña ha tenido que esperar meses para finalmente incorporarse al blog.

Esta es la tercera película de Moon Seung-wook y una nueva apuesta por el drama con sello coreano que probablemente muchos conozcan de memoria. El reparto me hizo generar ciertas expectativas, cosa que no siempre es recomendable; pero en este caso dichas salvo algunos detalles puedo hablar de una película con un nivel bastante decente.

Yoon-hee (Kim Ji-soo) vive sometida a los maltratos de un marido posesivo y obsesionado con el poder. Afligida por su situación, un día decide suicidarse, pero el detective Hyung-jun (Jo Jae-hyeon) evita la tragedia. Hyung-jun, que atraviesa por el peor momento de su vida tanto personal como profesional, ve en Yoon-hee a la única persona capaz de devolverle los deseos de vivir. Ambos se atreven a ir contra viento y marea con tal de no dejar que nadie los separe.

Seria bueno empezar por el reparto que hace posible esta genial cinta. Kim Ji-soo está en mi pupila desde su magnifica interpretación en “This Charming Girl”, para mi, una de las mejores cintas del 2005. En “Romance” nuevamente deja claro que su talento es inmenso y nos regala una eficaz interpretación. La figura masculina es encarnada por Jo Jae-hyeon, actor de una enorme trayectoria, que ha protagonizado películas como “Mokpo The Harbor” “Crocodile” o “Sword In The Moon” entre otras. Vale la pena también mencionar a Hyeong-seong, protagonista de filmes como “GIT” (otra de las joyas del 2005) quien merece una honorable mención por notable actuación y por ser co-autor del guión.

“Romance” es una mezcla de puro melodrama con grandes cantidades de acción. Moon Seung-wook da muestras de conocer ampliamente el género y su construye su historia basándose en un argumento muy sencillo –típico hasta cierto punto-. Demás está decir que la historia como tal no aporta nada extraordinario, pero no se puede decir lo mismo del contenido visual, área en la que parece haberse puesto mucho más cuidado. La elección de la banda sonora resultara especialmente buena a aquellos amantes del tango. En cuanto a la acción, tenemos escenas de altísimo nivel que ayuda a llenar un poco la sencillez del argumento. La química entra los protagonistas es inmediata y aunque se logra de un modo algo precipitado; su acercamiento e inminente atracción pudo haberse desarrollado un poco más.

Ahora, no todo lo que brilla es oro, o al menos eso dicen. “Romance” es una película que se enfoca más en explicar el por qué de las cosas, y no tanto el cómo se llevan a cabo. Véase o no como un problema, no es algo que todos vayan a pasar por alto. Es decir, nuevamente nos referimos al argumento que prefiere resaltar la importancia del lado estético y echar mano de varios clichés, cosa que seguramente molestara a varios.

Una cinta entretenida, predecible, hermosa visualmente, triste, pero algo sencilla; en fin, una mezcla de virtudes y defectos con balance positivo.

D-Day (2006)

2007-12-27T16:52:00.001+01:00

Comienza la cuenta regresiva
Por Squareta

“D-Day” es otra película que forma parte del “4 Horror Tales". Dirigida por Kim Eun-kyung, es también conocida bajo el nombre de “Roommates”. En ella conoceremos a fondo a la estricta Academia Younghwa, en donde chicas se preparan para el Día-D, el día del examen de entrada a la universidad.

Se sabe que el examen es un elemento muy estresante, pues la competencia es alta. Además, en la academia les prohíben todo tipo de distracciones y se les obliga a estudiar casi la mitad del día. Los profesores y padres creen que esto es lo mejor para obtener un buen rendimiento, pero estos factores pueden afectar el bienestar psicológico de las estudiantes. Es más, pueden ser los factores detonantes para que un grupo de muchachas comience a ver extrañas apariciones… ¿pero dichas apariciones serán producto de su imaginación por el stress o habrá algo más en el lugar?

La historia se centra en 4 muchachas que son compañeras de habitación. A medida que transcurra la historia iremos viendo cómo se van transformando y cómo van reaccionando de forma distinta ante la presión. Acá no están los típicos estereotipos de chicas populares ni abusadoras, sólo hay chicas que desean rendir un buen examen.

El reparto lo conforman en su totalidad actrices novatas que nos brindan unas efectivas actuaciones. Se aprecia que la cinta no cuenta con un gran presupuesto pero el mismo está bien aprovechado. Las escenas de terror son casi siempre efectivas y están muy bien utilizadas, pero lo que rescato ante todo es la interesante historia que nos muestra un hecho (aunque exagerado) de una realidad muy latente: la presión de los estudiantes ante la universidad. Personalmente la encuentro la mejor de la saga y una película que vale la pena ver, ya sea para pasar un par de sustos o para hacer una llamada de atención a nuestra sociedad.

600 Críticas en FM-Team

2007-12-24T18:41:00.000+01:00

Hemos pasado las 600 críticas y es el momento de celebrarlo como corresponde. Una vez más, muchísimas gracias a todos nuestros fieles lectores que nos visitan periódicamente y a todos los nuevos que se van incorporando. Esperamos poder seguir aumentando las críticas para que este blog se haga cada vez más grande y así pueda ser una buena referencia de nuestro querido cine oriental.

Aprovechando también la ocasión, les deseamos unas felices fiestas y los mejores deseos para el año que se viene.

Y eso, recuerden seguir visitando al fm-team (ya sea en este blog o en el foro) y recuerden que cualquier crítica y/o comentario serán bienvenidos.

¡Saludos!

The Humanist (2001)

2007-12-23T00:05:00.001+01:00

¿Un poco de humanismo?
Por Master of Hate

“The Humanist” resultó una grata sorpresa ya que personalmente no me esperaba nada del otro mundo. Quizás el nombre de Lee Mu-yeong no sea demasiado conocido, sobretodo como director; sin embargo, el ver Park Chan-wook figuraba entre los guionistas me causo cierta curiosidad. Por suerte la cinta tiene bastante que ofrecer con su mezcla particular de géneros.

Un grupo de tres amigos se ven envueltos en un grave accidente en el que, sin querer, matan a un respetable policía. El compañero del fallecido decide que no denunciará al grupo después de ver que uno de ellos es un joven de buena familia y le puede proporcionar algún beneficio. El policía le pide una millonaria cantidad de dinero que el joven sólo podría conseguirla de la fortuna de su padre, lo malo es que éste no esta dispuesto a darle ni un centavo. La única solución que encuentra el muchacho es planear el secuestro de su propio padre y para eso recurre a los dos amigos que le acompañaron el día del accidente. Así ponen en marcha un plan perfecto en el que no sólo le pagarán al policía corrupto sino que obtendrán una cuantiosa suma para ellos.

“The Humanist” sorprende por su extraña mezcla de géneros; se puede categorizar como un thriller, una comedia de humor negro, o un drama, así mismo tiene cierto componente subversivo con imágenes bastante crudas y sangrientas. Obviamente no es que se trate de gore en su estado más puro, aunque de haberlo querido, bien se pudo hacer algo clasificable dentro de ese género. En todo caso, lo interesante es la presencia del humor negro que llega a sorprender en varias ocasiones por su buen manejo y gran efectividad. La cinta alterna rápidamente el tono de la historia que en determinados momentos pareciera decantarse por una línea más dramática, pero que inmediatamente vuelve al terreno de la comedia gracias a algún hecho sorpresivo.

Las actuaciones son bastante buenas con un Ahn Jae-mo (“Legend of the Seven Cutter”) muy metido en su personaje, arrogante, pero no necesariamente malvado. Lo acompañan en el reparto, Park Sang-Myeon (“My Wife Is A Gangster”) y Kang Seong-jin (“Attack at the Gas Station) que completan en grupo de los “tres amigos” que llevan a cabo el secuestro.

La historia es bastante sólida, llena de sorpresas y giros arguméntales, y como dije antes, sorprende mucho por lo violento y atrevido de su contenido. Por un momento me ha recordado a “The Quiet Family” de Kim Ji-woon, claro que a nivel de estética y mezcla de géneros, pues los argumentos no tienen nada que ver. Finalmente, creo que no hay problema en recomendarla, pues si bien no se trata de ninguna joya, es una película graciosa con una historia llamativa y bien desarrollada.

February 29 (2006)

2007-12-19T00:01:00.001+01:00

¿Maldiciones eternas?
Por Squareta

"29 de Febrero" es una cinta que forma parte de "4 Horror Tales", que como el título lo puede indicar, son cuatro películas de origen coreano que cuentan historias de horror, estrenadas el 2006 y bajo el mando de directores novatos. Estas películas no se relacionan entre sí. Jeong Jong-hoon es el director de esta cinta que habla sobre la maldición existente en esta fecha tan extraña.

Un periodista llega a un hospital psiquiátrico para entrevistar a una paciente. Ella se llama Jiyeon y le teme a la oscuridad. Cuando el periodista le pregunta el por qué de su estado ella se impacienta y comienza a recordar los tiempos en que ella trabajaba en una caseta de peaje y un terrible día recibió un ticket ensangrentado. Ese incidente fue sólo el comienzo de una maldición que se repite todos los 29 de febrero.

Entretenida película de fantasmas con elementos policiales en el que la presencia terrorífica se hace presente durante casi todo su transcurso. En ella podemos ver cómo una chica normal se va transformando producto de algunas apariciones, de las que nadie le cree y que no la dejarán vivir tranquila. También se puede ver a unos policías que están investigando un caso que podría relacionarse de cierto modo con la chica.

Los elementos visuales están bien utilizados, así como también los momentos de tensión, generando un par de escenas de miedo aceptables. El reparto está compuesto casi en su totalidad por actores novatos, excepto por la protagonista Eun-hye Park ("Sunflower", "The Record").

De esta forma, "29 de Febrero" no es sólo parte del "4 Horror Tales", sino que es parte de la gran mayoría de películas de horror que nos están llegando desde Corea aprovechando el éxito de este género: un film sin mucho que aportar pero que sigue siendo una buena opción para pasar el rato.

Heaven and Earth (1990)

2007-12-13T20:49:00.001+01:00

Crónica de una guerra
Por Fingolfin

Cuando hablamos de Japón en el siglo XVI habitualmente lo hacemos pensando en un peliculón con una temática interesantísima que rara vez nos ha fallado. Los protagonistas son Shigen Takeda y Kenshin Uesugi, dos grandes guerreros que se enfrentaron en multitud de batallas.

Takeda, ansioso por extender sus territorios y alcanzar el mar, señala como objetivo la región de Echigo. Uesugui (el tigre de Echigo) hizo una promesa de defender su tierra a toda costa, sacrificando a su propio hermano y alejando todos los placeres de su vida. Además de la sabiduría de cada uno, tienen detrás grandes estrategas como Yamamoto Kansuke y Wusami Suruga.

Otra de esas grandes superproducciones plagadas de extras, colorido, caballos, armaduras y escenarios de ensueño. Otra partida de ajedrez con dos líderes que controlan a sus hombres como piezas y despliegan sus inteligentes estrategias sobre el tablero. La mayoría de ellas se anuncian con subtítulos y en alguna que otra se especifica su inclusión en el libro de Yamamoto Kansuke.

Pese a que el director trata de mantener la guerra desde el punto de vista de los dos bandos de forma relativamente neutra, es evidente que la importancia de Kagetora (Uesugi) es la que más tira, condicionando al espectador a ir siempre con el que defiende y no con el invasor. Personalmente siempre he sido un gran admirador de Takeda, por lo que salvo en alguna escena aislada no ha conseguido llevarme a su terreno; otros lo tendrán más difícil.

La acción es espectacular. En un solo fotograma se puede apreciar una gran diversidad de escenas de lucha. Mientras avanza la caballería de Uesugi dos grupos de piqueros de rojo y negro se enfrentan unos con otros y multitud de samuráis desperdigados se baten en duelos. Este tipo de tomas están logradas de manera impresionante, sin nada que envidiar a las grandes y modernas superproducciones americanas. El punto débil como suele ser habitual se centra en los detalles minimalistas de la batalla, es decir, los primeros planos de lucha, que carecen de realismo y son demasiado lentos. Mención aparte para los combates entre los grandes personajes del film.

La música pasa desapercibida. No porque sea mala o regular, sino porque encaja perfectamente con las escenas y pasa a formar parte del “todo”. Solo durante la batalla final tiene momentos donde se baja el sonido escénico para dar paso a una hermosa pieza, y en alguna que otra ocasión podemos disfrutar de la melodía de la flauta de Nami.

Las actuaciones son bastante buenas por parte de todos los actores, tanto primarios, secundarios como extras. Resulta extraño que ninguna mujer tenga actuación destacada y solo dos tengan diálogos (algo raro en el chambara pero un poco más frecuente en este tipo de películas).

No tenía dudas tras escuchar comentarios y opiniones sobre “Heaven and Earth” de que iba a ser una gran producción. Lo que no me imaginaba ni de lejos es que sería tan espectacular visualmente y tan acertada en todos los demás aspectos. Recomendada para todos los amantes de la épica y especialmente aquellos que disfrutaron recientemente de los detalles estratégicos de “Battle of Wits”.

The House (2005)

2007-12-10T01:50:00.001+01:00

Lugares inquietos
Por Squareta

Producción hongkonesa de Man-Ching Ng, quien sólo ha sido director de esta película pero que anteriormente había tomado el mando en la fotografía de “Inicial D” y de “Infernal Affairs 3”.

Una madre y su hija buscan un nuevo hogar. Encuentran un departamento que es del gusto de la madre pero no de la hija, ya que ella tiene un mal presentimiento del lugar. Sin embargo, la madre igual decide arrendar el sitio. La pequeña no se siente muy cómoda en el departamento y menos cuando la madre encuentra un trabajo como guardia de seguridad y la tenga que dejar sola en las noches. Pronto la niña descubre que su miedo se debe a la presencia de fantasmas en el lugar.

Siendo sincera, esta película me pareció de las más típicas que nos llegan desde oriente. Una película de fantasmas con altas dosis de drama, que nos puede asustar en algunos momentos y conmocionar en otros, ya que vemos los conflictos madre-hija producto del lugar y los problemas que tiene que afrontar la madre que ya no tiene el apoyo de su esposo.

El aspecto técnico no tiene nada para cuestionar. La pequeña nos brinda una buena actuación junto con el resto del elenco. La atmósfera del film es otro punto a favor, desoladora y con un buen juego de colores.

Y no hay mucho más que agregar sobre “The House”. Es sólo una película más, de esas para ver y olvidar pues no posee ningún elemento que la haga distinguir del resto.

Oniwaban (1974)

2007-12-04T00:22:00.001+01:00

Sacrificio Absoluto
Por Fingolfin

“Demon Spies” (título internacional traducido literalmente) está dirigida por Takashi Tsuboshima y protagonizada por actores sin demasiada fama. El film abre de forma desconcertante, haciéndonos pensar en una historia Kaidan de un lugar secreto habitado por niños asesinos con máscaras de diablos. Enseguida la tónica cambia por completo, metiéndonos de lleno en una interesante historia de ninjas y sacrificio.

Los Oniwaban son ninjas dedicados por entero a su misión de mantener la paz en el país. Sus vidas no tienen ningún significado y todos pueden ser prescindibles en caso de ser necesario. El entrenamiento dura 10 años y comienza en la niñez, viviendo como una autentica secta con todo tipo de prácticas de ataque, defensa y sexo (el cuerpo como arma). Una vez finalizada esa etapa, 5 de los 60 que comenzaron son los elegidos para impedir la revuelta en Kishu, donde se han comprado multitud de armas de fuego extranjeras que son guardadas en una armería secreta.

Podíamos comparar la parte de entrenamiento con la película “Azumi”, donde la última prueba nos dejó a más de uno con la boca abierta. Sin embargo “Oniwaban” la pone al nivel de un divertido juego infantil, ya que el estricto código de los ninjas-demonio contiene todo tipo de barbaridades inimaginables. Pensaba comentar algunas de ellas pero prefiero dejar despertar la curiosidad del lector.

Como es habitual en esta época tenemos nuestras escenas de ligero contenido sexual. Al principio del film la única chica del grupo tendrá el gusto/desgracia de poner su cuerpo a disposición de todos los discípulos para poder usarlo libremente en su misión (algo así como en “Naked Weapon”). En el metraje aparecen varias mujeres semidesnudas, solo que en esta ocasión no es de forma tan gratuita como en otros films contemporáneos. Mención especial para los dos profesores que hacen una magnifica representación de sexo en Kabuki.

La acción tarda en aparecer pero lo hace con calidad, con muy buenos movimientos ninja y sin necesidad de utilizar efectos especiales de los que suelen estropear la estética del género. Las coreografías son rápidas y normalmente terminan en amputaciones o cortes de los que dejan salir chorros de interminable sangre.

Ahora es el momento de decir que la película me ha gustado bastante. El argumento gana fuerza por un solo personaje: Yokobue Shogen (el rival). Es de las pocas que presentan un enemigo tan digno, que pese a las numerosísimas e increíbles estratagemas de los Oniwaban, nunca llega a dejarse engañar y se mantiene alto y poderoso hasta el último momento.

La verdad es que es de las que tengo que recomendar a todo el mundo. Por supuesto no es una obra maestra, pero sí son 87 minutos de puro entretenimiento con una trama muy interesante y cuidada.

Woman in the Dunes (1964)

2007-11-24T03:01:00.001+01:00

Un mágico cautiverio
Por Master of Hate

En uno de esos escapes fugaces en los que le alejo del cine contemporáneo he tenido la oportunidad de visionar una excelente pieza del celuloide de la que sólo puedo hablar bondades; se trata de "Woman in the Dunes" del director japonés Hiroshi Teshigahara. La cinta data de 1964 y parece ser ya una gran pieza de culto para muchos cinéfilos alrededor del mundo.

Niki Jubei (Eiji Okada) es un entomólogo que se halla investigando y recolectando insectos en un área casi desértica lejos de la ciudad. Debido al poco tiempo que tiene disponible, decide pasar la noche en una casa de la zona, ubicada en un medio de enormes dunas de arena; allí vive una sencilla y tranquila mujer (Kioko Ishida). Al día siguiente Niki intenta marcharse, pero le es imposible ya que la escalera que le permitió bajar ya no se encuentra. Pronto se le informa que esta atrapado y que, junto a aquella mujer desconocida, deben trabajar como esclavos si es que quieren sobrevivir.

Mi desconocimiento sobre la filmografía de Teshigahara me impide entrar en detalles con respecto a su estilo. Pero en lo que respecta a esta película se pueden sacar a relucir muchas características. Este director demuestra una asombrosa capacidad de sentido estético que se ve reflejado en el tipo de tomas y planos que elige constantemente. La cinta roza la paranoia, el erotismo, lo surreal, lo banal, y muchas cosas más a través de los ojos del protagonista que va siendo víctima de un proceso continuo de cambios. El entorno casi claustrofóbico que transmite la cinta es tan poderoso que llega a contagiar al mismo espectador. La relación que mantiene Niki con la mujer es otro de los puntos más fascinantes de la trama, ya que pasa por varias etapas. Finalmente, no deja de rondar, esa sensación constante de estar ante una obra existencialista que, a su manera, arroja una serie de interrogantes sobre el por qué de la vida y a dónde queremos ir realmente.

Queda como asignatura pendiente echar un vistazo a los demás trabajos de Teshigahara que seguramente guardan muchas y gratas sorpresas. La recomendación es evidente, pues estamos antes lo que debe ser uno de los filmes más brillantes que ha visto la luz en Japón.

The Bird People in China (1998)

2007-11-18T23:03:00.001+01:00

Lugar de ensueño
Por Squareta

En reemplazo de un compañero de trabajo un empresario japonés se embarca hacia China con el propósito de encontrar unas piedras preciosas de jade que podrán pagar las deudas que tiene su empresa. Lo que no sabe él es que han enviado a un yakuza poco amigable para que lo vigile en el viaje. Juntos harán una interminable travesía que los llevará a un pueblo en medio de la nada. Este pueblo posee extrañas costumbres y narra de generación en generación la leyenda de un hombre pájaro.

Esta extraña cinta es de 1998 y viene dirigida por Takashi Miike. Lo que asombra a primera vista es que no es lo que estamos acostumbrados a ver de Miike, para nada. La ultraviolencia y sobredosis de gore son reemplazadas por hermosos paisajes y una historia conmovedora.

La película gira en torno a dos personajes principales, el empresario, una persona correcta y con valores y el yakuza, lo opuesto a él. A ellos no les quedará otra que unirse y obviar sus diferencias para poder llegar a su destino, pues en el camino que parece no tener fin (sin mencionar el hecho de que es casi imposible de recorrer) ocurren todo tipo de problemas. Después del largo viaje y ya en la provincia de Yun Nan logran llegar a su destino. Lo que ven sus ojos es casi increíble: el pequeño pueblo al que parece que se la ha detenido el tiempo los recibe con los brazos abiertos. Los japoneses muy contentos empiezan a relacionarse con el pueblo chino. Conocen la leyenda del hombre pájaro y descubren que en el poblado tienen una obsesión con volar, a la que ellos también les interesarán. Sin darse cuenta, la gente del pueblo provocará un cambio de pensamiento en nuestros protagonistas que les obligará a tomar una complicada decisión.

Técnicamente es muy correcta. Podrán apreciar la belleza visual que rodea la película. Unos paisajes hermosos son complementados con la humanidad de la gente. Los protagonistas están bien desarrollados y cooperan en algunos momentos graciosos que amenizan la cinta. El empresario y su actitud frente a algunos comportamientos de los chinos y el yakuza creará uno que otro momento de tensión.

Creo que todos podrán disfrutar la película como yo lo he hecho. Una linda obra que prescinde de cualquier gran producción y que nos muestra que lo más bello es lo real, aunque cada vez se hace más difícil apreciarlo.

Zatoichi (2003)

2007-11-15T04:01:00.001+01:00

Remake de una saga
Por Fingolfin

Ya comenté esta película hace más de un año y al trasladarnos al formato foro decidí dejarla aparte para repetirla. Durante este tiempo he podido ver, comentar, analizar y disfrutar de las 26 películas de Zatoichi interpretadas por Shintaro Katsu, y el resultado de volver a ver la versión de Kitano ha sido realmente sorprendente.

Mantiene gran parte del esquema habitual que ha tenido esta serie pero cambiando sustancialmente algunos detalles con vistas más comerciales. El argumento nace después de media hora de film guiados por la casualidad y las presentaciones de los distintos personajes. En esta ocasión tenemos los dos grandes luchadores que sabemos que protagonizaran el habitual duelo final y aparte otro buen espadachín que se queda a mitad del camino. El adversario duro es Genosuke (Tadanobu Asano), habitual personaje frío que actúa sin maldad y movido por la necesidad.

