Tokyo Psycho (2004)

La obsesión no tiene límites
Por Squareta

Del mismo director de "Tomie" nos llega esta película basada en el asesino “Otaku” que aterró a Japón a fines de los ochenta.

La tranquila vida de la joven Yumiko Osaku se ve perturbada cuando empiece a ser acosada por un psicópata, quien le demuestra su amor mediante cartas y fotos de ella cubiertas con sangre. Yumiko sabe que aquel hombre no se detendrá, así que lo único que puede hacer es averiguar quien es. Junto con su amiga Mika, investigará todo sobre él.

El terror en "Tokyo Psycho" no es el que se acostumbra a ver en el cine oriental sino que ésta vez, dejando a las maldiciones de lado, se nos presenta la historia de un hombre obsesionado con una chica que no puede controlarse y que por ende resulta peligroso hacia los demás. Otros elementos que la hacen distinta son su bajo presupuesto y su horror mas bien bizarro, cosas que tiene en común con “Cursed”.

A pesar de estar basada en un caso real, la película resulta bastante fantástica, principalmente por las decisiones absurdas de los protagonistas, como por ejemplo cuando el psicópata llega a la casa de Yumiko y ella le deja la puerta abierta. Algunos personajes tampoco tienen mucho sentido, como la mujer loca que aparece al principio o el señor Kataoka. Esto se contrapone con los movimientos de cámara y con la casi nula banda sonora, las que le dan un toque realista al film.

Lamentablemente, Tokyo Psycho tiene muchos defectos, entre ellos, su desarrollo ilógico y que no conduce hacia ningún lado. El ritmo tampoco esta muy bien llevado, desde que se descubre quien es el protagonista la cinta decae a pasos agigantados y de ahí en adelante no hay mucho que se pueda destacar. Y si a esto le sumamos las malas actuaciones echaremos por tierra todas las buenas intenciones que tenia la película.

Tokyo Psycho tiene una buena historia, pero se le olvidaron muchas cosas en el camino. Aunque he visto peores, este film no llega al nivel de recomendado.

Gen-X Cops (1999)

La rebeldía les dará sus frutos
Por Fingolfin

Del director de la magnifica “New Police Story”, Benny Chan nos presenta en esta ocasión “Gen-X Cops”. Una película que por mas que lo he intentado, no he conseguido evitar las comparaciones con la reciente “Dragon Squad”, y es que las similitudes son muchas e importantes.

La policía de Hong-Kong investiga un importante caso relacionado con guerras de bandas entre los mafiosos más importantes de la ciudad. El inspector Chan (Eric Tsang), es un hombre que aun se encuentra en tratamiento de la tensión y los nervios, por lo que no es respetado dentro del cuerpo. Para resolver la situación, reúne a 3 luchadores recién expulsados del cuerpo, y les introduce en la misión. Se avecina un gran atentado y nuestros protagonistas trataran de evitarlo como sea.

Ha sido un bello reencuentro con el “payaso” de “My Lucky Stars” (Eric Tsang), y por supuesto no lo digo con ánimo peyorativo, sino como descripción de su función en las dos películas de la trilogía en las que participó. Su papel en “Gen-X Cops” es muy similar, solo que el humor se pone como complemento y no como esencia de su personalidad; mejor resultado en mi opinión.

Nuestro grupo de combate está formado por dos de los actores más famosos del momento en China, Stephen Fung (como Match) y Nicholas Tse (como Jack), además de un complemento armonizador, Sam Lee (como Alien) que aporta todo lo que les falta a sus compañeros. Estos hombres serán los encargados de darnos acción, la cual nos llegará de forma perfecta gracias al habitual uso perfecto de las cámaras de Hong-Kong. Del otro lado tendremos la típica evolución jerárquica con la que se avanza en la mafia. Nos presentarán a uno de los “malos”, y en adelante iremos viendo cada vez a uno más malo aun, hasta llegar al que está detrás de todo.

¿Comparaciones con “Dragon Squad”? Hay enfrentamientos de bandas, muchos mafiosos, un grupo de policías reunido especialmente para la misión, y una composición bastante similar. Sin embargo mientras que en la de Daniel Lee la mayoría de la acción son explosiones y tiroteos, aquí veremos algo mas plástico y al estilo combate cuerpo a cuerpo, mucho mas vistoso y divertido.
Por otro lado tenemos el argumento, el rol que jugaba Sammo Hung como inspector con problemas es el que hace aquí Eric Tsung, solo que éste último no es muy dado al combate…Superioridad también en este terreno por parte de “Gen-X Cops”.

Mencionar antes de terminar la 2 o 3 frases estelares que tiene en el cameo final, el que probablemente sea el actor mas mítico del país, y cuya identidad mantendré en secreto para no aguar a nadie la sorpresa. Si les sirve de algo mi opinión, la diré muy brevemente ¿Les gustó “Dragon Squad”? Pues esta es mejor.

Tales of the Taira Clan (1955)

El héroe sacrílego
Por Fingolfin

Soberbio Kenji Mizoguchi, y soberbia la película que hoy tratamos, cuyo titulo original es “Shin Heike Monogatari”. No se si erróneamente o no, la he considerado dentro del genero Jidai-Geki, ya que considero que cumple todas las características mas típicas del mismo. Además creo afirmar si mi memoria no me falla, que es la película japonesa más antigua rodada a color, que he podido ver.

Resumir el argumento del film en una breve sinopsis no sería más que raspar la superficie de la completísima trama de la que hace gala. De la misma forma, otro error sería hablar ahora de personajes, cuando los elementos que mueven la película van más allá y están por encima de ellos. Sin embargo lo intentaré.
Torodai y Kiyomori son padre e hijo, a la cabeza del clan Taira. La situación de los samuráis es incomoda, nadie reconoce su trabajo y son tratados como esclavos del poder. La inestabilidad existente por la presencia de dos emperadores se manifiesta en los conflictos de monjes y cortesanos, siendo siempre los mas perjudicados los samuráis. El panorama es insostenible, y una serie de hechos harán estallar el inevitable conflicto.

“Tales of the Taira Clan” presume de un desarrollo rápido y ameno, no hay ni una sola escena lenta, y ninguna está de mas. El carácter histórico ofrece muchísimo sentimiento de realismo y de vitalidad al espectador, que lo agradece en todo momento. El respaldo de la banda sonora es impecable, y muy bien administrado para no saturar la película. Una de las cosas que mas me gustan del Jidai-Geki son los escenarios y el vestuario, ambos elaboradísimos, a sabiendas de que gran parte de la atención recaerá sobre ellos.

Las actuaciones son muy correctas, y la que realmente me ha encantado ha sido la de Raizo Ichikawa como Kiyomori. Su personaje es prácticamente omnipresente, lo que le obliga a pasar por infinidad de situaciones, y a mantenerse en pantalla durante mucho tiempo. Se acabaron sus papeles de rônin y samurai de 1600 y 1700, y retrocede ahora hasta el siglo XII para dejarnos una actuación excelente. Además de Ichikawa, Narutoshi Hayashi representa a Torodai, y Michiyo Kogure a Yasuko.

Las escenas en las que aparecen ejércitos son tratadas de forma muy inteligente, moviendo las cámaras y jugando con los escenarios de forma que se multipliquen los personajes. El final resulta sorprendente, aunque en un principio decepcionante a los deseos del espectador. Como dije en “The Shogun Samurai”, creo que puede ser un gran acierto dejarlo así, y no arriesgar un final concreto. Las últimas palabras del film bien valen el sacrificio.

Esta vez no limitaré la recomendación a los amantes del género, prefiero extenderla a todos los amantes del cine. Una película irrepetible que todos deberíamos ver.

Fly me to Polaris (1999)

5 días
Por Master of Hate

“Fly Me To Polaris” del director Ma Chor-Sing es un largometraje intenso que ofrece una historia sencilla pero con buenas actuaciones. Esta fue una de las primeras películas de Cecilia Cheung, que hace dupla con Ren Richie en una historia de amor y romance bastante lograda, aunque no esta exenta de algunos problemas menores.

Alguna vez alguien me dijo “se parece demasiado a Ghost”. Pues bien, siempre suelo conceder el beneficio de la duda, hasta poder cerciorarme. He de reconocer que hay más casualidades de las que me habría gustado ver; en todo caso, no estoy de acuerdo con la comparación, más bien he de referirme a un problema de mayor trascendencia, y es que para muchos la historia puede llegar a ser muy melodramática, hasta un punto casi excesivo. De todas maneras para gustos están los colores, por ejemplo, muchos opinaremos que tiene la dosis apropiada y no han abusado en este aspecto. Un tercer problema es que el tiempo siempre desgasta muchas cosas, y en este caso los efectos especiales, van siendo victima de los años, y aquí esto resulta un tanto obvio cuando vemos el uso de los mismos.

La historia tiene como protagonistas a Cheuk, más conocido en la película con el sobrenombre de “Onion” y su enfermera Autumn. Cheuk es ciego y mudo por lo que percibe el mundo de manera muy limitada. Autumm tiene un trato especial con él, y parece que llega incluso a ser algo mas que una simple relación de paciente y enfermera. En un trágico accidente, Onion muere pero al llegar al cielo se topa con la sorpresa de que le conceden 5 días para regresara la tierra. Lógicamente Onion acepta esto, aunque las condiciones de ese regreso, incluyen el no revelar su identidad. Onion retorna como una persona nueva, capaz de ver y hablar, y por este motivo desea encontrarse con Autumm y acercase a ella tanto como pueda. Pero eso se complica ante la presencia de un rival en potencia que esta dispuesto a conquistar a Autumm.

Como he dicho anteriormente, la película tiene sus problemas, pero considero a Cecilia Cheung como el pilar y la base que hace que la cinta funcione bien y salga adelante a pesar de su sencillez. Su destacable actuación es capaz de conmover al espectador que se podrá dar cuenta del carisma que tiene esta gran actriz.

No dudo en recomendar esta cinta porque, a pesar de depender mucho del talento de su reparto, brinda buenos momentos muy conmovedores y emotivos.

You Are My Sunshine (2005)

Determinación sin dudas
Por Master of Hate

Este 2005 si que me ha dejado un buen sabor de boca, y lo confirma la genial “You Are My Sunshine” del talentoso director Park Jin-pyo, que nos sirve en bandeja de plata uno de los largometraje mas impactantes del año. Continuando con la excelente “Too Yung to Die” en el 2002, Park Jin-pyo da un paso importante con su nueva película, que le confirma como uno de los directores a tener en cuenta de cara al futuro. “You Are My Sunshine” trata sobre un tema que ya no se considera tabú, pero aún representa un desafió importante en una sociedad que muchas veces prefiere dejar de lado ciertos temas. Cabe destacar que la cinta esta basada en un caso real.

Suk-jung (Hwang Jeong-min) es un humilde granjero, que se ve bastante apremiado por conseguir una esposa, y es que ciertamente ya no es un chiquillo. La prueba de esta desesperación está en que intenta conseguir una esposa mediante una agencia que se dedica a estos menesteres, sin embargo, no le va nada bien. A pesar de su visible desesperación, Suk-jung busca el amor de manera bastante inocente, ya que tiene un concepto bastante idealizado del mismo. Al pueblo llega Eun-ha (Jeon Do-yeon) que entre otras cosas ejerce de prostituta. Al parecer, su estadía en el pueblo se debe a que escapa de un pasado bastante oscuro y doloroso. Para ella, Suk-jung es un cliente más, pero para él, ella es el amor de su vida. El problema es que Eun-ha viene de un desengaño, por lo que tiene una filosofía mucho más práctica sobre el amor, manteniendo al margen de su vida la idea de casarse, todo esto, se contrapone a lo que Suk-jung desea.

