Barefoot Gi Bong (2006)

Razones para seguir
Por Master of Hate

En el 2005, la cinta “Marathon” del director Jeong Yoon-Chul se convirtió merecidamente en una de las películas más aclamadas del año. Pues bien, ¿qué tiene que ver esto con “Barefoot Gi Bong”? En realidad existen importantes semejanzas entre la cinta antes mencionada y “Barefoot Gi Bong”, obra del novel director Kwon Soo-kyeong. Manejándonos a un nivel algo más superficial, se puede decir que la cinta en discusión sigue la tendencia de otras cintas coreanas como “Mr. Gam’s Victory” o “Champion” que son otras historias basadas en personajes y hechos reales.

“Barefoot Gi Bong” es un drama conmovedor con un fuerte mensaje de superación. Luego de un pequeño preludio que nos pone al tanto sobre los hechos en los que está basado el largometraje, nos metemos en la vida de Gi Bong (Shin Hyeon-Jun) un hombre que debido a una fiebre que sufrió de pequeño, termino con notorias discapacidades físicas y mentales, pues a pesar de tener aproximadamente 40 años, su cerebro es el de un niño de 8.

Los incontables recorridos que ha realizado a lo largo de 30 años en su pueblo, le hicieron ganarse el apodo de Barefoot Gi Bong, en alusión al hecho de que continuamente se lo ve correr con sus pies descalzos. Un día, por casualidad del destino, Gi Bong participa en una carrera y resulta vencedor de la misma. El Sr. Baek, alcalde del pueblo, conciente de este hecho, lo convence para que participe en una importante competencia en la capital. Gi Bong por su parte, acepta porque necesita el dinero del premio para comprarle una dentadura postiza a su madre.

Tanto el mensaje de superación, como la presencia de una determinada discapacidad en el protagonista, son los elementos de esta película que más recuerdan a “Marathon.” Ahora, también en ambas es posible ver la importancia que ocupa el papel afectivo entre madre e hijo, pero en el caso de “Marathon” las cosas fluyen de otra manera y quizás existe un balance más acorde a las exigencias del film.

Una de las cuestiones que más difícil se hace evaluar, es la manera directa y contundente de afrontar al espectador. No es tan sencillo decir “es demasiado melodramática.” Las opciones en cuando a la evolución del argumento no son muchas, ya que la idea detrás del film esta bien definida y de una u otra forma la intención final es conmover, llegar al espectador, causar cierto impacto, etc.

No dudo que a más de uno le parezca una desfachatez la manera en la que el director intenta manipular al espectador, pero no es ni el primero ni el último en hacerlo, así que por mi parte no tengo nada que achacarle.

En cuanto a las actuaciones, soy de la idea que en casos como éste no se puede hablar realmente de sobreactuar nada debido al perfil del protagonista. Me parece que es un papel bastante desafiante para Shin Hyeon-Jun, conocido por sus papeles estelares en dramas épicos como “Bichunmoo” o “Shadowless Sword”; comedias de gángsteres como “Hi! Dharma 2” o “Marriyng the Mafia 2” entre otros. Otras grandes figuras que hallamos en el reparto son: Kim Soo-mi (“Mr Gam’s Victory”, “Mapado”) y Im Ha-ryong (“Welcome to Dongmakgol”). También, vale la pena mencionar que el mismo Shin Hyeon-Jun ha declarado que este es el primer personaje que en verdad ha querido interpretar.

Si bien en términos generales la cinta es un trabajo bastante logrado, existen detalles sin mucha relevancia que pudieron ser pulidos, en particular un par de escenas innecesarias, pero nada más. Ahora, comparándola nuevamente a “Marathon” está claro que el único aspecto que llega a estar a su altura es la música. Personalmente, también le sumaria las actuaciones, especialmente del lado de Hyeon-Jun, pero no se hasta que punto esta idea pudiera ser compartida. La fotografía es de gran nivel, cosa que es de esperarse por el contexto de la historia.

Finalmente, podemos decir que estamos ante una gran película, de eso no cabe duda. Lo considero un trabajo muy importante por su mensaje y el tema que decide tratar. No pienso que intente emular a “Marathon”, aunque puede ser que el éxito de éste haya sido un aliciente para la realización de “Barefoot Gi Bong”. Además recordemos que se trata de otro hecho real. En todo caso, se trata de un trabajo que recomiendo a los seguidores del cine asiático en general.

Zatoichi´s Cane Sword [15] (1967)

La hoja que pasó a la eternidad
Por Fingolfin

Kimiyoshi Yasuda nos trae la 15º entrega de Zatoichi, y junto con Kenji Misumi, Tokuzo Tanaka, y Kazuo Ikehiro, se convierte en el 4º director que ha dirigido 3 películas de la saga, poniendo fin al ciclo rotativo.

Como viene siendo costumbre en los últimos films, en lugar de comenzar con una pelea, comienzan con algún muerto que dirige sus últimas palabras al espadachín. En esta ocasión no imaginábamos que el fallecido pudiera tratarse de un gran jefe local, asesinado por su rival Iwagoro.

La espada de Zatoichi es examinada por un herrero del pueblo, quien afirma que fue forjada por su maestro, y que le queda un último golpe antes de partirse para siempre. Ante este anuncio el espadachín se la regala como recuerdo y toma un palo de madera como bastón.

Shizu, la hija adoptiva del hombre que murió al principio, es prácticamente “secuestrada” por el inspector provincial, que la quiere poner a su servicio. El espadachín no estará dispuesto a aceptarlo, y tendrá que enfrentarse con él y con Iwagoro, con el que cobrará venganza.

Esta vez si que tenemos ausencia de acción hasta muy entrado el argumento, ya que además está el problema de que Zatoichi debe cuidar bien su espada, y reservar ese ultimo golpe. Mientras tanto le podremos ver empleando el bastón a modo de katana, cogiéndola con ambas manos en la posición típica del kendo, y no con su habitual “Reverse Sword Drawing” (con el que sería imposible manejar un bastón de ese tamaño).

En el combate final se introduce la novedad de atacar con todo tipo de objetos (barriles, carretas…etc) con la intención de desestabilizarle antes de luchar.

El argumento está bien planteado, aunque conducido por el destino y la casualidad. Tiene alguna incongruencia ya que su espada según se dice fue forjada en la juventud del maestro del herrero, lo que significa que es bastante antigua. Durante la saga, el espadachín perdió su espada al final de “The Tale of Zatoichi Continues”, y posteriormente se le rompió al final de “Zatoichi, The Fugitive”, lo que quiere decir que el director no ha puesto demasiada importancia en ese aspecto.

Película bastante buena, por encima de la media habitual, y solo le faltó ese punto que yo esperaba de Kimiyoshi Yasuda después de haber dirigido “The Adventures of Zatoichi”.

Romantic Comedy (2002)

Buscando pareja
Por Master of Hate

Kim Hyo-jin trabaja como empleada en una agencia matrimonial. Irónicamente, su monótona vida y el poco tiempo que dedica a sus asuntos personales la han dejado sin la posibilidad de tener una pareja estable. Para ocultar su fracaso sentimental ante sus compañeros de trabajo, pretende mantener una relación con un ex novio. Todo cambia cuando decide hacerse cargo de Park Hyeon-su, un despistado cliente, cuyas citas han sido un total fracaso. La misión de Hyo-jin es conseguir una mujer adecuada para este cliente, sin embargo, quizás ella misma sea esta mujer.


“Romantic Comedy” aka “A Perfect Match” no es precisamente el epitome de la comedia en Corea, y por el contrario viene a ser un filme del montón; no particularmente malo, pero sí muy lejos del nivel que se desearía. En los roles principales tenemos a dos figuras importantes. Shin Eun-Kyung estrella de la saga “My Wife is a Gangster” y Jeong Jun-ho, estrella de otra importante saga como es “My Boss My Teacher.”

La historia resulta interesante por el hecho de revelar una notable tendencia de la sociedad actual: el miedo a quedarse soltero/a. Obviamente, no es así en todos lados, pero es sabido el temor que tiene un sector particular de hombres tanto como de mujeres de no lograr contraer nupcias, llegada cierta edad.

En la cinta se trata el tema, pero de modo bastante trivial puesto que se trata de una comedia romántica sin interés en dramatizar demasiado el asunto. Por el contrario se ridiculiza mucho a las parejas que no hallan su media naranja y en otros casos sólo sirven de vehículo para algunos chistes.

Las actuaciones son regulares, pero no es la carencia de talento lo que las deja así, se trata más bien de lo liviana y floja que resulta la trama a la hora de crear el ambiente idóneo entre Hyo-jin y Hyeon-su. El problema es que disponen de tiempo muy limitado para poder acercarse; quizás un poco más de atención al modo que fluye su relación hubiese sido favorable.

Finalmente, la película funciona más como una sencilla y algo ingenua historia de amor, con algunos clichés reconocibles y un par de chistes bien colocados. Su visionado no es para nada necesario si es que no se es un ferviente seguidor del género, aunque supongo que quienes hayan seguido la carrera de los protagonistas, rostros muy conocidos del cine coreano, querrán verla; de ser así, no esperen demasiado.

Zatoichi´s Pilgrimage [14] (1966)

Tohachi el salvaje
Por Fingolfin

La primera duda me la planteó el cartel, ya que tanto ésta como “Zatoichi´s Cane Sword” llevan el número 15 en la portada. Revisando los títulos internacionales, y basándome en ellos, “Zatoichi´s Pilgrimage” es la que se corresponde con “Zatoichi 14”.

Está dirigida por Kazuo Ikehiro (“Zatoichi and the Chest of Gold”, “Zatoichi´s Flashing Sword), y cuenta con un buen número de conocidos actores: Kunie Tanaka (156 películas a sus espaldas entre las que destacan “Yomigaeri”, “The Hidden Blade”, y la serie de TV japonesa “Shinsengumi”), Hisashi Igawa (trabajó con Kurosawa en sus ultimas películas “Dreams” y “Rhapsody in August”, además de la última versión de “47 ronin”), y para terminar, una actriz mítica, Michiyo Ookusu, a la que he tenido el placer de ver muy recientemente en “Snowy love fall in Spring” y “The Hanging Garden” (también en “Takeshi´s Zatoichi”).

Dejando atrás el cartel de actores que no podía pasarse por alto, el argumento se inicia con un asesinato de Zatoichi, enfrentándose a un luchador que no da explicación alguna. Guiado por su caballo llega a casa de la hermana (Michiyo Ookusu), y tras ser atacado ante la rabia de ésta, comienzan una buena relación de amistad…y quizás algo más.