Zatoichi (Takeshi Kitano) aparece con unas características dignas de analizar, donde incluso al final se pone en duda su ceguera. Se nos presenta únicamente como masajista ciego aficionado al juego, olvidando su verdadero oficio de yakuza-jugador. En el terreno interpretativo me duele mucho tener que hablar mal de un hombre como Kitano, que de las pocas películas suyas que he visto solo puedo decir maravillas. Su actuación no representa a un hombre ciego sino a Shintaro Katsu representando a un hombre ciego. Estoy hablando de una doble actuación donde en lugar de imitar a su personaje, Kitano imita al actor de la antigua saga. Evidencias de mi afirmación son: la forma de andar con las piernas arqueadas y en pasos cortos y circulares, la presencia siempre cabizbaja, y sobretodo esa breve carcajada que acompaña cada una de sus frases. Otro detalle que no conviene olvidar es que a este Zatoichi le cuesta mucho menos matar que al otro, que evitaba el combate siempre que podía y aún cuando no había mas remedio terminaba lamentando las muertes.

Las escenas más destacadas son las mismas que las de la antigua saga: la casa de juegos donde adivina lo que va a salir por el sonido de los dados, las situaciones en las que subestiman sus habilidades, el momento de gloria de su rival cuando demuestra al espectador lo bueno que va a ser, y por supuesto la acción.

Takeshi Kitano obviamente no es un esgrimista como lo era Shintaro Katsu, curtido en decenas y decenas de películas de katanas y samuráis. Este factor es el que condiciona las coreografías en mayor medida, ya que en lugar de agilidad y espectacular manejo del “reverse sword drawing” tenemos un Zatoichi que con una velocidad muy superior a todos los precedentes hace montones de tajos a sus rivales sin que les de tiempo a pestañear, guiado todo el proceso por múltiples efectos especiales. Ciertamente el resultado es difícil de superar visualmente pero tampoco en manipulación. La sangre es bastante surrealista y parecida a la de los videojuegos, pero su uso es increíblemente magnifico.

Los combates están rodados con mucho cambio de cámara (repito que Kitano no es esgrimista), muy lejos de aquellas tomas fijas de Kenji Misumi y los movimientos circulares de Shintaro Katsu. En lo referente a Tadanobu Asano, su estilo de lucha y las cámaras que se le han dedicado hacen sus coreografías mejores incluso que las de Zatoichi, algo impensable en la mítica saga. La escena que todos recordarán es el plano vertical cuando le desafían a un duelo y lucha solo contra un grupo de yakuzas hasta llegar a su jefe.

El factor Kitano en la dirección no pasa desapercibido ya que hay escenas que te recuerdan su nombre constantemente. Tenemos un grupo de cosechadores que cultivan con sus azadas fabricando melodías al estilo “música urbana”. Más tarde los mismos personajes vuelven a aparecer haciendo lo mismo pero taconeando bajo la lluvia, y finalmente se repite la escena con los martillos y sierras que se usan para construir una casa. Terminando con el elemento musical no conviene olvidar ese extraño final con todos los actores bailando a modo de créditos del film.

El humor “made in Kitano” también tiene presencia con el detalle de pintarle ojos en los parpados o con el retrasado que da vueltas a la casa vestido de samurai. Sin embargo no me ha gustado nada el personaje de Shinkichi, creado exclusivamente para provocar risa en el espectador, algo propio de todas las películas comerciales americanas y no del cine oriental que nos gusta.

Conclusión…siempre es bueno tener un film de estos con carácter internacional que puedan hacer que gente como yo se decida a ver todas o algunas de las anteriores. Por lo demás es meramente una película con buenas escenas de acción y entretenimiento, muy lejos de casi todas las joyas de la vieja saga.

PD: Comentario mejorado del ya escrito el 2005 por fingolfin

Driving with my Wife's Lover (2006)

2007-11-10T20:12:00.001+01:00

Un camino demente
Por Master of Hate

"Driving With my Wife's Lover" es otro de esos debuts cinematográficos que quizás mucha gente vaya a querer olvidar lo más pronto posible. Kim Tae-shik nos presenta una cinta que ha conseguido bastante atención en festivales internacionales. Esto se justifica, a mi modo de ver, por lo creativo y ocurrente que se muestra Kim en todo momento, pero eso no quiere decir que la cinta termine siendo del agrado de la mayoría.

La historia nos presenta inicialmente a dos personajes: Tae-han, un marido engañado por su esposa, y plenamente conciente de este hecho, y Joong-shik el amante en cuestión que muy alegremente trabaja como taxista. Tae-han busca a Joong-shik, quien ignora que su romance ha sido descubierto, y decide hacer un largo viaje con él. Durante el camino, ocurren un sinnúmero de situaciones extrañas que ponen en evidencia el deseo de Tae-han de vengarse y averiguar más sobre su enemigo. De este modo, el marido enfurecido va conociendo a persona con mucha seguridad, atractivo y bastante más agradable que él. Su plan de venganza se consolida en la segunda parte cuando Tae-han encuentra a la esposa de Joong-shik.

Probablemente no encuentre referentes directos en el cine coreano para dar una idea clara de lo que tenemos ante nosotros. Personalmente no me he sentido impresionado, aunque es necesario reconocer en todo momento que la sofisticación estilística que muestra Kim es muy innovadora y por momentos incluso, disparatada.

Los puntos interesantes de la película son los personajes y específicamente su perfil. La interpretación de estos personajes también resulta muy curiosa, no debe haber sido tarea fácil. Y cómo ya mencioné el estilo de Kim para rodar. Por otro lado, la historia termina cayendo en un segundo plano, hasta la segunda mitad en donde recobra protagonismo y la película por fin parece poner sus pues sobre la tierra.

Estamos ante un trabajo muy personal pero enredado; cine del que puede generar todo tipo de reacciones. Personalmente rescato el gusto del directo en cuanto al rodaje, pero más allá de eso, no he visto mucho, y he sentido que el interés por la historia no es constante, dando la impresión de estar ante una explosión de ideas y escenas extrañas y un desarrollo predecible y sin mucho que ofrecer.

Shintaro Katsu´s Zatoichi (1989)

2007-11-07T00:16:00.001+01:00

No hay color
Por Fingolfin

Como apreciareis en primer lugar, he prescindido de la numeración en el título de la película cuando en realidad le correspondía la posición 26 en la saga. Es un poco la que se sitúa “en medio” de todo. No puede ser considerada como las anteriores ya que se rodaron 25 entre 1962-1973 y esta es de 16 años después, ni considerada independiente ya que después de todo el protagonista sigue siendo el amado Shintaro Katsu (también su director). Mencionar solo que además es conocida como “Zatoichi: Darkness is his Ally”.

Después de remontarme a la otra dirección del actor en la saga “Zatoichi in Desperation” le tenía pánico a este film. Sabía que su duración estaría entorno a las 2 horas, al igual que la de Kihachi Okamoto en 1970, y que podrían convertirse en eternas si no se producía un cambio radical. Pues la sorpresa ha sido para bien, porque la película es de las mejores de toda la saga, con una enorme calidad estética, argumental y musical.

Está protagonizada por un Katsu mucho más mayor, un poco más gordo, con algo de barba y un pelo que comienza a tornarse blanco. Su interpretación es muy destacada, aprovechando la oportunidad que le brinda el regreso al dramatismo que tenían las primeras entregas. Se recupera uno de los mayores éxitos de la serie, que son las amistades entre Zatoichi y el que se convertirá en su último rival, con un cariz sentimental que supera su relación con el mítico Hirate de “A Tale of Zatoichi”.

Al salirse del esquema y duración habituales, Katsu ha podido deleitarse en muchas escenas lentas en las que simplemente camina por maizales persiguiendo hojas o con la cabeza gacha y rostro reflexivo, con una canción en inglés que suena de fondo y destaca bastante. En lo referido a esta canción he encontrado por internet que se le hacen críticas expresas como uno de los grandes fallos del film. No sé si quizás lo hagan por el hecho de que esté en inglés, pero creo que prefiero entender la letra y dar mas fuerza a la escena que escuchar algo en japonés que no viene ni subtitulado. Además de eso sobra decir que la canción me encantó y la escuché varias veces más.

La segunda relación sexual de Zatoichi tiene lugar en esta película de forma mucho más explicita, detallada y directa, con buen acompañamiento musical. Curiosamente las dos entregas en las que ha tenido lugar una de estas escenas estaban dirigidas por el actor, lo que espero no quiera decir nada…

Las coreografías son muy distintas a lo que habíamos visto a lo largo de la serie. La primera de ellas es una cámara fija lejana con un fondo oscuro y una velocidad enorme, prácticamente jugando solo con el sonido de las espadas. Las siguientes van combinando planos fijos para el comienzo que luego se ven sustituidos por rápidos cambios de cámara que dificultan la visualización. En cualquier caso resultan mucho más modernas que las anteriores y mucho más sangrientas, tomando como ejemplo el que Zatoichi empiece la última batalla sujetando con su mano izquierda la cabeza cortada de un hombre.

Al igual que intentó fracasadamente con “Zatoichi in Desperation”, Katsu sigue tratando de explicarnos el mundo de Zatoichi. Utiliza un espejo que lleva siempre consigo y que después de todo no le sirve para nada y trata de hacernos comprender lo que representan para él los colores y lo difícil que es entenderlos. Pese a que la película tiene partes bastante oscuras en esta ocasión ha decidido prescindir del abuso o las cámaras desenfocadas, lo que es de agradecer por mi parte.

Conocemos detalles del pasado del masajista que chocan con lo que teníamos entendido. Se supone según “Zatoichi at the Blood Fest” que andaba mal de la vista en su juventud y que la fue perdiendo progresivamente hasta quedarse ciego. En este film se nos dice que fue a los 2 años, lo que obviamente no tiene cabida en el término “juventud” que utilizaba Kimiyoshi Yasuda en su film.

La conclusión es que se trata de una de las mejores del espadachín, la favorita de mucha gente, el punto intermedio entre la saga de las 25 y la Zatoichi de Kitano, y otro acercamiento a lo que ha sido representar a un ciego durante tantos años por parte de Katsu. A la gente que no tenga pensado ver la saga, esta es la película ideal para disfrutar del personaje durante un par de horas.

The Victim (2006)

2007-11-03T04:59:00.001+01:00

Un trabajo peligroso
Por Squareta

Una muchacha llamada Ting y aspirante a actriz hace una demostración pública de su talento cuando la observa un policía. Él le ofrece un trabajo algo extraño: recrear las muertes de las víctimas que se están investigando. Sus actuaciones en ese campo la hacen conocida al punto de representar papeles muy importantes. Pero se debe tener cuidado cuando se juega con fantasmas, porque nunca se sabe si ellos quieren jugar también.

Ting es muy cuidadosa a la hora de reconstituir las escenas del crimen y se preocupa de no molestar a las almas de los fallecidos. Cuando aparece en las noticias la muerte de una famosa modelo tailandesa Ting sabe que obtener esa recreación es un paso seguro a la fama. Empieza entonces a investigar a la modelo Meen de una forma tan profunda que creará un misterioso vínculo con ella, sin darse cuenta de los peligros que puede acarrear esa situación.

El tailandés Monthon Arayangkoon nos trae esta cinta de fantasmas conducida de una forma diferente a las convenciones del género, la que por momentos puede llegar a confundir si es que no se le sigue el ritmo. Y es que lo que parte como una simple cinta de horror va tomando otros matices, algunos bastante inesperados, tomando historias que se van complicando, alternando e incluso desapareciendo.

Posee momentos intensos y con algunas escenas muy bien logradas, pero de igual modo existen otras escenas bastante falsas, sobre todo las presencias fantasmales. Aunque las ganas le sobran, porque la falta de convincentes efectos se compensa con buenos movimientos de cámaras y un buen manejo del ambiente. El fondo de la película también se puede destacar, pues algunas locaciones de filmación fueron famosas escenas de crímenes reales. Y para aumentar el susto a los espectadores, algunos miembros del equipo mencionaron que sintieron extrañas presencias durante la filmación, reflejadas a través de ruidos y rostros en las cintas.

Como punto en contra (pues no todo puede ser tan bueno) está el hecho de que la historia se pierde al tratar de abarcar tantas cosas. Una clara muestra de ello es que a mitad de película todo comienza de cero, dejando a todos perplejos.

“The Victim” posee un toque de originalidad que vale la pena ver. Me atrevo a recomendarla con reservas, sabiendo que a algunos no les convencerá y a otros les agradará su visionado.

Festival of Swordsmen (1961)

2007-10-30T02:59:00.001+01:00

El torneo de los mejores
Por Fingolfin

Muchas veces nos hemos preguntado acerca del mejor argumento para una película de acción y la respuesta casi siempre acaba en un torneo. Así se presenta el film y así se mueve el argumento pese a que finalmente varias subtramas lleguen a eclipsar el evento.

Busshi Shirogoro es un ronin de increíble habilidad tanto con la espada como con algunas artes de lucha habituales de los ninja. Viaja hacia Edo buscando maestros que le ayuden a perfeccionarse antes del torneo y sus pasos le llevan a la casa del máximo representante de la escuela Yagyu, la familia de maestros de espada del Shogun. La fama de esta familia se encuentra en decadencia y sus esgrimistas ya no son tan habilidosos como los del pasado. El torneo parece usarse como arma para ponerlos en evidencia delante de todo el país.

La película va directa al grano y con sencillez en todo momento, prescindiendo de cualquier escena que no sea estrictamente necesaria. Cada vez que aparece Busshi en escena es porque va a pasar algo, ya sea salvar a alguien o enfrentarse a algún rival. Ese método evita las escenas aburridas pero hace un poco previsible todo el film.

Las coreografías serían tema de debate internacional. Los movimientos son simplemente sublimes: muy rápidos, bien colocados, enormemente estéticos…etc. El problema que presentan es un “realismo cero” que roza el teatro. Las espadas pasan a una distancia considerable de sus rivales cuando los abate, haciendo bastante evidente que no se clavan en ningún momento. Además nuestro protagonista suele hacer saltos imposibles donde “supuestamente” golpea a su rival, que cae segundos después sin que hayamos visto nada.

Cabe destacar sobretodo la presencia del respetable señor Tomisaburo Wakayama (“Lone Wolf and Cub”), que con un pelo liso y largo hasta la cintura puede desatar alguna carcajada a los espectadores que le conozcan. Su actuación es buena (sin demasiados alardes) y su papel es el de rival principal de Busshi.

No hay mucho más que hablar de esta película. Como ya he dicho es de las más simples y directas que he visto nunca, su duración parece reducirse a la mitad mientras la estás viendo y lo único que puede llegar a decepcionar es el propio torneo (que no resulta ser torneo sino una serie de duelos de exhibición).

Black House (2007)

2007-10-26T18:30:00.001+02:00

El lado más oscuro
Por Squareta

Cinta surcoreana que es la adaptación a la pantalla grande de una novela japonesa llamada “Kuroi”, escrita por Yusuke Kishi y que viene acompañada del apoyo de la taquilla. Está dirigida por Shin Tae-ra, poseedor de una larga experiencia en el campo del cortometraje.

“Black House” nos muestra la historia de Juno, un hombre que tiene el peso de haber presenciado el suicidio de su hermano cuando él era pequeño. Ahora es un agente de seguros que vive tranquilamente con su novia, hasta que un día visita a un hombre para asesorarlo y vuelve a presenciar otro suicidio. Sin embargo, Juno comienza a sospechar que el suicidio en realidad fue un asesinato sólo con el fin de cobrar la póliza del seguro. Comenzará a investigar el caso, sin saber el costo que causará su intromisión y menos aún que lo que le deparará es aun más oscuro que la misteriosa casa.

Esperado thriller psicológico que nos muestra el peor lado de las personas, ese que mueve a hacer lo que sea por conseguir su objetivo, sin importarle el sufrimiento e incluso la vida de los demás. En él vemos cómo se perturba la vida de alguien inocente sólo por querer mejorar la situación de los demás. Así nos encontramos con un protagonista y un antagonista claramente definidos, lo que nos hace cuestionarnos directamente si los psicópatas nacen o se hacen.

El reparto lo forman Hwang Jeong-min (You Are My Sunshine), Kang Shin-il (Some), Yoo Seon (The Uninvited) y Kim Seo-hyeong (City of Violence). Todos brindan unas buenas actuaciones. El tema tratado causa gran expectación y el tratamiento que le dan a la historia también. El misterio nos atrapa al principio y una vez descubierto esto se da paso a la tensión, mientras no sabemos que pasará con nuestro protagonista. Esto ayuda mucho a que la cinta no decaiga y mantenga su ritmo. Y para ser más efectiva la cinta posee una oscura atmósfera atrapante, además de pequeñas dosis de gore que nos perturban, mostrando la violencia en estado puro.

En los últimos minutos la cinta tomará un sentido que muchos considerarán demasiado cliché y motivo suficiente como para calificarla como una más, pero yo prefiero quedarme con el buen gusto del resto de los minutos y pensar que su desenlace simplista no deja de ser aceptable.

Así, no dudaría en recomendárselo a todos los que quieran pasar un “mal rato” ya que posee todos los elementos de un buen thriller.

Small Town Rivals (2007)

2007-10-23T05:12:00.001+02:00

Una comedia más
Por Master of Hate

Con tres películas a su haber, el director Jang Gyoo-seong vuelve a las pantallas con su nuevo filme “Small Town Rivals.” Una historia que vuelve a situarse en las áreas menos céntricas de donde también es posible contar historias. Jang, siempre se ha movido dentro de lo que es la comedia y esta no ha sido la excepción; y aunque probablemente no me haya parecido su mejor filme, quizás los amantes de la comedia, pueda merecer la pena.

Existe una notable predisposición por parte de Jang, de recurrir a zonas rurales, pueblos pequeños y gente humilde para rodar sus películas. Esto se nota claramente tanto en “Teacher, Mr.Kim” como en “Lovely Rivals”. En esta ocasión, la historia tiene que ver con dos viejos amigos que se vuelven a encontrar -no del mejor modo- luego de mucho tiempo de no verse. Cho, que en su niñez fue siempre un gran líder, ahora se halla atascado en su humilde pueblo trabajando como granjero y cuidando a su padre enfermo. Cho es elegido como jefe del pueblo, pero inmediatamente descubre que su viejo amigo Noh ha alcanzado una dignidad mucho más alta y representativa. Cho, no soporta estar tan por debajo de Noh y decide hacer lo posible por intervenir en los proyectos y planes su ahora enemigo.

La historia es sencilla y simple, prestándose en todo momento a las situaciones cómicas y amenas. Probablemente, “Small Town Rivals” sea la cinta menos ambiciosa de Jang, ya que el conocido giro dramático final se siente algo irrelevante, cosa que no ocurrio, por ejemplo en “Teacher, Mr.Kim.” En todo caso, se reconoce el intento de mostrar la importancia de los lazos de amistas por encima de lo material.

Se destaca la actuación de Cha Seung-won (Over the Border) quien sin ser de las figuras máximas del cine surcoreano, esta siempre activo y generalmente regala buenas interpretaciones. Por lo demás, no se puede decir demasiado, solo que se trata de una comedia más, de aquellas que abundan y no siempre valen la pena.

The Purple Hood (1982)

2007-10-19T06:00:00.001+02:00

El héroe Murasaki Zukin
Por Fingolfin

Kosaku Yamashita dirige esta interesante película sobre un superhéroe al más puro estilo “El Zorro” o “Robin Hood” que ya había sido representado en sendos films de 1954 y 1958. El nombre de este personaje es Murasaki Zukin, que en inglés significa (si no me equivoco) “Purple Hood” y que podría traducirse en español (permitiéndonos una leve licencia lingüística) como “El Encapuchado de Lila”. Viendo el cartel pensé en un ninja pero se trata de un samurai extremadamente habilidoso que con su espada trata de hacer justicia y poner a los opresores en su sitio.

El argumento del film es muy similar al de “Zatoichi meets Yojimbo”, con un padre y un hijo situados en una buena posición social y contando con el favor del Shogun, que fabrican monedas con la mitad de oro para quedarse el resto. Las consecuencias directas son la inflación generalizada y el descontento de los más humildes que ahora deberán hacer un sobreesfuerzo para sobrevivir.

Tenemos un buen muestrario de personajes para lo que cabría esperar de un film de este estilo. A parte del protagonista se reserva un papel relevante para Oshisyo, que alimenta y da cobijo a un ronin llamado Ryu. También está el jefe de policía: típico hombre ridículo que persigue al protagonista creyéndole un criminal pero que siempre llega tarde a la escena (hablando del género de héroes es imprescindible). Por supuesto también están padre e hijo de los ladrones de oro (Okitsugu y Okitomo), un anciano oficial de la administración (Kajima), y un magnifico pintor extremadamente feo llamado Hidemaro.

Las apariciones de Murasaki Zukin son muy predecibles y siempre vienen acompañadas de una música muy característica que comienza a ser cansina a partir de la tercera ocasión, convirtiendo el momento en algo cómico (al estilo de las apariciones de la inquisición española en la serie de los Monty Python ). Muy pronto adivinamos quien es el hombre que se oculta tras esa capucha lila, pero eso no plantea ningún problema en el film y además siempre nos queda una cierta incertidumbre.

Pretendía encontrar una película entretenida, pero no me esperaba ni mucho menos la calidad de las coreografías. Nuestro protagonista tiene un manejo sublime de la espada, enormemente rápido y con poses muy parecidas a las típicas de Raizo Ichikawa (en el que no paré de pensar cada vez que le veía luchar). Sus rivales habitúan a colocarse en círculo y se van acercando de dos en dos mientras los demás observan (está bien disimulado, así que se puede perdonar). No hay ni el más leve uso de la sangre, por lo que estaremos hablando durante todo el film de un “estilo elegante”.

Como decía, la película es muy entretenida, con muy buena música (aunque un poco repetitiva) y llevada de una forma bastante lejana a la originalidad. Yo he encontrado exactamente lo que buscaba e incluso un poco más, por lo que mi valoración final es de recomendable.

Forest Of Death (2007)

2007-10-16T05:40:00.001+02:00

Un bosque peligroso
Por Squareta

Este estreno hongkonés comienza frenéticamente, dejando vislumbrar que se trata de una película de Danny Pang. La película se centra en un bosque, lugar famoso porque muchas personas se acostumbran a suicidar allí y porque muchos exploradores experimentados se pierden. Corren rumores de que el sitio, que no es único en el mundo, está encantado.