La insistencia de Suk-jung es tal, que se sobrepone a los muros y barreras que interfieren en su camino. La férrea determinación de Suk-jung logra convencer a Eun-ha que parece deseosa de empezar desde cero y darse a si misma una nueva oportunidad en la vida. Sin embargo, y aquí viene la segunda mitad del film, surgen problemas abismales, que ponen a prueba el amor y la adoración que Suk-jung le profesa a Eun-ha. Ella es diagnosticada con el virus del sida, y al mismo tiempo es localizada por el hombre de quien intentaba escapar. De aquí en más queda por cuenta suya averiguar el desenlace.

No nos engañemos, no hay porque ocultarlo, “You Are My Sunshine” hecha mano del melodrama (algunos dirán que abusa de éste), de una historia sin complicaciones, protagonistas que agradan fácilmente y escenas fuertes que impactan profundamente. El argumento es solidó y bien solventado de principio a fin, no hay huecos ni escenas innecesarias, es evidente que hay un guión muy bien logrado. En otras palabras tenemos una cinta excelente, que hace uso de los trucos de siempre, pero no por eso se le puede desmerecer, ni tan siquiera un poco.

“You Are My Sunshine” esta magistralmente dirigida, pero si hay algo que es evidente y que se debe destacar son las actuaciones. Bien sabemos que este es uno de los puntos más sólidos del cine coreano, pero hay casos particulares en los que una actuación sobrepasa el mismo grado de sobresaliente. Hwang Jeong-min al que vimos en “A Bittersweet Life” y como protagonista en “A Good Lawyer's Wife” se lleva mis respetos por una interpretación impecable. Jeon Do-yeon (“My Mother the Mermaid”, “Happy End”) hace lo propio y trasciende por su excelente desempeño. Ambos sacan adelante la película con sus carismáticas interpretaciones.

Otros puntos importantes que no deben pasar desapercibidos son: el notable trabajo de cámaras y la música. (Hay un par de temas que no puedo sacar de mi cabeza). Finalmente pienso que sobran las recomendaciones, ya que este conmovedor, trágico, y hermoso relato dará que hablar durante mucho tiempo.

Kairo (2001)

Terror ‘Mínimo’
Por KeNJi-KuN

Una chica decide ir a buscar a un amigo que desde hace días ha desaparecido. Cuando llega a la casa de éste lo que encontrará será al joven con una extraña sensación de tristeza. Momentos más tarde se suicidará. En un diskette propiedad del joven, ella junto a sus compañeros descubrirán una misteriosa imagen en la que se muestra la habitación de éste con una fantasmagórica imagen de espaldas. Mientras ésto sucede, otro estudiante descubre como su ordenador se conecta automáticamente a una página Web que le abre una puerta a otras tantas macabras habitaciones donde aparecen otras tantas misteriosas figuras.

Esta película tiene el honor de ser, bajo mi punto de vista, el mejor film de terror oriental. Kiyoshi Kurosawa construye un film escalofriante tejiendo una historia que combina elementos apocalípticos y fantasmas con la soledad, la muerte, el miedo, el futuro, etc. Todo ello rodeado de una atmósfera única y asfixiante, amén de una calidad cinematográfica fuera de toda duda. El realizador conjuga los elementos anteriores con maestría demostrando estar alejado de los estereotipos de un director común.

“Kairo” es puro cine de autor, una apuesta por innovar en el saturado panorama del terror oriental ofreciendo un guión tan misterioso como complicado y difícil, quizá sea este el único ‘pero’ que se le puede poner. Esto hace que otorgarle a “Kairo” un segundo visionado sea casi una obligación para atar cabos que seguramente se escaparán en un primer momento, y cuya comprensión será crucial para disfrutar al máximo la obra.

Técnicamente es fantástica, destacando su fotografía, su intrigante banda sonora, un montaje medido, su cuidada y fúnebre ambientación y unos efectos especiales realmente conseguidos y realistas. Está protagonizada por Haruhiko Kato, Kenji Mizuhashi y Shinji Takeda. Las interpretaciones están a la altura de las necesidades de la cinta y disfrutaremos de algunos momentos y escenas que seguro quedarán en nuestra mente por algún tiempo.

“Kairo” es un film sobresaliente que nos hará darle vueltas a la cabeza por lo complicado de su trama, la cual una vez comprendida hace que se convierta en una cinta de obligada visión para los aficionados tanto al cine de terror como al buen cine en general.

Scary Hair (2005)

Más drama que miedo
Por Squareta

Cuando Su-hyun pierde su cabello debido al tratamiento de la quimioterapia, su hermana Ji-hyun decide regalarle una hermosa peluca para ayudarla a sobrellevar su nueva vida. Inmediatamente Su-hyun comenzará a cambiar de una forma insospechable y al parecer la única culpable sería la peluca. Esta situación no ayudará mucho a Ji-Hyun, quien luego de quedar muda tras un accidente, estará viendo cómo su mundo se cae a pedazos.

Curioso film coreano de Won Sin-yeon, al cual solo basta conocerle el nombre para imaginarse que las largas cabelleras negras vuelven a la pantalla, pero bueno, eso es cierto solamente hasta cierto punto. Si le quitamos las poquísimas escenas de terror que tiene nos encontraremos de frente con un drama, en donde al parecer todo va de mal en peor.

Los personajes están muy lejos de ser el prototipo de la felicidad: Su-huyn sufre de cáncer y está viviendo sus últimos días, y su hermana Ji-hyun tendrá que presenciar cómo su única compañía se está muriendo lentamente. Y por si esto fuera poco ambas hermanas se transformarán en rivales.
Tanto el ambiente frío como la música presente, son los perfectos acompañantes para la historia que de por si ya es triste.

Aunque es obvio que para los que buscaban horror encontrarán a Scary Hair una gran decepción. Las escenas de miedo son escasas y de ellas la gran mayoría son sutiles. Esto no ayuda mucho a la historia de un cabello maldito que desde un principio no genera muchas expectativas. Por último, el ritmo pausado de la película fácilmente se puede transformar en aburrido.

En resumen, nos encontramos con un drama de elementos fantásticos y unas pinceladas de horror, al igual que otras tantas cintas estrenadas en este último tiempo. Pese a sus intentos, Scary Hair es una película que para la gran mayoría les resultará indiferente.

Samurai Rebellion (1967)

Decidir entre tu mujer o tu clan
Por Fingolfin

Mi segundo film de Masaki Kobayashi. Después de ver “Seppuku”, el nivel que esperaba de “Samurai Rebellion” era bastante alto, y ahora puedo decir que pese a que no supera la anterior, si lo ha hecho con mis expectativas.

El señor del clan Aizu ha expulsado del castillo a Ichi, la madre de su único hijo y sucesor, por su actitud agresiva. Yogoro es el hijo mayor de Isaburo, se le concede el “privilegio” de casarse con ella, lo cual no agrada en absoluto a su familia, los Sasahara. Con el tiempo Ichi se gana el amor incondicional de Yogoro, y el de Isaburo, pero de nuevo el señor del clan interviene en la acción con una dolorosa reclamación.

No hace falta analizar mucho la película para darse cuenta de que guarda una ligera relación con “Seppuku”. Ambas mantienen un enunciado que siempre se cumple, contrariamente a nuestros deseos y los esfuerzos de los protagonistas, dicho enunciado es: “lo que sucede en el clan, se queda en el clan”.

La ausencia de ningún tipo de música puede parecer desafortunada, pero yo lo considero algo positivo. La película de Kobayashi transmite un alto nivel de realismo que hace que el espectador se introduzca en el escenario, donde por supuesto los únicos sonidos que le llegan son los de la acción.

En el terreno de los personajes tenemos algunos destacables. Toshiro Mifune en el papel de Isaburo tiene una actuación en su línea de finales de los sesenta, mucho más comedido que sus tiempos de Kikuchiyo o Washizu. Tatsuya Nakadai aprovecha al máximo el escaso e irregular tiempo que se le brinda en pantalla, aportando con su presencia un importante toque de calidad al film. Por último Yôko Tsukasa (la recordarán de “Yojimbo”) tiene un papel de escaso dialogo y mucha expresión, a la altura de lo que hacía falta.

El final de la película parece anticiparse un buen rato antes de terminar, los últimos 15 minutos avanzan por inercia, y repletos de combates. Entre ellos cabe destacar uno de los duelos que ha dejado mejores fotogramas para la historia. Nakadai contra Mifune, cara a cara, espada con espada, imperdible.

Como conclusión, no me ha decepcionado en absoluto aun comparándola con “Seppuku”, y lo mejor que puedo decir en su favor, es que tiene lo que le falta a los últimos títulos de Gosha que he visto, y es su continuidad. No hay altibajos o momentos aburridos en sus 120 minutos, sino un desarrollo impecable de principio a fin.

Kumokiri Nizaemon (1978)

Leyenda de un ladrón
Por Fingolfin

Me he decantado por el titulo original, ya que es mas representativo del tratamiento que se le da al guión que el internacional (“Bandits VS Samurai Squadron”).
Me encuentro ahora sin duda ante mi comentario más difícil. Primeramente por el debate interno que tengo entre la calidad del conjunto, y las numerosas carencias dispersas por el film.

Kumokiri es un hombre misterioso, con un pasado desgraciado, que se enfrenta al gobierno junto con su banda, mediante numerosos robos. Llegado un momento, decide que ya es hora de retirarse, y selecciona el último y más grande de sus objetivos. La traición y el trabajo del escuadrón de la policía se lo pondrán muy difícil.

El argumento a grandes rasgos ha sido bastante utilizado en películas modernas (típico ladrón/grupo de ladrones que se quieren retirar con su mayor golpe). Sobra decir que la manera de representación es bastante distinta a estos últimos que mencionaba.

La primera dificultad la encontramos en su larga duración (mas de 160 minutos), que dejan lugar para escenas buenas, escenas aburridas, y escenas desesperantes. Sobretodo en la primera parte hay secuencias que podrían haber sido recortadas integras sin perjuicio del resto del film. Al igual que pasaba con “Tenchu”, Hideo Gosha se empeña en concluir la película absolutamente, para lo cual tiene que ir utilizando varios finales a las mini-tramas internas. El problema de este recurso es que cada final absorbe la fuerza del anterior, aunque tengo que reconocer que el último es bastante bueno.

La acción solo se utiliza cuando es imprescindible e inevitable, y siempre en escenarios oscuros, de forma muy poco vistosa, y muy poco elaborada. Además suelen ser batallas o asaltos más que cualquier tipo de duelos. Con lo que quiero decir que si buscan algo de acción, mejor mirar en otro sitio.

Original, eficaz, pero muy poco meritorio es el uso de subtítulos informativos para presentar los personajes. Tema aparte es que antes de la presentación tengamos un combate irrelevante en el que no sabemos lo que está pasando, y que dicha presentación dure más de una hora.

Buena interpretación pero sin grandes alardes es la de Tatsuya Nakadai como Kumokiri, y la de Shima Iwashita como Ochiyo. En teoría deberíamos considerar a Kumokiri el protagonista de la película, por razones evidentes. Sin embargo Ochiyo es la que se lleva mas minutos de pantalla, quizás por que es la herramienta principal para el robo final. Mencionar que también tenemos a Tetsuro Tamba en el papel secundario de Kichibei.