El enemigo, “el malo”, el “monstruo final” es Tohachi, un hombre cuya definición es casi idéntica al papel de Toshiro Mifune en “Abare Goemon”, es decir, salvaje, maloliente, irrespetuoso, bruto…etc. Es una de las pocas veces (tal vez la única) que el peso del último combate recae sobre el jefe de la banda rival, ya que habitualmente suelen ser guardaespaldas, yakuzas, u otros mercenarios contratados.

Las coreografías a espada están bastante trabajadas, aunque el mayor peligro que acecha es el arco de Tohachi. Entre el resto de sus hombres no hay nadie que destaque especialmente en habilidad, por que lo que todas las luchas serán los habituales 1 contra 100, con la novedad de que en alguna ocasión Zatoichi empuña la espada con ambas manos en su estilo particular.

Película bastante entretenida, y una de las que definen perfectamente el nivel de calidad medio de toda la saga.

My Scary Girl (2006)

¿Es mejor estar soltero?
Por Master of Hate

Cuantas veces se ha dicho que es mejor quedarse soltero. Pues bien, así es como comienza “My Scary Girl” que nos presenta una simpática historia en la que Park Yong-woo interpreta a Hwang Dae-woo, un hombre que a pesar de tener ya treinta años aún no ha tenido novia y ni siquiera ha besado a una mujer. A pesar de estar completamente seguro de que la soledad es la mejor compañera, Dae-woo empieza a cambiar de idea, sobretodo después de conocer a su nueva vecina Lee Mi-Na (Choi Kang-hie).

Luego de un par de intentos fallidos de establecer una relación, Mi-Na decide tomar la iniciativa ya que al parecer Dae-woo carece de la experiencia necesaria. Todo parece ir de maravilla, pero Dae-woo ignora que su adorada novia esconde un terrible secreto en su apartamento.

Saliendo un poco de lo que es el estilo habitual de hacer comedias románticas, el director Son Jae-gon (responsable de “Fun Movie” cinta que parodia casi una década del cine Coreano) nos trae una original cinta que mezcla la comedia, el romance y el humor negro.

A priori la cinta puede sonar a una especia de parodia (tener en cuenta que el director es experto en esto) de “My Sassy Girl.” La verdad es dentro del filme no hay nada en concreto como para afirmar semejante cosa (en todo caso podría ser una especie de respuesta…) así que todo parece quedar en un intento de darle algo más de valor comercial al filme

Lo que más puede llamar la atención es la manera que tiene el director de encarar la trama, pues se aleja del esquema de siempre que por lo general nunca deja de lado el melodrama; así mismo, no ha intentado hacer énfasis en los aspectos más profundos de cada personaje. De este modo, no se busca justificar excesivamente a nadie ni redimir sus culpas. Esta, termina siendo una forma de aliviar al espectador que se siente menos manipulado al ver una trama libre de elementos usados hasta el cansancio (véase: recuerdos de la niñez, escenas bajo la lluvia, nieve, o enfermedades terminales).

Las actuaciones son bastante adecuadas; es verdad que ninguno de los protagonistas es una estrella del momento, pero saben encarar bien sus personajes y aportan mucho a una escena que a veces se satura con los mismos rostros.

Para ser una comedia de bajo presupuesto rodada en HD, es razonable afirmar que se trata de una película que inyecta frescura y originalidad a un mercado que a pesar de encontrarse aún en un momento bastante dulce, ha mostrado ya de que pie cojea. ¿Recomendada? ¡Claro que sí!

Zatoichi´s Vengeance [13] (1966)

El enemigo mas poderoso
Por Fingolfin

Si “Zatoichi and the Chess Expert” situaba a Kenji Misumi a la cabeza entre los directores con mas películas de la saga, Tokuzo Tanaka hace lo propio con el film numero 13 de Zatoichi, y la 3º de su cuenta particular. Destacamos entre los actores la aparición estelar de Shigeru Amachi (el gran Hirate en “The Tale of Zatoichi”), y la de Kei Sato.

El masajista ciego presencia un asesinato en medio del campo, y se cruza con el asesino sin mediar palabra alguna. Cuando se sienta junto a la agonizante victima, recibe una gran suma de dinero y un nombre a quien debe entregársela: Taichi.

Al encontrar 2 dados dentro de la bolsa, el espadachín deduce que se trata de un jugador, así que decide quedarse con el dinero (otra actitud inesperada al igual que con la que abría “Zatoichi and the Doomed Man”).

Guiado por la casualidad se topa con Taichi y su abuela en un pequeño poblado, y allí les entrega el dinero. Hablando con ellos descubrirá los planes del jefe Gonzo, que intenta apoderarse de todos los negocios del lugar.

El terreno de la acción es espectacular, recordándome los primeros films donde además de ofrecernos calidad, nos impresionaban. Los combates están rodados en su mayor parte con cámaras laterales fijas, al mas puro estilo Kenji Misumi, sin miedo, dejándonos ver la coreografía completa y sin cortes. En alguna ocasión también se utiliza alguna imagen superior, igual que la empleada en la Zatoichi de Kitano cuando el guardaespaldas lucha por primera vez.

El título que he puesto a la crítica no está relacionado con el “enemigo final”, ni con ningún otro luchador en particular (aunque podría serlo). El enemigo mas poderoso al que Zatoichi debe enfrentarse es la mente de un niño. Durante una de sus demostraciones de habilidad, el joven Taichi le observa, y queda obsesionado por su fuerza y su poder. Un ciego con el que el espadachín se cruza le advierte del peligro de su acción, y Zatoichi tendrá que soportar bastante dolor para poder deshacer el entuerto.

Otro enemigo importante es el sonido. No es la primera vez que se utiliza como arma para confundir sus sentidos, pero quizás es la ocasión en la que mas énfasis se pone en este aspecto, usando tambores para ello.

Concretando la historia de Zatochi, el ciego viajero nos dice que el espadachín no fue ciego de nacimiento, sino que perdió la vista a los 5 o 6 años. Si soy sincero no puedo recordarlo con claridad, pero creo que no se había mencionado algo así con anterioridad.

Coreografías de lujo y grandes actores para marcar “Zatoichi 13” como una de las películas clave dentro de la filmografía. La mejor desde “The Adventures of Zatoichi”.

Love Phobia (2006)

Miedo
Por Master of Hate

Cuando una película viene avalada por cuestiones sensacionalistas, antes que por lo atractivo de su guión, hay que irse con mucho cuidado pues nos puede esperar una bofetada. El novel director Kang Ji-eun nos ofrece una historia que a grandes rasgos puede ser calificada “del montón” ya que cuenta lo mismo de siempre, sólo que con nuevos rostros y con algún cambio menor que a la larga no tiene trascendencia.

Kang Hye-jeong (“Oldboy”, “Welcome to Dongmakgol”) interpreta a Ari, una simpática joven que tiene temor a relacionarse con la gente, ya que supuestamente lleva una especie de maldición que daña a quienes estén a su alrededor. Cho Seung-woo (“Marathon”, “Who Are you?”) interpreta a Jo Kang, el mejor y único amigo de Ari, que no tienen ningún temor al supuesto “hechizo” de su amiga. Ambos siempre tuvieron una relación muy buena desde niños, pero se vieron separados por varios años. Cuando se reencuentran pareciera que nada ha cambiado y que su amistad está a punto de convertirse en algo más. Sin embargo, un día Ari desaparece sin ninguna explicación.

Probablemente la sinopsis no suene tan mal, pero ¿por qué suele desaparecer la gente tan de repente? si repasamos un poco la tradición de este tipo de cintas, nos toparemos con la dura realidad que nos revela que hay alguna enfermedad maliciosa que se entromete en la relación perfecta. Lo que hay después es: dolor, lágrimas y recuerdos.

“Love Phobia” no estaría nada mal si este mismo año no hubieran salido cintas como “Mi Girl and I”, “A Millonaire’s First Love” o “Now and Forever”, (qué decir de años pasados…) En otras palabras, no estaría nada mal si no estuviéramos prácticamente nadando en un manantial de filmes que parecen copiarse unos a otros.

No quiero ser cruel sólo con esta película, ya que hay un buen puñado que peca de lo mismo, pero si es un buen momento para poner a consideración del personal el modo en el que se ha saturado el género. Pese a esto, el hecho de que tales producciones no paren de salir, sugiere que hay una respetable demanda y que las seguiremos viendo.

Me gustaría dedicar unas líneas para hablar sobre las actuaciones, pero ¿qué puedo decir, a parte de que son buenas? Los protagonistas son figuras que están muy de moda (y que hasta la fecha son pareja en la vida real) De todas formas, esta claro que grandes actores no salvan una historia sin potencial.

“Love Phobia” tiene muy poco que ofrecer y aunque su primera parte sale más o menos librada de la guillotina, la segunda se vuelve más de lo mismo: una formula que últimamente se aplica de memoria y sin variantes.

Zatoichi and the Chess Expert [12] (1965)

Una partida a muerte
Por Fingolfin

Es la 3º película dirigida por Kenji Misumi (“The Tale of Zatoichi”, “Fight, Zatoichi Fight”), creador de la saga junto con Kan Shimozawa y el propio Shintaro Katsu. Mencionar que este film ha sido considerado por muchos como una de las mejores películas de toda la serie.

El espadachín continúa su viaje huyendo de los problemas, hasta que se topa con un misterioso samurai con el que entabla amistad y se bate en conocimientos de ajedrez. Pronto descubrirá la importancia que tiene el juego para su compañero, y eso le hará plantearse su relación con una serie de asesinatos que están sucediendo en el pueblo.

Si en la película anterior Zatoichi comenzaba en la cárcel y daba muestras de vulnerabilidad, este film le degrada más aun si cabe. En primer lugar, el habitual combate con el que abre cada película termina con un resultado bastante novedoso, ya que sus adversarios continúan vivos después de la lucha. Zatoichi alega que no le gusta quitar vidas sin sentido.

Mas tarde comenzamos a ver a un ciego mas torpe que nunca, chocándose con las cosas, mucho menos capaz de prevenir el riesgo, y con ligeras dificultades para el combate.

Una curiosidad que podemos apreciar gracias a estas coreografías mas lentas, son algunos fotogramas finales al movimiento de espada, donde vemos la mano que empuña al estilo “Reverse drawing” en posiciones tan complicadas que carecen totalmente de fuerza, lo que nos confirma lo ficticio que resulta todo lo que rodea las coreografías de combate.

En contrapartida a su descenso de habilidades tenemos su potencia intelectual, capaz de jugar al ajedrez con un tablero imaginario en su cabeza (táctica que su rival también imita mas adelante). El ajedrez a su vez sirve para desvelar un poco la trama de misterio en torno a la identidad del asesino, sacando conclusiones de la actitud y los gestos.

Volvemos a la relación de amistad entre el espadachín y el que tarde o temprano será su rival, exactamente igual que en la primera película de la serie (dirigida por Kenji Misumi), en cuyo caso teníamos al mítico Hirate como compañero.