La historia se divide en tres grandes grupos. El primero es de unos botánicos que están experimentando con plantas, tratando de ver las reacciones de éstas. El segundo es de un programa de televisión que se centra en fenómenos paranormales ocurridos en el bosque. La animadora de este programa es la pareja de uno de los investigadores. Finalmente, está una detective investigando un asesinato, el que no se puede comprobar por falta de pruebas. Todos ellos tienen como punto en común el bosque.

El manejo de la historia es un poco traicionero, pues nos promocionaron este film como cinta de horror pero éste no está presente. La cinta tiene principalmente drama y hasta un poco de ciencia ficción.

Lo rescatable de ella es el manejo de los recursos, que logran mantener la historia a flote durante todo su transcurso. El lado técnico está bien, con algunas escenas muy bien logradas y actuaciones convincentes, de parte de Qi Shu y de los actores (y a veces cantantes) Ekin Cheng y Rain Li. Sin embargo, muchas escenas más que dramáticas, parecían irrisorias y otras tantas eran muy predecibles.

“Sum yuen”, que es su título original, no ha sido de mi agrado. La cinta no aburre ni decae pero tampoco logra enganchar. Los hermanos Pang, ya sean juntos o separados, cada vez me están decepcionando más. Si me preguntan, yo no se las recomendaría.

Bad Guy (2001)

2007-10-12T08:25:00.001+02:00

Good Movie
Por Master of Hate

“Bad Guy” es sin duda uno de los trabajos de Kim Ki-duk más difíciles de asimilar y, sobretodo, apreciar. Si bien este director es capaz de crear un continuo desfile de imágenes que se transforman en poesía visual, sería un error encasillarlo como un director que se limita a crear belleza o simbolismos. Su carrera, y sobretodo sus primeros trabajos, acaparan un espectro más amplio y van mucho más allá que deleitar los sentidos con sutilidad y profundas melodías. Es por eso que si queremos ver al “verdadero” y más “completo” Kim ki-duk, no queda más que aventurarse a visionar sus trabajos menos conocidos y más controversiales.

“Bad Guy” es un ejercicio de trasgresión cinematográfica que yuxtapone violencia y hermosura del modo más intrincado que uno pueda imaginarse. La historia sigue los pasos del silencioso Han-ki, quién, al parecer, sin más razón que su maldad y deseos de venganza, trasforma en un infierno la vida de una bella joven llamada Sun-hwa. Han-ki, haciendo uso de un método realmente cobarde, la convierte en una prostituta y la sumerge en un mundo amargo y cruel. Durante el proceso, el personaje de Han-ki se desarrolla ampliamente y aunque su crueldad y malicia no son del todo justificadas, es posible darse cuenta de que en él hay algo más que un sucio proxeneta sin sentimientos.

El error garrafal que muchos se verán tentados a cometer es creer que el estilo que define a Kim Ki-duk sea lo que mostró en “3-Iron”; es decir, el tipo de historias que se desprenden de la violencia, de la crudeza y de lo mundano. No cabe duda que en el caso de “3-Iron”, el resultado fue soberbio, pero es sólo una de las facetas que el director decidió mostrar. Es una suerte que no se haya encasillado y que su estilo le permita explorar amplias posibilidades sin tener que copiarse a si mismo. En lo que concierne a esta “Bad Guy” tiene obviamente más reminiscencias de sus primeros trabajos, pero no por esto deja de ser representativo y fascinante.

Hablando de lleno sobre la película, me inclino a pensar que el personaje de Han-ki, excelentemente interpretado por Jo Hae-hyon (“The Romance” “Hanbando”) tiene sus orígenes, o al menos se basa parcialmente en el personaje de Hong-san de “Wild Animals” (segundo filme del director). La actitud de Han-ki bien puede ser catalogada como mero voyeurismo, pero por lo general estos personajes tienen gran independencia, son imprevisibles y se alejan considerablemente de los estereotipos. Hay mucho de su comportamiento que tiende a simplificarse, y de allí el poco sentido que, precipitadamente, se atribuye a su accionar. Kim ki-duk trabaja a un nivel más profundo y a donde apunta verdaderamente es a los problemas de comunicación, y la inhabilidad de expresar sentimientos; de esto modo, el cristal no es más que una barrera temporal que simboliza esta incapacidad que tiene sus personajes de poder comunicarse adecuadamente. Así mismo, hay que tener en cuenta que es costumbre del director centrarse en sujetos con “traumas” que por lo general nunca se desvelan del todo.

En cuanto a temas, no se toca nada nuevo, lo que si se hace es tratarlo de manera distinta. La prostitución es un tema recurrente en la filmografía del director, pero no siempre se trata de modo directo y obvio como en “Bad Guy”. Así mismo, dudo que la intención sea denunciar la prostitución y los abusos (más aún sabiendo qué piensa el director de esta profesión). Lo que sí pareciera más elocuente es ver todo un tanto alejado, sin tratar de definirlo todo, sin tratar de buscarle sentido a lo que aparentemente no lo tiene. Muchas de las acciones, sobretodo la transformación de Sun-hwa, pareciera salirse de todo límite de razonamientos. Es demasiado tarde como para buscarle el sentido a este tipo de cosas, sabiendo la predilección que tiene Kim Ki-duk por dejar grandes vacíos en sus películas, para que se llenen del modo que uno desee. Es quizás más fácil hallar sentido en finales ilógicos pero hermosos, que en los finales ilógicos pero tristes (así es el subconsciente).

Cinematográficamente, el largometraje tiene sus momentos de belleza estética, pero inyectados con menor consistencia y sin esa presencia apabullante de otros trabajos. Es de suponer que esto no se debe a la incapacidad de crear belleza estética (sólo hay que ver “The Isle”) sino a un mayor énfasis en los personajes y no tanto en su entorno. Por otro lado, hay una gran cantidad de simbolismos y contradicciones, “cosas” que dejan una ventana abierta a suponer muchas otras, es decir, en muchos aspectos, sigue siendo un filme con la estampa del cine característico del director. La música tiene un sabor muy particular ya que se incluyen algunos cortes en italiano que desde luego encajan perfectamente con el tono triste y, a veces dolorosos, de de algunas escenas.

Estamos ante un retrato de sentimientos extremos que se distorsionan y se desdibujan constantemente. Es realmente complicado encontrar belleza dentro de la violencia y lo banal, pero Kim Ki-duk ha sido capaz de conseguirlo en cierta medida. Personalmente veo a “Bad Guy” como un film que está a la altura de cualquier trabajo emblemático que haya hecho el director. Muchos extrañan el cine crudo y agresivo que lo caracterizó antes de darse a conocer masivamente; pero no dudo que la dirección que la dirección que tome en sus próximos proyectos, rescate esa rebeldía y ese anarquismo que tan bien ha sabido manejar. Por ningún motivo esta poderosa y brillante “Bad Guy” deja de ser un filme recomendable, por el contrario, su visionado es casi una obligación para todo aquel que quiera ver de lo que es capaz este director cuando decide incorporar algo más que bellas imágenes y lirismo.

Iga no Kagemaru (1963)

2007-10-11T04:49:00.001+02:00

Kagemaru vs Los 7 de Koga
Por Fingolfin

“Kagemaru of the Iga Clan” está dirigida por Noboru Ono y basada en un comic bastante famoso en su época. Su corta duración y la sencillez aplastante del argumento son las que combinadas dan la impresión de que el film sea un episodio de una serie más que una película completa.

Ieyasu Tokugawa se encuentra con sus hombres de confianza en Sakai mientras Mitsuhide avanza en su intento de conquistar el país. La única vía de escape que tiene es pasar por Iga y contar con la protección de sus ninjas hasta Hamamatsu, atravesando previamente el valle del infierno.
Por otro lado el pueblo de Iga sufre el ataque de los 6 guerreros Koga y su jefe, siendo exterminados todos salvo una mujer, dos niños, y Kagemaru. Tras la muerte de su padre será este último quien deba proteger a Ieyasu.

En las películas de este estilo siempre me gusta hacer un repaso por los enemigos, que después de todo serán los principales responsables de que el resultado sea bueno o malo. Por un lado está Hansuke, que lanza un vapor venenoso por la boca que mata a sus enemigos, Jubei es un fenomenal lanzador de cuchillos, Inumaru es una mezcla de hombre y animal, Kumomaru lanza telarañas que atrapan a sus adversarios, Handayu crea ilusiones con sus sonidos, Gorobei lanza granadas explosivas y el jefe Amenojaki posee varios poderes relacionados con el fuego.

La referencia que hacía al parecido del film con un episodio se ve reforzada por la presencia de una introducción y un ending donde suena una canción infantil sobre Kagemaru, el ninja de Iga, mientras se suceden una serie de escenas en dibujos animados. Además, la película aparenta la presentación de algo; me recuerda en cierto modo a la primera de “Lone Wolf and Cub”, cuando se presentaban los personajes que se enfrentarían durante toda la saga (he leído que en el comic, Amenojaki es el archi-enemigo de Kagemaru). A pesar de todo no me consta la existencia de continuaciones para este film.

La película está plagada de efectos especiales (algo habitual cuando hablamos de ninjas). Algunos son realmente espectaculares hablando de 1963, como los del fuego, las granadas, el vapor, las estrellas ninja, los teletransportes…etc, casi todos conseguidos jugando con el cambio y la congelación de fotogramas.

Las coreografías son buenas, casi todas con cámara fija y muy al estilo ninja. Esto quiere decir que se resuelven de un solo golpe, aunque para alcanzarlo haga falta un largo combate. Favorece al espectador el hecho de que sus enfrentamientos con los 7 adversarios están separados en el tiempo, por lo que podemos disfrutarlos uno por uno.

Hay que destacar el personaje de Ieyasu Togugawa, mitificado por muchos y una leyenda para casi todos nosotros que inspira respeto con solo oír su nombre. En la película aparece desvirtuado incluso hasta el punto de resultar ridículo en ocasiones. Se muestra muy accesible, llegando a vivir una pequeña aventura mano a mano con Kagemaru, concediéndole incluso la autoridad en escena.

Se trata de una película de muy corta duración (69 minutos), con un argumento muy simple y asequible, que no pretende otra cosa que mostrarnos una historia bonita y entretenida. Los amantes de los ninjas la disfrutarán especialmente, y quizás traiga recuerdos a los lectores del comic.

Apartment 1303 (2007)

2007-10-10T03:30:00.001+02:00

¿Dónde he visto esto?
Por Squareta

Apartment 1303 es lo último que nos llega del director Ataru Oikawa, conocido por estos lugares por haber dirigido películas no muy bien calificadas, como alguna de las “Tomie” y “Tokyo Psycho”. Basta este detalle para bajar considerablemente las expectativas a la cinta.

Pero dentro del nivel esperado, podríamos desenvolvernos con más confianza. La historia es bastante simple, todas las mujeres que residen en el departamento 1303 de cierto edificio cometen suicidio, en extrañas circunstancias.

Para mostrarnos dicha historia, nos ponen en escena a la hermana de una de las chicas que se ha suicidado en aquel edificio. Ella debe afrontar, además de la gran pérdida, la reacción de su madre ante los hechos. Dentro de los personajes tenemos también a un investigador que busca la relación entre todos los suicidios cometidos en el lugar, un propietario inescrupuloso y uno que otro personaje misterioso, casi infaltables en este tipo de cintas.

La cinta juega con los sustos fáciles y es probable que a algún desprevenido le logre sacar un par de saltos. El modo en que se desarrolla la trama es mostrando el presente e ir enlazándolo de a poco con el pasado, eso sí, de una forma muy peculiar. La calidad de los efectos no está muy pulida y muchas escenas traen reminiscencias a ciertos clásicos del género (obviamente sin llegar al mismo nivel), dando un film globalmente aceptable.

Con todo esto, “Apartment 1303” se muestra como otra cinta de terror que se deja ver, pero que a la vez deja con poco sabor en la boca. No recomendada para quienes se inician en el género, pero quizás de lo mejor que nos ha llegado de Ataru Oikawa

Seducing Mr. Perfect (2006)

2007-10-09T05:51:00.001+02:00

Olvidando a Mr. Perfect
Por Master of Hate

Al terminar de ver esta película me he dado cuenta de que Uhm Jung-hwa (“Mr. Handy”, “My Piano”) no ha aparecido en ninguna película realmente buena desde aquella “Marriage is a Crazy Thing.” Pero una cosa es que haya aparecido en cintas regulares o aceptables y otra es que aparezca en una rematadamente mala (al menos así me ha parecido). De principio a fin me he encontrado a punto de interrumpir el visionado de “Seducing Mr. Perfect” para ver cualquier otra cosa y es que si no lo hice fue porque esperaba que al menos el tema de los créditos finales fuera agradable. Qué no se me malinterprete, no tengo nada en contra de las comedias románticas, pero hay casos en los que no es posible rescatar absolutamente nada.

El argumento, que ya sonaba poco prometedor, trata sobre Min-joon, una mujer que tiene problemas para mantener sus relaciones sentimentales y que siempre termina siendo abandonada por su novio de turno. A la compañía en donde trabaja llega Robin (Daniel Henney) un importante ejecutivo de ascendencia coreana y que ha vivido en los EEUU por mucho tiempo y que llega para hacerse cargo de un gran proyecto. Por motivos de trabajo, Min-joon y Robin tienen que pasar mucho tiempo juntos; y gracias a esto, desarrollan una relación conflictiva, pero a la vez de empiezan a sentir un interés que va más allá de la amistad.

Pues bien, lo único que puedo decir es que el título es bastante literal, lo que tenemos es un tipo que sólo habla ingles y es “perfecto” y una mujer que intenta seducirlo. Ahora, por más sencillo que esto suene, podría valer la pena si al menos fuera cómica, ya que la parte romántica es en donde menos han hecho el gasto. Es probable encontrar peores argumentos que éste y aún así disfrutar de la película sin ningún problema. Pero esta vez no es posible, “Seducing Mr. Perfect” probablemente podría hacer dormir a las ovejas.

Kim Sang-woo empieza su carrera como director con pie izquierdo. Amigos y amigas, sería sabio dejar pasar este trabajo y poner los ojos en alguna otra comedia romántica, que esta es de las que menos tienen que ofrecer.

Gate of Hell (1953)

2007-10-08T06:31:00.001+02:00

Ciego de amor
Por Fingolfin

“Jigokumon” (título original) fue la primera película japonesa rodada a color, 2 años antes de “Tales of the Taira Clan”, que en su momento dije que era la mas antigua que conocía fuera del blanco y negro. No solo es famosa por eso, sino que tras la 2º Guerra Mundial fue también la primera película japonesa mostrada en Estados Unidos.

El director es Teinosuke Kinugasa, al que solo conozco de “Kuruta Ippeji” (no la he visto, pero está comentada en este foro). El cartel de actores es más conocido, con Kazuo Hasegawa a la cabeza, al que nunca podré desligar ya de su papel protagónico en “An actor´s Revenge”.

La película parte de la revuelta conocida como Guerra del Heiji (por el año en que tuvo lugar), donde Minamoto y Nobuyori atacaron al emperador y su familia en el templo de ltsukushima. Durante la batalla, un soldado salva la vida a Kesa, la cortesana que se ofrece a ocupar el lugar de la hija del emperador para facilitar su huida. Desde ese momento queda enamorado de ella.
Cuando el incidente es subsanado, el emperador concede una serie de peticiones y regalos a los más valerosos de la guerra, entre ellos el soldado antes mencionado cuyo nombre es Moritoh. Su deseo desconcierta a todos, ya que pide la mano de Kesa, enterándose en ese momento de que está casada. Su exigencia es rechazada, pero no quedará contento con eso.

Ciertamente cuando alguien tiene una habilidad narrativa tan estupenda, las cosas se ven de una manera muy diferente. La historia comienza con una breve introducción mostrando dibujos de época sobre el evento (algo bastante habitual), creandonos rápidamente una base sencilla y rápida sobre el momento histórico donde nos encontramos: año 800.

Si digo la verdad, desconociendo el argumento del film, quedé bastante sorprendido de que finalmente fuera una historia de amor trágico, sobretodo después de que arrancara en un incidente bélico. Como suele ser costumbre tenemos un triángulo amoroso, pero lo que lo hace especial es el papel de cada uno de los 3 componentes.

Por un lado está Moritoh, que representa un honorable y valeroso soldado capaz de enfrentarse a su hermano por defender su lealtad al emperador. Su honor solo queda detrás de su amor, ya que desde que conoce a Kesa se enamora locamente como atrapado por un hechizo que no se romperá hasta que uno de los dos muera.
En el otro lado está Wataru, el marido de Kesa. Se encuentra en este triángulo de manera totalmente involuntaria, por lo que es la mayor víctima de todos. Demuestra una seríe de valores que contrastan con los habituales de la época, destacando su actitud bondadosa y amable con su esposa. A pesar de tener un rango mucho más elevado que el de Moritoh, nunca le desprecia, ni siquiera después de saber que ama a su mujer.
Finalmente en el centro está Kesa, terriblemente avergonzada por el acoso de Moritoh. En ningún momento le da la más mínima esperanza, y se mantiene fiel a su marido (en contra de lo que podía esperarse).

Como ya dije algunas lineas arriba, cuando alguien tiene habilidad narrativa cualquier historia puede encantar al espectador. El director no solo goza de ese don, sino que además se basa en una obra del escritor Kan Kikuchi (siglo XX), que según he podido leer proviene de una historia mucho más antigua aún.

Una de las más grandes y famosas obras del cine japonés, que por su importancia histórica y su calidad debe ser vista por todos los amantes del cine clásico.

The Wolves (1972)

2007-10-06T18:45:00.001+02:00

Al salir de la carcel
Por Fingolfin

Con el título original de “Shusso Iwai”, esta película fue el trabajo de Hideo Gosha que siguió a la afamada “Tenchu”. Se trata de una apuesta de calidad, muy original, y en mi opinión diferente a todos sus otros films del género. Los encargados de dar vida a sus personajes son actores de la categoría de Tatsuya Nakadai, Tetsuro Tamba, y Komaki Kurihara.

3 hombres y una mujer son liberados de la cárcel allá por el Japón de 1920, tras la amnistía concedida por el gobierno. Cada uno de ellos regresa a la banda de la que formaba parte, pero a su vuelta muchas cosas han cambiado. El matrimonio entre la hija del difunto jefe de la banda Enokiya y el jefe de la banda Kannon está apunto de unir a ambos clanes en contra de su rivalidad tradicional, para poner fin así a su enfrentamiento y evitar más masacres inútiles.

La temática central del film gira entorno a la traición y la venganza. Demasiados años han pasado enfrentadas estas dos bandas y demasiada gente ha muerto, para que en un solo día queden unidas como si nada hubiera pasado. En un principio la unión y el matrimonio son aceptados por todos, pero es precisamente el desencarcelamiento de estos 4 personajes el que resucita las rencillas del pasado. He aquí la llegada de la venganza, ya que Iwahasi (uno de los ex-presidiarios) fue el asesino del difunto jefe de la banda Kannon, lo que le convierte en el principal objetivo.
La traición tardará en entrar en escena, y es precisamente ese tiempo intermedio el que llega a convertir al film en un pequeño thriller, con bastantes misterios entorno a la mano negra que maneja la situación.

La historia se desarrolla con una lentitud aplastante, pero a diferencia de otras ocasiones, es una lentitud que incita a la expectación y no a la desesperación. Los colores son muy apagados tanto en los escenarios como en los propios personajes, creando un brutal contraste cuando aparece el mar o el cielo, obligando incluso al espectador a entornar los ojos.

La acción es muy escasa, pero uno de los puntos fuertes del film. Al principio aparecen un par de luchas con escasa iluminación y donde apenas se alcaza a ver algo. Después de eso prácticamente perdí la ilusión por ver buenos combates, y gracias a dios me equivoqué por completo. Cuando los cuchillos entran en escena se produce un espectacular despliegue de escenas desgarradoras, haciendo que las muertes sean lentas y reales. En algunas de ellas se elimina el sonido y se deja solo una musiquilla de tambores, que adaptando su velocidad a la de la escena produce la impresión de que es más larga aún.

La actuación de Tatsuya Nakadai como Iwahasi está entre las 3 mejores que le he visto jamás. Se adapta al papel como si lo hubieran creado exclusivamente para él, interpretando con enorme expresividad y naturalidad. Después de ver algo así es cuando a uno le vuelven las dudas ¿Mifune o Nakadai?

A pesar de sus 130 minutos de duración, es una historia de las que conquistan, creando un ambiente realista y atrapador de los que no te importaría pasar el día entero delante del televisor. Si desde siempre he sido muy critico con los films de Hideo Gosha, al fin he encontrado una película suya que verdaderamente considero “obra maestra”.

A Cruel Attendance (2006)

2007-10-05T05:38:00.001+02:00

Deudas que se pagan
Por Master of Hate

No puedo ocultar mi admiración por el actor Kim Su-ro quien tiene una larga trayectoria, aunque en su mayoría han sido papeles secundarios. No cabe duda que su fuerte es la comedia, pero también ha demostrado talento para incursionar en otros géneros; además, últimamente ha tenido la oportunidad de ser protagonista de dos filmes: “Vampire Cop Ricky” y el que comentaré a continuación, en el que hace dupla con Lee Seon-gyoon (“The Customer is Always Right”).

Dong-chul, un tipo relativamente normal, se halla en un gran problema ya que, debido a inversiones poco inteligentes, ha perdido grandes cantidades de dinero que pidió prestado. El usurero con quien Dong-chul contrajo la deuda es un hombre cruel y despiadado por lo que debe pagarle los intereses mensuales con gran puntualidad. Sin embargo, la suma es tan grande que Dong-chul se ve obligado a hacer todo tipo de sacrificios a costa de otra gente para no fallar. Cuando la situación parece habérsele ido de las manos, Dong-chul, junto a Man-ho, que es otro desdichado que no puede pagar su deuda, deciden secuestrar a una joven millonaria y obtener un rescate que les permita salir de sus crisis. Lo que nadie sospecha es que alguien ha estado siguiendo de cerca sus movimientos y que pronto les dará una gran sorpresa.

Por suerte “A Cruel Attendance” es justamente lo que esperaba: una película con una buena trama, intriga, comedia, drama, todo mezclado con la suficiente sutilidad para construir una cinta muy convincente. La adecuada dirección de Kim Tae-yun la dota de una gran fluidez y buen ritmo de principio a fin. Así mismo las buenas actuaciones resultan otro de los grandes atractivos que ofrece su visionado. Mención aparte se merece la efectiva y sensacional banda sonora.

El único problema que algunos pueden encontrar es el giro repentino que da la cinta cambiando repetidamente su tono cómico por uno dramático y viceversa. En todo caso, esa es la tendencia que predomina en muchas de las cintas coreanas, así que personalmente, siempre y cuando se tenga el tino suficiente para hacer que la transición no se vea forzosa, es una alternativa muy acertada. Pero tampoco se trata de nada nuevo, y es que creo que la mayoría conocerá la preferencia de muchos directores por este (a veces) bien empleado esquema; de hecho lo he sacado a relucir sólo para prevenir a quienes apenas empiezan sus andanzas por el cine coreano.