La banda sonora, o mejor dicho, el acompañamiento musical es prácticamente inexistente, pero debo admitir que concretamente hay una pieza excepcional, que solo suena 2 o 3 veces en todo el film.

En definitiva, “Kumokiri Nizaemon” es una película que requiere mucha paciencia, un espectador entregado sin otra cosa mejor que hacer, y un gusto bastante grande por el genero y el director. Quizás solo los mas fanáticos de Gosha consideren que merecen la pena sus casi tres horas, yo personalmente solo puedo decir que como conjunto, y olvidando muchas, muchas escenas, la historia es bastante buena.

Tiramisu (2002)

El amor no tiene fronteras
Por Conri

Esperaba ver un romance/drama normal y corriente pero he descubierto que no ha sido así. De haber leído el argumento con anterioridad me hubiese dado cuenta que la película contaría con efectos especiales y alguna que otra sorpresa.

Fung (Nicholas Tse) es un cartero sordo. Una mañana más como de costumbre sale a trabajar sin saber que su destino lo iba a hacer cruzarse con aquella mujer. Jane (Kar Yan Lam) sale de su casa como siempre camino a el gimnasio donde practica baile, sube al subterráneo y justo al lado de ella se sienta Fung. Un hombre que acaba de subirse los confunde con otras personas pensando que eran novios y ellos de un momento a otro se escapan de él.

Fung lleva una carta a un gimnasio donde también se encontraba ella, en esa carta está el sueño de todo el equipo de baile; es el pase para un concurso muy importante. Ellos se quedan pensando el uno en el otro, y de repente, cuando Fung va a entregar un paquete, Jane se le aparece frente a él, en ese momento ella le cuenta que es un fantasma y que los vigilantes la andan buscando para llevársela. Pero él tiene que hacerle el favor de ayudarla a poder ganar el concurso de baile, solo necesita que le deje un lugar en su cuerpo. ¿Podrá Jane ganar el concurso antes de ser atrapada por los vigilantes?

Esta historia dirigida por Dante Lam y escrita por Man Yau Chan nos cuenta la historia de un amor imposible, en la cual los protagonistas intentarán por todos los medios posibles alcanzarlo. Ambos personajes al convivir uno dentro del otro se complementan y así llegan a conocerse totalmente y a formar una linda relación, pero como toda película de este genero, nada les va a resultar como quisieran.

Este Film cuenta con muchísimos efectos especiales, no son de lo mejor pero es lo que hay. Dentro de todo la película es buena, es de esas para pasar un buen momento y volver a afirmar que el amor no tiene fronteras.

Sanjuro (1962)

Operación rescate
Por Fingolfin

Un año después de “Yojimbo”, Akira Kurosawa reúne en “Sanjuro” un cartel de actores que bien podría ser considerado como el “Dream Team” del cine japonés. Se repite la pareja de oro Toshiro Mifune/Tatsuya Nakadai, como personajes opuestos y rivales, gozando del acompañamiento de lujo de Takashi Shimura. Todos ellos con papeles muy similares a los que encontramos en “Yojimbo”. Además no podemos pasar por alto la inclusión de Keiju Kobayashi, también con una actuación muy relevante. Muchos de los seguidores del cine actual quizás no conozcan a ninguno, pero el único dato que puedo aportar para hacerles una idea, es el número de películas en las que han participado, (181, 123, 190, 174, respectivamente) que aunque es una estadística bastante relativa, estoy seguro que sirve como carta de presentación.

La película comienza de una forma que da la impresión de estar viendo una historia empezada. Pero todos los datos que necesitamos para seguir el argumento se van presentando de forma muy fácil y ordenada conforme avanza. Kurosawa juega con el espectador en todo momento, un ejemplo de ello es la constante repetición de la misma situación. Un grupo de personas pensando un plan y anunciando la manera en la que van a actuar (que es la misma que el espectador considera acertada), entonces aparece Sanjuro (Mifune), y tira abajo todo con argumentos mas que convincentes.

Las similitudes con “Yojimbo” son muchas. Desde la manera de elegir su nombre (mira por la puerta, y junta las palabras “Sanjuro” y el primer elemento que observe), hasta la actitud del protagonista. Siempre tiene la situación controlada, y hace gala de una tranquilidad apabullante (Aunque también de un aire desgarbado parecido al de su papel como Kikuchiyo en “Los 7 Samuráis”).

“Sanjuro” es una historia en la que un grupo de jóvenes miembros de un clan, tratarán de rescatar a su Chambelán, capturado por traidores internos, que ambicionan usurpar su puesto. Este grupo de jóvenes tiene a todo el mundo en contra, son pocos, necios, y además están perseguidos.

En el aspecto de las coreografías, decir que es uno de los mejores Mifune que he visto nunca con la espada, y pese a que Akira Kurosawa nos administra la acción con cuentagotas, siempre que llega, lo hace de forma sublime.
Otro detalle técnico importante es la transición de imágenes o de escenas. Ninguna de ellas se hace a la ligera, y cada cambio tiene un motivo. Solo el hecho de que me haya fijado en un elemento tan secundario ya es representativo de su calidad.

El acompañamiento musical es parecido al de “Yojimbo”. Y para terminar, solo voy a decir que lo que todo el mundo está deseando, llegará al final del film, y de la forma mas inesperada y espectacular que se pueda imaginar. Así que ya saben, atención hasta el último momento, y sin bajar la guardia. Un sobresaliente para “Sanjuro”.

Neighbour No. 13 (2005)

Vientos de venganza
Por Squareta

Es difícil comentar esta película sin pasar a decir algún detalle comprometedor. Por otra parte, reducirla a la palabra venganza sería demasiado básico.

Esta obra está dirigida por Yasuo Inoue, quien aunque da su primer asomo en los largometrajes ya había tenido bastante experiencia como director de anuncios publicitarios y está basada en el manga homónimo que apareció en 1993 y que fue creado por Santa Inocue. Después de una larga espera se dio el permiso para su adaptación a la pantalla grande, pero su estreno se retrasó aun más, debido a que muchos festivales se negaron a mostrarla por su excesiva violencia.

Pero vayamos por partes, para los que no han leído el manga, les resultará primordial saber de qué va la película. Pues se trata de un muchacho, Juzo (Shun Oguri), que recibió muchos maltratos en su niñez por una banda liderada por Toru Akai. Durante 10 años, Juzo ha guardado deseos de venganza que residen en su otro yo, “Rinjin 13-gô” (“El vecino No. 13”). Para la suerte de Juzo, Akai junto con su esposa e hijo se mudan hacia el mismo bloque donde vive él. Por otro lado, Akai es incapaz de reconocer a Juzo, lo que le dará aún más posibilidades a Rinjin 13-gô para vengarse.

Tras un alucinante comienzo, en el que se entrecruzan unos efectivos flash-backs junto con algunas escenas abstractas que destacan por el manejo de los colores, se nos presenta una historia bastante sencilla, tal como es la vida del protagonista. De hecho, no sabemos exactamente qué es lo que va a hacer Juzo hasta casi la mitad del film, cosa que se agradece puesto que así llegaremos hacia un sorpresivo final.

La idea no tiene nada de original pero el resultado sí lo es. Como ejemplo de ello tenemos unos pequeños toques de humor muy extraños y la singularidad de todos los personajes. También hay que destacar la gran calidad de la película en lo visual y en lo musical, especialmente en las escenas “del interior de Juzo”.

Lamentablemente, era de esperarse que la demora de su estreno, junto con el cameo de Takashi Miike generara más expectativas sobre lo violenta que iba a ser la película, cosa que en la práctica no es cierto. Sólo hay un par de escenas sangrientas, lo que causó la decepción de mucha gente, aunque personalmente eso es algo que no extrañé.

En resumen, es un cine diferente, que aunque funciona más en lo visual que en lo narrativo, nos muestra una nueva perspectiva sobre los abusos en el colegio (lo que en Japón se llama ijimeru) o mejor dicho, sobre los resultados en el abusado con el tiempo. Recomendada para quienes busquen algo diferente.

The Way Home (2002)

Tan cerca pero tan lejos…
Por Master of Hate

No quiero andarme por las ramas con esta película, así que diré que con “The Way Home” Lee Jeong-hyang ("Art Museum by the Zoo)" ha logrado escribir una de las paginas mas brillantes del cine de coreano, y lo ha conseguido con un argumento simple, sencillo pero muy profundo.

Sang-woo (Yu Seung-ho) a sus siete años, es llevado por su madre (Dong Hyo-hee) a un pueblo en las afueras de la ciudad en donde ve a su abuela (Kim Eul-boon) por primera vez. La madre de Sang-woo no atraviesa un buen momento económico, así que lo deja junto a la abuela por un par de meses. Es aquí donde comienza la historia.

Tenemos el choque de 2 generaciones separadas por un abismo de cosas. Habiendo crecido en la ciudad, Sang-woo se topa con un mundo poco interesante y hasta desagradable para él. Sang-woo se muestra reacio a las muestras de afecto de su abuela de 77 años, y no solo eso, si no que le hace exigencias absurdas. La comunicación se torna sumamente complicada ya que la abuela es muda. Esto a su vez se refleja en escenas largas y silenciosas, en donde se prescinde del dialogo y el plano visual es el hilo conductor.

Sang-woo es ciertamente un chico irritante y le cuesta entender todo lo que esta ocurriendo a su alrededor, resulta caprichoso y egoísta, tiene bastante claro que es un chico de ciudad y ésto se refleja en su negativa a la hora de relacionarse con los chicos de su edad. Su abuela, por otro lado, es paciente, gentil, y demuestra por su nieto una devoción y amor inquebrantables. Con el pasar de los días, Sang-woo empieza a cambiar y parece por fin entender el amor de su abuela.

El film es algo corto, tan solo 85 minutos de metraje, pero son suficientes para contar una historia muy simple, pero con cantidad de detalles. De principio a fin, tenemos una cinta que representa un conflicto generacional, que finalmente se ve superado solo a base de cariño y dedicación. Me atrevo a decir que “The Way Home” no dejara indiferente a nadie ya que todos, de una u otra manera, encontraremos algo en esta película que nos sumergirá en una profunda reflexión.

Encuentro el film convincente el todos los sentidos porque si bien los personajes tienen un perfil bastante particular, no quiere decir que sean un retrato idealizado, o fantasioso del colectivo al que representan. Resulta aún menos práctico tomar referentes basados en nuestra sociedad, y hacer comparaciones ya que adoptaríamos una postura que puede afectar la manera de percibir o interpretar muchos aspectos de la película.

Me encantaría hablar más de este bello largometraje, pero prefiero dejar que todos descubran por si solos esta maravilla del cine coreano que fue un éxito taquillero en el año de su estreno. Apremio a quien no lo haya visto aún, a que se de tiempo para descubrir una de las historias más conmovedora de los últimos tiempos.

Princess Blade (2001)

Horizontes lejanos
Por KeNJi-KuN

Japón. Alrededor de 500 años en el futuro. Yuki pertenece a un grupo de guerreros mercenarios, los Takemikazushi, largamente empleados por el actual gobierno para vencer a la facción rebelde contrarios a su política déspota. Esta banda de samuráis modernos se rige por un sólido código del honor más cercano a las antiguas ordenes feudales que a una organización pseudo-criminal. Yuki, descendiente directa de la rama consanguínea de los fundadores del clan descubrirá que su madre fue asesinada por el actual dirigente del mismo cuando intentó poner fin a las maniobras de sus miembros.