Otro recuerdo es el de la primera escena de aquella película, donde Zatoichi engaña con los dados a los jugadores dejando al espectador boquiabierto. Es la primera vez que se repite un truco en toda la serie, lo que me defraudó bastante, ya que sabía perfectamente como iba a terminar. Sin embargo era necesario, ya que es importante valorar el descenso de habilidades de Zatoichi también en el terreno de los juegos.

Y para terminar con las relaciones respecto a las primeras películas, el amor vuelve a tomar parte importante, con una nueva “mujer Zatoichi”.

Como conclusión, sinceramente, y hablando siempre del grupo del películas ya comentadas, no la considero entre las 5 mejores.

Monopoly (2006)

¿Error o traición?
Por Master of Hate

Kyung Ho (Dong-kun, “Fighter In The Wind”, “Disco King”) es un tímido e introvertido hombre con un gran talento para las computadoras. El encuentro con John, (Kim Seong-su) un misterioso personaje, cambia radicalmente su solitario estilo de vida. Ambos se convierten en “buenos amigos” y poco a poco Kyung Ho se va sumergiendo en un maléfico plan maestro, que pretende sustraer pequeñas cantidades de dinero de numerosas cuantas a lo largo de todo el país hasta acumular una cifra millonaria. El único capaz de ayudar a John a llevar a cabo su plan es Kyung Ho.

“Monopoly” Es otra cinta en dentro del género de crimen que se queda corta en su intención de ser original y atractiva. Lo primero que hay que mencionar (y que además es una de las primeras cosas que se revelan) es que las motivaciones del protagonista, aparentemente, parecen recaer sobre la relación homosexual que tiene con su manipulador amigo. Podemos deducir entonces que la intención ha sido salir del los esquemas demasiado familiares. El problema es que esto, poco o nada aporta a favor de la película. La interacción entre John y Kyung Ho es bastante limitada y breve, como para poder asumir que el vínculo que nace es lo suficientemente sólido, y es precisamente por eso, que se intuye el camino de la cinta.

Así mismo, la manera de narrar del director Lee Hang-bae sufre de cierta inconsistencia al intentar usar cada “flashback” como único impulsor del desarrollo de la historia. La práctica de este sistema puede impresionar en un principio, pero va perdiendo eficiencia de modo rápido hasta que se hace demasiado pesado y monótono. En cuanto al desenlace, pareciera ser un simple un intento de unir algunos cabos sueltos y sorprender con un giro desorbitado, que no logra su cometido.

El film no tiene interés en desarrollar la personalidad de ningún personaje en especial, incluso el mismo Kyung Hoes un ejemplo de ello, pues a parte de ser retratado como un “nerd” con ciertas tendencias homosexuales, poco o nada se hace para profundizar en su personaje, quedando todo a un nivel demasiado superficial.

El nivel de suspenso que se logra crear es relativamente pobre, con esporádicas escenas rescatables, y en su conjunto la película me ha parecido sosa y con un guión que deja mucho que desear, y con un potencial que no se ha sabido aprovechar.

“Monopoly” será seguramente otra de las películas que va a pasar sin pena ni gloria este año. Quienes quieran ver algo dentro del género que en verdad valga la pena, pueden buscar títulos como “The Big Swindle” o “Jakarta.”

Please Teach Me English (2003)

Improve your English
Por Master of Hate

“Please Teach Me English” bien puede llevarse el premio entre las comedias más “ridícula” (y no lo digo a modo ofensa) que han visto la luz en los últimos años. Se trata de una cinta que toca un tema bastante común en muchos países no angloparlantes.

La necesidad de aprender ingles, y las peripecias de un grupo de estudiantes de todas las edades y niveles sociales, son el punto de partida de esta hilarante comedia.

Luego de un bochornoso incidente en una oficina de servicios públicos, Na Yeong-ju (Lee Na-yeong) se convierte en la empleada elegida de para recibir clases de ingles. Durante los primeros días del curso, Yeong-ju se enamora de su compañero Park Moon-su (Jang Hyuk) quien tiene más interés en ligarse a la maestra que en cualquier otra cosa. La pareja, que posteriormente se hace llamar “Candy” y “Elvis” (nombres americanos para su clase) tiene que superar varios escollos antes de poder cumplir sus metas.

¿Comparaciones? Si echamos un vistazo a la carrera de Kim Sung-su, director de la película, podemos ver que se trata del responsable de cintas como “Beat” o “Musa” que no tienen nada que ver con esta comedia. Si buscamos fuera de la filmografía del director, quizás podamos citar trabajos como “He Was Cool” o “Crazy First Love” a manera de referente, aunque la verdad, flaco favor le hago con semejante comparación.

En realidad la película mezcla todo tipo de chistes, desde los más “estúpidos” hasta los más “efectivos.” A esto hay que sumarle el ritmo frenético que tiene en algunos intervalos. El resultado es variopinto, pues por momentos es inevitable reír a carcajadas, y en otros, sentir vergüenza en caso de ser pillado viéndola. No obstante, rompo una lanza a su favor ya que el objetivo final de la cinta, que es hacer reír, se cumple con creses.

No es posible pasar por alto la buena interpretación de Lee Na-yeong (“Who Are You?”, “Someone Special”) y Jang Hyuk (“Volcano High”, “Windstruck”). Posiblemente con un mejor guión, hubiese sido posible explotar aún más el talento de este par de buenos actores. Por otra parte, la actriz australiana Angela Nelly tiene un importante papel al interpretar a Catherine, la instructora de Ingles. Probablemente esta sea la participación menos desastrosa de un actor extranjero (particularmente aquellos que suelen interpretar personajes americanos) hasta la fecha.

La creatividad del director también resulta importante dentro de cierta medida pues hay una simpática mezcla de animación, (algunos tramos incluso en 3D) que agregan mucho colorido a las escenas. Desde luego, no siempre son oportunas, pero en su mayoría han valido la pena el esfuerzo.

“Please Teach Me English” es una cinta con un gran potencial, que ha sido explotado parcialmente. De todos modos, la colocaría por encima de la “comedia romántica promedio” debido a que esta llena de sorpresas, y es bastante impredecible. Por último: atención a los cameos.

The Hanging Garden (2005)

¿Hipocresía o sinceridad?
Por Fingolfin

Toshiaki Toyoda, (“Pornostar” y “Blue Spring”), dirige este drama basado en la novela de Mitsuyo Kakuta, y desde el principio llama la atención por una serie de técnicas, detalles y características que describiré a continuación.

“En mi familia no ocultamos la verdad, ningún tema es tabú, y compartimos todo los unos con los otros”. Así funciona la familia Kobayashi, formada por Takashi y Eriko (padre y madre), Sacchan (abuela), Ko y Mana (hijo e hija). Lo que parecen una serie de normas que se basan en la sinceridad, terminan creando una situación de tensión, mentiras e hipocresía, haciendo todo lo contrario a su norma y guardando las apariencias de unidad familiar.

Personalmente he podido apreciar quizás de forma muy especial el vocabulario del film. Ya de por sí es una de las cosas que mas llaman la atención, pero cuando traduces los subtítulos y te olvidas de las imágenes puedes fijarte mas aun si cabe de lo curiosos que son. Están repletos de expresiones vulgares, malsonantes, coloquiales o incluso “particulares” (tal es el caso de referirse al momento de la concepción con un: ¿cómo me cocinasteis?). Se consigue un efecto directo e incluso impactante al espectador, al ver como se tratan temas tan serios como enfermedades sexuales, cáncer o sexo, con total naturalidad o incluso con sentido del humor.

El tema principal de la película es la educación familiar. Eriko es la creadora de ese núcleo familiar tan estricto, poniendo reglas que ella misma quebranta y cuyo único objetivo es mantener la unión. Desde el principio sabe de la infidelidad de su marido y aun así siempre guarda una sonrisa hipócrita para él y para su amante.

Sin embargo el perfil y la manera de ser de Eriko se remontan a su vez a su propia infancia, con una madre despreocupada, que la trataba mal, que la ignoraba…y a la que en la actualidad detesta y desea la muerte.

El resto de personajes son bastante secundarios, sus funciones únicamente son las de golpear a la familia externamente. Mokki, Sacchi, Mina…todos ellos se limitan a hacer aportes negativos en mayor o menor medida, provocando la desestabilizad familiar.

Dejo para el final lo más llamativo de todo: las cámaras. Desde el primer instante tenemos una imagen que gira y da vueltas en torno a la lámpara que corona la mesa donde se desarrollan los mayores despliegues de hipocresía. Durante el resto del film prácticamente no permanece inmóvil, moviéndose levemente hacia delante, hacia atrás, girando, dando vueltas, desplazándose lateralmente…o usandose de manera asfixiante para los flashback o imaginaciones.

En conclusión, una película de calidad que sin embargo puede quedar olvidada fácilmente en los recuerdos del espectador si no le dedica la atención y el análisis necesario. Muy importante entender el final, que quizás es lo único que quedará en mi mente dentro de un tiempo.

Haze (2005)

¿Qué harías si te pasara a ti?
Por Squareta

Un hombre se despierta acostado en un pequeñísimo lugar, en el que apenas se puede mover. No tiene idea por qué esta allí ni tampoco cómo ha llegado. Lo único que sabe es que tiene una herida en el estómago y que se está desangrando lentamente. Tratando de salvar su vida, comenzará a explorar los angostos confines del lugar sin dejar de hacerse preguntas al respecto y haciéndole frente a los diversos problemas que aparecerán, solo para descubrir algo que jamás se habría imaginado.

Mediometraje japonés dirigido y protagonizado por Shinya Tsukamoto (quien también dirigió la ya comentada “Vital”) y que se caracteriza por ser espeluznante, claustrofóbico, agobiante, pero aún y con todo eso, resulta imposible quitarle la vista encima ya que te atrapa de la manera mas enfermiza posible.

Durante su recorrido nos adentraremos bajo la oscuridad interminable por los estrechos pasillos para acompañar al protagonista que vive la angustia de no entender nada de lo que ha tocado vivir, y que tendrá que averiguarlo en la más completa soledad.

En sus aspectos técnicos, la cinta está grabada con cámara digital y con escasos elementos: la iluminación es tan poca que muchas veces quedaremos sumidos en la oscuridad total y el silencio reina durante la obra y solo desaparece para dar paso a la música a cargo de Chu Ishikawa, un habitual en los films de Tsukamoto.
La poca duración que tiene (originalmente era un corto de 25 minutos pero al final se alargó hasta los 49 minutos) es la indicada para contarnos la historia sin caer en la monotonía.