No quiero revelar más sobre esta cinta, pero lo cierto es que me parece un excelente largometraje, de esos que por lo menos entretienen y están por encima de la media. Así mismo, se agradece que haya un poco de variedad en una cinematografía saturada de comedias románticas y cintas de gángsteres, y es que ¿por qué no secuestradores?

A Slit Mouthed Woman (2007)

2007-10-04T06:09:00.001+02:00

Leyendas urbanas
Por Squareta

La cinta que nos convoca en esta ocasión trata sobre la leyenda de un pueblo en Japón que dice que una mujer con la boca cortada se rapta a pequeños niños y luego desaparece sin dejar rastro. Este film, también conocido como “Carved” viene bajo la dirección de Kôji Shiraishi, el mismo que ha dirigido cintas como “Noroi” y “Ju-rei”.

Puede pensarse como una cinta con una línea que busca asustar sólo a los más pequeños, pero lo que comienza como una película de horror cliché pronto tomará otros matices, los que incluyen temas como el maltrato infantil y el pánico colectivo que pueden ocasionar los rumores.

Dentro de los protagonistas, y obviando a nuestra villana, tenemos a dos profesores de la escuela del lugar. Ambos se sienten identificados de distinta manera con la mujer de la boca cortada y son los encargados de ponerle las pequeñas cuotas de drama (y de trama) a la historia.

Como película de terror no es muy efectiva y creo que no tiene ningún minuto que realmente ponga los pelos de punta. El elemento más terrorífico es la apariencia de la villana, la cual además de poseer la cara deformada ataca con una filosa tijera y que parece tan letal como imparable.

La película de por sí es bastante irreal y por lo mismo cuesta creer lo que está pasando. Si a esto le sumamos las situaciones demasiado extrañas le quitaremos casi toda la credibilidad. A modo de ejemplo, algo muy frecuente y a la vez molesto era el hecho de que cuando la mujer atacaba, la gente en vez de arrancar o defenderse se quedaba inmóvil y sólo se prestaba a mirar cómo la villana hacía de las suyas.

Quien haya visto obras anteriores de Kôji Shiraishi sabrá que no puede esperar grandes cosas, la película está lejos de ser una nota alta del cine de horror y la calidad técnica deja mucho que desear. En resumen, a “A Slit Mouthed Woman” es una película promedio, que si bien se deja ver no aportará con nada interesante para quien lo haga.

Kunoichi: Lady Ninja (1998)

2007-10-03T06:19:00.001+02:00

Poderes ocultos
Por Fingolfin

Antes de empezar conviene aclarar que “Kunoichi: Lady Ninja” no es la segunda parte ni guarda relación alguna con “Kunoichi: Deadly Mirage”, que data del año anterior. He de reconocer que mis expectativas estaban bastante altas, por lo que no es de extrañar que haya salido en parte decepcionado. La película es algo bastante bizarro que solo soy capaz de comparar con “Samurai Reincarnation”, pero con un nivel gore bastante elevado en algunas partes.

7 asesinos trabajando para el señor de Aizu irrumpen en un convento y asesinan a cuantos hombres y mujeres encuentran en una brutal masacre. Solo 7 monjas se salvan gracias a la intervención de la dama Sen, que una vez fuera esposa de Hideyoshi Toyotomi. Desde ese momento la misión de las mujeres será desarrollar sus poderes ninja y cobrar venganza, contando para ello con la ayuda de Jubei Yagyu.

La escena inicial de matanza es realmente impresionante, llena de sangre (al viejo estilo de los chorros desproporcionados), mutilaciones y cabezas cortadas. Posteriormente estas exageraciones se van reduciendo y apareciendo solo en momentos muy concretos de la película.

La acción es desastrosa, con un estilo puramente norteamericano para rodar los combates, repletos de primeros planos y tomas desenfocadas que solo buscan transmitir sensación de velocidad y no dejarte ver las coreografías (lo que las hace inexistentes). Se hace un uso bastante abundante de cuerdas y otros efectos especiales que aunque no llegan a ser ridículos no tienen demasiado éxito.

El espectador tendrá la oportunidad de soltar unas cuantas carcajadas como ante la mejor de las comedias cuando vea algunas escenas muy peculiares. Tal es el caso de una pareja haciendo el amor mientras el hombre para flechas con su espada y se mueve velozmente esquivándolas con la mujer agarrada. El resto de “comicidad” se lo llevan los ataques especiales ninja, donde podremos destacar unos rayos que lanza una de las mujeres desde sus pezones y el poder de otra que es capaz de absorber energía y devolverla a través de sus partes bajas…

Lo mejor del film es la caracterización de los personajes. En el bando de los “buenos” tenemos al habitual Jubei Yagyu con su parche en el ojo y su enorme habilidad, a las 7 kunoichi con varios desnudos casuales, y a un monje que los dirige. En la otra parte del tablero hay 7 luchadores especializados cada uno en una habilidad, destacando al mejor de todos ellos con un atuendo espectacular y un excentricismo parecido al de Bijomaro Mogami en “Azumi”. El señor de Aizu es un perturbado que colecciona mujeres y las roba de sus familias comportándose como un autentico desquiciado.

Si fuera critico de un festival de cine y me preguntaran que qué me pareció “Kunoichi: Deadly Ninja” diría que es digna de tirar a la basura. En cambio si lo hiciera un amigo lo que le garantizaría al menos son 105 minutos de entretenimiento, mujeres semidesnudas y alguna carcajada.

D-Wars (2007)

2007-10-02T05:03:00.001+02:00

Un Espectáculo sin historia
Por Master of Hate

La expectación que había despertado esta cinta no era poca, y es que con el cine coreano aún cosechando algunos frutos después de su gran explosión, este filme no hacía más que explorar nuevas posibilidades fuera del mercado domestico. Los referentes eran pocos y no muy alentadores; en mi caso, había visto Yonggari, la anterior película de Shim Hyung-rae que prácticamente fue una incursión en el Kaiju Eiga japonés. No estuvo mal para ser una película de serie B, no obstante, jamás la recomendaría en serio, salvo como curiosidad para amantes de las rarezas.

Lo que D-wars puede ofrecer se limita a dos elementos: Efectos especiales y algunas carcajadas. La historia, que seguro debe conocer todo mundo, no tiene relevancia alguna (una chica, con la ayuda de un joven, escapa de una serpiente gigante y sus secuaces) sirve únicamente como herramienta para que el director pueda desplegar su arsenal de efectos especiales. En lo que respecta al humor, está presente en algunas escenas que sí tienen la intención de hacer reír, y en otras en las que las malas actuaciones también terminan siendo risibles.

La película pareciera estar orientada a un público muy joven y a quienes gustan de los bluckbusters, por lo que quienes esperan algo más, se llevarán un balde de agua fría. Dragon Wars es básicamente una típica producción de Hollywood, con una pequeña etiqueta que dice “hecho en Corea” de no ser por eso nadie se imaginaria su origen, incluso los diálogos en coreano, pasan bastante desapercibidos. Si bien la historia es bastante simple, la manera de desarrollarla es lo peor que se le pueda hacer a esta película; llena de incoherencias y con poca fluidez.

Las actuaciones también son motivo de descontento, aunque si nos remitimos a algunos otros trabajos coreanos con actores extranjeros, no es la primera vez que ocurre; no son horrorosas, pero si pudieron ser mejores. Los diálogos son bastante limitados y se confabulan con los abundantes clichés para seguir echando por la borda las esperanzas de disfrutar de la película.

Finalmente, los efectos especiales, que son sin duda la esperanza de muchos, tienen un espacio importante y es en donde al parecer el director deposita todas sus esperanzas. En general, se nota que hay un gran trabajo detrás de los CGs, hay que reconocer que la película tiene mucha acción, y que los monstruos legendarios que destruyen media ciudad se sienten muy reales. En este apartado, el director ha superado con creces mis expectativas, pero así mismo, es necesario tener en cuenta que Hyung-rae no inventa nada nuevo, simplemente ha emulado a las grandes producciones y que ha conseguido ponerse muy cerca en cuanto a los efectos especiales.

El sabor que deja D-Wars es bastante malo, sus potentes CGs no consiguen compensar un limitado guión, una historia simple, y unas actuaciones que apenas llegan a decentes.

The Closet (2007)

2007-10-01T03:10:00.001+02:00

Los errores de la vida
Por Squareta

Producción hongkonesa estrenada este año con el nombre Yi Gui Jing Hun y bajo la dirección de Dick Cho. Aquí nos muestran la vida de Fred, un mago que después de estar al borde de la muerte decide irse a descansar a un lugar más tranquilo al lado se su fiel novia. Pero el desconocido lugar posee un par de misterios que no los dejarán estar en paz.

Siendo bastante franca tengo que advertir que la historia no se podría adentrar en sus primeros minutos. Y que la sinopsis descrita un poco más arriba tampoco ayuda a visualizar mucho a la trama. Decir de que se trata esta película es tan difícil como lograr verla completa, principalmente por la falta de unión que presenta. La película tiene terror, suspenso y drama pero no logra completar ninguno de estos géneros dando como resultado una cinta sin sentido, con una trama tan incoherente como aburrida.

Los personajes no logran ser creíbles pues sus acciones son casi siempre de lo más absurdas, las apariciones fantasmales son tan típicas que a este punto ya resultan cansinas y ni siquiera los tétricos decorados con los estridentes sonidos logran asustar. Por otro lado el drama tampoco está muy desarrollado. Aquí nos muestran los sufrimientos de las distintas parejas y también el pasado de Fred, pero todo esto no converge hacia ningún punto, creando historias sueltas que no conmueven a nadie.

Estuve esperando mucho tiempo que lograra repuntar, pero cada vez iba tocando más el fondo. Definitivamente no se la recomendaría a nadie, ni siquiera a los más fanáticos de este tipo de cine.

Hwangsanbul (2003)

2007-09-29T15:38:00.001+02:00

¿Hora de luchar o reír?
Por Master of Hate

Luego del rotundo éxito que supuso el estreno de “The King and The Clown” en las salas de cine surcoreanas, el interés por el director Lee Jun-ik se ha vuelto enorme. Su filmografía esconde un trabajo previo al mencionado éxito taquillero. Se trata de la cinta Hwangsanbul que no he podido dejar de lado, esperando encontrar algo de la magia que Lee Jun-ik supo plasmar en su siguiente filme.

La historia es bastante compleja ya que al parecer esta basada en hechos históricos reales que tuvieron lugar en el siglo V de lo que actualmente es Corea. Entonces existían 3 reinos: el de Baekche, Koguryo y Shilla. Los tres se hallan en conflicto, pero independientemente de sus problemas, tienen que pagar tributo al imperio Tang de China. Finalmente la guerra se declara y Shilla conjuntamente con el imperio Tang deciden atacar al imperio Baekche que no está en condiciones de afrontar semejante batalla. De todos modos el Rey de Baekche manda a llamar a su mejor hombre y líder de sus tropas para que con 5 mil hombres detenga el avance de los 50 mil que vienen dispuestos a acabar con ellos.

La cinta es una mezcla de drama épico, comedia y sátira. Si pensamos en lo que Lee Jun-ik hizo en “The King and The Clown” probablemente no nos sorprendamos por el tono cómico que impuso en su primera cinta, pues me inclino a creer que “Hwangsanbul” es en parte una gran sátira de ese capítulo de la historia coreana. Tampoco sorprende el hecho de que el tono de la cinta no se defina claramente, ya que hay escenas que se manejan con mucha seriedad, pero así mismo ocurren situaciones muy desconcertantes y poco elocuentes, diálogos absurdos y hechos disparatados. Lo que ocurres es que aquí la mezcla de géneros es un poco dispareja y no fluye tan fácilmente y por ende se hace un poco dura de digerir.

La cinta me ha generado sentimientos encontrados, pues a pesar de que hay partes cómicas que funcionan bastante bien, el cambio final hacia un melodrama trágico e intenso me ha hecho pensar que de haberse mantenido ese tono desde el principio hubiésemos estado ante un film comparable a grandes cintas coreanas como “Musa” o “Bichunmoo.” Sin embargo, lo que tenemos en un film cuyo tono cambia demasiadas veces y termina creando desconcierto en el espectador.

A pesar de la notable actuación del conocido Park Joong-Hoon (“Les Formidables”), una excelente musicalizacion, y una gran producción. “Hwangsanbul” no llega a ser una cinta que pueda recomendar ciegamente a cualquiera. Si bien tiene el toque de Lee Jun-ik, no significa que estemos ante una cinta fácil, accesible o directa. Así que si planean verla, estén preparados para más de una sorpresa.

The Haunted Apartments (2005)

2007-09-28T07:07:00.001+02:00

Espíritus del pasado
Por Squareta

Un hombre ha decidido mudarse a unos antiguos departamentos junto a su hija, Aimi, luego de que falleciera su esposa. En el nuevo lugar los reciben de muy buena manera todos los inquilinos, llegando a ser extraña la excesiva hospitalidad. Y es que no todo podía ser tan bueno, pues pronto conocerán las extrañas reglas del lugar y las terribles consecuencias si no las cumplen.

The Haunted Apartments es la primera adaptación de larga duración de los productores de la popular serie de horror japonesa “Tales of Terror”, basada en hechos reales recogidos por todo el país y que es adaptada de los trabajos de Hirokatsu Kihara y de Ichirou Nakayama. Esta cinta está dirigida por Akio Yoshida, quien ya había trabajado con las obras de Kihara y Nakayama en la película “Tales of Terror”, que es una recopilación de cortometrajes del estilo mencionado previamente. De esto no sorprende que esta película sea también conocida como “Tales of Terror: The Haunted Apartments”.

Es sólo cosa de leer el título para comprender de qué se trata la historia. El departamento al que se van a vivir los protagonistas parece estar poseído por fantasmas. Sobre los motivos de ello no se deberá esperar mucho pues en los primeros minutos nos revelan el grueso de la historia. Ahora bien, por una parte eso le quita el suspenso a la cinta pero por otro lado cambia el panorama y vuelve el motor principal a las reglas del departamento y las vidas que están en juego. Su desarrollo mezcla un poco de drama y el terror, pero este último con muchos tintes de humor, lo que a veces la hace más cómica que terrorífica. Sorprende gratamente que una simple historia se mantenga a flote durante todo su transcurso y que incluso nos sorprenda con los vuelcos de la historia, sobretodo en sus últimos minutos.

La verdad es que me esperaba mucho menos cuando leí las semejanzas con “Tales of Terror”, pero para mi suerte eso no fue así, ya que esta cinta cuenta con un mayor presupuesto y una historia mejor montada con respecto a la otra. Dando una mirada más objetiva “The Haunted Apartments” es una película que no deja de ser de esas para pasar el rato, con mucho terror absurdo que algunos pueden amar como otros odiar, pero si me pidieran mi punto de vista yo le daría una oportunidad, porque tomando en cuenta lo anterior, resulta una buena instancia para reírse un poco con películas a las que les falla el argumento, pero que extrañamente llaman la atención.

Kunoichi: Deadly Mirage (1997)

2007-09-27T22:09:00.001+02:00

La cabeza de Senshiro
Por Fingolfin

La película que tratamos hoy vuelve a la tónica de combinar monstruos, chambara y escenas subidas de tono en una historia sin demasiado sentido y que solo busca entretener al espectador. El director es un perfecto desconocido y los actores no destacan especialmente.

La trama gira entorno a una carta redactada por el Shinsengumi donde se supone que explican su plan de incendiar Kyoto y dar un golpe de efecto contra el emperador. Los Satsuma intentan encontrarla a toda costa mediante las ninjas del clan Hiryu, pero la carta se mantiene en poder de Senshiro, cuyo paradero es desconocido y al que solo acompaña una chica locamente enamorada de él.
Sucede que cuando los Shinsengumi le encuentran y lo matan, el dolor de la chica es tan fuerte que un sacerdote utiliza sus poderes para resucitarle, aunque las cosas no salen como esperaba y lo que trae al mundo es un monstruo dominado por…la cabeza de Senshiro.

El comienzo de la película se puede catalogar incluso de interesante. Aparece un atractivo enfrentamiento entre mi milicia favorita (los legendarios Shinsegumi) y las Kunoichi. El nombre de “Kunoichi” es el que se utiliza para nombrar a las mujeres ninja, que en aquella época eran consideradas prácticamente con el estatus de “hombre”. Su ideología era que ninguna de ellas tenía valor alguno salvo para contribuir al bien de su líder y su misión; todas eran prescindibles salvo la principal. Esta mentalidad está patente en todo el metraje con frases bastante obvias y directas de las integrantes del clan. Se decía incluso que cuando una de ellas moría pasaba a formar parte de la líder (lo que se toma al pie de la letra en “Kunoichi: Deadly Mirage”).

El argumento es bastante estúpido. Dos bandos se pelean por una carta mientras un grupo de zombies e ilusiones intentan destruirlos a todos. Va acompañado de escenas caldeadas con mucha mujer desnuda (de cintura para arriba o completo sin mostrar más de la cuenta).

Entre los personajes que no esperaba destaca la aparición de Soji Okita (el samurai histórico que más idolatro) que viene acompañado del gato negro al que se hacía referencia en la historia de que murió persiguiéndole, aunque en el film se le da un carácter mucho más macabro ya que solo él puede verle. Los otros miembros del Shinsegumi que aparecen son Hijikata, Yamanami y Kondo, aunque los dos últimos solo se mencionan.

La idea a la hora de mostrar los combates me ha gustado mucho. Normalmente cuando se produce un enfrentamiento entre dos grupos no muy numerosos la cámara va moviéndose por los diferentes duelos que se producen. En “Kunoichi: Deadly Mirage” casi todas las tomas son más alejadas, dejando ver el enfrentamiento completo y obligando al espectador a centrar su mirada en una de las partes de la lucha, contribuyendo así a la sensación de realismo de que sucede en tiempo real.

Ni la protagonista ni su personaje me han gustado nada. Desde un principio lo único que hace es servirse del trabajo de sus compañeras y llorar por la muerte de cada una. Sus entradas en combate no son nada vistosas, dando la impresión de que ni siquiera sabe luchar. Sus compañeras en cambio utilizan cuchillos cortos y otras armas ninja con bastante más éxito y gran espectacularidad.

El resultado es una película que no recomendaría salvo para los más enganchados a este cine y por supuesto a los amantes de un estilo tan cercano al kaidan.

Blood End (1969)

2007-09-26T05:08:00.001+02:00

La justicia del hombre
Por Fingolfin

El film abre en un patio de ejecución, donde tres granjeros se disponen a recibir castigo bajo orden de los oficiales del Shogun. Uno de ellos es Sentaro, que tras recibir 100 golpes es salvado de milagro por el agua que le ofrece Jingosa (Kanemon Nakamura), un jefe yakuza. Ese incidente marcará la vida de Sentaro, que posteriormente volverá para cobrar venganza volviéndose a encontrar con aquel que le salvó.

Esa es más o menos la presentación superficial que puede hacerse del film. En realidad la trama gira entorno al grupo “Tengu-to” (título internacional del film), que formado por samuráis y granjeros pretende mejorar la vida del pueblo por la vía de la violencia, mostrándose partidarios del emperador y enemigos de los opresores.

Por tanto, lo que en un principio se presentaba como historia de venganza, se transforma en algo completamente diferente, centrando la idea principal en la traición. Se supone que el grupo lucha por los intereses del pueblo, formando incluso ejército con los propios granjeros, y sin embargo solo los utilizan como piezas de su propio juego. Buscan destruir al gobierno a toda costa y están dispuestos a sacrificar cualquier cosa por cumplir su objetivo.

El protagonista es Sentaro (Tatsuya Nakadai), un hombre fuerte, habilidoso y demasiado idealista, cuya mente enturbiada se confunde con facilidad. Su única ambición es la venganza, y después de obtenerla queda atrapado por los ideales y las promesas del grupo Tengu a través de su amigo Kada.
Es un formato de personaje que abunda mucho en las películas de este género, una mezcla quizás de nuestro querido protagonista de “Red Lion”, que luchaba creyendo que hacía lo correcto, y del papel de Katsu en “Tenchu”, que luchaba porque solo eso sabía hacer.

Cabe esperar a la luz del argumento una película puramente de acción. Es cierto que es un elemento muy presente, aunque las coreografías no sean demasiado vistosas al estar rodadas con planos muy cercanos. A pesar de ese problema, compensa en cierta medida el realismo que se les da, llegando en alguna ocasión a mostrarnos un combate cuerpo a cuerpo donde se transmite la verdadera impresión de que sus vidas dependen de esa lucha. Todo ese estupendo realismo se va al diablo cuando llegamos al final del film. No diré por qué, para no estropear nada, pero seguro que a alguien le suena de alguna película americana.

“Blood End” es un interesante film de Satsuo Yamamoto (director entre otras de “Band of Assassins” y “Zatoichi the Outlaw”) que a grandes rasgos es más entretenida que espectacular. Probablemente solo lleguen a apreciarla lo bastante aquellos amantes de este estilo de chambara histórico.

Like a Virgin (2006)

2007-09-25T06:14:00.000+02:00

Interesante, divertida, pero prescindible
Por Master of Hate

Lee Hae-joon es un cineasta que hasta ahora había estado presente en el mundo del cine únicamente como guionista, y en esta categoría le preceden trabajos como “Arahan” o “Conduct Zero” entre otros. “Like a Virgin” constituye su debut como director y la oportunidad de dar vida a su potencial en esta categoría. El argumento hacía prever que se trataría de un trabajo bastante arriesgado y atrevido dentro del género de comedia. Pues bien, el resultado es una extraña, original, pero no particularmente buena, mezcla de ideas que pueden sorprender, pero no necesariamente gustar.

Dong-gu es un adolescente bastante particular, pues a su temprana edad ya tiene claro que quiere ser mujer y lucha por conseguir el dinero que le permita hacerse una operación para cambiar de sexo. Lamentablemente, su renegado padre se ve inmiscuido en un gran problema por lo que Dong-gu se ve obligado a gastar todos sus ahorros para evitar que vaya a prisión. Ahora, la única oportunidad que tiene de conseguir el dinero para su operación es el premio que se ofrece al campeón de un torneo de lucha local.