El director de esta película, Shinsuke Sato, fue el guionista de "Tokyo Yakyoku", film dirigido por Jun Ichikawa en 1997. Producida por Taka Ichise ("Ringu", "Ju-on", "Dark Water"), este drama de acción futurista está basado en el manga “Shura Yukihime”.

El film en cuestión no es más que un mero entretenimiento que puede aburrir a algunos debido a su eje central, y es que la película condensa casi toda su acción al principio y al final del metraje, resultando demasiado lenta, cansina y previsible cuando la acción desaparece de pantalla. No obstante como adelantaba, tanto los primeros 20 minutos como los últimos son espectaculares, gracias a las coreografías de Donnie Yen llenas de fuerza visual y efectividad. Apoyadas por la frecuencia de la banda sonora de Kenji Kawai otorgan algo de un dinamismo que se echa en falta en demasiados momentos.

No obstante el trabajo de Donnie Yen y el apartado técnico destacando los efectos especiales y la fotografía hacen que “Princess Blade” sea una película merecedora de ser vista, aunque decepcionará a todo aquel que busque en ella algun motivo trascendental. Complementan el reparto Hideaki Ito, Yumiko Shaku, Shiro Sano, Yoichi Numata, sin que el trabajo de ninguno sea especialmente relevante, cumplen al menos su función correctamente.

“Princess Blade” no será recordada en ninguno de sus aspectos, pero considero que tiene suficientes escenas y detalles que la pueden hacer interesante, para verla sin pretensiones.

200 Críticas en FM-Team

Y con la actualizacion de hoy, ya son 200 las películas comentadas que tenemos en FM-Team. Hemos alcanzado la cifra de 7 colaboradores, que nos permite actualizar con una enorme frecuencia, y al mismo tiempo establecer el margen suficiente para que las criticas tengan el mismo nivel de siempre.

Me complace anunciar que a ritmo actual, cada dos meses habrá 120 críticas nuevas, que se irán recogiendo en la "Enciclopedia del Cine Oriental" que inaguramos recientemente. Es gracias a ella que los usuarios, además de los pertinentes buscadores y archivos, tendrán acceso rapido y sencillo a todas las películas sea cual sea su fecha de publicación.

Agradecer, como ya hice la ocasión anterior, el trabajo a todos los colaboradores, que cada vez es mayor, y cada vez se implican más con el proyecto. Y por supuesto no voi a olvidar a los visitantes, tanto a los amantes del cine oriental que buscan nuevos desafios, como a los nuevos conversos a este gran cine.

Gracias a todos, y a seguir adelante.

Barking Dogs Never Bite (2000)

Poder canino
Por Master of Hate

Bong Joon-ho es uno de los cineastas más talentosos que ha dado Corea del Sur en los últimos tiempos. Me atrevo a ponerle al nivel de otros consagrados contemporáneos. Su corta trayectoria cuenta con tan solo 2 películas, sin embargo el rotundo éxito de “Memories of Murder” le ha colocado en un sitial de privilegio en el panorama del cine asiático. Su capacidad como realizador no debe ser cuestionada, “Memories of Murder” no fue una casualidad y como prueba tenemos su primera película titulada “Barking Dogs Never Bite” en donde demuestra su don para sintetizar varios géneros y de manipular a placer un argumento aparentemente sencillo.

Yun-ju (Lee Sung-jae) es un profesor desempleado que intenta salir del bache y conseguir un empleo. Junto a él está su esposa (Kim Ho-jung), que a pesar de su embrazo es quien aporta el dinero al hogar. Esta situación se refleja en el trato que tiene para con Yun-ju, a quien constantemente recrimina por su incapacidad, además saca a relucir su condición de mayor y sostén del hogar. Yun-ju vive días difíciles, y en esta aglomeración de dificultades se ve fastidiado por los ladridos de un perro que al parecer alguien tiene en el mismo edificio. Su paciencia esta demasiado desgastada y en la mínima oportunidad se propone acabar con la vida del canino. Su aparente coraje no resulta tan desafiante, por lo que simplemente termina ocultado al animal. Craso error, los ladridos no desaparecen y siguen alimentando su miseria. La aventura de Yun-ju va mucho más allá debido a que comete un error tras otro en su intención de librarse del animal. Hyeon-nam (Bae Du-na) que viene a ser la única que se interesa en investigar la desaparición del perro e intenta ayudar su propietario, tiene la esperanza de ser una especie de heroína y salir en la televisión, luego de ver algo parecido en las noticias.

El Largometraje esta plagado de detalles y un estilo visual bastante colorido y original. Por momentos me atrevo a hacer una comparación con el estilo usado por Lee Myung-se en “Nowhere to Hide”, pero a diferencia de este, Joon-ho no va a los extremos y adhiere solo la dosis necesaria de riqueza estilística, de manera que la trama no quede en el trasfondo o se desvié de su objetivo. Con respecto a este aspecto, también vemos como Joon-ho aprovecha la imaginación de sus personajes para desplegar pasajes hilarantes que rozan lo absurdo, pero inmediatamente vuelven a su cauce. Resulta inteligente no descargar todo su arsenal en los aspectos visuales, ya que se da tiempo para sacar una historia con mas de un conflicto. De esta manera tenemos a Yun-ju atosigado por su situación y los problemas con su esposa, al mismo tiempo Hyeon-nam se muestra prácticamente altruista, ofreciendo ayuda a una anciana, mientras volvemos con Yun-ju que intenta corregir sus errores, e inmediatamente aparece en escena un personaje misterioso en el sótano del edificio. El ritmo de la historia es engañoso, porque quizás aparenta un avance ínfimo, pero en realidad cubre un amplio terreno.

El trabajo de cámaras es de gran nivel, cosa que quienes vieron “Memories of Murder” seguro tendrán muy presente. La música resulta otra grata sorpresa, pues constantemente se repiten melodías de jazz, que disimulan la tensión de algunas escenas. Las actuaciones merecen un sobresaliente, al igual que todo lo demás.

“Barking Dogs never Bite” es a grandes rasgos una comedia con humor negro y toques de drama y suspenso, un trabajo destacado de un director con gran futuro.

The Calamari Wrestler (2004)

¿Bizarro? Nooo…
Por Conri

Que estarían pensado Minoru Kawasaki y Masazaku Migita mientras escribían una historia sobre un supuesto hombre calamar. Aclaremos antes de empezar a hablar sobre la película que su género es “Comedia”, pero de todas formas intentan llevar adelante una historia, la cual no nos llega a dar a entender el porqué de estas mutaciones de luchadores a animales acuáticos.

Un nuevo campeón se consagra arriba del cuadrilátero, cuando de una esquina con un golpe certero a su cabeza aparece una especie de calamar gigante. La novia del campeón, Miyako (Kana Ishida) mira sin entender que es lo que esta sucediendo. El calamar desafía al nuevo campeón, pero luego de dos golpes, libera un Suplex Aurora Boreal! Una toma especial que deja totalmente derrotado a Taguchi.

Todos miran asombrados quien es este excelente luchador, que efectuó el gran golpe, el mismo que realizaba uno de los más grandes luchadores desaparecidos y ex-novio de Miyako, el gran “Kan-Ichi”. Las dudas comienzas a salir al sol, este calamar luchador es entrenado por un profesor de aspecto muy raro, él mismo es quien lo vuelve a llevar al ring para enfrentar su revancha contra Taguchi. ¿Lograra el luchador calamar volver a derrotarlo?¿Será enserio una reencarnación de Kan-Ichi?

La verdad que no hay mucho más que decir de esta película. Como trama secundaria tenemos un romance de Miyako, que cree conocer al hombre calamar, y esto la lleva a distanciarse de Taguchi, dandole un poco mas de condimento a una supuesta comedia.

Bizarra en algunos aspectos, no se mataron en conseguir buen vestuario, ni tampoco buenos trajes para los papeles de animales acuáticos luchadores. Deja bastante que desear, pero si quieren pasar un rato entretenido, no lo duden, reírse un poco de las cosas no tan buenas a veces viene bien.

The Eye 10 (2005)

Cómo seguir explotando un nombre
Por Squareta

Después del éxito en ventas y de la fama internacional que ganaron con de "The Eye" y "The Eye 2" no se podría esperar algo distinto a que los Pang siguieran haciendo uso de este nombre. Y así lo hicieron con The Eye 10, la cual viene siendo una especie de parodia de las anteriores.

La escena inicial nos quita cualquier esperanza de que nos podamos encontrar ante algo serio. Usando a un grupo de jóvenes como protagonista, personajes bastante típicos en las películas de terror occidental, no nos costará mucho saber cómo va la película. A ellos no se les ocurre nada mejor que ponerse a jugar con las diversas formas de ver fantasmas. Cómo era de esperarse, las cosas no empiezan a salir bien y de esa forma una inmensa cantidad de espíritus comenzarán a deambular a través de nuestros ojos.

Las formas que utilizan para ver a los fantasmas son cada vez más bizarras. Los protagonistas también son interesantes pero lo más destacable (dentro de lo que se puede destacar) son los guiños con "The Eye", como la del niño en las escaleras y la escena del ascensor.

Aunque al mirar la carátula es más que obvio, aun así hay que hacer las advertencias de que esta película no es de terror. Los que estaban esperando asustarse con The Eye 10 se llevarán una gran, gran decepción. La culpa de eso la tienen los propios hermanos Pang por no ponerle otro nombre a este film, aunque las razones por las que lo hicieron son más que obvias: El nombre "The Eye" implica un éxito más que seguro.

Durante el transcurso se presentan escenas bastante divertidas y otras tantas bastante estúpidas, así que lo mejor que hay que hacer antes de ponerse a ver el film es hacerse la predisposición de que no vas a encontrar contenido.

De sustos, no tiene casi nada y de comedia, tampoco tiene mucho. Una decepción para los fanáticos de la saga, pero resultará entretenida para los amantes de la comedia/terror adolescente.

Ashura jo No Hitomi (2005)

Neo-chambara
Por KeNJi-KuN

Hace cinco años que Izumo dejó su trabajo como cazador de demonios. Tuvo que ser un acto traumático el que le hizo entrar en razón de lo salvaje y a veces injusto de su labor. Ahora se dedica a interpretar obras de Kabuki. Una noche conocerá a una mujer perseguida por las autoridades. Algo hay en ésta que le resulta familiar y pronto entre ambos surgirá el amor. Sin embargo un aura extraña envuelve a la mujer: una marca en su espalda la tortura desde el día en que se conocieron.

“Ashura jo no Hitomi” está dirigida por Yojiro Takita, director de obras como la segunda entrega de “Onmyoji” y “Mibu Gishi den”. En esta ocasión y nunca mejor dicho nos narra el triste relato de Ashura. Para entender rápidamente el concepto y elementos que rodean el film decir que encontraremos un relato romántico aderezado con magia, samuráis, demonios y katanas.

En primer lugar decir que la película me ha decepcionado, si bien cuenta con algunos aciertos y escenas memorables, me han dejado mayor huella los detalles negativos. Y es que el film sufre constantes altibajos. Técnicamente está bastante cuidado, en algunos aspectos más que otros, destacando por encima del conjunto la banda sonora, bastante espectacular. En cuanto a la acción que condensa tendremos algún que otro duelo katana en mano mas o menos vistoso y bien hecho, sin llamar excesivamente la atención ni por coreografía ni ejecución.