Uno de los principales puntos a favor que tiene Haze es el hecho del miedo que puede llegar a provocarnos sin siquiera mostrarnos algo. Tsukamoto no necesita un gran escenario y solo se vale de los acercamientos de cámara al protagonista para hacernos sentir el pánico presente. Pero a pesar de que no juegue a mostrarnos elementos de terror, tampoco se puede negar que tiene escenas difíciles de quitar de la retina, como aquella de la tubería.

Como comentario final, decir que Haze se presenta por lo menos como un curioso film que viene a darnos un soplo de innovación frente a tantas historias repetidas. Quizás no sea del agrado de todos (no apta para quienes no les guste interpretar hechos ni menos para los débiles de estómago) pero que no puede dejar de ser recomendada como una pequeña obra de arte del terror, un tanto enfermiza pero bien hecha.

Mr. Wacky (2006)

Mal… muy mal
Por Master of Hate

Esto podría parecer hecho a posta, pero no es así. Claramente estamos ante otro de los filmes más desastrosos de este año. “Mr. Wacky” baja el listón a niveles alarmantes y se pone como una de las candidatas a peor película del año.

Wu Ju-hou (Park Keon-hyeong ) es un joven mujeriego, insensible y vividor que no piensa más que en disfrutar de su juventud. Su abuelo se ve en la necesidad de castigarlo por su conducta, así que prácticamente lo obliga a convertirse en profesor de secundaria para que aprenda a ser responsable; de no acatar esa orden, la herencia que tanto anhela Wu será donado a alguna institución benéfica. Así es como Wu inicia su periplo por el mundo de la enseñanza en donde tiene que enfrentarse a todo tipo de dificultades.

Como podemos apreciar, se trata de una mezcla de cintas muy conocidas como “Teacher Kim Bong-du”,”My Boss My Hero 2” y muchas otras con este tipo de argumentos. El error no ha sido confiar en una historia tan trillada que a muchos probablemente ya no llame la atención, sino un fallo en conjunto. El guión parece no hallar el modo de extender la historia sin hacer notar una seria carencia de ideas, tanto se nota esto que nos encontramos con demasiadas escenas irrelevantes y una conexión pobrísima entre ellas,

La historia es demasiado obvia de principio a fin, por lo que argumentalmente no funciona. ¿Cuántas veces hemos visto la historia del profesor improvisado que termina convirtiéndose en el ídolo de sus alumnos? Además, el director es incapaz de mantener vivo el factor cómico y ése es quizás lo que termina hundiendo del todo a la trama.

Incluso las actuaciones parecieran verse severamente afectadas por la falta de cuidado con el guión, de todas formas el potencial de la cinta (si es que tiene alguno) nunca se llega a intuir. Kim Hyo-jin y Park Keon-hyeong parecieran no congeniar lo suficiente como para despertar interés en el desarrollo de la relación de sus personajes.

Lamentablemente “Mr. Wacky“ es una comedia romántica que reúne lo peor de otras cintas. Creo que ni los mismos seguidores del género podrán soportar este fallido intento que espero nadie se atreva a ver.

Finalmente, me pregunto si el responsable de este catastrófico resultado volverá a tener otra oportunidad de dirigir una película.

Oh! Happy Day (2003)

¡Qué día más feliz!
Por Master of Hate

En medio de la lluvia de comedias románticas salidas de Corea en los últimos años, títulos como éste son siempre recordados por que aún sin ser una nueva “My Sassy Girl” son comedias con los elementos más representativos del género.

Kong Hie-ji (Jang Nara) es una traviesa joven que trabaja en la industria del anime, realizando varias labores, pero especialmente en el apartado que corresponde al doblaje. Su familia, en particular su madre esta buscando que forme una familia y la presiona para que consiga un esposo. Ella por su parte ya ha puesto sus ojos en Kim Hyeon-jun (Park Jeong-cheol ) un apuesto gerente de una compañía extranjera. Su primer encuentro no es nada prometedor, pero más adelante Hie-ji logra apoderarse del diario de Hyeon-jun por lo que podrá adivinar su rutina y provocar supuestas coincidencias.

“Oh! Happy Day” es una jocosa y divertida comedia, que está plagada de humor fácil y directo. La trama es bastante sencilla y recurre a lo mismo de siempre: inusitado encuentro entre los protagonistas, romance, separación y arrepentimiento, etc. Todo esto con las infaltables escenas de karaoke, llantos y melodías románticas.

Para ser una más de tantas comedias, creo que es un filme bastante bien logrado capaz de entretener a los fans del género. Las particularidades de esta cinta se hallan en la participación de la actriz y cantante Jang Nara como protagonista. Considero que tiene bastante carisma y simpatía. También tenemos la breve intervención de un par de actores americanos, que como ya se ha hecho ya costumbre resulta muy pobre. Posiblemente, la calidad actoral de los “extranjeros” que se suelen ver en algunas películas coreanas es algo que va a tener que va a tener que mejorar bastante.

A pesar de estar llena de clichés y no tener nada realmente original, “Oh! Happy Day” es otro buen exponente de este género que abunda como ningún otro. En este caso vale la pena darle una oportunidad y pasarlo bien.

Zatoichi and the Doomed Man [11] (1965)

Zatoichi al rescate
Por Fingolfin

Zatoichi está recluido en prisión por problemas con el juego, y tras recibir una buena pasada de latigazos queda en libertad, con el encargo de su compañero de celda de pedir su rescate al jefe.
El masajista ciego por primera vez ignora una petición de auxilio, y decide continuar con su camino. Sin embargo las circunstancias le llevarán al pueblo donde reside el jefe del reo. Allí descubrirá una complicada trama donde el prisionero es un sacrificio pactado entre el jefe Jubei y Senpachi para que su hegemonia se mantenga en el territorio.

Kazuo Mori (“New Tale of Zatoichi”), retoma las riendas en la 11º película del espadachín ciego. De primeras nos sorprende con una escena absolutamente inesperada, donde en lugar de ver a Zatoichi viajando le vemos recibiendo latigazos con la espalda ensangrentada.
Debemos preguntarnos: ¿Cómo diablos es posible coger a Zatoichi y encerrarle en prisión?...sin respuesta, simplemente el film comienza de manera un poco preparada para el correcto funcionamiento del argumento (que por cierto no está nada mal).

Lo que no se me olvidará de este film es la música, que me recordó incluso la calidad de la trilogía “Musashi” representada por Toshiro Mifune. Buenas escenas junto al mar y una fotografía preciosa para hacer honor al primer encuentro del masajista con la inmensidad del océano.

Descubrimos una nueva habilidad de nuestro protagonista como arquero, ganando como siempre el dinero que le servirá para buscarse amigos y problemas. Podríamos poner entre comillas lo de “amigos”, ya que Hyakutaro (el arquero del principio) le usurpa el nombre con ánimo lucrativo, desatando una pataleta y el lado más rencoroso de Zatoichi (con comicos resultados).

Nada mas que decir, solo que desde “The Adventures of Zatoichi” la leve bajada de listón se hace mas evidente.

Shinsukki Blues (2004)

Viviendo en otro cuerpo
Por Master of Hate

Shin Suk-ki (Lee Jong-hyeok) es un prominente, rico y apuesto abogado que trabaja para una importante firma de negocios. Su suerte cambia de la noche a la mañana cuando conoce a un pobre, torpe y poco agraciado abogado también llamado Shin Suk-ki (Lee Sung-jae). Ambos sufren un misterioso accidente en un elevador y como resultado, la personalidad del Shin Suk-ki guapo y millonario es trasferida al cuerpo del pobre y desdichado; mientras el otro ha quedado en coma ¿Podrán las cosas volver a la normalidad o será mejor empezar una nueva vida?

Quizás el argumento suene a una burda copia de una alguna comedia americana, sin embargo, no todo lo podemos calificar de blanco o negro. Si bien el típico cambio de personalidad crea ya un camino y predispone la evolución de la cinta “Shinsukki Blues” genera el suficiente interés a base de mezclar eficazmente la comedia el drama y el romance, además cuenta con buenas actuaciones.

El desarrollo de la historia probablemente carezca de lógica, pero al igual que cintas como “Reversal of Fortune” o incluso “Calla” los viajes en el tiempo y los cambios de personalidad no van a tener justificación, por lo mismo, aquéllos que no gustan de este tipo de filmes ya lo pueden ir descartando de su lista (aunque no estaría mal darle una oportunidad por lo menos a éste)

El reparto ha sido sumamente adecuado, no solo por la calidad de los actores sino por los papeles que interpretan, y me refiero en particular al caso de Lee Sung-jae (”Holiday”, “Daisy”) que para muchos puede ser irreconocible en este film ya que no sólo se aleja del papel de galán, sino que encarna a un personaje totalmente desprovisto de belleza (algo así como Jung Woo-sung en “Mutt Boy”). También merece reconocimiento Kim Hyun-joo (“Calla”) por su buen desempeño.

En general, se trata de una película lo suficientemente buena para pasar un rato ameno o para salir un poco de la monotonía de las comedias románticas adolescentes. En otras palabras, una buena alternativa para el fin de semana.

Snowy Love Fall in Spring (2005)

En las redes del amor
Por Fingolfin

Del director de “Crying out love in the center of the world” (Isao Yukisada) nos llega esta bonita y original historia basada en una novela de Mishima. Los papeles protagónicos recaen en Satoshi Tsumabuki (como Kiyoaki) y Yuko Takeuchi (como Satoko). De la filmografía del primero solo conozco “Lorelei”, pero como dato curioso podría decir que también aparece fugazmente en la reciente “Fast and the Furious: Tokyo Drift”. En cuanto a Yuko, solo decir que fue una de las actrices de la famosa “Ringu”.

La película narra la historia de amor ambientada en 1912, de dos personajes pertenecientes a distintas familias de alto estatus con una relación bastante tirante entre ellas. La joven Satoko está locamente enamorada de Kiyoaki, del que solo recibe indiferencia y duras palabras.
Haciendo honor al viejo dicho de: “nunca valoras algo lo suficiente hasta que lo pierdes”, Kiyoaki se encontrará con que Satoko se va fuera de su alcance al concretarse su boda con un príncipe tailandés. Será entonces cuando se admita así mismo su amor por la muchacha y comience a pelear para recuperar lo que antes le pertenecía.

La descripción de algunas sinopsis como “historia de amor prohibido”, y las disputas entre las familias de los protagonistas, plantean la inevitable relación con “Romeo y Julieta”, que sin embargo la aleja totalmente de la realidad. En la inmortal tragedia de amor por excelencia, las dificultades de mantener su amor les vienen dadas por el enfrentamiento entre las familias. Aquí sin embargo el enfrentamiento pasa a ser algo secundario, incluso prácticamente insignificante, y siendo el propio Kiyoaki quien con su actitud deja escapar a Satoko hasta que su relación es casi imposible.