Quizás muchos que vieron la cinta tailandesa “Beautiful Boxer” puedan preguntarse si es que el argumento tan parecido que tiene “Like a Virgin” va más allá de una casualidad. En realidad se podría decir que si comparamos estos dos trabajos existe entre ellos más diferencias que parecidos por lo que no sería un buen referente. El filme de Hae-joon simplifica la dificultad de lo que aparentemente es un argumento complejo y lo combina con otros elementos. De este modo, “Like a Virgin” no es precisamente una cinta que defienda o que castigue la orientación sexual del protagonista, sino más bien una que trata sobre las ilusiones y decepciones que vive a diario. Usando un tono ligeramente cómico se relatan las vivencias y el difícil camino que tiene que cruzar Dong-gu antes de verse como él quiere.

El resto de la película lidia con los problemas familiares, amistades, compañeros y el tipo de relaciones que entabla Dong-gu con los demás. Queda espacio suficiente para tratar sobre el deporte del “Ssireum” cuya historia lo colocan como el deporte coreano más antiguo. Si bien su estética lo hace muy parecido a la lucha libre, la cinta nos muestra sus particularidades y sus características. La narración es lenta y muy detallada, centrándose mucho en la personalidad del protagonista, que llegado su momento se hace bastante entrañable por su modo de ser.

El lado donde más flojea la trama es quizás el interés que pueda generar en el público, pues a pesar de que se podría decir que goza de un argumento bastante particular y original, no tiene nada de maravilloso ni único, simplemente cuenta con un acertado estilo narrativo, un toque de humor y drama, pero no pasa de eso. Así mismo, tampoco se trata de un trabajo en donde la lucha destaque demasiado o se vean escenas violentas; y es que por el contrario, la mayoría de encuentros son bastante opacos y sólo adquieren fuerza en la parte final.

En resumen, “Like a Virgin” no es una mala película, cuenta con buenas interpretaciones y tiene particularidades que la hacen interesante, pero así mismo, dudo que alguien quede asombrado o la recuerde por mucho tiempo. Una alternativa muy rebuscada, difícil de digerir, ya que resulta sencilla, interesante, pero deja un sabor a “nada” muy fuerte.

The Quiet Family (1998)

2007-09-24T02:58:00.001+02:00

Todo por la familia
Por Squareta

Película que marcaría los inicios de Ji-woon Kim, que más tarde nos mostraría la excelentísima “A Tale of Two Sisters” y que también ha demostrado virtuosismo en otros géneros, como en la comedia, el drama o la acción, con películas como “The Foul King” y “A Bittersweet Life”.

Hablando sobre The Quiet Family podríamos mencionar sólo cosas buenas. Una cinta de horror con muchos momentos de humor negro. Una buena base que aprovechó Takashi Miike para sacar ideas y usarlas en “The Happiness of the Katakuris”.
La historia nos centra en una disfuncional familia que se fue a vivir en las lejanías de la ciudad con la esperanza de hacer prosperar el hostal que tienen. Pero eso sólo se queda en esperanza, pues el lugar queda tan lejos que por ahí sólo transitan senderistas o parejas que buscan privacidad. Cuando llegue el primer huésped, la familia saltará de alegría, aunque luego eso se convierta en una pesadilla.

La historia está narrada de forma que pone a la familia en una serie de situaciones sorprendentes que cada vez pierden más y más el control, donde los integrantes se unen o desunen por lo mismo. La película se va moviendo hacia un solo sentido, dónde uno ve las consecuencias y sabe que nada puede hacer para repararlo, pero todo lo malo que le pasa a los protagonistas es retocado con algunos momentos bizarros e inexplicables, que le dan el toque de humor negro al film, con menos humor de lo que nos mostró Miike pero con un ritmo mejor y prescindiendo de situaciones extras, como los musicales que se presentaban en los Katakuris.

Aparte de la historia en sí misma, un buen punto son los personajes principales, los seis miembros de la familia, que resultan extraños para cualquier persona normal. Están los padres los que harían cualquier cosa por no perder dinero, y el tío y los hijos que se emocionan de sobremanera ante cualquier huésped. Tras estos personajes están actores con gran prestigio, como Min-sik Choi (“Oldboy”), Kang-ho Song (“Memories of Murder”) y Mun-hee Na (“You Are My Sunshine”).

Sin duda no se puede desmerecer el trabajo de Ji-woon Kim, del cual todas sus películas están sobre el promedio. A Quiet Family, a pesar de ser la primera dirigida por él, no es la excepción. Una interesante muestra del género del horror.

Inn of Evil (1971)

2007-09-22T06:14:00.001+02:00

El favor
Por Fingolfin

“Inn of Evil” está dirigida y rodada en blanco y negro por Masaki Kobayashi. Aquel que hizo la incomparable “Seppuku” y posteriormente dio al cine fotogramas para la eternidad con el duelo Mifune-Nakadai de “Samurai Rebellion”. En esta ocasión, a pesar de continuar con guiones muy dramáticos, deja la acción muy de lado para centrarse completamente en la historia y sus personajes.

Unas barcas de mercancías de contrabando van a descender por el Río Nakagawa hasta “La Isla”. Allí mantendrán oculto el material a la espera de ir haciendo los envíos a sus clientes. En esa isla se encuentra la célebre y temida taberna de Fukagawa, donde hombres extraños y sin rumbo se ocultan junto con su jefe. Durante mucho tiempo ha sido un lugar intocable por la policía, contando incluso con el favor de los oficiales de comisaría. El cambio de guardias amenaza su hegemonía en el territorio, y obligará a sus hombres a tener cuidado.

La sinopsis de las barcas de contrabando se presenta al inicio de la película con un mapa y en apenas un minuto, pero no se lleva a cabo hasta bien avanzado el metraje. Para disfrute del espectador, Kobayashi deja la trama para el final, y dedica la primera hora de película a presentar todos los personajes, sus motivos, sus habilidades y su carácter, mediante una construcción lentísima de la historia. De esa forma, cuando empiezan a suceder los acontecimientos verdaderamente importantes tenemos todo muy claro.

Un guión como el de “Inn of Evil” se sustenta en los personajes. Unas actuaciones mediocres la hubieran llevado a la ruina, por lo que el director pone a su servicio un cartel de actores espectacular lleno de conocidos.

En papeles secundarios tenemos a Shigeru Kôyama (“Samurai Rebellion” entre muchas otras), Shin Kishida (“Kill”, “Red Lion”, “Zatoichi mets Yojimbo”…etc), Kei Sato (un secundario habitual por ejemplo en “Sword of Doom” y “Sword Devil”) y Kanemon Nakamura (“The Loyal 47 Ronin”, “Miyamoto Musashi”, ambas de Mizoguchi). Las apariciones estelares son para Tatsuya Nakadai y Shintaro Katsu.

El papel de Nakadai es la base del film. Es un personaje muy complicado que además tiene una doble personalidad. La apariencia que le gusta dar es la que hace honor a su apodo (“el indiferente”), aprovechada muy bien por el rostro pasivo y la voz profunda y lenta del actor. Sin embargo, en el fondo, está trastornado por su pasado, siendo en realidad una persona sensible que reprime sus sentimientos frente a los demás.

Lo de Shintaro Katsu es prácticamente un cameo. Es un papel extremadamente secundario que a pesar de ello tiene connotaciones interesantes en el film. Da gusto siempre ver al gran actor de Zatoichi en pantalla aunque solo sea bebiendo sake y haciendo preguntarnos: ¿qué le tiene reservado Kobayashi?

El personaje de Tomijiro es el desencadenante de toda la acción. Es un hombre extremadamente simple, débil, y sin ninguna habilidad especial diferente de la de dar lastima. Sin embargo es precisamente ese último detalle el que le convierte en protagonista indirecto de todo lo que sucede finalmente, a pesar de haber llegado de la nada. Es un recurso parecido al de los libros de Asimov, donde los detalles y personajes más simples pasaban a tener posiciones clave de cara al desenlace.

Acción y combates, poco o nada hasta que llega el mismísimo final. En esa ocasión el director nos sorprende con un espectáculo visual de farolillos. Del mismo modo que Kazuo Ikehiro hizo en la saga Zatoichi, Mizoguchi los utiliza en la noche para identificar cada soldado con un punto luminoso. En todo momento juega con ellos para acorralar, perseguir, y acosar a nuestros protagonistas. Le permite también si fuera necesario “trucar” el número de extras, ya que los farolillos pueden colgarse en cualquier sitio sin necesidad de una mano que los sujete.

En definitiva, la película me ha gustado mucho, y pese a no llegar al nivel de “Seppuku”, se ha mantenido bastante pareja con “Samurai Rebellion”. Un autentico must see.

Kal Ho Naa Ho (2003)

2007-09-21T04:10:00.001+02:00

Y si no hubiera mañana?
Por Casandra

Desde el título se plantea un enigma: “Kal Ho Naa Ho” puede traducirse como “el mañana puede no ser”. Situada en Nueva York, la película narra la historia de Naina (Preity Zinta), una joven que vive con su familia, estudia en la universidad, ayuda en el negocio de su madre y espera el momento en que conocerá a su gran amor. La propia Naina relata su historia, y presenta a Rohit (Saif Ali Khan) y Aman (Shahrukh Khan), quienes ocuparán roles centrales en su vida.

La película fue dirigida por Nikhil Advani, producida por Yash y Karan Johar, y escrita por este último. Sin lugar a dudas, la combinación entre el buen trabajo de Advani y el destacado guión de Karan Johar y Niranjan Iyengar construyen una historia cautivante. El guión de Johar ofrece claridad de desarrollo, personajes con espesor psicológico y una gran capacidad para crear momentos de mucha comicidad así como también de hondo dramatismo. Como en “Kabhi Kushi Kabhie Gham” (2001) y en “Kuch Kuch Hota Hai” (1998), Johar apuesta por la emoción y sale ganando. El director potencia esto con un buen trabajo de cámaras y con una prolija dirección de actores.

El film se estructura en dos partes con varias líneas de acción. Por un lado, el conflicto amoroso entre Aman, Naina y Rohit. Por otro, el enfrentamiento familiar y religioso entre la madre y la abuela de Naina. La primera línea de acción ofrece una variante poco habitual en el cine de Bollywood: Aman y Rohit como posible pareja romántica. Si bien se desarrolla como tópico generador de comicidad, ligado al malentendido, es algo para destacar dentro de un cine marcado por la moral tradicional. La primera parte de la película, de tono cómico, incluye la presentación de los personajes y cuenta la gestación de los conflictos. En la segunda, se produce un giro que instala el drama como centro de la historia y resuelve el enigma del título.

Por debajo de estos conflictos subyace la constante preocupación por el problema de la identidad, de quienes emigraron de la India, de su lucha por mantener las tradiciones o de su oposición a estas. También aparece la crítica a quienes mantienen las tradiciones como rituales vacíos.

La música acompaña la trama, y los números musicales presentan coreografías vistosas y bien realizadas. Las canciones (con excepción de la horrible versión de “Pretty Women”) son pegadizas.

Todos logran emocionar y divertir con sus personajes, pero sin duda el trío protagónico se lleva los aplausos. Shahrukh Khan ofrece una de sus mejores interpretaciones, con un personaje hecho a su medida. En las partes cómicas actúa tan efectivamente como siempre, y en los momentos dramáticos ofrece una actuación que emociona. Preity Zinta combina fuerza y expresividad, mientras que Saif Ali Khan demuestra su talento en ambos registros. Kajol y Rani Mukherjee participan de esta gran producción en dos cameos, bailando con los protagonistas.

“Kal Ho Naa Ho” es una de las mejores comedias románticas de Bollywood de los últimos años. Con un guión impecable y excelentes actuaciones, los creadores logran emocionar y entretener al espectador. Ampliamente recomendada.

Live Good (2006)

2007-09-20T20:16:00.001+02:00

Un poco de control
Por Master of Hate

En 1971 el gobierno de Corea del Sur puso en marcha una campaña para reducir la elevada taza de natalidad en las zonas rurales. Hyun-joo, una de las agentes que el gobierno ha enviado para solucionar esta situación, no consigue persuadir a los aldeanos de un pequeño poblado de que la falta de planificación familiar está empeorando su calidad de vida. La situación empeora cuando toda la gente se pone en contra de Hyun-joo y nadie quiere hacerle caso. Ella por su parte no se rinde y pide ayuda a Suk-gu, el único que parece escuchar sus razones. Juntos se proponen educar a la gente y se comprometen a reducir la taza de natalidad hasta un 0%.

De todas las comedias que vieron la luz el 2006, sin duda “Live Good” aka: “Mission Sex Control” era una de las que más curiosidad me habían generado debido a su argumento, que dicho sea de paso, está basado en hechos verídicos. Además, la cinta nos brinda la oportunidad de ver a dos rostros muy conocidos como son Kim Jeong-eun (“Blossom Again” “How to Keep My love”) y Lee Beom-su (“Forbidden Quest”, “City of Violence”). En cuanto al director, se trata de Ahn Jin-woo, quien debutó en el 2002 con el atractivo drama romántico “Over the Rainbow”.

La cinta tiene un principio muy interesante, y con un leve tono cómico, va mostrando la vida de los granjeros que no tienen la menor idea de los varios métodos de concepción. Se intenta describir un proceso educativo que tiene como meta advertir a la gente sobre cómo la falta de recursos y la pobreza tiene su origen en la poca de planificación familiar y en la ignorancia. Pero también está la otra cara de la moneda que es el lado humano y el sentir de la gente que tiene que someterse a un riguroso control de la noche a la mañana.

La cinta mantiene un buen ritmo, pero lamentablemente resulta un tanto larga y es que quizás reduciendo unos 10 a 15 minutos del metraje hubiese quedado algo más atractiva. Así mismo los tramos finales fuerzan un poco la historia, tratando de llevarla al extremo de la tragedia, cosa que personalmente me desubico bastante. Quizás estos cambios súbitos de tono y alargamiento innecesario de la historia me han resultado bastante decepcionantes, borrando la primera impresión que había tenido.

Con actuaciones bastante decentes y con tantos aciertos como desaciertos “Live Good” es una comedia que argumentalmente se aleja mucho de lo convencional, pero que no tiene el potencial de ser mas que entretenimiento ocasional.

Colic (2006)

2007-09-19T04:12:00.001+02:00

Llanto incesante
Por Squareta

Existe un síndrome llamado Cólico que se da en recién nacidos y que hace que el niño llore sin parar. Los médicos dan varias explicaciones científicas al asunto pero la gente cree que está relacionado con fenómenos paranormales. Pong y Phrae son una pareja recién casada que tiene un hijo que sufre dicho síndrome. Los médicos indican que el llanto cesará a lo más en tres meses, pero cuando esto no ocurre la pareja se comenzará a preguntar qué es lo que está pasando realmente.

Dirigido por Patchanon Thammajira, “Colic” es otra muestra de cine de horror tailandés con altas dosis de drama. En ella vemos el desarrollo del síndrome cólico (o el llanto de los cien días) y de las consecuencias que este trae en la relación marital.

Guión algo pobre, con muchos momentos dramáticos y pocas escenas de horror no muy bien logradas. La cinta funciona más como drama. En ella, se explica el síndrome muy superficialmente y para efectos del género también le agregan el toque paranormal. Nos muestran que el cólico se da principalmente en los primogénitos, hijos de madres fumadoras y que tal como llega desaparece, en un plazo de tres meses. Aunque la enfermedad sólo es una cortina de la historia principal, la situación de pareja, que aumenta en crisis a medida que el llanto del bebé no cesa.

Técnicamente no está muy bien, lo que se nota más en las escenas de terror, que son buenas ideas pero los malos efectos le restan un poco de mérito. Por suerte no son muchos momentos. Eso sí, es rescatable la idea de usar la enfermedad y salir del cliché del terror oriental. Los carteles de presentación también estaban muy interesantes, pero prometían más de lo que nos entregaron.

En resumen, no es más que una cinta de horror promedio, de esas para ver y olvidar.

Samurai Pirate (1963)

2007-09-18T05:16:00.001+02:00

Las aventuras de Luzon
Por Fingolfin

Haciendo repaso por todos los títulos por los que es conocida esta película, seguramente deduzcamos algo sobre el argumento y el protagonista: “Daitozoku”, “7th Wonder of Sinbad”, “The Adventures of Sinbad”, “The Great Thief” y “The Lost World of Sinbad”. Ciertamente la historia se basa en el personaje del marinero Simbad, pero las versiones que incluyen ese nombre en el título son americanas, ya que en la original se llama Luzon.

Luzon (Toshiro Mifune), un hombre querido por el pueblo, es condenado a muerte en la hoguera bajo las acusaciones de haberse convertido en un bandido pirata. Mientras en el pueblo creen que le están quemando, Luzon sonríe en su barco recordando al oficial que sobornaron para garantizar su huida.
Ya que las acusaciones que le hicieron fueron de pirata, decide convertirse realmente en uno y viajar por los mares. En su travesia, una tormenta y mas tarde un barco pirata, le dejan solo y a la deriva en medio del mar, por lo que vivirá su propia aventura.

El despliegue de personajes es maravilloso. Tenemos al carísmatico Luzon (Simbad), representado por Mifune como una persona valiente, ambiciosa, pero finalmente con gran sentido de la justicia. Por otro lado está el viejo ermitaño con el que se topa en sus viajes; es un anciano enclenque cuya debilidad son las mujeres (se vuelve loco cuando ve una), y que posee algunos trucos y poderes de transformación. Más adelante aparece una mujer ladrona, con un grupo de bandidos que se dedican a robar a los habitantes del pueblo.

Del otro lado tenemos al malvado canciller, que ansía matar al rey, ocupar su posición, y casarse con la pricesa. Su mano derecha será el famoso Pirata Negro, el más temido habitante del mar, que posteriormente demuestra ser capaz de manejar la lanza al más puro estilo shaolin. La abuela del canciller es una bruja con diversos poderes entre los que destaca el de transformar en piedra cuando la miran a los ojos.

Todo ese impresionante cartel se ve respaldado por un enano tartamudo (que apenas aparece ni hace nada en escena), un gigantón musculoso (que protege a la princesa), un fornido soldado con extraña personalidad, y una misteriosa mujer (que está enamorada del canciller).

La historia tiene lugar en el pueblo al que llega Luzon después de su naufragio. Está ambientado en la cultura árabe; apreciándose en los peinados, los escenarios, las vestimentas y los bailes. A pesar de todo, los actores son japoneses, por lo que tenemos un entorno bastante original.

Los efectos especiales están bastante logrados, sin tratar de hacer cosas que estén fuera de su alcance y manteniendo un buen gusto para disfrute del espectador. Destacan entre ellos las transformaciones del ermitaño, la tormenta del mar, los hechizos de la bruja, y un truco de Luzon que ya tendrán la oportunidad de ver.

Sobra decir que la película me ha encantado, gozando de una magia parecida a la de “The Legend of the Eight Samurai” pero reduciendo la dosis de fantasia. Es un film excelente de Senkichi Taniguchi que probablemente guste a todo el mundo. Un must see.

Mapado 2 (2007)

2007-09-17T03:56:00.001+02:00

Esperemos que no haya tercera
Por Master of Hate

El género de la comedia tiene tantos altibajos que es imposible determinar cuales colmaran las taquillas y cuales pasarán sin pena ni gloria. Lo ocurrido con la primera parte de Mapado fue inexplicable para mí; la película obtuvo un éxito tremendo el año de su estreno dejando atrás trabajos muy superiores.

Esta “Mapado 2” es prácticamente un calco de la primera parte, con ligeras variantes que no me quitan de la cabeza que es básicamente “lo mismo”: Una historia sobre dos hombres que llegan a una pequeña isla habitada solo por un grupo de abuelas que tienen muy poca paciencia. La cinta vuelve a retratar las inclemencias de vivir en un lugar remoto con recursos limitados, numerosos trabajos forzados y las ocurrencias del grupo de ancianas. En esta segunda parte, uno de los hombres que llega a la isla es un investigador que, por encargo de un anciano millonario, va en busca de la mujer que fue el amor de su juventud.

Curiosamente, esta secuela no tuvo a cargo al mismo director, ya que el encargado fue ahora Lee Sang-hoon, quien dirigiera hace unos años “Don’t Tell Papa”. Queda claro que esta continuación de la saga puede gustar en mayor o menos medida a quienes quedaron satisfechos con la primera entrega. No es necesario explicar qué pueden espera quienes, como yo, no guardan buenos recuerdos de ella.

Alone (2007)

2007-09-15T19:08:00.001+02:00

Juntas por siempre
Por Squareta

Llega un nuevo film que promete asustarnos. Se trata de “Alone”, estrenada este año bajo la dirección de Banjong Pisanthanakun y Parkpoom Wongpoom, los mismos que una vez nos sorprendieron con “Shutter”.

Pim es una mujer que vive con su pareja Wee en Corea, pero que al enterarse del estado de salud de su madre viajan a verla hacia Tailandia. Una vez allá se quedan a vivir en la antigua casa de Pim, llena de recuerdos de su hermana Ploy. Pim y Ploy eran siamesas y buenas amigas, hasta que la muerte cayó sobre Ploy. Ahora en el hogar la pareja no podrá encontrar la paz, pues fantasmales apariciones no los dejarán tranquilos, por lo menos no hasta que paguen lo que deben.

Me he dicho a mi misma que no debo compararla con “Shutter”, pues sería improbable que “Alone” terminara ganando. Sin embargo, es un poco difícil no hacer comparaciones, pues el estilo es bastante similar. Primero, la historia se mueve a través del drama y el horror. Además, la historia se va revelando poco a poco en el transcurso de la cinta y lo más comparable es el hecho de que los sustos son eficaces porque van acompañados con ruidos estridentes.

Como se mencionaba, la cinta posee dos grandes géneros, el drama y el horror. Pero a diferencia de la mayoría de las películas orientales no decae en ninguno de ellos, por el contrario, ambos están muy bien elaborados. La historia va avanzando con buen ritmo, en presente y en pasado, con las dosis de terror precisas hasta llegar al prometedor final. Sin embargo, surge un pequeño problema y es el hecho de que se puede predecir con mucha anterioridad el final, lo que le quita el factor sorpresivo. Aún así, logra situarse un poco más arriba que las cintas promedio.

Dentro de las actuaciones tenemos a Masha Wattanapanich y Vittaya Wasukraipaisan, que aunque recién estén comenzando su carrera actoral lo hacen bastante bien. Los detalles técnicos también son un punto a favor, tanto en los efectos especiales como en la fotografía. Se ve el cuidado dentro del plano audiovisual.

Pues finalmente la decisión la tienen ustedes, pero no dudaría en recomendársela a todos los amantes del género y a los que quieran pasar un momento de miedo disfrutando de un drama a la vez.