En cuanto al “alma” del film, los supuestos momentos dramáticos y románticos me han dejado cuanto menos frío, sea por lo poco creíble de la relación o cualquier otro motivo. Las interpretaciones tampoco ayudan mucho a conseguir transmitir. El reparto lo encabezan Somegoro Ichikawa (actor kabuki), Rie Miyazawa, Atsuro Watabe, y Kanako Higuchi, quienes me han resultado en su mayoría superficiales.

En definitiva, film recomendable para aquellos fans del cine de samuráis que quieran ver algo diferente, y que para el resto no pasará de ser un film mediocre que quizás en otras manos pudiera haber dado mucho más de sí.

Sword Devil (1965)

Hitokiri Hanpei, el jardinero
Por Fingolfin

No tenia grandes expectativas ante este film de Kenji Misumi, y tampoco se muy bien el porqué. Quizás haya sido ese hecho el que más ha influido a la hora de definir mi sorpresa. Me ha parecido una historia original, con un argumento muy bien llevado por el camino evidente, sin forzar ninguna situación.

Lady Makino es la viuda del líder de un clan. Durante su grave enfermedad terminal, Kin se encarga de cuidarla, por lo que antes de morir, le encomienda el cuidado de su hijo (futuro señor del clan), y el de su perro.
Después de terminar de educar al hijo de su señora, Kin da a luz a otro, y debido a la gran incertidumbre sobre la identidad de su padre, la gente no tiene otra ocurrencia que deducir que es hijo del perro, por lo que su vida estará llena de humillaciones, burlas, y sobretodo misterio.

Durante la presentación del personaje, a muchos les habrá venido a la mente la palabra “dramón”, pero no es así. Hanpei es feliz pese a la opinión de los demás, y encuentra diversión plantando y cuidando plantas, habiendo pocas cosas capaces de perturbarlo.
Su entrada en el clan como jardinero será el primer paso de su gran ascenso, demostrando algunas habilidades propias de los perros que le hacen ganarse la estima de Lord Masanobu.

Me extrañó de sobremanera la ausencia de acción (algo inusual en el director), y la dificultad de incluirla sin que sea un recurso forzado. Sorpresa, Kenji Misumi se saca un as de la manga y crea otra historia sorprendente alrededor de una espada maldita, (tampoco piensen ahora en magia ni nada por el estilo, dejémoslo solo en una maldición) para mostrarnos excelentes coreografías, en las que se trata a la katana como una joya de valor incalculable, dedicándole mucho tiempo en pantalla.

Raizo Ichikawa tiene una actuación muy correcta en el papel de Hanpei, y sigue dando buenos resultados a las órdenes de Kenji Misumi. Además de él, solo Kanbei Kikuma (Kei Sato) y Lord Masanobu, tienen un papel relativamente importante, aunque insuficiente para considerarlos protagónicos.

También conocida como “Ken Ki”, “Sword Devil” es una película original y muy recomendable para todos los fans del genero.

So close (2002)

Miradas que definen
Por KeNJi-KuN

Lynn y Sue son dos hermanas dotadas de una habilidad física y una inteligencia incomparable, formando una pareja que ofrece sus servicios para "eliminar" o "resolver" problemas. Lynn como brazo ejecutor, y Sue en la retaguardia bajo mandato de su hermana y para su propia seguridad. Está al mando de la logística en base a un programa, invención de su padre asesinado, que controla todos los sistemas vía satélite y por el cual se introdujeron en este mundo. Esto provocará las lógicas discusiones entre ambas cuando la hermana menor quiera entrar en acción.

Apoyado en un guión de Jeff Lau, Corey Yuen dirige este film producido por la división asiática de Columbia que, por compartir año, género y protagonismo femenino casi podría ser la hermana del film “Naked Weapon”, si bien ésta que tratamos sería la hermana mayor. No obstante nos encontramos ante una película mucho mas seria que aquella. Corey Yuen traza un drama de acción sabiamente realizado y dirigido que sacrifica la cantidad de acción por un mayor desarrollo tanto argumental como de los personajes.

Encabezan el reparto nada más y nada menos que tres grandes actrices como Shu Qui, Karen Mok y Vicky Zhao, contando con Yasuaki Kurata como malvado de lujo. Técnicamente la película es impecable. La acción tanto en las peleas cuerpo a cuerpo como en los tiroteos al más puro estilo John Woo es sobresaliente. Argumental y narrativamente el film está realizado con solvencia. Destacar el uso repetitivo en la banda sonora de una canción que ilustra algunas bellas escenas de acción al estilo de Wong Kar-Wai o Johnnie To, salvando las distancias. Resulta igualmente destacable ese ambiente moderno casi futurista que dota de un elegante estilismo al film, y que se aprecia desde la propia fotografia.

“So close” es uno de esos pocos films que cumplen las expectativas creadas. Recomendada tanto para los amantes del cine de Hong-Kong como para los que simplemente quieran ver una buena y entretenida película que atrae por si misma tanto como sus protagonistas.

Jakarta (2000)

El robo casi perfecto
Por Master of Hate

Un gran asalto se perpetra en un banco en horas de la mañana, los atracadores parecen profesionales y tienen todo fríamente calculado. Astutamente, penetran hasta el interior de la bóveda desde su parte inferior, sin embargo algo anda mal, ya que al mismo tiempo parece que algún directivo de la propia institución también intenta penetrar en la bóveda; se trata del mismísimo vicepresidente e hijo del dueño del banco que necesita pagar una deuda colosal y planea hacerse con el dinero. Ambos bandos coinciden en el mismo momento y lugar. El robo parece frustrado, la policía interviene rápidamente y parece que todo termina allí, sin embargo, para sorpresa de todos, los policías resultan ser un tercer grupo de bandidos que tenían su propio plan. Al parecer, muchas cosas estaban premeditadas y nada es lo que parece. Lo que luce como una casualidad, se revela como un plan maestro muy bien planificado en el cual se han buscado chivos expiatorios con la intención de llevar a cabo el “crimen perfecto”.

Jung Cho Sin dirige este largometraje que logra sorprender pos sus cambios inesperados y por su manera tan original de burlar al espectador. Durante las primeras instancias de la película se puede decir que todo encaja y se busca un desenlace basado en los antecedentes y coincidencias que se presentan con respecto al crimen. Luego, se prosigue a revelar los detalles no visibles y a desmentir muchas cosas usando extensos flasbacks. Finalmente, luego de que todo el caos se ve esclarecido, y todo resulta como menos se esperaba, tenemos el desenlace que, al menos para mí, es bastante aceptable.

El estilo de “Jakarta” se apoya sobretodo en una sofisticación visual que le proporciona un toque atractivo. A la vez, evita caer en la intriga y suspenso innecesarios, y en lugar de adoptar un carácter demasiado serio, se decanta por ser mas cómica de lo que cabria esperar. En este aspecto se me ocurre compararle un poco con “Guns and Talks” (música incluida) aunque con una trama muy distinta. En todo caso, el problema parece estar que los intentos de comicidad no son del todo eficaces y algunas actuaciones no han sido tan consistentes.

La lista de actores es muy extensa pero destaco algunos: Lim Chang Jung ("Sex is Zero") como Blue, Jin Hee-kyung ("I Wish I Had a Wife") como Red, y Park Jun Gyu ("My Wife Is a Gangster 2") como Du San.

Jakarta es un thriller cargado de sorpresas, giros desconcertantes y situaciones conflictivas que se apega más a la comedia que al drama; no deja de lado ese toque de originalidad, siempre necesario, que le sirve para reforzar su calidad de su contenido. No esta libre de desaciertos, pese a esto, consigue su objetivo final que es entretener.

IL Mare (2000)

A dos años de distancia
Por KeNJi-KuN

Han Seung Hyun es un joven que se traslada a la casa de playa que diseñó su padre. A su vez de la misma casa se traslada Kim Eun Joo. Aunque el lugar y el momento no coinciden en el tiempo. Por medio de un buzón en la entrada de la casa, Kim le deja a Han una carta felicitándole las Navidades y el Año Nuevo y pidiéndole que el correo que reciba se lo mande a la nueva casa donde se ha trasladado. Pero el domicilio dado no existe pues es un edificio en construcción.

Uno de los primeros dramas dentro del “último cine koreano” que contó con un éxito y fama palpables, y precursor de la fama y el status artístico con el que cuenta hoy Jeon Ji-Hyeon (“My Sassy Girl”, “Windstruck”). Producción del 2000 a cargo del realizador Lee Hyeon-Seung, esta “IL Mare” se aproxima más al estilo fílmico de obras como “Christmas in August” que de los últimos dramas románticos koreanos cada vez mas edulcorados, lo que no quiere decir que “IL Mare” no sea una película cuidada ni mucho menos.

Si bien su guión aunque siempre efectivo, no resulta a estas alturas demasiado original, si que está bastante bien aprovechado. No obstante el punto fuerte del film son las interpretaciones de sus dos actores principales. La fantástica Jeon Ji-Hyeon y Lee Jeong-Jae. La banda sonora acompaña en escenas cruciales del film, echándose en falta en algunos momentos en que se ha optado por no incluirla.

“IL Mare” es una película que se deja llevar por un ritmo pausado, que no demasiado lento ni cansino, que invita a la calma y al relax, dejándose saborear cada segundo. Hay quien pensará que el paso de los años y la calidad que siguen ofreciendo los dramas koreanos influya negativamente sobre esta película, por el contrario hay quien pensará que hablamos de una pequeña joya que no debería caer fácilmente en el olvido. Personalmente vagabundeo entre las dos opiniones.

Sea como sea, hablamos de una bonita pequeña gran película romántica que hará las delicias de quienes se dejen caer en su sencillez y cotidianeidad. Uno de esos films que el paso del tiempo invita a recordar.

Ronin-Gai (1990)

El mundo de los samurais
Por Fingolfin

Es la primera película dirigida por Kazuo Kuroki que tengo el gusto de conocer (aunque llevo mucho tiempo buscando “The Assassination of Ryoma”). Hay que decir que en el balance general una vez vista de principio a fin, el resultado es más que aceptable, e incluso bueno, en función de lo que busque exactamente el espectador.

El protagonista de la película sería un personaje colectivo: el pueblo. Dentro de esa colectividad, hay 3 personas que destacan un poco más que el resto, pero no por ello tienen mayor protagonismo. Estas personas son: “Toro” (Shintarô Katsu), un samurai que pese a las humillaciones que se deja hacer para ganar dinero, es inteligente y sabe salir airoso de todas las situaciones; Gennai (Yoshio Harada), otro samurai harapiento capaz de conquistar a cuantas mujeres se cruzan en su camino, vive en una pequeña barca; y finalmente Oshin (Kanako Higuchi), que de las muchas prostitutas que aparecen, ella es la que mas peso tiene para mover el desarrollo del film, y la desencadenante de los principales eventos.