La historia es bastante fluida e intimista. Llama la atención sobretodo el juego de cámaras, que transmite la sensación de estar en la mismísima escena. Se utiliza mucho como método de transición de escenas un lentísimo movimiento de cámara que se cruza con un elemento sólido (habitualmente una columna) y da lugar al cambio de imagen.

“Dramon” son las palabras que parecen dibujarse en el cartel y la intuición de los que lean la sinopsis. No es así, el film es exclusivamente una historia de amor hasta bien pasado el ecuador del metraje, libre de fatalidades, casualidades, y desgracias, que suelen utilizarse como “trucos” de los directores para dominar la acción.

El drama podría decirse que se fabrica poco a poco desde el principio hasta su apogeo en la parte final de la película. Algo que en mi opinión es totalmente distinto a los conocidos como K-Drama, que son lagrimas de principio a fin (ejemplo representativo de “You´re my Sunshine”, que si bien no deja de ser excelente, abusa del sentimentalismo de forma continua).

Para concluir decir que la mayor dificultad de “Haru no Yuki” (que así es su titulo original) es su duración (2:30), auque me atrevo a garantizar a los amantes del genero romántico que encontrarán aquí una agradable cinta de gran calidad.

Love Is A Crazy Thing (2006)

Un cambio de vida
Por Master of Hate

Au-jin (Jeon Mi-seon, “Memories of Murder”) es una mujer que tiene que salir adelante con sus pequeños dos hijos, pero se ve apremiada por varias deudas y la imposibilidad de cancelarlas. Su única fuente de ingresos proviene de su trabajo como operadora de una línea telefónica que presta servicios para caballeros (en realidad no parece ser exclusivamente algo erótico). No pasa mucho para que Au-jin pierda este empleo, pero al mismo tiempo, una mujer le ofrece la oportunidad en un trabajo con beneficios mucho más elevados. Au-jin termina metida en el mundo de la prostitución a través de una agencia, que le arregla todos sus encuentros. De esto modo consigue salir adelante y resolver sus problemas.

“Love Is A Crazy Thing” prueba una vez más que la manera de presentar la trama puede ser mucho mas trascendental que el argumento mismo. La historia de la mujer que tiene que salir adelante vendiendo su cuerpo tiene en Asia su primer exponente con “The Goddess” película china de 1934 que sería una de las primeras en el mundo en tratar el tema de la prostitución. Y es que es lo primero que se me viene a la mente cuando veo filmes con tramas similares.

La visión particular que tiene el novel director Oh Seok-geun en este filme, no es nada realmente nuevo, pero se nota el esfuerzo de no caer en falsos mitos o dramatizar excesivamente la situación. El desarrollo de la trama va de la mano con un cambio significativo en la personalidad de Au-jin. Es por esto que el realismo es palpable en todo momento.

El balance es inteligentemente establecido cuando se muestra a la Au-jin independiente y capaz de brindarles a sus hijos lo que necesitan. Pero esto contrasta con su alejamiento físico y los consecuentes problemas que esto acarrea. Así mismo está la nueva vida que tiene que vivir, rodeada de hombres extravagantes, vicios y violentos. Pero una vez más, esto se contrasta con la aparición de un cliente que parece tener deseos de relacionarse seriamente con ella.

En cuanto al estilo, sobretodo en las primeras instancias, me ha recordado levemente a “This Charming Girl” por la atmósfera asfixiante y por el hincapié que se hace en las expresiones faciales de la protagonista, tratando de captar su angustia y su malestar.

Existen personajes secundarios con cierto peso en la trama, especialmente “la madame” y las compañeras de Au-jin que quizás sirven para ilustrar otro tipo de perspectivas y al mismo tiempo validad el hecho de que todas tienen algo en común. El filme no está exento de algunas escenas fuertes que personalmente no creo que estén meramente por “shock value” sino por que corresponden al desarrollo argumental.

Lo mejor sin duda es que la historia no se hace predecible y llega a sorprender con un par de giros inesperados. La selección musical ha sido un gran acierto, así como el la elección de Jeon Mi-seon para el papel principal.

Estamos antes un drama bien construido y bastante realista que no dudo en recomendar.

Aegis (2005)

El escudo de los dioses
Por Fingolfin

Junji Sakamoto dirige este film basado en la exitosa novela del mismo nombre, que vendió más de medio millón de ejemplares en todo Japón. Para el proyecto contó con actores de la talla y el reconocimiento de Hiroyuki Sanada (“Twilight Samurai”), Kiichi Nakai (“Mibu Gishi Den”), y Akira Terao (“Ran”).

El Isokaze es un barco de la armada de Japón protegido por el sistema de defensa Aegis. Encontrándose de maniobras no muy lejos de la costa de Japón recibe la supervisión de miembros del DAIS (agencia de inteligencia), que confiesan al capitán del barco que su objetivo es un agente extranjero infiltrado en la tripulación.
Pronto la historia dará la vuelta, resultando ser esos hombres peones de Yeung Fan, y el supuesto “agente extranjero” el verdadero miembro del DAIS.

El peligro radica en la amenaza del gas GUSOH, del que un solo litro bastaría para arrasar la ciudad de Tokyo. El capitán Sengoku y el agente Kisaragi serán los encargados de evitar la catástrofe en una complicada trama de traidores y héroes.

El primer giro argumental llega muy pronto, tan pronto y de una forma tan evidente que no consigue ese efecto espectacular que suelen causar cuando están bien hechos. A partir de ese punto la historia ya tiene un rumbo fijo carente de sorpresas o situaciones inesperadas que transmite una fuerte sensación de monotonía.
El perfil de los personajes se extrae de los flashbacks cortos y rápidos de cada uno de ellos, quizás de una forma demasiado confusa.

El círculo protagónico se centra muy rápido en 2 personajes, el capitán y el agente, que trabajan juntos tras pasar por varias etapas en su relación. En un principio es únicamente una relación de jerarquía entre el capitán y el marinero; a continuación entablan una ligera amistad a raíz de la afición de ambos por la pintura; y finalmente su colaboración es de necesidad, teniendo cada uno un objetivo distinto pero compatible (Kisaragi quiere detener a Yeung Fan, y Sengoku quiere proteger el barco y la tripulación). Ambos juegan ese papel de “héroe americano” (persona que salva un país o el mundo entero sin ayuda de nadie) al mas puro estilo James Bond.

El titulo está mejor elegido que su propia representación en la película. El sistema de defensa Aegis es prácticamente inexpugnable, lo que se utiliza de excusa para evitar las típicas preguntas del espectador detallista: ¿y por que no los bombardean? ¿y por que no lo hunden?...etc. En mi opinión es una solución artificial pero efectiva, aunque dados mis escasos conocimientos en la materia, no se si existe realmente, si existe algo similar, o simplemente si es tan eficaz como se nos muestra.

Por otro lado como decía, su inclusión en el titulo es mucho mas elegante y metafórica, identificando la protección del Aegis, con la protección de Japón. Un objetivo que enfrenta a todos los personajes y cuyo resultado del choque parece no conducir a la protección si no a la destrucción.

Entrando ahora en una valoración final bastante personal, lo único que tiene de oriental son los actores, ya que pasaría perfectamente por un argumento, métodos, y personajes americanos. No es una mala elección para pasar el rato, pero sin mas exigencias.

Love Talk (2006)

Lejos de Corea
Por Master of Hate

“Love Talk” es uno de los trabajos que más esperaba luego de que Lee Yoon-ki debutara con “The Charming Girl”, a mi parecer, una de las mejores cintas del 2005. El interés recae sobretodo en ver si el director pretende seguir el estilo, temas y filosofía que nos mostró en su ópera prima.

“Love Talk” tiene como protagonistas a un grupo de individuos de origen surcoreano que viven en Los Angeles, California. Entre ellos tenemos a Sunny (Bae Chong-ok, “Jealoudy Is My Middle Name”) una mujer madura que trabaja en una casa de masajes; Ji-seok (Park Hee-soon, “Antartic Journal”) un hombre que acaba de llegar a la ciudad y que termina trabajando como dependiente en una tienda de videos; y Young Shin (Park Jin-hie, “Love in Magic”) que es la locutora de un programa radial cuyo nombre es de donde sale el título de la película.

El primer contacto se da entre Sunny y Ji-seok, este último se convierte en su inquilino temporal de Sunny. Posteriormente, ambos se encuentran con Young Shin, aunque en el caso de Ji-seok, se trata más de un “reencuentro” pues ya se conocían desde hace mucho tiempo (en Corea).

He quedado un poco desconcertado ya que no se exactamente el propósito o la intención real del film. Si bien “Love Talk” sirve como ejercicio para comprender ciertos aspectos de la vida de los coreanos que viven fuera de país, particularmente en esta parte de los EU, no hay nada que extrema relevancia o que justifique el propósito del filme.

Además de analizar los aspectos sociales de la vida de los protagonistas, se intenta definir su estado emocional. Así mismo, es posible ver ciertos problemas de identidad. ¿Qué es ser un coreano-americano? Todo esto, resulta interesante y brinda lo que podríamos llamar una base para seguir la trama con cierto interés. No obstante, las dos horas de metraje no son suficientes para dar una idea clara y concisa de cada uno de los personajes.

Por otra parte, “Love Talk” más que referirse a los problemas de vivir en un nuevo país, ahonda en problemas de tipo más personal como la soledad, la depresión, y la monotonía de la vida. La ambientación del filme, permite crear un contraste importante en el que se distingue mucho el elemento cultural. Y quizás en este aspecto se halle lo mejor de la obra.

La presencia de la gente local es mínima, pero la suficiente para inferir su rol y su relevancia dentro del sistema social. Resulta interesante ver la alternancia de códigos un tanto forzada que ocurre de cuando en cuando, es decir la mezcla de coreano y el inglés en una misma conversación.

“Love Talk” no cumple las expectativas que generó Lee Yoon-ki con “This Charming Girl.” Aun así, tampoco podemos hablar de un fracaso a un film para el olvido. Se nota el interés particular del director por indagar en temas muy personales y sobretodo en personajes femeninos. Es muy probable que la complejidad con la que se quiso dotar a los tres personajes hayan sido demasiada para lo que permiten un largometraje de estas características.

A pesar de lo dicho, el film puede ser interesante para quienes disfrutaron con “This Charming Girl.” y una buena manera de estudiar las ideas de este director.

Until the Lights come Back (2005)

Y se hizo la luz
Por Fingolfin

“Daiteiden no Yoru ni” es la obra de un director prácticamente novato como Takashi Minamoto, que me ha dejado una de las películas mas bonitas que he visto en el último mes. No solo el director es algo desconocido, muchos de los actores que dan vida a los 12 o 13 personajes principales también han tenido actuaciones breves en películas discretas, destacando la excepción de Kanata Hongô, soberbio como protagonista de “Hinokio”, y la de Tomorowo Taguchi (“Gohatto”, “Dead or Alive 2”).