Tange Sazen: The Secret of the Urn (1966)

2007-09-15T01:27:00.001+02:00

El monstruo
Por Fingolfin

“The Pot Worth a Million ryo” y “The Secret of the Urn”, además de tener a Tange Sazen como protagonista, tenian títulos demasiado similares para pensar en una historia distinta. Sin embargo Hideo Gosha hace una transformación completa, donde el único detalle que se guarda es la leyenda de la vasija.

Tange recibe el encargo de su clan para eliminar al espía que se oculta entre ellos, que no es ni mas ni menos que su propio amigo. Durante su encuentro, recibe un corte en el ojo y pierde el brazo izquierdo, consiguiendo salvarse de milagro y desapareciendo durante mucho tiempo.
Por otra parte, el encargado del Shogun otorga a la familia Yagyu el extraño privilegio de llevar a cabo la restauración del santuario de Nikko Toshogu, que cada 20 años provoca crisis económicas en los clanes ocupados de la labor. Para hacer frente a los gastos necesitarán recuperar la vasija del millón de ryo que les fue sustraida mientras la guardaban.

El tono que Hideo Gosha le da a este film lo distancia completamente de la versión de 1935, dandole un cariz mucho más serio y argumentalmente cuidado. Prueba de la diferencia es que en “The Secret of the Urn” la acción toma un papel muy importante frente a su inexistencia en la otra versión.

La perdida del ojo y el brazo de nuetro protagonista puede dar la impresión de estar fuertemente manipulada para aquellos que ya conocemos al personaje. Si en Kenshin tuvieron que hacer 4 OVAs para explicar de forma maravillosa los dos cortes de su cara, aquí tenemos 2 minutos para hacer algo parecido. Sin embargo, aquellos que no conozcan a Tange Sazen seguramente no noten nada.

Después de aquel incidente, nuestro protagonista desaparece de escena, poniendo en otro apriento al director, ya que provocar su regreso de manera precipitada quedaría mas forzado aún y retrasarlo mucho alargaria demasiado la duración del film. La solución empleada por Gosha es de sobresaliente. Sin utilizar un intervalo de tiempo muy amplio, en el momento de su reaparición ni siquiera nos acordamos de él, por lo que además de arreglar la situación nos deja una sorpresa espectacular.

La personalidad de Tange Sazen sufre una importante evolución entre las dos películas que vengo relacionando en todo el comentario. Así, en la de 1935 es un hombre orgulloso, compasivo, y que no emplea la violencia salvo que sea imprescindible. En la que estamos tratando hoy llega a recordarnos en algunos momentos al Ryunosuke de “Daibosatsu Toge”, con una actitud que roza la demencia y una risa malevola que utiliza durante casi todo el metraje.

Como se habrá podido comprobar después de tres parrafos hablando de él, en esta ocasión es protagonista indiscutible del film, llevandose una buena cantidad de minutos de pantalla y provocando los mejores combates con su particular estilo manco.

Pese a que Hideo Gosha es uno de los clásicos del cine samurai, sus películas nunca me han parecido gozar de demasiado encanto. Aunque practicamente todas ellas cuentan con argumentos estupendamente trabajados, siempre he encontrado fallos que las han alejado de mis favoritas. Valorando “Tange Sazen and the Secret of the Urn” en el contexto de los otros films del director, quizás sea una buena elección. Por lo demás solo recomendable.

Girl, Thrirteen (The Wonder Years) (2007)

2007-09-13T06:26:00.001+02:00

Creciendo
Por Master of Hate

Kim Hee-jung se une a ese selecto grupo de directoras surcoreanas que han incursionado en la industria del cine en corea en estos últimos años. “Girl, Thirteen” es un drama que trata sobre una joven cansada de su vida, y en particular, de su madre. La joven cree que su verdadera madre es una famosa cantante a quien mira constantemente en televisión, revistas y anuncios publicitarios. Pronto, esta idea parece tornarse en una obsesión hasta el punto de alterar drásticamente la relación con su madre y su vida personal.

A priori, da la sensación de que la película tiene mucho que decir ya que desvela un argumento con temas serios. La base de la trama son los problemas de comunicación, (por ende los problemas familiares) y la conflictiva visión de una adolescente sobre la vida. Dicho esto, es probable pensar que se trata de un trabajo que profundiza y analiza en detalle los problemas que plantea; no obstante, termina limitándose en gran medida y se conforma con un desarrollo modesto sin ir más allá. Véase como un intento de no ser falsamente filosófica o como una cinta sin mayor ambición, el resultado final deja ciertas dudas y un sabor a nada.

No es un mal trabajo, sobretodo para un debut; pese a ello, no representa ninguna sorpresa dentro de una cinematográfica que ya va dando signos de cansancio y que parece ya haber mostrado sus mejores cartas. En todo caso, la cinta cuenta con buenas actuaciones y quizás quienes tengan un interés particular en el tema la encuentren atractiva.

Tomie Revenge (2005)

2007-09-12T07:40:00.001+02:00

Comienza el fin
Por Squareta

Una chica, que resulta ser doctora, accidentalmente atropelló a una mujer en lo alto de una montaña. Rápidamente se baja de su automóvil para ver si causó algún daño, pero la muchacha atropellada se escapó sin decir palabra. Ella la persigue para ver si realmente está bien, pero en el camino se encuentra con dos locos que tienen a una muchacha inconsciente. La historia avanza un año después para mostrarnos la vida de la muchacha inconsciente, Yukiko, quien se encuentra en un centro donde trabaja la doctora.

Última cinta de la saga y también dirigida por Ataru Oikawa, que aunque se estrenó muy cerca de la sexta sólo guarda relación con ella en la chica inmortal.

La historia ocurre gran parte en el centro psiquiátrico, mostrando principalmente a Yukiko y la doctora, quienes poseen una estrecha relación. A su vez aparecen otros personajes, como el jefe del centro y unos miembros de la Agencia de investigación de seguridad pública. Ellos tienen mucho conocimiento sobre la chica monstruo y son los encargados de contar los detalles de la misma. El tiempo transcurre en presente y en pasado, pero no a través de flash backs como es usual sino que por medio de unas cintas de video que nos van mostrando la vida de un grupo de excursionistas en el bosque, amigos de Yukiko.

En los roles protagónicos, se tiene a Anri Ban haciendo el papel de Tomie y en el de Yukiko a Minami, quien también participó en Battle Royale. El director Ataru Oikawa también se encargó de dejar su huella, en la forma de ocupar el terror: no de forma absurda como otras de las sagas y en muy poca medida.

En el aspecto técnico destaco los buenos juegos de colores presentes los que juntos a algunas escenas al aire libre con muy buenos paisajes hacen que los mayores puntos a la película sean en el plano visual.
Creo que la historia de Tomie es un material del que se le puede sacar mucho provecho, pero otra vez no se hizo. El principal fallo es el más importante, la ausencia de un argumento consistente. Parece que ni los creadores de la película tenían muy claro lo que querían mostrar. Se veía una falta de razón en muchas acciones, diálogos absurdos y la entrada forzada de personajes. Con todo esto, transcurren los primeros ¾ de la cinta que llegaban al nivel promedio de la saga. Sin embargo, son los últimos minutos, cuando ocurre una exageración de todos los aspectos, los que le hacen quitar todo el mérito a la cinta.

Me imagino a los fanáticos del manga golpeando sus cabezas después de ver esta película. Y es que “Tomie Revenge” es una de las peores formas para terminar la saga. Pero viéndolo desde el lado positivo es quizás el mejor remedio para terminar de una vez por todas con tantas secuelas. Esta cinta no es para nada recomendable y si ya es muy tarde para decirlo mis más profundos respetos para todos los valientes que han sido capaces de verla.

Kibakichi: Bakko-yokaiden (2003)

2007-09-11T04:47:00.001+02:00

Los verdaderos monstruos
Por Fingolfin

El film está dirigido por Tomoo Haraguchi, cuyo único precedente era el de “Sakuya: Slayer of Demons” 3 años antes. La película es una mezcla de acción, drama y quizás un poco de gore facil y flojo, ambientado todo en el Japón de finales del siglo XIX (lo supongo por aquello de la ametralladora Gatlin).

Durante mucho tiempo los Yokai (criaturas no humanas) han convivido en armonía con los humanos. Llegó el momento en el que el miedo por estos monstruos se fue diluyendo y fue entonces cuando se llevó a cabo una brutal matanza, obligándoles a esconderse y adoptar formas humanas.
Kibakichi vaga de un lado para otro con la forma de un samurai viajero. Su aventura comienza al llegar a un misterioso pueblo habitado por extrañas personas y donde desaparece demasiada gente.

Los primeros minutos del film consiguen atrapar al espectador mostrando al prototipo de guerrero que gusta a todo el mundo. Pelo largo y enmarañado (muy al estilo de Choi Baedal en “Fighter in the Wind”), vestido con ropa desgastada y una capa roída y coronado por un sombrero típico de viajero. Es este último detalle el que me evoca imágenes de la legendaria “Bichunmoo” y es que ese sombrero en coreografía siempre consigue un efecto magnifico.

El aspecto fantástico del film es algo que no deja ver el trailer y que hubiera sorprendido mucho durante el visionado de no ser por la forma tan progresiva en la que se va mostrando. La primera señal es cuando Kibakichi deja ver en su sonrisa un colmillo algo mas largo de lo normal (dejen volar la imaginación). La segunda tiene bastante menos de sutil y sucede cuando se enfrenta con unas extrañas criaturas que aparecen del agua: los kapa. En mi caso no me resultó nada nuevo ya que son seres pertenecientes a la tradición japonesa y que aparecen también en los libros de “Harry Potter” sin ir mas lejos. A partir de ese momento irán haciendo aparición mujeres-araña, hombres lobo…y otros de los que solo llegamos a saber que se alimentan de humanos.

El aspecto “gore” del film no sé exactamente qué pretendía pero comienza con la visión de un tipo repelando la cabeza del hombre al que acaba de cazar, y la de otro que trocea y se come su pierna. Luego empezará el carrusel de amputaciones, cabezas cortadas, sangre a chorros…y lo de siempre.

Las coreografías comienzan siendo magnificas. Una combinación de fuerza y estilismo en la técnica de Kibakichi hacen que cada combate sea un deleite visual. La lucha inicial nos dejan disfrutarla sobretodo en el plano lejano de cámara fija que aparece también en el trailer, aunque también he podido recrearme por primera vez de las atosigantes tomas de cerca, que permiten ver un realismo extremo en el choque de espadas y transmite un efecto sublime. Es una lastima que todo esto se venga abajo en los últimos 10 minutos, cuando un montón de monstruos (que mas bien parecen peluches gigantes) dan saltos y se pelean entre los disparos de una ametralladora gatlin.

Lo referente al dramatismo del film está bastante bien logrado aunque igualmente predecible. Desde el principio sabes más que de sobra quien son los intocables que no van a morir y cuales son los prescindibles. El director da la vuelta a la tortilla y traslada la palabra “monstruo” desde estas criaturas que luchan por sobrevivir a los ambiciosos y traicioneros humanos.

La valoración global es de un aprobado escaso. La acción es buena, está entretenida, la acompaña una música estupenda, pero no tiene nada especial. Son 90 minutos de metraje para pasar un rato cuando no tengas nada mejor que hacer. Bastante predecible es además que el film tendrá segunda parte.

Fly High (2006)

2007-09-10T17:09:00.001+02:00

El regreso de la enfermedad
Por Master of Hate

Hay muchas cosas que quisiera comentar sobre esta nueva producción, pero al ser todas negativas, realmente no valdría la pena. Es por este motivo que seré breve y directo con la reseña de esta “Fly High” del director Kwak Ji-gyoon.

Lo que tenemos entre manos esta vez es una melodrama increíblemente trillado con un argumento que dudo haya tomado más de media hora en ver la luz. La historia es bastante simple: Un joven estudiante de secundaria, con todos los atributos que deben tener los jóvenes galanes del momento, se encuentra con una simpática jovencita que había decidido entrar al baño de hombres debido a que el de mujeres estaba demasiado lleno. Lo que ocurre en el momento del encuentro es amor a primera vista por lo que el joven va detrás de ella dispuesto a conquistarla. Sin embargo, sus intentos no son fructíferos y parecen no dar resultado alguno. Lo que él no sabe, pero está por averiguar es que aquella chica tiene una enfermedad mortal que está a punto de acabar con su vida.

Lamentablemente la cinta me ha parecido la peor de las que se han visto en el género y la peor de entre todas las que recurren a este argumento de la pareja perfecta y la enfermedad mortal. La historia no incorpora un solo elemento adicional, se conforma con echar mano de una historia lineal cuyo desarrollo no esconde sorpresa alguna. La mayoría de escenas están muy sobreactuadas, y hay clichés por todas partes, cosa que hace que las actuaciones se vean realmente opacadas (por no decir mecanizadas)

No recuerdo ni un solo momento memorable en esta cinta, lo cual es un signo alarmante, ya que si no hay nada para rescatar, es que debe haber algo en su conjunto que no está bien. En todo caso, aquellos que hayan tenido pensado darle una oportunidad, harían mucho mejor en olvidarse de su existencia, a menos que quieran ver un ejemplo de “como no se debe hacer un melodrama.”

Tomie Beginning (2005)

2007-09-08T17:50:00.001+02:00

La incapacidad de ver más allá de la superficie
Por Squareta

Todavía no me explico cómo la saga dio para tantas películas, pero aquí estoy comentando la sexta de ellas: “Tomie Beginning”, que se estrenó el 2005 bajo la dirección de Ataru Oikawa, el mismo director que dio inicio a la saga.

Una mujer llega a una escuela desolada para juntarse con sus antiguos compañeros. A dicha junta sólo acude un hombre. Juntos, comienzan a recordar sus años estudiantiles y con ello a Tomie, la extraña muchacha que llegó a su clase.

Han pasado seis años desde la primera cinta sobre Tomie de Ataru Oikawa y este director todavía no ha hecho nada nuevo. Aunque todas las obras anteriores seguían la misma línea cada una de ellas aportaba algo nuevo, por muy pequeño que sea. Sin embargo, en “Tomie Beginning” no se ve nada nuevo, por el contrario, se podría decir que es una mezcla de todo lo anterior pero filmado con mejores equipos (pero todavía siendo de la serie de películas B).

Adentrándose a la historia, ésta nos cuenta detalladamente todas las acciones de Tomie y las explica correctamente, al nivel de que sea necesario ver sólo este film para saber todos los detalles de la chica inmortal, y así ahorrarse un par de horas viendo las otras. Por ese lado no tiene nada que cuestionársele, pero por otro lado la historia está muy mal llevada. Basta ver el comienzo para saber como va a terminar. Eso es un gran punto en contra, pues provoca desinterés hacia el film.
Pero no todo es malo, también posee algunos momentos rescatables, como la clase de anatomía y las sesiones de venganza de Tomie. Algunos de los cuestionamientos que se hace ella son interesantes y explican su accionar. ¿Quiénes son los monstruos realmente?, es una pregunta que da para pensar.

Rio Matsumoto es la encargada de interpretar a la chica monstruo en esta ocasión. Otros personajes son Reiko, quizás la amiga más cercana que ha tenido Tomie y Yamamoto, personaje que se le ve también en “Tomie” (1999).

A la hora de hacer un recuento se encuentran dos ideas principales. La primera es que cumple con el propósito de explicar y la segunda es que no cumple con el propósito de entretener. Para ver sólo si están muy aburridos, o como yo, que querían completar la saga.

Kibakichi: Bakko-yokaiden 2 (2004)

2007-09-07T19:49:00.001+02:00

Una nueva batalla
Por Fingolfin

Aquí tenemos la continuación de las aventuras de Kibakichi, un hombre lobo perteneciente a la raza de los yokai que vaga por el país sin un lugar donde quedarse. El director Tomoo Haraguchi no ha esperado siquiera un año después de la primera parte y el resultado ha sido un film de bastante peor calidad y muy manipulado.

La historia comienza con un samurai salvaje llamado Sakuramaru. El sentido de su vida consiste en matar a todos los humanos con los que se encuentra, llegando a considerársele un Yokai pese a no serlo en realidad. Kibakichi se encontrará con él por primera vez sin conocerle de nada, desembocando en el primero de sus tres enfrentamientos. Pronto aparece una banda de enemigos bastante más poderosos, con habilidades difíciles de hacer frente y cuyo objetivo es destruir a todos los humanos y yokai para conquistar el mundo.

Aparece en este film un personaje que se había quedado totalmente desamparado en la primera parte. Este personaje es Anju, que solo hacía acto de presencia la otra vez para recordarnos el pasado de Kibakichi. Su misión será la misma, eliminar a nuestro protagonista buscando su venganza, pero ahora llegará a convertirse en co-protagonista con bastantes minutos en pantalla.

Las coreografías de la primera entrega quedan en el olvido después de ver las escenas tan descuidadas de acción que nos ofrecen los principales guerreros. Kibakichi lucha 3 veces con espada y en 2 de ellas le toca abandonar el combate antes de tiempo. Anju se ve incapacitada de ofrecer más espectáculo debido al escaso realismo que ofrece el uso de su boomerang gigante. Finalmente Sakuramaru será el único que use la espada de forma mas o menos vistosa (aunque con un toque demasiado “bruto”).

Los efectos especiales terminaron incluso poniéndome de mal humor. En “Bakko Yokaiden 1” no se abusaba de ellos de esta forma, además de que la relativa calidad argumental te dejaba pasarlos por alto. Con una historia tan mala como el de este film es desastroso que encima tengas que soportar ver como un montón de peluches gigantes y personajes de “Star Wars” (incluido Darth Sirius) se pelean a cámara lenta mientras ves doblarse los pliegues del disfraz. Normalmente no me importan este tipo de cosas; estoy acostumbrado a ver películas de los años 50 y 60 y no suelo culpar a ninguna porque no den más de sí. Pero el caso es que “Bakko Yokaiden” data del 2004…

Nada más que decir. En el comentario de la primera entrega dije que era una película entretenida, con buenas coreografías y buena música; esta vez lo dejaré en buena música. Que cada cual juzgue si tiene ganas de atreverse a verla.

Bunt (2007)

2007-09-06T06:06:00.001+02:00

Bunt Bunt!
Por Master of Hate

A pesar de que el béisbol no me apasiona en lo más mínimo, “Mr. Gam’s Victory” fue una gran sorpresa que gustosamente la recomendé en su momento; y es que cuando una película tiene una historia inteligente detrás, no importa si gira entorno al rugby o la lucha libre, siempre hay cosas buenas que rescatar. En este caso, he de ser lo más práctico posible. “Bunt” es de esas películas simpáticas y graciosa que sirven casi exclusivamente para pasar el rato.

La historia gira entorno a Dong-gu, un niño con ciertas limitaciones mentales que lo hacen incapaz de estudiar al mismo nivel que los demás niños. Pese a esto, él acude a una escuela normal para tratar de ayudar en lo que puede y en lo que más le gusta, que es servir agua de su jarra. La vida de este pequeño es muy simple y complicada a la vez; simple para él que lo soluciona todo son risas y simpatía, y complicada para su padre que tiene que defender a su hijo de quienes no lo quieren en la escuela. Finalmente, cuando Dong-gu está a punto de ser expulsado, aparece la oportunidad de jugar en el equipo de béisbol y ganarse el derecho de seguir acudiendo a clase. Sin embargo, el pequeño necesita algo más que simpatía para tener éxito en su flamante equipo de béisbol.

En este caso se puede ser muy breve y directo. Esta primera película del director Park Gyoo-tae es una dulce comedia, que quizás se puede comparar con otros trabajos de corte similar en los que se explora un poco más la relación padre e hijo. Se me vienen a la mente otras comedias, igual de simples y sencillas como “Cracked Eggs and Noodles” o “Don’t tell Papa.” En todo caso, “Bunt” se siente menos manipuladora, ya que no dramatiza tanto y no abusa de escenas trágicas. Lo bueno de la cinta esta en la actuación y ocurrencias de Choi Woo-hyuk, al que probablemente alguien recuerde por aparición en “Hello Brother”

Queda claro que no se trata de un trabajo ambicioso, ni nada que requiera de un análisis exhaustivo. Una película honesta, bien hecha, muy recomendable para verla en familia.

Tomie: Forbidden Fruit (2002)

2007-09-05T06:13:00.001+02:00

El pánico a lo desconocido
Por Squareta

Tres muchachas utilizan y maltratan la una chica nueva y sin mucha autoridad. Casualmente se llama Tomie y se siente abrumada por su nuevo entorno. Hasta que un día conoce a una chica con su mismo nombre, pero con una personalidad totalmente opuesta. Comenzará así una extraña amistad entre ambas chicas.

Así comienza la quinta cinta de la chica que odia que le digan monstruo. Dirigida por Shun Nakahara, es también conocida como Tomie: The Final Chapter.
Este capítulo tiene un enfoque distinto a las cintas anteriores y nos muestra la relación de Tomie con una mujer. Parecía imposible en Re-birth que ella pudiera tener una amiga pero esta vez ocurre. La manipuladora forma de ser de Tomie ahora no provoca el odio o celo de la chica sino que por el contrario, nacen sentimientos de amistad. La nueva chica, que se llama Tomie Hashimoto siente una extraña fascinación por Tomie que pasa por la amistad, el amor y los sentimientos maternales.

En esta película a Tomie se le ve más cínica que nunca y como pareciese tener el control tanto de hombres como de mujeres, resultará casi imposible de detener. Pero por otro lado, acá aparece un método casi efectivo para acabar con ella y que a nadie se le había ocurrido.
Una diferencia en relación a las otras es que no se toma la historia como película de horror, al contrario hay muchos momentos bizarros que provocan una que otra carcajada.

En el papel de Tomie está Nozomi Andô (“The Suicide Manual”), de Tomie Hashimoto está Aoi Miyazaki y el padre de Tomie Hashimoto es Jun Kunimura, quien ha trabajado en películas más famosas como Kill Bill y Audition.

En resumen, parecía una buena forma de terminar con la saga, sin terror pero por lo menos manteniendo el nivel promedio.

Miyamoto Musashi (1944)

2007-09-04T05:40:00.001+02:00

El camino de la espada
Por Fingolfin

Dirigida en 1944 por Kenji Mizoguchi, 3 años después de su anterior film “The Loyal 47 Ronin”. Resalta la diferencia de que aquella durara 4 horas y esta 53 minutos. Es sorprendente el resumen que hace el director de la vida de un personaje que otros plasmaron en más de un film (caso de la trilogia de Inagaki, y las 5 de Uchida).

De protagonista tenemos a Chojuro Kawarasaki, cuyo papel en “The Loyal 47 Ronin” también fue protagonico en la figura del chambelán Oishi. Representando a Kojiro Sasaki aparece Kanemon Nakamura (también participante en aquella película). Finalmente la actriz Kinuyo Tanaka (que además de ser la primera mujer directora japonesa, tiene una filmografía muy extensa), da vida a Shinobu.