Desde el comienzo, no encontramos la introducción de ninguna historia, ni elementos que hagan pensar en un argumento a seguir, sino que se nos presentan todos los personajes por separado, y luego interactuando entre ellos. La impresión que ofrece en un principio, es de que el director ha entrado en el pueblo, y ha grabado un pedazo de la vida en el lugar, sin la intención de enseñar una historia, sino una realidad.
Esa sensación nos va abandonando conforme recorremos el metraje, y en torno al ecuador del film, la importancia de los asesinatos de prostitutas crece hasta convertirse en el tema principal. Poco a poco el director va trasladando el asunto, desde un rumor que se oye, hasta escenas completas.

Me ha despertado curiosidad sobretodo el terreno de la acción. Es un elemento ausente durante la totalidad de la película, y solo llega al final. Eso sí, tendremos una batalla encarnizada, muy bien rodada, con mucha velocidad, y que se ve reforzada por la enorme carga sentimental que la motiva.

El genero de “Ronin-Gai” podría considerarse “drama”. Sin embargo es una película distinta, y como ya anunciaba antes, no va a ser apta a todo tipo de espectador. Es fundamental la paciencia, ya que a su comienzo la lentitud es agobiante y no sucede nada, simplemente se nos muestra un mundo (concretamente situado treinta años antes del comienzo de la era Meiji). Merece la pena esperar, ya que al final tendremos lo que todos esperamos, y donde se pone una gran culminación a una historia creciente, muy bien llevada.

Lo único que me ha recordado en cierto modo a otros films, es el empeño en mostrar la clase mas baja de los samuráis. No todo gira alrededor de valientes ronin, o de señores de la guerra, sino que muchos de los samuráis tienen que ganarse la vida de forma realmente humillante e innoble, y viven incluso peor que personas normales de la calle. “Toro” consigue un empleo de guardaespaldas, en el que incluso tiene que hacer de perro (lo cual no es tan malo si tenemos en cuenta que antes cobraba por que le golpearan con palos de bambú); Gennai se aprovecha de las mujeres para conseguir que le mantengan y obtener dinero; Horo descuartiza cadáveres para comprobar la calidad de las espadas; y finalmente cabe destacar, que todas las mujeres del film son prostitutas. Lo que no deja de ser revelador de las dificultades que encuentran para salir adelante.

Si no soportas, o simplemente no te gustan las historias lentas, esta película no es nada recomendable. Pero en caso contrario es una buena elección, ya que desahoga de forma excelente un género muy explotado, con unos métodos diferentes.

Natural City (2003)

Muyoga
Por KeNJi-KuN

R es una agente de la policía militar. Su labor es proteger a una sociedad demasiado dependiente de los cyborgs que cohabitan con los propios humanos. El mismo R vive enamorado de una llamada Ria que sirve de gogó en una discoteca. Sin embargo estos seres tienen un problema, su fecha de caducidad, tras la cual comienzan a tener tanto problemas funcionales como perdidas de memoria. Mientras que R lucha por encontrar una solución junto a un científico para que Ria continúe a su lado tras ésta fecha ya próxima, un grupo de cyborgs de combate rebeldes irrumpen en el banco de datos del DNA de la ciudad con oscuras intenciones.

“Natural City” es un espectacular film dirigido por Min Byeong-Cheon que combina la acción y la ciencia ficción con el drama romántico. Despejando la ecuación tenemos por un lado acción bien realizada y fluida, todo un universo de sci-fi perfectamente realizado y detallado, ambiente dramático y pesimista que se pasea a lo largo de todo el metraje sin resultar demasiado profundo; y por último la vertiente dramática que supone la gran pega del film. Y es que casi en su entera totalidad la relación de los protagonistas resulta superficial, lo que dificulta que cualquier sentimiento traspase la pantalla.

Por el contrario se cuenta con unos efectos especiales de primera categoría y alta definición, una banda sonora que emociona más que la mayoría de imágenes que ilustran, y una destacada ambientación futurista omnipresente junto a unas logradas interpretaciones por parte de Yu Ji-Tae, Jeong Du-Hong, Lee Jae-Eun y Seo Rin. Suficientes elementos como para hacer cuanto menos de “Natural City” una película interesante, de hecho lo es.

“Natural City” saciará la sed de los aficionados a un género tan poco prodigado en la cinematografía asiática como es la ciencia ficción, aunque no serán estos los únicos espectadores que encontrarán el encanto de la cinta. En definitiva, una buena y entretenida película que hubiera sido mejor con algo más de profundidad en la relación/es que plantea y evitando algún que otro motivo forzado. Véanla.

Nin-X-Nin: Ninja Hattori-Kun (2004)

Ninpo!
Por KeNJi-KuN

Kanzo Hattori es el último ninja del Clan Iga. Su maestro viendo la progresión que han tenido sus rivales (en especial el Clan Koga) ordenará a su alumno que viaje hasta lo que ellos creían la antigua Edo (ahora Tokio) para que buscándose un señor ponga en práctica todas las enseñanzas aprendidas y dé un verdadero significado al Clan. Sin embargo la providencia provocará que Kanzo no elija al mejor señor posible, distinguiendo a un niño, Kenichi, extremadamente tímido y algo patoso. Entre ellos se forjará una sólida amistad que irá más allá del vasallaje.

Basada en el famoso manga de Fujiko F. Fujio, Suzuki Masayuki se atreve a llevar a la pantalla grande y a la imagen real a aquel carismático y entrañable ninja animado. Dentro de lo posible la caracterización con respecto al manga es bastante fidedigna, así como las motivaciones del personaje.

“Ninja Hattori-Kun” es un film cuya máxima pretensión es la de entretener y hacer pasar un rato agradable, doy fe de que el film hará las delicias de los más pequeños de la casa, y a los que no somos ya tan pequeños les hará pasar el rato agradable del que hablaba. La película mantiene un nivel técnico bastante aceptable y deja ver que sus creadores han puesto gusto al realizarla.

Shingo Katori es el encargado de dotar de humanidad y carisma al protagonista, tarea que cumple con creces convirtiéndose en la perfecta plasmación del personaje fuera del papel. Además disfrutaremos en mayor o menos medida de las interpretaciones de Rena Tanaka, Gori, Yuri Chinen, Keiko Toda, Kazuyuki Asano, Takeshi Masu, Takashi Ukaji y Mikihisa Azuma.

Acabar diciendo que hablamos de un film tan divertido como la obra en la que está basado, que se deja ver fácilmente esquivando algunos clichés típicos de toda adaptación a la pantalla grande, evitando que resulte forzada y dotando de agilidad al conjunto. Digna de verse.

Face (2004)

Sin identidad
Por Squareta

Película coreana dirigida por Sang-Gon Yoo y que al igual que "Koma" utiliza como tema el tráfico de órganos, aunque visto desde otra perspectiva.

Hyun-Min trabaja para el instituto forense en la reconstrucción de rostros por medio de calaveras, pero decide abandonar su trabajo para poder dedicarle más tiempo a su hija Jin, quien es beta-alérgica y que acaba de ser transplantada del corazón, aunque sin el éxito esperado. Sin embargo, la insistencia por parte de una joven agente para que vuelva a trabajar, junto con unas extrañas apariciones, harán que Hyun-Min cambie de parecer.

La cinta comienza enfocándose en el horror, con algunos momentos escalofriantes aunque algo ya repetitivos a estas alturas, para luego dar paso a la otra parte del film, la que nos muestra el drama del padre y las investigaciones de la policía, los que buscan al asesino en serie. Volviendo a la historia, algo lenta, cosa que casi siempre suele suceder en este tipo de películas. Al final nos encontraremos con todas las respuestas, las que generarán un sorpresivo momento además de la escena del último encuentro.

La actuación por parte del protagonista, interpretado por Hyeon-jun Shin (“Bichunmoo”), es un punto a favor. Además, la forma en que se nos presenta la historia está bien manejada, mostrando lo justo en cada momento y en el tiempo preciso. Pero lamentablemente los puntos en contra son casi iguales en cantidad. Por nombrar algunos, diría las apariciones fantasmales, las que no están muy elaboradas y más encima son muy obvias. Las razones del asesino tampoco me gustaron, las encontré absurdas y arruinaron todo lo bueno que se había logrado.

En conclusión, tiene un buen argumento, pero bastante típico y sin muchos sustos. De hecho, se parece más a un thriller policial y aunque tiene sus momentos rescatables nunca me terminó de convencer.

Fun Movie (2002)

Veamos cuanto sabes
Por Master of Hate

“Fun Movie” es una cinta para la que me he estado preparando intensamente. Una parodia de varias películas del cine coreano es algo que no se ve todos los días, por lo que resulta altamente recomendable si es que ha visto algunos los títulos que iré mencionando a continuación. El director Jang Gyu-seong comenzó su carrera cinematográfica en el 2002 con una cinta que revive los mejores momentos de la historia del cine coreano de una década.

“Fun Movie” es lo que es, una cinta llena de parodias y momentos absurdos, que no puede funcionar de ninguna otra manera ya que su intención es simplemente hacer reír. Aun así, el director merece mucho crédito por saber saltar de película en película en el momento adecuado, consiguiendo que las escenas vayan incluyéndose sin mucha brusquedad.

Como supuesto argumento se toma a la famosa “Shiri” con unas pequeñas modificaciones, aunque de entrada tenemos una parodia de “Ditto” un inicio sencillamente genial, para saltar luego al entrenamiento de los comandos japoneses que se preparan para atacar Corea de Sur. A continuación viene uno de los momentos mejor logrados cuando se recrea “Nowhere to Hide” con la escena del asesinato, resulta tan absurda como divertida. Otros títulos que puede identificar están “Attack At The Gas Station” (una de las mejores sin duda), “Bichunmoo”, “Green Fish”(esto merece una ovación) “My Sassy Girl” (vómito incluido), “3”, “Whisper Corridors”, “Nightmare”, “JSA”, “Lies”, “Christmas in August”, “The Foul King” ,”Beat”(Mi favorito), “Kick The Moon” “Pepermind Candy”, "Sopyonje”, "The Isle" (muy rebuscada) y “Vulcano High”. Quede con la duda de una escena que me recordó a “My Boss My Hero”, pero no lo puedo confirmar.

Se habla de que el total de títulos que se parodian asciende a 28, sin embargo solo llegue a reconocer 20, de todas formas algunas parodias duran segundos y otras se repiten constantemente. La mayoría está bien lograda; solo hay una escena realmente grotesca, que no me hizo demasiada gracia, pero lo demás son risas por montones.

Las actuaciones son muy buenas y destacan sobretodo Jeong-eun, y Lim Won-hie que personalmente me parecieron sumamente graciosos.

“Fun Movie” es peligrosamente cómica si se esta familiarizado con el cine coreano, además puedes poner a prueba tus conocimientos y tu memoria. Muchas, muchas risas pero nada más, aún así, me encantaría ver una segunda parte, ya que desde el 2002 hasta la fecha, ha llovido mucho y no me imagino lo que se podría hacer con el material que existe ahora.

Arahan (2003)

Artes marciales del pueblo
Por KeNJi-KuN

La doctrina del Tao anda en horas bajas. Nadie acude a ella como tabla de salvación para sus problemas. Los propios maestros tienen que recurrir a trabajos menos honorables con tal de subsistir. Pero a pesar de ello el mundo sigue "moviéndose" gracias a él aunque ignorantes de su existencia. Uno de ellos es Sang-Hwan un torpe agente de policía que a pesar de su coraje no tiene las suficientes habilidades para hacer cumplir la ley como el quisiera. La providencia hará que conozca a la hija de uno de los maestros del Tao y éstos, cuando conozcan a Sang-Hwan verán en él (a pesar de su ineptitud) el suficiente potencial como para convertirlo en el arma que necesitan para luchar contra el mal.