La ciudad de Tokyo sufre un enorme apagón a las 12 de la noche del 23 de Diciembre. Desde el principio se desarrollan 6 historias, aparentemente inconexas, de personajes de distintas edades y personalidades, abarcando desde un niño de educación primaria, hasta una pareja de ancianos.

El formato de las historias viene dado en parejas hombre-mujer, las cuales no necesariamente son relaciones amorosas, sino que también las hay casuales o amistosas.

La impresión que tiene el espectador en un principio es la de quien se interna en la vida de otras personas, sabiendo solo lo que se le enseña, sin flashbacks, sin explicaciones gratuitas, y sin ningún tipo de información. El primer punto a favor del director es la facilidad con la que conocemos a cada personaje a los 5 minutos de verlo, solo con unas pocas frases o actuaciones.

Si en otras ocasiones me quejo de que se juega con las casualidades para corregir y desarrollar la película, en esta ocasión me han gustado bastante. Cuando 6 historias tienen que transformarse en una, no hay otra forma de hacerlo, ya que un desarrollo libre de artimañas requeriría que los personajes se conocieran previamente.

No me recrearé en un análisis por separado de cada historia, ya que el gusto por la película pasa por sorprendernos a cada rato, en ese ambiente intimista y aislado que se consigue en todo tipo de escenarios.

Si quieren una recomendación, además de la de ver el film, les diré que aprovecharan para verla en navidad y con un público de cualquier edad; no les defraudará.

Zatoichi´s Revenge [10] (1965)

Venganza casual
Por Fingolfin

Fue la segunda película en la filmografia de Akira Inoue y la única que dirigió dentro de la saga Zatoichi. Destaca la manera tan relajada y eficaz por la que lleva la trama sin hacer uso de espadas ni acción, con una buena película que prácticamente tiene de todo. La primera de las rodadas en 1965.

Zatoichi llega hasta el puente de Azabu, y decide ir a visitar al maestro masajista Hikonoichi. Cuando llega se entera de que este ha sido asesinado y su hija puesta a trabajar en un burdel. Inmediatamente se interesa por la situación, y acude al lugar a investigar. Las prostitutas son tratadas con mano de hierro, a base de golpes e insultos, y la hija del maestro ha sido encerrada en un sótano donde apenas se le da de comer.

El título es demasiado artificial, como si se lo hubieran puesto para salir del paso. Zatoichi no va al pueblo a buscar venganza, y aun cuando se entera de la muerte de su maestro tampoco se dedica a buscar al culpable para matarlo. Su objetivo es rescatar a Sayo, su hija, y solo eso le importa.
Posteriormente, y hablo ya de los minutos finales, se entera de la identidad del asesino, y solo entonces decide cobrar venganza. Recordar que aun así, es el propio asesino el que le incita a la lucha.

Es muy curioso que salvo 2 segundos de combate en la escena de presentación no hay ni el más ligero rastro de acción hasta los 35-40 minutos, algo totalmente excepcional dentro de la serie, y que sorprendentemente no se echa en falta. La trama transcurre tan fluida que simplemente da la impresión de que la presentación se alarga mas de lo acostumbrado. La batalla final es un espectacular 1 contra 100 al mas puro estilo “Lone Wolf and Cub” que sale bien parado con buenas coreografías.

Como siempre podremos disfrutar de la escena de los dados. Es un momento ya habitual en las películas de Zatoichi, y quizás para muchos, una de las partes más deseadas y esperadas. Siempre original, siempre inesperada, siempre perfecta…

Buena nota y uno de los argumentos mas interesantes de toda la serie, con muchas y buenas dosis de humor a cargo del espadachín, y también del lanzador de dados (que si no me falla la memoria, es la primera vez que se le permite a un compañero secundario tener su momento de gloria luchando a espada).

Por ultimo solo mencionar el homenaje inicial y final que Zatoichi hace a su único compañero de viaje, aquel que nunca le abandona y siempre puede sentir, el Sol.

Narayama Bushiko (1983)

Una cita con la muerte
Por Snyder

Shoei Imamura nos transporta a la vida cotidiana de una humilde familia campesina en una pequeña aldea, donde la vida está marcada por una ley que nadie puede eludir, al cumplir 70 años, los ancianos deben ir al monte Narayama, a reunirse con el dios de la montaña y permanecer allí hasta la muerte.

La abuela, Orin, de 69 años, procura dejar todos sus asuntos terminados para poder ir cuanto antes a la montaña. Mientras, Tatshuei, el cabeza de familia, se atormenta con la idea de tener que llevar a su madre a Narayama.

Alrededor de este conflicto central se entremezclan numerosas historias paralelas y complementarias que dan forma a la vida, inquietudes y pensamientos de esta familia y de la aldea en la que viven.

Imamura dota a todos los personajes de la profundidad y complejidad necesarias para hacer de esta historia una historia con múltiples protagonistas y tramas argumentales, si bien la trama principal siempre permanece de una forma constante.

El trabajo de los actores es de una gran calidad, especialmente en los casos de Sumiko Sakamoto (Orin), y Ken Ogata (Tatshuei), ambos actores muy experimentados y que convierten algunas secuencias de esta película en inolvidables.

Es al mismo tiempo una película de gran lirismo, especialmente en los numerosos simbolismos que Imamura incorpora con animales como si se trataran de haikus visuales sobre los distintos ciclos de la vida. Y es que Narayama Bushiko habla del ciclo infinito de la vida, que se repite una y otra vez, y de lo cruel y doloroso que es este proceso imposible de detener. Y en mi opinión lo hace con éxito, no sólo por su capacidad de representar la complejidad de los personajes y sus interacciones, sino por que refleja con claridad y naturalidad todos los elementos que forman parte de la vida: la crueldad, la melancolía, la alegría, el amor, el odio, la frustración, la ignorancia, la sabiduría, la muerte, y la regeneración.

Premiada con la Palma de Oro de Cannes, Narayama Bushiko (Ballad of Narayama), posiblemente sea una de las películas japonesas con mayor reconocimiento internacional.

Daddy Long Legs (2005)

¿Dónde estás?
Por Master of Hate

Daddy Long Legs, basada en la homónima novela de Jean Webster, es otra interesante apuesta del cine coreano por hacer cintas inteligente mezclando los temas de toda la vida. La obra que tenemos como referencia ya ha sido adaptada numerosas ocasiones, no solo al cine y teatro, sino también al anime. En el caso de adaptación coreana, que es la que nos atañe, ha estado a cargo de Kong Jeong-sik, responsable de la posterior y decepcionante “Big Match.”

Daddy Long Legs, básicamente trata sobre la vida de Young-mi Cha (ha Ji-won) una inocente y sencilla joven que guarda gratos recuerdos de sus padres. Su vida se encuentra marcada por la presencia de un benefactor invisible que cubre todos y cada uno de sus gastos. Además, éste se hace presente en todo momento con regalos, y todo tipo de detalles para con Young-mi. Ella por su parte, cansada de haber intentado en vano averiguar la identidad de su benefactor, decide continuar con su vida y luchar por lo que quiere. Por motivos de trabajo, la joven decide quedarse en un apartamento que gentilmente su jefe le ofrece. La estadía en éste apartamento da lugar a una serie de acontecimientos ligados con su pasado, y posiblemente le ayuden a descubrir el gran secreto.

Tenemos una de esas cintas que se toma todo el tiempo necesario para crear un ambiente determinado. En este caso la idea es que simpaticemos con la protagonista y en particular con sus ideas, sus reflexiones, sus anhelos y muchas cosas más. Por eso no es de extrañar que toda la cinta gire exclusivamente alrededor de sus pensamientos. Todo se relaciona con el pasado y, como es de esperar, muchos de los acontecimientos que son un misterio se desvelan apoyados en la casualidad o lo que otros llaman destino, es decir, no hay ninguna sorpresa.

El romance juega un papel de cierta importancia, pero no de modo demasiado típico, digamos no en plan de drama o comedia romántica, es algo más sobrio, pero no por eso se puede decir que sea necesariamente mejor. Recordemos que las enfermedades terminales y fatales asechan y para mal o para bien (en este caso creo que para mal) tienen cabida como componente habitual en el argumento.

Al final la cinta se puede llegar a percibir más o menos interesante, pero a pesar de eso no hay algo realmente destacable que haga pensar que se trata de una película original. Ahora, es necesario puntualizar que quienes han leído la novela en la que está basada pueden tener una perspectiva muy distinta, incluso totalmente opuesta a la mía. En todo caso, para quienes no conozcan la obra citada, puede ser que el film carezca de todo atractivo.

Personalmente, y aunque suene un tanto insensible, he de admitir que me aburrí de manera alarmante. De todos modos quienes quieran probar suerte ya quedaron advertidos.

The Windmill Palm Grove (2005)

Promesas
Por Master of Hate

Kim In-seo (Kim Min-jong ) un prominente abogado, viaja a la isla de Geoje para llevar un caso referente a ciertos derechos de patente. Durante su estadía, conoce a Hwa-yeon (Kim Yu-mi) una simpática joven que trabaja en el puerto. In-seo se acerca a ella, aparentemente, sin intenciones muy serias, pero la joven se muestra rebelde y muy molesta ante este comportamiento. Poco a poco, In-seo se va dando cuenta de que lo que siente por Hwa-yeon no es pasajero, sin embargo, ella no está dispuesta a esperar a nadie, pues su madre ya ha pasado por la dolorosa experiencia de esperar por un amor que jamas regresó. Dos años han pasado y ahora In-seo recuerda todos los momentos que vivió en aquella isla.

Sin temor a equivocarme, veo prudente afirmar que “The Windmill Palm Grove” es una de las mejores cintas que vieron la luz en el 2005. Quizás opacada por el fracaso comercial o por la falta de promoción, se ha quedado a la sombra de trabajos muy inferiores. La historia tiene un trasfondo importantísimo que posiblemente es la clave para dar sentido a las vidas de los protagonistas. Una de las características que más llama la atención es que el argumento principal pasa a un segundo plano durante gran parte de la cinta, dando lugar a otro de suma importancia.

La historia de la madre y la abuela de Hwa-yeon es el foco de atención durante un gran intervalo de tiempo, el mismo que termina siendo un puente que da paso nuevamente a la relación del dúo protagónico. La conección que logra el director entre los dos argumentos es una manera sumamente ingeniosa de dar mucha más profundidad a la trama y a los mismos personajes.