La película comienza con los incidentes de los Yoshioka. Los primeros dos duelos de Musashi con la familia aparecen mencionados en bocas de los hombres de la escuela. El duelo-trampa con el hijo menor de la familia es bastante similar al que se relata en las cronicas, con Musashi saliendo de su escondite armado con dos espadas. La coreografia es muy corta (ya que no termina el combate) y se desarrolla con un elegante travelling lateral.

A partir de ese momento la película avanza maravillosamente hacia el duelo con Sasaki, inventando una trama interna de unos chicos que buscan venganza. Una vez más las similaridades con las crónicas son enormes, coincidiendo incluso algunos dialogos al llegar a la isla del duelo final. El arma de Musashi en esa ocasión vuelve a ser el remo de la barca, y el de Kojiro Sasaki aquel sable espectacular de mas de 1,10m de largo, con un mango enorme y una hoja preciosa.

Durante toda la película el empeño de Mizoguchi es por confeccionar la personalidad de Musashi como un hombre sacrificado al camino del guerrero. Reduce las dosis de acción y aumenta las de arte, mostrandole como escultor y pintor.

La música es estupenda, a la altura de la que se utiliza en la trilogia de Inagaki (siempre suelo usarla como comparación para las grandes bandas sonoras clásicas). Aparece de forma omnipresente, muy variada, y para casi todas las escenas y situaciones.

La valoración final es de: muy buena. Se trata de un magnifico resumen de 53 minutos que nos muestra dos de los acontecimientos mas importantes de la vida del legendario guerrero. Igual que dije con “They Who Step on the Tiger´s Tail”, si quieren invertir bien 1 hora en cine, es una opción muy adecuada.

Road To The Racetrack (1991)

2007-09-03T04:51:00.001+02:00

Métodos de persuasión
Por Master of Hate

En la década de los 90s es cuando empezó a gestarse la consolidación del cine coreano como una de las industrias cinematográficas de más calidad en el mundo. Uno de los exponentes que mejor puede ejemplificar una visión nueva y original es la cinta “Road To The Racetrack” del realizador Jang Sun-Woo, responsable de títulos como “Lies” o “Resurrection of the Little Match Girl.”

“ Luego de vivir varios años en Francia, R (Seong-kun) regresa a Corea convertido en un profesional. A su encuentro acude J (Kang Soo-yeon), mujer con la que vivió algún tiempo mientras estaba en dicho país. Sorpresivamente, vemos que su relación no pasa de ser un romance furtivo, pues R no sólo esta casado, sino que tiene dos hijos. Las cosas se tornan confusas ya que la relación de los amantes se ve constantemente amenazada por la indecisión de J que intenta acabar con todo una y otra vez. R por su parte, usa todo tipo de artimañas para persuadir a J de que se quede junto a él.

“Road To The Racetrack” es un drama que, a pensar de girar entorno a la relación de una pareja, carece de romance casi en su totalidad. El veterano actor Seong-kun (“Green Fish” “Jealosy Is My Middle Name”) interpreta a R, un hombre con un perfil psicológico sumamente interesante que a grandes rasgos se podría definir como el estereotipo del hombre machista, vividor e irresponsable, que además posee un gran poder de persuasión, mismo que usa para manipular a J. Su gran contradicción es poder controlar a J la mayor parte del tiempo, mientras que no consigue convencer a su esposa para que le de el divorcio.

J es un personaje doblemente complicado, pues a diferencia de R, parece no saber que es lo que en realidad quiere. Su personalidad se contradice una y otra vez, y a pesar de que, por momentos, pareciera tener la situación bajo su control, llega un instante en el que se transforma en un mero juguete sexual para su amante. De todas maneras J resulta fascinante y muy interesante desde el punto de vista masculino.

La cinta esta cargada de diálogos, muchos son irrelevantes en cuanto a su relación como pareja, sin embargo sirven de medio para comprender los motivos e intenciones que tiene cada uno a corto plazo. Por otro lado, a pensar de no haber momentos expresamente cómicos, algunas de las situaciones pueden causar mucha gracia por lo triviales, tontas o absurdas que lucen.

La relación de pareja se analiza desde un punto de vista muy real, es decir, prevalece más el lado sexual o el sometimiento del “otro” por encima cualquier tipo de sentimiento de amor. Se trata de una visión muy moderna sobre las relaciones sentimentales, que incluso hoy en día pareciera transgredir la imagen típica del romance ideal y puro.

Al ser una cinta rodada en 1991 hay cantidad de cosas que podemos comparar con respecto a cintas más modernas, desde prejuicios sociales que, pese a existir aún aquí se ven doblemente marcados, hasta el desarrollo de una ciudad que se ve menos moderna y que ofrece oportunidades limitadas para prosperar.

La cinta quizás abusa un poco del dialogo extendido, sin embargo, visto desde otro modo, esto termina reforzando mucho los perfiles de cada protagonista y reafirmando la idea del director. “Road To The Racetrack” es una cinta brillante que juega mucho con las virtudes y defectos de los protagonistas, que a su vez representan a un colectivo. Se trata de un gran trabajo que espero disfruten tanto como yo.

Ahista Ahista (2006)

2007-09-01T06:41:00.001+02:00

Gradualmente y con medias tintas
Por Casandra

“Ahista Ahista”, es la ópera prima de Shivam Nair, quien tiene más de doce años de experiencia en la televisión como camarógrafo, editor y director. Producida con un exiguo presupuesto, en comparación con los estándares de Bollywood, Nair construye una pequeña historia que oscila entre los clichés del cine comercial y ciertas elecciones que lo alejan de él.

Este drama romántico cuenta la historia del encuentro entre Ankush (Abhay Deol), un joven humilde que se gana la vida oficiando como testigo en bodas, y Megha (Soha Ali Khan), una muchacha que huye de su hogar en Nainital para casarse con su novio Dheeraj. La ausencia de Dheeraj el día del casamiento desengaña a Megha y a partir de entonces pone su atención en Ankush. Gradualmente (eso señala el título del film) se entabla una relación entre ellos que se verá desafiada por el destino.

Los números musicales son algo precarios, y se enmarcan en el terreno de los sueños. La repetición de este recurso a lo largo del film redunda en una pérdida de eficacia del elemento musical. Por otro lado, el leitmotiv musical no tiene la fuerza y el ritmo necesario, algo que también le ocurre a Soha Ali Khan. Su actuación demuestra más carencias que virtudes, incluso durante los cuadros musicales, donde se limita a caminar alrededor de su co-protagonista. Es Abhay Deol quien lleva adelante el film, en tanto se convierte en el personaje principal de la historia, así como también por su trabajo actoral. Abhay Deol le otorga a su personaje una dosis de realismo nada habitual en las películas del cine comercial de la India.

Si la inclusión del elemento musical parece querer acercar al film a los estándares del cine comercial, otros aspectos del guión y del tratamiento de la imagen lo alejan contundentemente. El acierto del director son aquellos momentos en que el tono es más intimista, siempre ligados a la muy buena actuación de Abhay Deol. El problema que presenta el film es que Shivam Nair no logra deshacerse por completo de los lugares comunes del cine bollywoodense tradicional, produciendo un descenlace un poco abrupto.

Poco afortunada en el momento de su estreno en la taquilla, el juicio a Shayan Munshi (el actor que interpreta a Dheeraj) por el asesinato de una joven puso a “Ahista Ahista” en el centro de una polémica que poco tenía que ver con lo cinematográfico.

En síntesis, podemos decir que “Ahista Ahista” es un film desparejo, con un buen punto de partida que luego pierde fuerza y claridad en el desarrollo. A pesar de esto, es interesante ver un cine hecho en los márgenes del cine comercial, sin grandes estrellas y con otras pretensiones además del entretenimiento.

Ebola Syndrome (1996)

2007-08-31T06:32:00.001+02:00

El contagio mortal
Por Squareta

En 1996 Herman Yau aparece con otra cinta para el recuerdo, aunque sin los aires frescos de la primera. Se trata de “Ebola Síndrome”, película que mezcla el humor con los excesos, aunque esta vez sin dramatismo de por medio.

Nos situamos en Hong Kong en el año 1986. Aquí vive Kai, un hombre a quien se le ha descubierto la infidelidad que mantenía con la esposa de su jefe. Para salvarse de la paliza y posible muerte decide eliminar con todas las pruebas, en otras palabras, matar a todas las personas que lo vieron. Dicho y hecho, decidió escaparse hacia Sudáfrica, donde se ganará la vida como empleado de un restaurante chino. En un viaje de rutina con su nuevo jefe en busca de carne se contagia con virus ébola. Sin embargo, el mortal virus no acabó con su vida y paso a ser uno de esos extraños casos en que es inmune y portador del virus. Sin tener idea de esto, continuará normalmente con su vida, esparciendo el virus por todo el mundo.

Durante su transcurso se pueden ver interesantes elementos, como la alusión constante a la discriminación de los blancos en contra de los orientales y también el punto de vista que les dan a la tribu zulú.
Buscando similitudes con Untold Story se pueden encontrar bastantes. Primero, están los mismos excesos que hicieron de Untold Story una película de culto: las numerosas muertes, el sexo, lo grotesco y el humor negro. Incluso hay una escena en el restaurante que es muy similar. También están presentes los policías, aunque esta vez no se enfocan en ellos, sino en una sobreviviente de Kai, que busca atraparlo para saldar la deuda.

En el papel principal, de nuevo tenemos a Anthony Wong Chau-Sang haciendo de lunático asesino. El resto de los personajes no son sólo orientales, sino que también están estadounidenses y sudafricanos. El idioma inglés es muy utilizado, así también como los paisajes de Sudáfrica, la civilizada y salvaje.

Resulta igual de entretenida que la anterior y también de visionado obligado. Son esas películas un tanto traumantes que no todos pueden aguantar pero que en realidad se les puede sacar un poco más que entretención garantizada. Más divertida y efectiva, pero menos novedosa que Untold Story.

Death Shadows (1986)

2007-08-30T05:04:00.001+02:00

La licencia perdida
Por Fingolfin

Otra más del afamado director Hideo Gosha. Me ha resultado muy novedosa en algunos aspectos y me he visto con muchas dificultades a la hora de ubicarla en alguna de las etapas del autor. Sus dos películas mas cercanas eran las estilísticamente parecidas “Hunter in the Dark” y “Kumokiri Nizaemon”, 7 años antes que esta. “Death Shadows” cuenta con un argumento tan cuidado como las dos mencionadas pero reduciendo la duración sustancialmente.

La historia comienza con 3 condenados a muerte a los que se les da la oportunidad de convertirse en mercenarios de la policía a cambio de perdonar sus vidas. Un día, uno de ellos (Yasuke) se reencuentra con su hija después de muchos años y a causa de su debilidad, él y sus 2 compañeros son asesinados, optando ahora la policía por usar a su hija como relevo bajo el mismo trato que tenía él.

Con Hideo Gosha, salvo en sus primeros films, rara vez encontramos argumentos tan simples como el expuesto. Esa sinopsis de arriba es simplemente la presentación de la historia real, donde el enemigo es uno de los clanes mas importantes de Japón. La misión de los “verdugos de las sombras” es conseguir las pruebas suficientes para poder culpar al clan de negocios ilegales y obligar a su disolución.

La primera nota “curiosa” que nos deja Gosha es que los 3 protagonistas iniciales no pueden hablar, ya que el comisario les corta las cuerdas vocales asegurando su silencio y su secreto. Sin embargo el papel comunicativo de Yasuke es importante por lo que se recurre al lenguaje de gestos y a la voz de un narrador que se pone en la piel del actor.

La segunda característica y quizás la mas notoria son los interludios periódicos que se hacen durante el film. Nada más empezar la película aparece una mujer bailando con una cinta de las que se usan en gimnasia rítmica mientras van apareciendo los créditos. Es un detalle parecido al de las antiguas películas de kung fu, cuando un personaje nos entretenía esos primeros dos minutos haciendo movimientos sobre un fondo liso.

El caso es que cada cierto tiempo en algunos cambios de escena se introducen bailes que no llegan al minuto de alguna de las dos protagonistas. Durante todo el film hacen 3 cada una en un escenario lleno de humo y con luces de colores de fondo. Esta técnica es una manera de vencer el defecto que tenía “Hunter in the Dark” y “Kumokiri Nizaemon” que componian 3 horas de monotonía y desarrollo sin interrupción. Da un breve descanso mental al espectador para continuar como si no hubiera pasado nada.

Las coreografias pasan por varias etapas según el tipo de arma utilizada. En principio se utilizan cuchillos cortos con una pequeña bifurcación en la parte de arriba del mango (desconozco como se llaman). En estos casos la acción suele ser muy rápida, con mucha pausa espada contra espada, y en escenarios demasiado concurridos para disfrutar completamente de los movimientos.

Los más destacables son los duelos a espada, coreografiados de una manera que no había visto jamás en el cine de katanas. Las espadas chocan continuamente sin dar la sensación de buscarse descaradamente. La continuidad es enorme y prácticamente no hay pausas aunque se trate de un combate uno-contra-muchos. La cámara es fija y no suele cambiar hasta que acaba la lucha.

Finalmente tenemos los combates donde se ve implicada el arma más curiosa de todas: la cinta. Esa cinta de gimnasia que mencionabamos arriba es la utilizada por Ocho en sus combates, moviendola constantemente en espectaculares figuras y añadiendole un ruido propio del giro de una cuerda.

Dentro de los personajes no he encontrado ninguna actuación destacable. Hay un gran numero de actores que se dividen el tiempo de escena casi equitativamente, no dejando que ninguno se eleve por encima de los demás. Sin embargo no podemos pasar por alto el papel del inspector (conocido como Diablo), que es un loco perturbado con gustos y actitudes excéntricas; y el papel de Orén, que interpretada por Mari Natsuki es la que mejor impresión da. Suele mirar a la cámara mientras habla con los demas personajes y tiene una risa demasiado diabólica que resta calidad a su actuación.

Como valoración final, es un buen film que trata de mostrarnos el submundo de los samurais, manifestado en la corrupción de la policía y los clanes. Como he dicho muchas veces, nunca he encontrado una película de Gosha de la que realmente pueda decir “me encanta” pero con “Death Shadows” he disfrutado al menos de un Gosha muy cercano a mi gusto personal.

The Show Must Go On (2006)

2007-08-29T04:08:00.001+02:00

Un show que vale la pena
Por Master of Hate

Por falta de tiempo no había comentado “Rules of Dating” aunque recuerdo que me pareció una cinta por encima del promedio. Ahora con “The Show Must Go On” creo que va siendo necesario reconocer que Han Jae-rim tiene la capacidad necesaria para desprenderse del montón y poner a nuestra disposición trabajos bien logrados y, quizás con el tiempo, una sorpresa mayúscula.

“The Show Must Go on” es la historia de In-gu (Song Kang-ho) un hombre que ha vivido 20 años en el mundo de la mafia esperando poder algún día conseguir lo suficiente para sacar adelante a su familia. A pesar de su dedicación y lealtad hacia la organización las cosas no lucen nada bien ya que las disputas internas con el hermano del jefe están por estropear sus planes. Además de esto, In-gu tiene que enfrentarse a los constantes reproches de su esposa y al rencor de su hija quien desprecia su trabajo. La vida de este hombre se desmorona rápidamente, pero él lucha por no caer.

Dirigir una cinta de gángsteres parece ser el sueño de todo director surcoreano, y es que da la impresión de que tarde o temprano todos quieren hacer una película así (aunque en este caso, en gran parte también es un drama familiar). Esto no supone algo negativo cuando hay un guión sólido y las ideas suficientes para construir un filme que vaya más allá de lo que ya se ha visto hasta ahora. “The Show Must Go on” toma la vida de un hombre; muestra su debacle y su lucha por no perder lo que ha conseguido. Así de simple es la trama, pero aunque parezca sencilla, el director sabe como ganarse el interés del espectador y mantenerlo pendiente en todo momento.

No es ninguna sorpresa el que uno de los alicientes más importantes para visionar este trabajo sea la gran actuación de Song Kang-ho {“The Host”, “Memories of Morder”), pero es finalmente el director el que construye una historia sólida, una especie de tragicomedia que refleja las desventuras de un padre amoroso que tiene que lidiar con su mala suerte y un alud de problemas.

Probablemente no estemos ante la película del año, tampoco al trabajo más representativo del cine de gángsteres, pero sí tenemos una cinta que, combinando un poco de todo, logra entretener y además tiene el potencial de gustar a distintos tipos de público. En definitiva, un trabajo que vale la pena.

Tomie: Re-Birth (1999)

2007-08-28T06:17:00.001+02:00

El pánico a lo desconocido
Por Squareta

Esta cinta marcó el debut cinematográfico de Takashi Shimuzu, el que más tarde se haría famoso por su serie Ju-On. Comienza con un chico totalmente enamorado pero que en un acto compulsivo acaba con la vida de su amada. Sus amigos van a visitarlo y descubren el macabro hecho, el que deciden ocultar. Van al bosque y la entierran, sin saber que aquella muchacha es Tomie.

La historia se centra en tres chicos: El amante y sus dos amigos, Shun y Takumi. Shun es soltero así que no pasará mucho tiempo antes de caer rendido a los pies de la chica inmortal, sin importarle que fuese pareja de su amigo y causando el enojo de su madre quien no quiere por nada en el mundo que se ligue con Tomie. Takumi tiene pareja pero no puede sacar de su vida a Tomie, lo que provoca los celos de ella y un gran drama dentro de la relación.

El regreso de Tomie se ve en un nuevo escenario, mostrando cómo son las cosas cuando hay otra mujer cerca. Ya se sabía las dificultades que tiene Tomie para encontrar pareja estable pero ahora se sabe que tampoco puede tener amistades con chicas, ya que todas le tienen celos y es por eso que aunque le sobran los hombres está destinada a estar sola, hecho que puede justificar su actuar (¡aparte del hecho de que sea un monstruo!).

Con esta película la saga vuelve a caer en un ritmo lento aunque manteniendo la trama más elaborada, en un nivel similar a “Replay” pero con momentos de terror más elegantes de los que se vio en dicho film. Lo nuevo que se descubre de la chica es que puede traspasarse por objetos inanimados, lo que sumando a que es inmortal y se multiplica, la convierte en una plaga imparable.

En el rol de Tomie está Miki Sakai, quien ha participado en una gran lista de series de televisión y que ha sido la Tomie más experimentada hasta la fecha.

En resumen, para ver más como una rareza de Shimizu que como un film de terror. Otro de los puntos altos de la saga, dentro de la calidad de la misma obviamente, de la que ya se ha mencionado que no es muy alta.

Rang de Basanti (2006)

2007-08-27T03:40:00.001+02:00

El cambio es posible
Por Casandra

“Rang de Basanti” fue uno de los films más exitosos de 2006 en la India. Recibió multitud de premios en los Filmfare Awards, Star Screen Awards, Stardust Awards, GIFA Awards, Zee Cine Awards, IIFA Awards y BAFTA Awards. Suscitó polémicas, y el público y la crítica en su mayoría la señalaron como una gran película.

La historia es narrada por Sue (Alice Patten), una joven inglesa que llega a Mumbai con la idea de filmar un documental. Basándose en el diario que escribió su abuelo, un oficial británico, intenta reconstruir la gesta de un grupo de revolucionarios que lucharon por la independencia de la India. A través de una amiga, conoce a un grupo de desencantados universitarios que la acompañan en el proyecto. Poco a poco, lo que comenzó como un mero entretenimiento, provoca un fuerte cambio en los jóvenes.

El film se apoya en algunos hechos reales, como los problemas con el ministerio de defensa y el asunto de los MGI, y plantea una crítica explícita contra la corrupción en el país. Los personajes están delineados con un trazo fino, y cada uno posee rasgos psicológicos que ayudan a crear su prehistoria.

En el comienzo del film, los cuatro amigos, Dj (Aamir Khan), Aslam (Kunal Kapoor), Karan (Siddharth Narayan) y Sukhi (Sharman Joshi) no logran comprometerse con su país, porque lo ven como una nación viciada por la corrupción. Ante eso, su única salida sería emigrar. La llegada de Sue los enfrenta a otra realidad, y los empuja a tomar partido para modificar su país.

El film cuenta con un guión elaborado, la precisa dirección de Rakeysh Omprakash Mehra, la bellísima fotografía de Binod Pradhan y excelentes actuaciones. El guión consigue incrementar la tensión conforme avanza el relato, al tiempo que desarrolla en paralelo la historia de los revolucionarios del pasado y la de los jóvenes que ocupan sus roles en el documental que están filmando. Si en la primera parte el humor es un elemento común, en la segunda el giro dramático cambia el tono del film. La fotografía elige tonos ocres para la historia de los revolucionarios y colores vivos para la actualidad. En cuanto a la música de A. R. Rahman, no se destaca especialmente y funciona como un mero acompañamiento.

Las actuaciones son uno de los aspectos más destacados de la película. Más allá de la extrañeza que puede causar ver a Aamir Khan (de 42 años) como un estudiante universitario, el resto del casting parece bastante apropiado. Las interpretaciones de Soha Ali Khan, Madhavan, Sharman Joshi, Atul Kulkarni y hasta del propio Aamir Khan son muy buenas. Dentro de un reparto sin fisuras, se destacan ampliamente Kunal Kapoor, Alice Patten y Siddharth Narayan.

Sin lugar a dudas, “Rang de Basanti” es una muy buena opción para acceder al cine de la India para aquellos que aún no se han animado, dado que conjuga buenas actuaciones con un guión claro y una realización impecable.

Hana Yori Mo Naho (2006)

2007-08-26T16:07:00.001+02:00

¿Venganza?
Por Fingolfin

Esperadísima película para el 2006, que utiliza como carta de presentación los 7 premios recibidos en festivales de todo el mundo, y el hombre encargado de su dirección: Hirokazu Koreeda (quizás mas conocido por “el director de Nobody Knows”). No solo el éxito de su último trabajo es el que atrae público y crea expectación, sino que un factor importante ha sido la curiosidad por acercarse a su debut en el género samurai.

Soza es un samurai instalado en un barrio pobre de Edo. Su clan lo ha enviado a vengar a su padre bajo la promesa de una recompensa. Sin embargo su habilidad con la espada es nefasta, y su debilidad y compasión dificultarán enormemente su objetivo.

Venganza. Un tema tan típico del cine samurai como lo es el amor en el cine romántico. La venganza siempre ha sido mostrada tradicionalmente como algo honorable, y precisamente fue uno de los factores que dificultaron la comercialización internacional del cine chambara en sus inicios. Prácticamente cualquier película que podamos imaginar tiene una pequeña dosis, ya sea como elemento fundamental o secundario.