Comedia de acción aderezada con efectos especiales, firmada por Ryu Seung-Wan (“Die bad”, “No blood no tears”). El film promete comedia, efectos especiales y acción a raudales, algo así como una mezcla entre “Washango” con “Shaolin Soccer” por ejemplo. Sin embargo el film queda cojo entre estas pretensiones. Tiene un buen arranque y presentación en sus minutos iniciales, sin embargo el problema radica en su ecuador, donde se palpa un bajón importante, para luego volver a resucitar a 25 minutos de su fin. Esta parte intermedia supone un pesado lastre para su valoración final.

Técnicamente y como suelo decir, a la altura de lo que nos acostumbra la cinematografía koreana en los últimos tiempos, con una banda sonora tan efectiva como pegadiza, una nítida y clara fotografía y correcto montaje con correctas interpretaciones a cargo de Ryu Seung-Beom, Yun So-Yi, Ahn Seong-Gi y Yun Ju-Sang.

“Arahan” no es un film malo o aburrido ni mucho menos, (quizás en parte en ese meridiano que comentaba). Con algún que otro momento gracioso, y buenas coreografías y escenas de acción así como efectos especiales, se convierte en una buena opción teniendo como máxima y única pretensión el entretenimiento. Una pena el bajón rítmico y cualitativo a mitad de película, pero su espectacular y duradera lucha final logra hacer que el balance sea positivo.

LW&C: White Heaven in the Hell (1974)

El final de una saga
Por Fingolfin

La sexta y última película de “Lone Wolf and Cub”, dirigida por Yoshiyuki Kuroda que no desmerece en absoluto el trabajo de Saito y de Misumi, sino todo lo contrario, y que no se atrevió a darle final a la serie, dejándola completamente abierta a una posible secuela que nunca llegó.

En esta ocasión son los Yagyu los que preparan el ataque contra Itto Ogami y Daigoro. El rival fuerte del film se presenta como Kaori, la hija pequeña de Retsudo Yagyu, y la que parecía era la única que quedaba. El enfrentamiento entre ambos llega mucho antes de lo esperado, pero no era más que un aperitivo, por que el hijo bastardo de Retsudo entra en acción, junto con sus Tsuchigumo.

La manera en la que Yoshiyuki Kuroda aborda el film era la ideal para darle conclusión. El ataque viene de manos de los diabólicos Yagyu, en forma de asalto final. Primero con Kaori, a la que se dota de una técnica innovadora pero bastante absurda. Si el director parece presentarla como el combate definitivo, nos llevaremos una gran sorpresa cuando a los veinte minutos ya se encuentre cara a cara con Itto Ogami.

La inclusión de tres “zombies” Tsuchigumo que se mueven como gusanos bajo la tierra, no se utiliza con la finalidad de combate, sino que son un elemento para sacar por primera vez algo de miedo en el lobo solitario, matando a todo el que se acerca a el, y alejándolo del resto de la gente (el llamado Tsuchigumo-style).

Kuroda tiene un efecto barredor sobre la familia Yagyu, elimina completamente los hijos de Retsudo para hacer al espectador una idea de la situación real de la lucha. Una vez terminados los hijos legítimos, aborda el tema de dos hijos bastardos que tuvo con una concubina, un recurso mas típico de telenovela sudamericana, que de cine samurai, pero que tiene un resultado positivo.

Retsudo encuentra a su hijo Hyoei en las montañas. Este ultimo se entromete en la historia no bajo el mando de su padre, sino bajo el suyo propio. Pese a que está apunto de acabar con Itto Ogami, al final accede al esperado enfrentamiento entre ambos. Curiosidad de este personaje, después de la inclusión de zombies en la serie, lo único que le faltaba era la escena final de incesto que roza la necrofilia entre Hyoei y su hermana.

Kuroda no quiso repetir otra batalla final como venia siendo costumbre en las últimas películas, sino que innovó con un enfrentamiento sin igual en la nieve sobre trineos y esquís, contra cientos de soldados de Yagyu. Un espectáculo visual al alcance de muy pocos en 1974, que ponía un broche de oro a la que quizás ha sido la mejor saga samurai de la historia.

Como homenaje final a la serie, solo quería mostrar mi aprecio a la multitud de elementos característicos que han compartido los seis films. Desde las brutales coreografías con efectos sangrientos muy exagerados, hasta el carricoche de Daigoro. Este ultimo ha pasado de ser un cochecito de madera cuyo mayor accesorio era la tela para los días de lluvia, a un verdadero vehículo de combate. Desde que apareciera en escena se le han incluido numerosas armas cortantes, tanto extraíbles como lanzables. Se le añadieron ametralladoras en “Babycart to Hades”, en “In Peril” se confirmó como vehículo anfibio y se le añadieron paneles de protección. Finalmente en “White Heaven in the Hell” se convirtió en trineo, y se le permitió blindar la carrocería.

A todos aquellos que aun no la hayan visto, es una oportunidad ideal de conocer esta soberbia saga que narra las aventuras de Itto Ogami y Daigoro, o como se les recordará siempre, “El lobo solitario y su cachorro”.

Hello, Brother (2005)

Transición
Por KeNJi-KuN

Han-Yi es un niño de 9 años que no tiene respeto hacia su hermano mayor, al cual le gasta bromas continuamente. Su comportamiento en clase tampoco es bueno. Un día a su hermano mayor le detectan un tumor cerebral. Pero Han-Yi no es consciente de la grave enfermedad que padece éste y que cambiará sus vidas.

“Annyang, hyeonga” es la envidiable ópera prima del realizador Lim Tae-hyeong que construye un drama basado en hechos reales visto a través de los ojos de un niño de 9 años interpretado magistralmente por Park Ji-bin (“Gajok”), quien configura su mejor interpretación y una de las mejores, sino la mejor, del año.

“Hello, Brother”, aunque no exento de pinceladas de comedia, es un dramón en toda regla. Un film sencillo y fácil de ver a la misma vez que duro y doloroso al tratar un tema como el de las enfermedades terminales, amplificándose el término al tratarlo sobre niños. Encontraremos incluso algún elemento fantástico y surrealista debido a la visión infantil con la que el director ha querido dotar a la película. Durante 97 minutos seremos testigos de un film tan bueno como entretenido que desborda tensión, inocencia, emoción, ternura y por que no, esperanza.

Técnicamente la película está a la altura a la que nos acostumbra el último cine koreano, tanto en cinematografía, producción y fotografía como demás elementos, dígase fotografía y montaje. Las interpretaciones constatan uno de los puntos fuertes, siendo Park Jin-bin un pequeño monstruo que devora la pantalla en cada segundo de protagonismo. Completan el reparto Bae Jong-ok, Park Won-san, Oh Jee-hye, incluyendo un cameo de Ahn Sang-tae, siendo la totalidad de las interpretaciones de un gran nivel.

Con esta película el debutante Lim Tae-hyeong nos ofrece un gran film, que no una obra maestra, y que resulta lo suficientemente bien hecho e interesante como para convertirse desde ya en un realizador a seguir y ésta que nos ocupa, una película que merece la pena ser vista.

Enciclopedia del Cine Oriental

El equipo de Freak Movie Team se complace en presentarles la "Enciclopedia del Cine Oriental". Esperamos recoger en ella todas las películas que vayan apareciendo en el blog, con acceso directo a sus respectivos comentarios, con el fin de facilitar la busqueda a todos los que nos visitais.

El mapa interactivo no tarda en cargar mas de 10 o 15 segundos con una conexion bastante pobre, asi que esperamos que en ese aspecto no haya ningun problema. Hemos distribuido el cine asiático agrupandolo en 3 grandes potencias (China-Hong Kong, Korea del Sur y Japón), y un combinado del resto de paises (Taiwan, India y Tailandia).

Podreis acceder a dicha enciclopedia desde aqui:
http://club.telepolis.com/arda7/subpages/fmteam/enciclopedia.htm, o desde el menú del blog, que teneis a la derecha de vuestras pantallas.

Esperamos que sea de utilidad, y que en el futuro recoja la mayor parte del mejor cine del mundo. Agradecer por supuesto el trabajo de Conri, que se encargó de la elaboración del mapa interactivo, y que con sus aportes de diseño hace que el blog sea cada dia mas agradable a los sentidos.

Un saludo desde FM-Team.

Dragon Head (2003)

El fin
Por KeNJi-KuN

Teru viaja junto a sus compañeros de instituto en un tren tras volver de un viaje de vacaciones. Antes de llegar a su destino sufrirán un accidente en el que casi todos morirán. Tan solo Teru, una compañera llamada Seto y otro chico, Nobuo, algo trastornado por el incidente sobrevivirán, atrapados en el túnel donde transcurría el tren en el momento del suceso. En un estado de constante terror por lo ocurrido, los nervios acabarán por desbordar a Nobuo haciéndole enloquecer. Seto y Teru lograrán escapar del túnel por una tubería. Cuando lleguen al exterior se encontrarán con una noche eterna y unos parajes cubiertos por una gruesa capa de ceniza. Todo el mundo parece sumido en tinieblas y nadie se cruzará en su camino.

Jôji Lida (“Rasen”) dirige esta historia a partir del manga de Minetaro Mochizuki contando con un presupuesto de 10 millones de dólares, siendo en su día, el film más caro en la historia del cine japonés. Aunque pueda dar esa impresión, no nos encontramos ante un film de catástrofes, más bien un drama ambientado en ellas. Destaca el ritmo, demasiado lento para la mayoría, que Jôji Lida imprime al film, sobre todo sus primeros 40 minutos pueden tornarse sofocantes, desesperantes y aburridos. Tras la primera hora inicial coincidiendo con la salida de los protagonistas del túnel y la aparición de nuevos personajes se agiliza levemente la película.

Las interpretaciones son correctas sin más, destacando a la joven idol Sayaka Matsuda. Completan el “cast” Tsumabuki Satoshi y Yamada Takayuki. Los efectos especiales aunque con sus limitaciones, están realmente bien acabados, y no se abusa demasiado de ellos. Con lo cual, como adelantaba, la mayor pega del film sea su propio ritmo.

En cuanto al desenlace, será un acierto para unos, y un timo para otros. Si bien en el peor de los casos no se le puede echar la culpa al resultado final, ya que buscando culpables, el culpable sería todo lo que sucede antes.

En fin, hablamos de un film que genera confusión a la vez que resulta confuso por sí sólo. “Dragon Head” me ha parecido una película desigual, con una producción envidiable y bien realizada, sin embargo desaprovechada en la totalidad de sus aspectos. Un film correcto sin más que defraudará a todos aquellos que no conozcan el manga que le da origen.

The Showdown (2005)

Un poco de acción con bajo presupuesto
Por Conri

Al ver esta película, indudablemente como en muchas otras, dan ganas de ponerse algo cómodo y empezar a practicar alguna de todas las artes marciales que existen. Lo bueno de este film es que podemos ver varias modalidades de pelea y aprender a distinguir cada una de ellas al contemplar dos luchadores peleando de maneras muy distintas.

Un grupo de ocho personas son seleccionados mediante una pagina de Internet de artes marciales para viajar a la montaña Gangwondo, donde los espera el maestro Geochilmaru, con quien podrán realizar un entrenamiento.