La historia, a pesar de no ser desarrolla de forma cronológica, no es compleja y por el contrario, resulta un modo mucho más sutil e interesante de revelar las cosas. De cierto modo, es posible ver la representación de tres generaciones y en especial la relación abuela-madre-hija, y a su vez el cambio de mentalidad de la mujer moderna. A pesar de que la película finalmente termina siendo un relato más de amor, está muy lejos del típico desarrollo o de cualquiera de las formas convencionales que usan las películas del género para llegar al público. El uso y abuso de las formulas suele hacer todo demasiado predecible y muchas veces repetitivo. En este caso todo fluye de manera distinta y con otra perspectiva.

Con una fotografía sumamente hermosa y actuaciones de elevadísimo nivel “The Windmill Palm Grove” se convierte en una cinta imprescindible para seguidores del cine coreano que siempre están a la espera de historias de amor distintas, originales, y sobretodo emotivas.

Onibaba (1964)

El demonio interior
Por Snyder


“Esta historia, basada en una vieja leyenda, sobre guerras y tragedias, muestra el aspecto primitivo que hay bajo la civilización. Un agujero negro y profundo, cuya oscuridad dura desde tiempos remotos hasta la actualidad”

Así comienza Onibaba, una historia sobre superstición, soledad, egoísmo y los demonios que producen nuestros propios miedos.

La historia transcurre en el medievo japonés, durante una época de guerra civil. Pero no nos muestra las épicas batallas y victorias de los samurai, sino la cruda y miserable vida de dos mujeres solas que intentan sobrevivir por todos los medios en una región solitaria y en un tiempo deshumanizado por la guerra.

La suegra (Nobuko Otowa) y su nuera (Jitusko Yoshimura), sin la ayuda de su hijo/marido que se encuentra combatiendo, y con la cosecha perdida, deberán robar las ropas y armas de los guerreros muertos en la zona para poder sobrevivir.

El regreso de un vecino huido de la guerra trae noticias de la posible muerte del hijo/marido al que tanto esperan. La anciana, temiendo que su nuera la abandone para comenzar una nueva vida con otro hombre, decide usar leyendas y supersticiones para asustarla y retenerla consigo. La historia dará un vuelco inesperado cuando la anciana descubra que sus actos le han traído desagradables consecuencias.

La magistral dirección de Kaneto Shindo dota a Onibaba de un ritmo pausado pero constante, que ayuda a crear un ambiente atemporal y único, un pequeño universo con una atmósfera densa que encaja a la perfección con el resto de elementos.

La elección de los escenarios, pequeñas chozas y un campo de altos y frondosos juncos que no permiten ver más allá de unos pocos centímetros, ayudan a crear un ambiente de permanente aislamiento y soledad.

Es especialmente destacable la actuación de Nobuko Otowa, quien soporta casi todo el peso dramático en la historia. Al igual que la dirección de fotografía, por Kiyomi Kuroda, con grandes contrastes lumínicos y un bello tenebrismo, que le aportan a la película la intensidad necesaria.

Aunque suele clasificarse a Onibaba como una película del género fantástico o de terror, lo cierto es que no se la puede reducir a una simple historia de miedo, en ella se puede apreciar el drama, el costumbrismo, el erotismo…. Es una historia sobre la vida y la muerte, la esencia del ser humano, nuestros más profundos y oscuros deseos y temores.

Onibaba es una historia de demonios sin demonios, una precursora del terror psicológico, y mucho más que todo eso. Una joya del cine japonés.

Crazy Assassins (2003)

Románticos y audaces
Por Master of Hate

Es el año 1636, el ejército chino se encuentra asentado en suelo coreano. Pronto empiezan a inmiscuirse en los asuntos locales causando mucho malestar entre la gente. En estos momentos de caos y desorden, un grupo de estrafalarios guerreros brindaban sus servicios a cambio de unas pocas monedas. Durante una de sus misiones, el grupo de guerreros también conocido como “Romantic Warriors” se ven envueltos en hechos sobrenaturales dentro de una casa abandonada. Su terrible incompetencia les termina colocando en una de las más hilarantes situaciones.

“Romantic Assassin” es la tercera película del director Yun Je-gyun, conocido sobretodo por haber dirigido la picaresca comedia “Sex Is Zero”. Este dato es muy interesante ya que nos hace suponer que una vez más hará uso de su característico humor para brindarnos unas cuantas carcajadas.

La cinta esta llena de situaciones absurdas; casi tantas como se pudieron ver en las primeras películas de Je-gyun. La diferencia es está en la ambientación y el en argumento que son sustancialmente distintos. El problema es que a diferencia de una universidad, salones de clase, y dormitorios; ahora tenemos templos, villas, bosques, y nos hallamos en el siglo XVII. A pesar de que es posible crear situaciones jocosas usando algunos viejos trucos, la historia no se presta para crear el mismo tipo de humor que propone el director. Por otro lado, el reparto se queda un poco corto, y es que a pesar de contar con algunos rostros que participaron en “Sex is Zero”, no tienen lo necesario para mantener el nivel de humor.

Otra de las cosas que no trabaja a favor de la cinta es que giros arguméntales hacia el drama ocurren demasiado temprano e interrumpen una historia de por si poco llamativa. Así mismo, muchas de las bromas se basan únicamente en lo grotesco y absurdo de la situación, y no tienen otra variante.

A pesar de todo, la cinta funciona dentro de su propio mundo. Es decir, a pesar de pecar de absurda y disparatada, puede ser lo suficientemente entretenida para quienes quedamos con una sonrisa en el rostro con “Sex Is Zero.” Está claro que no llega al su nivel, pero a sido un intento válido de reciclar algunos chistes y soltarlos una vez más en esta película.

Guerreros sin habilidad, fantasmas alterados, un ejército enfurecido y un puñado de chistes obscenos. Eso es básicamente lo que encontramos en esta comedia juvenil que se ha quedado bastante corta en cuanto a risas, pero que para quienes gustan de las cintas descabelladas y con este tipo de humor, será una buena alternativa.

Family Matters (2006)

Cosas de familia
Por Master of Hate

“Family Matters” nos ofrece una amplia visión sobre los problemas que acaecen dentro del núcleo familiar. Esta visión ya ha sido ampliamente representada en el cine coreano, tanto a modo de argumento principal o como argumento secundario. En este caso como el titulo del filme indica, se trata de los asuntos/problemas que tienen lugar en una familia. Las particularidades en este caso tampoco son nuevas, ya que presentan un caso que se podría considerar atípico en el que la mujer es quien lleva las riendas de la familia mientras el hombre se ve en una posición vulnerable.

Min-kyung (Kim Ho-jung) tiene que trabajar muy duro dando clases de baile para poder sostener a su familia. Su marido, Sang-hoon (Kim Yoo-seok) ha estado durante varios años intentando probar suerte en la industria del cine, pero hasta la fecha no ha obtenido ningún resultado. Ambos tienen un pequeño hijo; con ellos vive el padre de Min-kyung que cada día está más enfermo. Los problemas se hacen presentes y poco a poco van caldeando los ánimos dentro de esta familia que parece destinada a la separación.

El contexto de la cinta quizás recuerde un tanto a “Mr. Quiz King” o incluso a “Barking Dogs Never Bite” ya que Kim Ho-jung en esa ocasión interpreta un papel muy similar. En todo caso “Family Matters” no es un trabajo realmente ambicioso, aunque sí honesto. Usando un tono levemente cómico, el director Nam Seon-ho se encarga de plasmar en su película, los problemas más comunes y típicos a los que se debe afrontar una familia, cosas que generalmente no tienen cabida en otras historias.

Lo interesante del film es la manera en la que se satirizan muchas situaciones de la vida de pareja. A pesar de que existe un tono burlesco en algunas escenas, la historia imprime mucho realismo y por ende es fácil identificarse con cualquiera de las dos partes. El filme revela todo tipo de problemas, pero de modo que formen parte de la misma relación y no se vean como un obstáculo precisamente. Así mismo, el filme termina reafirmando el valor que tiene la familia, por encima de una guerra de los sexos.

Es interesante volver a ver a Kim Yoo-seok en un rol protagónico luego de su papel en “The Isle”. Tanto él como Kim Ho-jung (“Nabi”) realizan una labor encomiable,

Quizás no se trate de un largometraje especialmente original o deslumbrante, pero por otro lado, sabe mantener un nivel de interés muy decente y cumple una meta fundamental que es entretener.

Daisy (2006)

Amores imposibles
Por Master of Hate

Tras anunciar este ambicioso proyecto, se creo un gran revuelvo que situó las expectativas a niveles muy elevados. En este caso, el fracaso taquillero que “Daisy” sufrió en Corea no es un buen punto de referencia ya que en China parece haberle ido mejor. A cargo a estado un director de renombre como Andrew Lau (“Infernal Affairs”), y en el reparto tenemos a Jun Ji-hyun (“My Sassy Girl”), Jung Woo-sung (“Mutt Boy” “Musa”) y Lee Sung-jae (“Holiday”, “Kick The Moon”). El complemento para este casting de lujo, el rodaje ha tenido lugar en Ámsterdam.

Hye-young (Jun Ji-hyun) es una joven artista que pinta retratos en una concurrida plaza. Park Yi (Jung Woo-sung) es un asesino profesional que queda profundamente impactado por la belleza y sensibilidad de la joven. Sin que ella se de cuenta, él sigue sus pasos y le envía flores diariamente. Ella por su parte se siente intrigada y espera que el misterioso admirador aparezca algún día, confiando en que sea el hombre de su vida. Jeong Woo (Lee Sung-jae) un oficial de la Interpol, llega desde Corea en una importante misión. Una pequeña confusión hace creer a Hye-young que Jeong Woo es su admirador. Así da comienzo este peligroso triangulo amoroso que está marcado por la fatalidad.

Hay algo que posiblemente todos tengamos que hacer en estos casos, y es ir sin esperar nada en particular, o no colocar el listón en ningún sitio antes de visionar el filme. Si ponemos los puntos sobre las íes lo correcto sería decir que “Daisy” tiene cosas fabulosas, pero otras que no merecen más que un simple aprobado silencioso.

Visualmente, “Daisy” es un filme a tomar muy en cuenta, quizás es donde más peso y más se ve la mano del director. En este aspecto se ha aprovechado muy bien el lugar de rodaje para captar un sinnúmero de bellos parajes y colocarlos con guante de seda dentro de la cinta. La selección musical es igualmente hermosa y juega un papel importante.

Ahora dejando de lado la sofisticación visual con la que cuenta esta película, nos topamos con la parte que da la impresión de no haber cuajado del todo. El argumento es sumamente lineal y típico en muchos sentidos, por este motivo al menos se espera ver un desarrollo importante de los personajes, el cual se da, pero de modo limitado. Si bien el romance es el punto fuerte de la trama, se queda levemente descompensado por la falta de profundidad en los personajes. Personalmente creo que mucho paisaje y demasiado enfoque en los aspectos estilísticos de la cinta, dejan un poco de lado a los protagonistas. Las relaciones que surgen son creíbles hasta cierto punto, pero no tienen nada en particular que las haga especiales.