Tratemos de pensar por un momento, cual ha sido la historia de venganza más espectacular y admirable que encontramos en el panorama cinematográfico. ¿A nadie le vienen a la mente los 47 ronin? A día de hoy en esta pagina he comentado “The Loyal 47 ronin” (1941), “Chushingura” (1962), “The Fallo of Ako Castle” (1978), y “47 ronin” (1994). En todas ellas mostré mi enorme satisfacción y admiración por la historia (que además es verídica). Pues bien, lo que Hirokazu Koreeda hace en “Hana Yori Mo Naho”, es todo lo contrario. Trata de desmontar los ideales de venganza valiéndose de una técnica increíblemente intimista que busca la identificación del espectador con los personajes a través del realismo y la comedia.

Los sucesos del film se desarrollan simultáneamente a los preparativos de los 47 ronin (aunque representado de una manera insultantemente simple). Tratando de hacernos sentir compasión por el enemigo de Soza, desprestigiando los ideales de venganza, y ofreciendo otras alternativas, Koreeda hace que poco a poco vayamos perdiendo el interés por que esa venganza se produzca, y nos encamina psicológicamente a la búsqueda de un final feliz.

Algunos ejemplos ilustrativos de esa “degradación” de la historia, son frases como “un puñado de hombres para matar a un pobre anciano”…”un ataque furtivo de noche”…”un asesinato cobarde y cruel”…y hasta uno de los ronin antes de lanzarse al asalto llega a decir: “al final hemos acabado asaltándoles en sus camas”.

Saliendo del argumento, y entrando en las actuaciones, decíamos que el director era un novato en este género, algo que contrasta con algunos de los actores elegidos. Rie Miyazawa tiene en su filmografía “Twilight Samurai” y curiosamente, la versión de 1994 de los 47 ronin; a Tadanobu Asano ya le hemos visto en la piel de un samurai tanto en “Gohatto” como “Zatoichi”; y finalmente Katsuo Nakamura tiene un historial interminable en este género. Todos ellos actúan con una naturalidad apabullante, transformando la historia en algo íntimo y real, y con actuaciones muy comedidas, lejos de las exageraciones del cine clásico chambara.

La música es bastante moderna, por lo que al principio del film llega a producir un contraste muy parecido al de “Samurai Fiction”, pero que poco a poco se va adaptando, incluyendo además de la pieza alegre de presentación, otras melodías de carácter más dramático.

“Hana Yori Mo Naho” es una historia enormemente real e intimista, que trata de desmontar todo aquello a lo que nos tienen acostumbrados. Una valiente apuesta de Koreeda, que sin embargo en mi caso no ha conseguido más que provocarme unas ganas enormes de volver a revivir la historia de los 47 ronin. Fuera de eso, la película es estupenda, y quizás junto con “Shisso”, lo mejor que me ha dejado Japón este año.

Don't Look Back (2006)

2007-08-25T15:11:00.001+02:00

Tres historias, tres decepciones
Por Master of Hate

Como gran fanático del cine independiente, y en particular del cine minimalista de directores como Hong Sang-soo, tenía muchas ganas de ver esta cinta que ha funcionado muy bien a nivel de festivales. Pese a que he intentado que me guste (de hecho por ahí ya empezó mal la cosa) no he conseguido sentirme medianamente satisfecho al final del visionado de este largometraje. ¿Razones? está claro que no todo cine minimalista esconde potencial creativo e innovador, y que tampoco hay que dejar que la crítica diga la última palabra.

“Don’t Look Back” recopila tres historias independientes que tratan temas un tanto similares. El primer segmento relata la vida de una joven que vive junto a su hermana y que está en un mal momento, pues se halla inconforme con su vida y con su novio. Finalmente más problemas le sobrevienen y termina, de cierto modo, perdiendo el control de su frágil vida.

El segundo segmento relata una historia de amor bastante peculiar en la que un muchacho termina enamorándose de una mujer desconocida, luego de que casualmente éste consigue obtener información sobre ella, gracias a un amigo que planea chantajear al amante casado de dicha mujer. Además de este traspié amoroso, el muchacho se ve en una situación muy comprometida ya que esta a punto de ser despedido de su empleo y no sabe que rumbo va a tomar su vida después de eso.

El segmento final muestra las vivencias de un hombre que decide realizar su servicio militar muy tarde y que a tan sólo días de completarlo descubre que su esposa ha iniciado una relación con otro hombre. Su vida está caracterizada por el desinterés hacía la gente y las cosas que lo rodean. Cuando trata de retomar el rumbo de su vida, parece que ya demasiado tarde.

Las historias en su conjunto son una clara alusión al desengaño de una generación que se enfrenta a problemas personales. Los protagonistas son estereotipos de lo poco usual, gente que de algún modo u otro esta llena de desesperanza y negativismo. El entorno en todas las historias refleja ciertas similitudes y características muy reconocibles en la sociedad moderna. Por ejemplo, en el tercer segmento se ve como hay dos mujeres profesionales, independientes, capaces de tomar dediciones por si solas y por consiguiente hacer las cosas a su modo, mientras el protagonista no ha conseguido ninguna seguridad económica y no sabe ni siquiera lo que va a hacer el día de mañana. En tanto que en la segunda historia tenemos a un sindicato que lucha por sus derechos y a una compañía que trata de salirse con la suya luego de despedir al personal. De este modo tenemos a gente que se enfrenta a dilemas tanto personales como laborales, y que vive con un constante desengaño.

A pesar de que la cinta tiene escrita sobre sí la palabra realismo con letras mayúsculas, queda en evidencia que no se trata de una historia fácil de digerir. La cinta tiene un ritmo sumamente lento y carece de dramatismo, es un tanto difícil mantener el mismo nivel de interés de principio a fin y no sentirse un tanto aburridos con historias que dicen todo de una manera tan obvia, y es que cuesta encontrar en ellas un sentido más profundo.

Se me viene a la mente la película “My beautiful days” como un referente interesante, que puede servir para hacer una leve comparación en cuanto al contenido, ya que “Don’t Look Back” se acerca más a ésta cinta que al mismo cine de Hong Sang-soo que es lo que probablemente algunos esperaban por los antecedentes del director Kim Young-nam quien fue asistente de Hong en “Woman is the Future of Man” . En todo caso, me atrevo a decir que lo que tenemos entre manos es un trabajo bastante hermético que a pesar de tener unas cuantas ideas significativas, no consigue entusiasmar y tampoco dará mucho que pensar.

Tomie: Replay (1999)

2007-08-24T06:28:00.001+02:00

¿Has matado a alguien?
Por Squareta

El film se inicia frenéticamente, con doctores corriendo ya que ha llegado una pequeña niña de urgencia al hospital. Tiene solo seis años, pero está a punto de dar a luz. Los doctores, que apenas entienden la situación quedarán aún más perplejos después de operarla y es que no tenía un bebé en su interior, sino una cabeza que dice llamarse Tomie.

Este es el comienzo tan prometedor de la tercera película que lleva el nombre de Tomie. Dirigida por Tomijiro Mitsuishi, la historia gira entorno al hospital. Una Tomie nació en dicho lugar y llevará la maldición a todas las personas que la vieron nacer, entre ellos el jefe del hospital el que luego de presenciar el extraño hecho desapareció. La hija de él comenzará a investigar lo que ha pasado con su, encontrándose con la muchacha inmortal.

Lo bueno de Replay es que contiene elementos que sus antecesoras no tenían. Primero, una historia más elaborada ya que la cinta no sólo se queda en la chica inmortal y en sus amores (con todas sus consecuencias) sino que también vemos desarrollada la historia de Yumi, la hija del doctor, sus dramas familiares y sus nuevos amigos. Lo segundo es que posee unas cuantas escenas de terror más efectivas, se ve a Tomie más demoníaca y aumentan las escenas sangrientas.

El papel de Tomie fue interpretado por Mai Hosho, a la que más tarde se le vio también en “Suicide Club”. Los otros papeles principales son interpretados por Sakaya Yamaguchi y Yôsuke Kubozuka, quienes eran Yumi y Fumihito respectivamente.

Lo nuevo que se aprende de Tomie es que odia que le digan monstruo y los gusanos. Y lo más aterrador, que puede crecer dentro de las personas.

Uno de los puntos altos de la saga en relación a trama y terror, sin embargo no llega más allá que una cinta de terror promedio. Tampoco se le puede pedir más a una saga del tipo B.

I See You (2006)

2007-08-23T04:25:00.001+02:00

Un espíritu y un amor
Por Casandra

Raj (Arjun Rampal), conductor estrella de televisión en Londres, arrogante y mujeriego incurable, cambia su vida cuando conoce a Shivana (Vipasha Agarwal). A decir verdad, conoce a su espíritu, porque Shivana está en coma…

“I See You” es una comedia romántica donde no faltan las canciones, algún elemento de suspenso alrededor de la donación de órganos, y el constante llamado a reafirmar la identidad de los ciudadanos indios dentro y fuera de su país. En su primer trabajo como director, Vivek Agrawal produce una obra modesta y entretenida.

El mayor mérito del guión es la economía para plantear las situaciones, algo no muy habitual en el cine de Bollywood. Su falla consiste en ser altamente previsible. De hecho, hasta se incluye una escena copiada de “Le Fabuleux destin d’Amélie Poulain” de Jean-Pierre Jeunet. A pesar de ello, queda claro que la única pretensión del film es entretener, y podemos decir que lo consigue.

A nivel de la puesta en escena, resulta interesante la acumulación de sentido que se logra a través de los objetos. Un espejo, un par de anteojos, la televisión, todo apunta a reforzar la idea de que el amor nos enseña a ver las cosas de otra manera. Shivana es invisible para todos menos para Raj. Al enamorarse del espíritu, Raj se libera de su ceguera.

Los personajes están claramente delineados e interpretados por los actores, y todos ellos ofrecen buenos trabajos. En el comienzo hacen una fugaz aparición especial Hrithik Roshan y Shahrukh Khan. En cuanto a la pareja protagónica, resulta bella y simpática, y la química entre ellos funciona. Es para destacar la naturalidad de Vipasha Agarwal, en su debut como actriz de cine.

En síntesis, “I See You” es una comedia romántica con actores físicamente agraciados y solventes en su labor. Si bien no podemos destacar su originalidad, resulta una película efectiva y entretenida.

Lady Snowblood 2: Love Song of Vengeance (1974)

2007-08-22T06:22:00.001+02:00

Una carta explosiva
Por Fingolfin

El director Toshiya Fujita vuelve a traernos a la exitosa Yuki Kashima alias “Lady Snowblood” con una historia totalmente distinta. Hemos pasado de tener una película sobre el personaje para tener una en la que actúa como co-protagonista al servicio de la interesante trama política.

La historia está enmarcada en 1917. Cansada de luchar y huir, Yuki decide abandonar la espada y recibir su condena en la horca. De camino a su ejecución es rescatada por unos oficiales de la policía secreta que pretenden utilizarla como espía y arma contra los anarquistas. Es en medio de su misión cuando Yuki decide pasarse de bando conmovida por las palabras de Ransui Tokunaga.

Me sorprendió que hubiera segunda parte ya que el final de la primera era bastante concluyente. Durante los primeros minutos me vino a la mente el prototipo de segunda parte de película americana, donde se miran los puntos más exitosos de la primera y se repiten hasta la saciedad. El motivo es que cada 5 minutos hay un combate sin más explicación que la de perseguir a la protagonista, tanto por parte del gobierno como por caza recompensas. Gracias a dios el director ha sabido enfocarla bien hacia una historia mucho más productiva aunque demasiado encasillada en la política.

Las situaciones que mas se repiten en el film son las de torturas, una detrás de otra y a cual más sangrienta. A los prisioneros les hacen cualquier cosa para que confiesen, alcanzando el punto máximo cuando a uno de ellos le infectan con la peste y lo sueltan en medio de un barrio pobre (lo cual me suena demasiado peliculero desatar una pandemia por torturar un sospechoso habiendo otras posibilidades).

El título que he puesto al comentario va relacionado con el elemento que sustituye a “Lady Snowblood” como idea principal del film: una carta. Esa carta es una prueba concluyente contra el jefe de la policía secreta y un importante ministro, que llevaría a ambos a la horca en caso de hacerse pública. Los anarquistas pretenden aprovechar la oportunidad utilizando además la carta para desatar una revolución contra el poder.

La excesiva acción inicial va decayendo a favor del argumento hasta llegar al desenlace. Al encontrarnos en 1917 las pistolas y las escopetas son rivales a los que no se puede hacer frente con espadas, por lo que pondremos a prueba la imaginación del director para superar esa traba. Las coreografías están muy bien llevadas, destacando 2 escenas: el travelling frontal que abre el film con Yuki paseando mientras lucha despreocupadamente con unos caza recompensas, y el combate en 1º persona (como en un videojuego) que tiene lugar durante la parte final y que apenas dura unos segundos.

El argumento me gustó mucho, con una buena dosis de drama y acción que se combinan con la crudeza de las torturas y las muertes. Obviamente no puede gustarme tanto como la primera pero el director me ha convencido también en esta ocasión.

Project Makeover (2006)

2007-08-21T04:55:00.001+02:00

Si de verdad Windows hiciera eso...
Por Master of Hate

La brecha que separa a una comedia regular de una buena es tan pequeña que al tiempo que escribo estas líneas aún no sabría bajo que categoría ubicar a ésta. De todas maneras, el hecho de que mi indecisión se encuentre en ese punto parece un buen síntoma ya que no se me ha ocurrido ponerla entre las desechables.

Na Jung-ju (Ko So-young), a sus treinta años, se siente bastante amargada y dolida por el abandono de su primer amor que, casualmente, es ahora un cantante famoso que está de moda. Na Jung. Na culpa de todos los fracasos de su vida a ese fallido primer amor; sin embargo, un día, gracias a su portátil, descubre que es posible viajar al pasado. Inmediatamente, decide hacerlo para cambiar la dedición que tomó de hacerle caso al chico que la dejó abandonada. Una vez en el pasado, (1994 para ser exactos) Na se encuentra consigo misma cuando era aún estudiante de secundaria y a pocos días de conocer al chico que le arruino la vida. Rápidamente, la Na del futuro consigue ganarse la confianza de la joven, intenta encaminarla por otros rumbos y trata de relacionarla con el chico que de verdad le conviene. Sin embargo, las cosas parece que volverán a ocurrir tal y cual como ya ocurrieron antes.

Curiosamente empezaré hablando un poco de lo malo de esta primera cinta del señor Kim Chang-rae. Todas estas historias de viajes al pasado están bastante vistas; pero lo realmente molesto es cuando los medios por los que esto llega a ocurrir son tan inverosímiles que uno llega a pensar seriamente en detener el visionado de la cinta pues se siente un tanto avergonzado de seguir mirando. De todos modos, quienes tengas problemas con estos detalles arguméntales, deben dejarlos pasar ya que la historia resulta más entretenida de lo que parece al principio.

“Project Makeover” (Go Go Sister) es humor simple sencillo y directo, con los momentos melodramáticos de rigor y los gags que no pueden faltar. De esta forma, tenemos una comedia, algo típica, y sin nada realmente original, pero que por la simpatía de sus personajes consigue entretener lo suficiente como para que sea condescendiente con ella y hasta la recomiende.

Una comedia más que, sin tener el potencial de las grandes del género, se las arregla para brindarnos un par de horas de entretenimiento fácil y accesible.

Tomie: Another Face (1999)

2007-08-20T04:42:00.001+02:00

¿Qué harías por ella?
Por Squareta

Esta película está dirigida por Toshirô Inomata y se divide en tres historias, todas relacionadas con la chica inmortal. La primera de ella nos narra un triángulo amoroso entre una pareja de estudiantes y la nueva chica, Tomie, que llegó para romper esa relación. La segunda es sobre un fotógrafo obsesionado con encontrar a la muchacha perfecta, tal como lo era aquella mujer que veía todos los días cuando era un niño. Decide volver a su ciudad natal y ahí conoce a Tomie. La tercera historia nos muestra la vida de un hombre tan obsesionado con Tomie que estará dispuesto a hacer lo que sea para que su amor sea recíproco. En los tres capítulos se puede ver a un extraño sujeto que parece espiar a la muchacha.

En esta cinta Tomie se ve distinta pero sigue con sus rasgos característicos: sus ojos y su lunar. Además, esta película aumenta el ritmo y nos muestra una gran cantidad de historias, y es que a simple vista se ve que cada una se hace insostenible por tanto tiempo. Lo más curioso es que aunque son tres capítulos el film completo dura sólo 72 minutos, tiempo menor a la duración de una película común.

En el papel de Tomie se encuentra Runa Nagai, que aunque es desconocida mantiene un nivel creíble en la actuación. La calidad no ha mejorado mucho, ni tampoco el presupuesto. Y todavía no logra dar miedo, por el contrario, en esta ocasión son más las veces en que da risa la estupidez de los hombres que siguen con ella a pesar de todo lo extraño y malo que hace. Eso sí, la historia es más entendible que la anterior y esta vez además se conoce un nuevo secreto de Tomie: ella no sólo renace, sino también se multiplica.

Con una calidad aún inferior que la primera, no creo que merezca ser visionada al menos que quieran perder el tiempo o si realmente son fanáticos del manga.

Kabhi Khushi Kabhie Gham (2001)

2007-08-19T04:18:00.001+02:00

Entre las tradiciones y el amor
Por Casandra

La feliz vida de la familia de Yash (Amitabh Bachchan) y Nandini (Jaya Badhuri) se ve perturbada cuando su hijo Rahul (Shahrukh Khan) se enamora de Anjali (Kajol), una joven de familia humilde. Desafiando a su padre y a sus tradiciones, Rahul se casa con Anjali, y al hacerlo es separado de la familia. Años después, su hermano Rohan (Hrithik Roshan) tratará de reunirlos nuevamente. Karan Johar, director de “Kal Ho Naa Ho” (2003) y “Kabhi Alvida Naa Kehna” (2006), nos presenta un drama familiar, con su habitual toque para retratar y transmitir las emociones de los personajes.

“Kabhi Khushi Kabhie Gham” fue un éxito arrasador en la taquilla en el momento de su estreno. Y no es para menos, considerando el reparto y la solvencia del director y los rubros técnicos.

Como en toda gran producción de Bollywood, la puesta en escena es espectacular. El film posee un importante despliegue de vestuario y escenografía. Los números musicales cumplen la expectativa del público, con canciones pegadizas y coreografías complejas con excelentes bailarines.

Las actuaciones son destacables, en especial en el caso de Shahrukh Khan y Kajol. La química entre Kajol y Shahrukh Khan es uno de los puntales que sostienen el film, y que desde 1992 con “Baazigar” ha ido creciendo en películas como “Karan Arjun” (1993), “Dilwale Dulhania Le Jayenge” (1996) y “Kuch Kuch Hota Hai” (1998). Tal vez por ello el interés del espectador decae cuando en la segunda parte, el devenir de la historia se centra en Hrithik Roshan y Kareena Kapoor. Khan y Kajol poseen un excelente timing para la comedia, y además de cantar y bailar, logran emocionar en las escenas dramáticas.

Los personajes de Rohan (Hrithik Roshan) y Pooja (Kareena Kapoor) están dibujados con trazo mucho más grueso por los actores que los interpretan. Del grupo protagónico, la única que no está a la altura es Kareena Kapoor por cierta tendencia a la exageración en el modo de hablar y de los gestos.

Por otro lado, Amitabh Bachchan ofrece un trabajo efectivo, mientras que Jaya Badhuri se luce en el personaje de la madre que lucha por reunir a su familia. Rani Mukherji tiene una breve y fundamental aparición como la novia elegida para Rahul por su padre.

El guión de Shenna Parikh trata de comunicar cierta normativa al construir un discurso en favor de la familia como institución y de la patria (India) para aquellos que emigraron de su país y viven de acuerdo a costumbres ajenas. La historia de esta familia intenta señalar la necesidad de preservar las raíces, aún cuando en la película el amor redime a quienes transgreden esa ley.

“Kabhi Khushi Kabhie Gham” es una gran película. Gracias a la precisión y al oficio del director Karan Johar y del guión, los 210 minutos de duración se disfrutan a través de las “risas y lágrimas” que promete el título del film. Johar maneja con soltura los momentos cómicos y los dramáticos, y el sólido elenco ofrece interpretaciones memorables.

Samurai Wolf II (1967)

2007-08-18T06:24:00.001+02:00

Una dudosa liberación
Por Fingolfin

No tanto como la continuación, sino lo que habría podido convertirse en una serie de aventuras estilo “Lone Wolf and Cub” o la mismísima “Zatoichi”. Hideo Gosha vuelve a utilizar a Kiba Okaminosuke para una nueva aventura en un estilo muy parecido a la anterior, pero totalmente inconexas entre ellas.

Okaminosuke se cruza con un grupo de samuráis que portan unos prisioneros encerrados. Entre los condenados reconoce a un hombre muy parecido a como lo fue su padre antes de morir, por lo que decide protegerlo de los asaltantes y más tarde ayudarle a escapar. Con ese gesto desencadena una sucesión de intentos de venganza que terminan con el enfrentamiento del ronin liberado y su antiguo clan, con nuestro protagonista en medio.

Esta vez la duración es mas corta aún, descendiendo hasta los 68 minutos. El argumento tampoco da para mucho más, y prueba de ello es que el 60% del metraje esté compuesto de acción. Una ventaja sobre su predecesora es precisamente en este terreno, eliminando aquellas coreografías con cámara ralentizada (que ahora se utiliza para otras cosas), y utilizando una exquisita cámara fija aérea. Los personajes entran y salen del área de grabación a voluntad, dotando de mayor realismo y continuidad los combates.

El problema llega más tarde, cuando Okaminosuke comienza a tener problemas y sufre heridas en un brazo. Las coreografías dejan de ser elegantes para tornarse desesperadas, con un personaje que prácticamente se defiende como gato panza arriba.

El argumento es mucho mas pobre que el de la primera parte, y si bien se presentaba interesante cuando nuestro protagonista conoce al reo, después cae derrotado frente al aburrimiento, con una historia donde presumes exactamente lo que va a pasar, ya que la trama no tiene más salidas.

Como habrán podido apreciar, no me ha gustado mucho más que la primera, pero sigo reconociéndole un mérito bastante grande para pasar un rato entretenido. Lo cierto es que el personaje de Okaminosuke tenía el carácter y el perfil idóneo para convertirse en un incansable aventurero como los terribles Zatoichi e Itto Ogami. Una lastima que no se le dieran más oportunidades o se pusiera mayor empeño en un guión que supiera aprovecharle al máximo.