Los personajes. Tae-sik: instructor. Masimaro: estudiante universitario, practica Judo. Musasi66: Agente de bolsa, practica Kick-boxing. Beatbox: Bailarin de Hip Hop, practica Boxeo. Everafter: Doble de cine, practica Karate. Ironpalm: Profesora de jardín, practica Kung Fu. Killingsmile: Independiente, practica Hapkido. Y por ultimo, Mohican: Escritor, practica Kung Fu. Todos estos personas descubrirán al legar a la montaña Gangwondo que tendrán que luchar entre ellos para decidir quien será el afortunado que podrá tener un entrenamiento con Geochilmaru.

La verdad, la película presenta un mensaje de auto superación, amistad, y sobre todo respeto a las artes marciales, ya que también comenta de una manera sutil que la tecnología esta desplazando a los profesores de estas practicas, dando como ejemplo que todo lo que uno podría aprender en clases, ahora lo puede hacer en Internet.

El director Jin-sung Kim nos cuenta una historia realizada con un bajo presupuesto, que sin embargo da gusto ver. Se podria decir que la trama es atrapante ya que en ningun momento deja decaer el film. Una alternativa más para esas noches de insomnio.

Kagemusha (1980)

Cambio de piezas
Por Fingolfin

Japón, año 1570. Los tres clanes más importantes luchan por el control y la unificación de un país en guerra constante. Por un lado está Shingen Takeda (Tatsuya Nakadai), el líder más temido de todos, un autentico triunfador que jamás perdió en combate y cuya sola presencia es capaz de amedrentar cualquier enemigo. En su punto de mira se encuentra Nobunaga Oda (Daisuke Ryu), cuyos espías acechan en todos los escenarios buscando los puntos débiles de Takeda. Y finalmente tenemos a Ieyasu Tokugawa (Masayuki Yui), que se mantiene a la expectativa de lo que pase entre sus adversarios. Las piezas están sobre el tablero, ¿Quién será el vencedor?

Otra de las obras cumbre de Akira Kurosawa, ambientada en uno de los acontecimientos mas interesantes y espectaculares de la historia de Japón. Unas condiciones idóneas para que el mítico director ponga en práctica todas sus habilidades al mando de la dirección. Elementos como el vestuario, o los escenarios, son tan buenos como los de “Throne of Blood”, pero aprovechándose de las ventajas que le otorga el cine a color.

La comparación con un tablero de ajedrez me parece la más acertada para describir lo que se representa en el film. Cierto es, que la intención no era la de hacer prioritaria la lucha entre los clanes, sin embargo es algo que está presente y contribuye enormemente al deleite del espectador. Cada clan tiene sus propias piezas colocadas y listas sobre un tablero que se extiende por todo Japón. Cuando se quiere probar al adversario las primeras piezas en atacarse son los peones (en la película son los castillos periféricos de los dominios de Takeda), y como en todos los juegos, están permitidas las trampas. En una sociedad donde los clanes están dirigidos por héroes, si uno de ellos muere, el juego está terminado. Así que volviendo a nuestra partida de ajedrez, si el rey muere, se reemplaza por otro igual…hasta que el adversario se de cuenta.
Perdón por la extensión en la comparación pero pretendía transmitir la enorme necesidad de usar al “kagemusha” (doble), por parte del clan Takeda. Papel que desarrolla increíblemente bien uno de los mas habituales en los films de Kurosawa, que es Tatsuya Nakadai.

La música es un acompañamiento ideal para todas las escenas en las que se hace gala de buena fotografía, o se muestran las formaciones de enormes y magníficos ejércitos. Para un amante de ese tipo de escenas resulta muy gratificante disfrutar de centenares de extras ataviados con armaduras y banderas de sus respectivos clanes, y decenas de caballos en todo su esplendor. Kurosawa sabe transmitir y explotar al máximo la fuerza de estas escenas, y alcanza una de sus cimas cuando el doble de Shingen desfila a toda velocidad entre sus soldados.

Una de las mejor clasificadas y valoradas de la filmografía del director nipón, y una excelente producción capaz de conquistar al espectador desde el principio. Difícilmente podrán olvidar el caótico final todos aquellos que la hayan visto, cuya música y escenas darán vueltas en nuestras cabezas durante varias horas.

Naked Weapon (2002)

La seducción mata
Por KeNJi-KuN

Un joven agente de la CIA se encuentra investigando el caso de una asesina que se ampara tras una banda criminal dirigida por una cruel mujer, Madame M. Cuando en el curso de una acción la asesina muera Madame M se verá obligada a reclutar sangre nueva. Así secuestrará a 40 niñas a las que durante 6 años entrenará hasta que tras duras pruebas solo quede una superviviente que se convertirá en su nuevo brazo ejecutor. Ese día ha llegado y las reglas tendrán que romperse cuando en realidad sean tres las "femmes fatales" que merezcan este honor.

El director y uno de los mas grande coreógrafos de Hong-Kong, Ching Siu-Tung dirige y coreografía esta gran producción de Wong Jing con miras al mercado internacional, lo cual salta a la vista nada más ver que no es el chino el idioma en que está rodada la película, sino el inglés. Salvados los prejuicios que puede levantar ésto para algunos, decir que nos encontramos ante una entretenidísima película cargada de acción made in HK de la buena. Quienes conozcan a Wong Jing sabrán que este individuo es capaz de producir de lo mejor y de lo peor pero siempre siendo su nombre sinónimo de entretenimiento.

Pues bien, esta “Naked Weapon” no alcanza las excentricidades y cotas incluso auto paródicas de muchas de sus cintas (cosa que en este caso es de agradecer), sin embargo tampoco es un film que deba tomarse en serio. Es un entretenimiento pensado única y exclusivamente para quienes gocen con el mejor cine de acción de HK sin mayores pretensiones. El reparto lo componen las bellísimas Maggie Q y Annya, junto a Daniel Wu, Jewel Lee y la veterana Cheng Pei-pei. Destacar la música de Chan Kwok-Wing que suma mayor dinamismo si cabe al film.

Técnicamente está bien realizada, se nota el decente presupuesto que dispuso Wong Jing para su realización. Paso a comentar su punto fuerte, como son las peleas y escenas de acción. Resultan dinámicas, rápidas, frescas y genuinas, contando con la ayuda de cables y algunos efectos especiales para aderezarlas. Así seremos testigos de algunos vuelos y “slow-motion” espectaculares.

Resumiendo, un film para ver sin prejuicios y gozar de su acción y su buen apartado tanto técnico como visual sin tomar el resto demasiado en serio que hará las delicias de los aficionados al cine de HK.

Bang Rajan (2001)

Supervivientes
Por Kenji-KuN

1765. El reino de Siam ha sido invadido por sus vecinos de Borneo. Tras años de largos enfrentamientos el ejercito enemigo ha conseguido llegar casi hasta la capital Ayutthaya. Solo una pequeña aldea cercana, Bang Rajan, resiste. Lo curioso es que la población está formada por familias de granjeros que de unos u otros lugares han llegado a parar allí huyendo de la guerra. Tras resistir varios envites, en uno de ellos su veterano líder es herido de cierta gravedad. Este decidirá enviar a buscar a un guerrero que vive en la jungla para que le suceda.

Gran superproducción tailandesa, basada en hechos reales, a cargo de Thanit Jitnukul. “Bang Rajan” es ante todo una película épica, con todo lo que el género conlleva. Así seremos testigos de grandes batallas, sangre, amputaciones, drama, dolor, amistad, romance, etc.

A nivel técnico el film cumple con creces, máxime viniendo del país del que viene. Así disfrutaremos de multitudinarias armaduras y armas, la recreación de un pueblo, incluso veremos como animales típicos del país sirven de vehículo para la batalla. Sin duda la única nota negativa la firman sus primeros diez minutos, que pecan de precipitados tanto en montaje como en ejecución. Pero pasados estos minutos se esfumará esa confusión sin que siquiera nos demos cuenta, y empezaremos a gozar ya en serio de la totalidad del metraje.

De entre todos los personajes protagonistas (los habitantes de la aldea) encontraremos todo tipo de personalidades, pese a que algunas puedan resultar típicas, la calidad de las interpretaciones hará que no reparemos en ello. A su vez seremos testigos de todo tipo de sensaciones sabiamente transmitidas por su director Thanit Jitnukul a través de los actores que maneja. Su banda sonora es otro elemento a tener en cuenta, compuesta a base de notas y arreglos característicos tailandeses y elementos corales.

Por el contrario la fotografía peca de ser algo sosa en cuanto a registro y colorido, siendo algo oscura. Lo que no quita a “Bang Rajan” a ser una de las mejores películas jamás producidas por su país de origen a la vez que se convierte en un producto de fácil exportación. De obligada visión.

So Cute (2005)

So bad…
Por Master of Hate

Con aparente pinta de comedia nos llega esta “So Cute” de la mano de Kim Su-hyeon que se estrena como realizador. Con lo de “aparente” he querido decir muchas cosas y no precisamente buenas, pero eso lo explicare mas adelante. Primero quiero señalar que si hay algo que hacen muy bien los directores coreanos es mutar géneros y conseguir resultados sorprendentes. “So Cute” de acuerdo a como se perfila desde sus primeros minutos, muestra un rostro cómico y picaresco, pero se deja caer en el drama y de allí en más pareciera divagar sin saber a donde ir.

La historia envuelve a un viejo shaman con supuestos poderes sexuales que tiene 3 hijos con distintas mujeres. Con el tiempo pierde sus poderes y queda abandonado en un viejo edificio de apartamentos, en donde convive con 2 de sus hijos (en este punto ya todos son adultos). Uno de ellos trae a casa una jovencita llamada Soony (Ye Ji-won), que al parecer se convertirá en su esposa. Su tercer hijo aparece como miembro importante de un grupo de gángsteres que acaba de salir de prisión. Para su mala suerte, la primera tarea que le encomiendan es la de desalojar a los pocos habitantes del edificio y favorecer a los intereses de sus superiores. Si, en efecto, tiene que desalojar a su padre y hermanos. Supuestamente los 3 hijos del shaman se enamoran de su futura madrastra y eso causa más de un conflicto.

La historia puede salvarse, pero no se ha hecho nada a favor de ello. Si la queremos tomar como comedia, falla rotundamente, puesto que simplemente no resulta cómica (pese a que lo intenta). Si la queremos tomar como drama, tiene menos sentido aún. Esto quiere decir que la cinta no se puede tomar por ningún lado. Los 3 hermanos interactúan de varias maneras con su futura madrastra, pero es solo uno de ellos quien parece tener un interés verdadero. En realidad se podrían definir como fracasados, aunque quien en verdad lo es, es su padre. La actitud de Soony es desconcertante, se crean lazos de afinidad sin base alguna. Ninguno de los personajes tiene un desarrollo interesante (si es que lo tienen) o por lo menos llamativo.

No creo que falte quien atribuya las características al film como positivas, haciendo referencia a su originalidad. Ciertamente la historia es buena, pero nada fuera de lo normal, Es palpable el intento de crear cierto dramatismo en los momentos menos adecuados, los personajes parecieran estar concebidos para desagradar, y a eso difícilmente se le llama originalidad. ¿Realista? menos aún, al menos para mí.

Mi mayor interés en esta cinta fue ver a Jeong Jae-yeong (“Silmido”, “Someone Special”) como uno de los protagonistas. Lamentablemente no hay nada que destacar sobre las actuaciones ya que poco a nada hacer a favor de una película vacía, que queda para el olvido.