El sentido lineal que tiene el argumento, no le permite extenderse e indagar en argumentos secundarios y como consecuencia, se pierde efectividad a la hora de generar el suficiente interés. De todas formas no hablamos de fallos garrafales ni errores que no se perdonen. La evolución de la historia sale bien librada, ya que sabe crear suspenso. Por otro lado las escenas de acción son de alto nivel y ayudan a levantar el resultado en general.

“Daisy” es un largometraje bien construido, cuyos puntos flacos son comprensibles y perdonables. Hablamos de una historia de amor como muchas otras, que tiene cosas buenas y cosas malas, pero que por nombres quizás nos quede debiendo. De todos modos, es uno de esos filmes que es mejor ver y aclarar toda posible semilla de duda.

Rewind (2003)

¿Qué tan simple puede ser la vida?
Por Master of Hate

“Rewind” aka “Man Watching Video“ es una cinta sencilla, directa, y entrañable que fluye con una magnifica naturalidad siguiendo un hilo levemente dramático. Se trata de un filme cuyo propósito es definir bien al protagonista y en base al desarrollo de su personaje, estudiar distintos temas, entre ellos la soledad y las relaciones sentimentales.

El protagonista (en ningún momento se menciona su nombre) lleva un videoclub y parece estar muy a gusto con su trabajo. Más adelante nos enteramos de muchas cosas, como por ejemplo, que rechazó la oportunidad de una brillante carrera en derecho; que se acaba de divorciar recientemente; y que no es precisamente un hombre afortunado. La monotonía en la que parecen consumirse sus días se transforma de modo drástico gracias a pequeños acontecimientos que se van acumulando; entre ellos, unas misteriosas cartas que le empieza a escribir una admiradora.

“Rewind” no se trata de una historia de amor cualquiera, juega mucho con detalles, casualidades y coincidencias. Se trata de una amalgama de pequeños acontecimientos que giran alrededor del protagonista que a priori pareciera vivir conforme con su estilo de vida. Poco a poco se revelan muchas verdades, como por ejemplo, el por qué ha preferido terminar su matrimonio, y si en verdad está conforme con su vida.

El protagonista quizás llegue a ser un tanto desesperante, por su indiferencia ante las cosas que ocurren a su alrededor. Su pasividad pareciera no traerle demasiada suerte. Quizás el hecho de que le reste importancia a todo, lo hace parecer un tipo sin suerte; sin embargo, hay eventos que indican todo lo contrario. La interpretación de este personaje a cargo de Jang Hyeong-seong (“The Romance”) es especialmente buena, lo considero un especialista para este tipo de roles en los que la sencillez del personaje adquiere muchas dimensiones haciéndolo totalmente creíble.

Otro de los detalles que llama la atención es la importancia que se le da al trabajo que se realiza en el videoclub. La tienda no es un mero artefacto que sirve como escenario o como adorno cinematográfico. Hay una cantidad respetable de líneas dedicadas mayormente a filmes de hollywood, incluso algunos comentarios pueden parecer irónicos, como por ejemplo que “Steven Segal hace las mejores películas de acción.” El videoclub juega una parte fundamental en el argumento de muchas maneras.

Es posible obtener varias conclusiones sobre la personalidad del protagonista y de su “filosofía de la vida.” al menos ese fue para mi uno de los mayores atractivos de “Rewind.” La participación de varios personajes secundarios completa ese panorama lleno de detalles y casualidades que mencionaba al principio. Hay dos mujeres en particular que tienen un desarrollo importante.

Cinematográficamente, “Rewind” apuesta por ser lenta y pasiva, quizás confiando en que la fluidez del argumento facilitará el seguimiento de los hechos. Es posible decir que lo ha conseguido, aunque es importante señalar también que hay algunas escenas puntuales en las que se corta abruptamente el ritmo de la película. El efecto que se consigue con estas secuencias pareciera no ser del todo bueno, y su aporte es más bien pobre. A pesar de esto, la calidad de la cinta no se ve afectada seriamente. Como dato adicional hay que señalar que el filme esta basado en una novela de Kim Yeong-tae.

Kim Hak-sun con su primer trabajo ha logrado crear un largometraje sencillo, intimista y bien estructurado, similar en estilo a “White Valentine” pero mejor detallado y con personajes mucho más atractivos.

Jealousy Is My Middle Name (2002)

Tres mundos
Por Master of Hate

Lee Won-sang (Park Hae-il) es un joven tímido y silencioso que acaba de ser abandonado por su novia. En su intento de salir adelante, el muchacho consigue un trabajo en una pequeña revista literaria; además busca otros empleos para poder sostenerse económicamente. Won-sang se entera de que Han Yun-shik (Mun Seong-kun), su propio jefe, es el culpable de que su novia lo haya abandonado. La revista contrata a Park Seong-yeon (Bae Chong-ok), como fotógrafa a medio tiempo. No pasa mucho para que Won-sang vea en ella una potencial pareja. Finalmente, el jefe de Won-sang, quien tiene fama de ser un mujeriego empedernido, decide lanzarse a la conquista de Seong-yeon interfiriendo una vez más en la vida amorosa de Won-sang.

“Jealousy Is My Middle Name” es un interesante drama con algunas reminiscencias del cine de Hong Sang-soo (“A Tale of Cinema”, “The Turning Gate”). Se trata de un trabajo que ahonda mucho en los aspectos personales de 3 protagonistas principales. Así mismo, se inmiscuye en temas como el fracaso, los problemas de comunicación y las relaciones homosociales.

La película es un ensayo sobre 3 distintos tipos de personas. En el caso de Won-sang tenemos alguien con un perfil muy típico en los filmes de Sang-soo. Se trata de una persona insegura, tímida, reservada, que no inspira realmente simpatía, y que incluso puede llegar a desconcertar al espectador. Dicho de otro modo, tenemos a alguien muy humano, puesto que a pesar de que los vaivenes amorosos de su jefe prácticamente le arrebatan dos parejas sentimentales, no llega a ser considerado como una victima exclusiva. Won-sang despierta sentimientos encontrados, ya que su confusión es tal que se hace impredecible y no es posible dejar en claro cuales son sus verdaderas intenciones.

Han Yun-shik es otro caso que rompe moldes de modo muy particular. Su carisma y sapiencia le proyectan como un hombre seguro que ve plenamente justificadas sus aventuras amorosas a pesar de estar casado y tener una hija. Su personalidad se ve marcada por una asfixiante necesidad de contacto con Won-sang a quien trata de mil maneras distintas, dependiendo de su estado y dependiendo del momento. Esa necesidad de contacto, llega a ser casi mutua y obedecen mucho a un interesante estudio con perspectiva femenina sobre las relaciones homosociales.

En cuanto a Seong-yeon, lo primero que podemos notar es que su inclusión va mucho más allá de llenar el cupo necesario para crear un breve triangulo amoroso. Es un personaje que por momentos parece masculinizado, que llega a ser irreverente en muchos aspectos. Pero por otro lado, a pesar de tener una notable madurez, adopta posturas poco sensatas y contradictorias. Llega a pronunciar líneas que se pueden interpretar de muchas formas distintas.

Existe un par de personajes de suma importancia, pero que por la manera en la que se estructura la cinta no ocupan mucho espacio. El primero es la casera de Won-sang, quien se supone está enamorada de él. Aunque se hace más fácil pensar que se trata de una respuesta a Seong-yeon, o probablemente, una manera de contrastar personalidades femeninas. El otro es la ex-novia de Wong-sang cuya presencia es prácticamente anecdótica, pero no menos trascendental.

Cinematográficamente “Jealousy Is My Middle Name” ya dista del cine de Hong Sang-soo y se hace más convencional para un drama. De todas maneras es importante dejar en claro que las constantes menciones que hago sobre el cine de este director, sólo pretenden servir como un punto de referencia, especialmente en lo concerniente a temas y personajes. Queda claro que la directora Park Chan-ok tiene un modo interesante y personal de desarrollar su primer trabajo cinematográfico; su perspectiva es digna de resaltar ya que adopta nuevas dimensiones y no se limita en su intención de crear un efecto de realismo y rechazo a la vez.

En todo esto, ¿qué tienen que ver los celos? Es una buena pregunta puesto que el título de la cinta hace alusión directa a los celos, sugiriendo quizás su importancia dentro de la película. Me arriesgo a decir que quizás el término celos se usa de forma algo irónica, puesto que ninguno de los personajes parece ser dominado exclusivamente por ese sentimiento y en lugar de ello sirve más como excusa a otro tipo de intenciones.

Seria un justo veredicto calificar a “Jealousy Is My Middle Name” como “excelente” sin embargo es necesario tomar en consideración que se trata de algo más cercano al cine de autor que a una cinta comercial. No tenemos un gran clímax ni el final que lo deja todo transparente. Siempre y cuando se tomen en cuenta estos puntos, podemos estar seguros de que estamos ante un trabajo merecedor de múltiples elogios.

Sumario de Junio

Durante el més de Junio se publicaron un total de 30 críticas de cine. Ha tenido que reducirse como factor provisional el número de actualizaciones diarias a solo una, debido a los problemas vacacionales que afectan al grupo en este momento. La distribución por paises de las críticas se corresponde a: 21 de Korea del Sur, 3 de Japón, 3 de China-Hong Kong, 2 de Vietnam, y 1 de la India.

Two Cops (1993) 1/6/2006
Green Chair (2005) 2/6/2006
Typhoon (2005) 3/6/2006
Quill (2004) 4/6/2006
The Scent Of Love (2003) 5/6/2006
Together (2002) 6/6/2006
The King and the Clown (2005) 7/6/2006
Forbidden Quest (2006) 8/6/2006
Mr. Butterfly (2003) 9/6/2006
My Wife’s Murder (2005) 10/6/2006
Long Dream (2000) 11/6/2006
Buffalo Boy (2004) 12/6/2006
Now and Forever (2006) 13/6/2006
Jail Breakers (2002) 14/6/2006
Café Lumiere (2003) 15/6/2006
Hi! Dharma 2 (2004) 16/6/2006
Kick The Moon (2001) 17/6/2006
My Captain Mr. Underground (2006) 18/6/2006
When I Turned Nine (2004) 19/6/2006
2046 (2004) 20/6/2006
White Valentine (1999) 21/6/2006
Big Match (2006) 22/6/2006
Krrish (2006) 23/6/2006
Love of the South and North (2003) 24/6/2006
The Scent of the Green Papaya (1993) 25/6/2006
Escaping From Charisma (2006) 26/6/2006
Tempting Heart (1999) 27/6/2006
Nabi (2001) 28/6/2006
An Affair (1998) 29/6/2006
A Little Monk (2002) 30/6/2006